Mula 2800 BC e. hanggang 2300 BC e. sa Cyclades, tatlumpung maliliit na isla sa Dagat Aegean sa Greece, ipinanganak ang isang istilo na tinukoy bilang "Cycladic art". Ang mga katangian ng estilo na ito ay nakararami sa mga babaeng figure na may bahagyang baluktot na mga tuhod, mga kamay na nakatiklop sa ilalim ng dibdib, na may mga flat na ulo. Ang mga sukat ng sining ng Cycladic ay mula sa mga estatwa na kasing laki ng tao hanggang sa maliliit na pigurin, hindi hihigit sa ilang sentimetro ang taas. Makatuwirang ipagpalagay na ang idolatriya ay napakakaraniwan.

Mga Cycladic sculpture sa National Archaeological Museum of Athens

Cycladic idol

"Flute Player", National Archaeological Museum. Athens

"Violin", 2800 BC, British Museum, London

Ang Cycladic art ay naging mapagkukunan ng inspirasyon para sa maraming mga kontemporaryong artista na pinahahalagahan ang pagpigil at pagiging sopistikado ng mga simpleng linya at geometry, minimalism. Ang impluwensya ng Cycladic art ay makikita sa mga gawa ni Modigliani, lalo na sa kanyang iskultura na "Female Head", pati na rin sa gawain ng iba pang mga artist, kabilang ang Picasso.

Amedeo Modigliani, Pinuno, 1910, National Gallery of Art, Washington

Cycladic figurine at Modigliani

Pablo Picasso, Babae, 1907, Picasso Museum, Paris

Giorgio de Chirico, Hector at Andromache

Henry Moore

Constantin Brancusi, Muse, 1912

.
Hans Arp

Barbara Hepworth

Alberto Giacometti

Paksa: Arkitektura

Tema: Arkitektura

Estilo ng Gothic, istilong masining, na siyang huling yugto sa pag-unlad ng sining ng medieval sa Kanluran, Gitnang at bahagyang Silangang Europa (sa pagitan ng kalagitnaan ng ika-12 at ika-15 hanggang ika-16 na siglo). Ang terminong "Gothic" ay ipinakilala sa Renaissance bilang isang pejorative na pagtatalaga ng lahat ng medieval na sining, na itinuturing na "barbaric". Mula sa simula ng ika-19 na siglo, kapag para sa sining ng ika-10 - ika-12 siglo. Ang terminong Romanesque ay pinagtibay, ang kronolohikal na balangkas ng Gothic ay limitado, sa loob nito maaga, mature (mataas) at huli na mga yugto ay nakikilala. Ang istilong Gothic ay binuo sa mga bansa kung saan nangibabaw ang Simbahang Katoliko, at sa ilalim ng mga pundasyon ng pyudal-church nito ay napanatili sa ideolohiya at kultura ng panahon ng Gothic. Ang sining ng Gothic ay nanatiling higit na relihiyoso sa layunin at relihiyoso sa paksa: ito ay nauugnay sa kawalang-hanggan, na may "mas mataas" na mga puwersang hindi makatwiran. Para sa Gothic, ang simbolikong-alegorikal na uri ng pag-iisip at ang pagiging kumbensyonal ng masining na wika ay katangian. Mula sa istilong Romanesque, minana ng Gothic ang primacy ng arkitektura sa sining at mga tradisyonal na uri ng mga gusali. Ang isang espesyal na lugar sa sining ng arkitektura ng Gothic ay inookupahan ng katedral - ang pinakamataas na halimbawa ng synthesis ng arkitektura, iskultura at pagpipinta (pangunahin ang mga stained-glass windows).

Gothic style, isang artistikong istilo na siyang huling yugto sa pag-unlad ng medyebal na sining sa mga bansa ng Kanluran, Gitnang at bahagyang Silangang Europa (sa pagitan ng kalagitnaan ng ika-12 at ika-15-16 na siglo). Ang terminong "Gothic" ay ipinakilala sa panahon ng Renaissance bilang isang pejorative na pagtatalaga para sa lahat ng medieval na sining, na itinuturing na "barbaric". Mula sa simula ng ika-19 na siglo, kapag para sa sining ng ika-10 - ika-12 siglo. ang terminong Romanesque style ay pinagtibay, ang kronolohikal na balangkas ng Gothic ay limitado, natukoy nito ang maaga, mature (mataas) at huli na mga yugto. Ang Gothic ay binuo sa mga bansang pinangungunahan ng Simbahang Katoliko, at sa ilalim ng mga tangkilik nito, ang pyudal-church foundation ay napanatili sa ideolohiya at kultura ng Gothic na panahon. Ang sining ng Gothic ay nanatiling pangunahing kulto sa layunin at relihiyoso sa tema: ito ay nauugnay sa kawalang-hanggan, na may "mas mataas" na mga puwersang hindi makatwiran. Ang Gothic ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang simbolikong-alegorikal na uri ng pag-iisip at ang pagiging kumbensyonal ng masining na wika. Mula sa istilong Romanesque, minana ng Gothic ang primacy ng arkitektura sa sistema ng sining at tradisyonal na mga uri mga gusali. Ang isang espesyal na lugar sa Gothic art ay inookupahan ng katedral - ang pinakamataas na halimbawa ng synthesis ng arkitektura, iskultura at pagpipinta (nakararami ang stained glass).

Ang espasyo ng katedral, hindi katumbas ng tao, ang verticalismo ng mga tore at arko nito, ang subordination ng eskultura sa mga dinamikong architrable na ritmo, ang maraming kulay na ningning ng mga stain-glass na bintana ay nagkaroon ng malakas na emosyonal na epekto sa mga mananampalataya. Mahirap makahanap ng mga angkop na salita upang maihatid ang impresyon ng mga Gothic cathedrals. Ang mga ito ay mataas at umaabot sa kalangitan na may walang katapusang mga arrow ng mga tore at turrets, wimpers, phials, pointed arches. Ngunit ang mas kapansin-pansin ay hindi ang taas, bilang ang kayamanan ng mga aspeto na nagbubukas kapag na-bypass mo ang Cathedral sa paligid. Ang mga Gothic cathedrals ay hindi lamang mataas, ngunit napakahaba din: Ang Chartres, halimbawa, ay may haba na 130 metro, at ang haba ng transept nito ay 64 metro, upang makalibot dito, kinakailangang dumaan ng hindi bababa sa kalahating kilometro. At mula sa bawat punto ang katedral ay tumingin sa isang bagong paraan. Hindi tulad ng simbahang Romanesque, na may malinaw, madaling nakikitang mga anyo, ang Gothic na katedral ay napakalaki, kadalasang walang simetriko at kahit na magkakaiba sa mga bahagi nito: bawat isa sa mga facade nito kasama ang portal nito ay indibidwal. Ang mga pader ay hindi nararamdaman, tila hindi. Mga arko, gallery, tore, ilang platform na may mga arcade, malalaking bintana, palayo at mas malayo - walang katapusan na kumplikado, eleganteng laro ng mga openwork form. At ang lahat ng puwang na ito ay tinatahanan: ang katedral sa loob at labas ay pinaninirahan ng isang masa ng mga eskultura (sa Chartres Cathedral ay may mga sampung libong estatwa lamang). Sinasakop nila hindi lamang ang mga portal at gallery, maaari din silang matagpuan sa bubong, mga cornice, sa ilalim ng mga arko ng mga kapilya, sa mga spiral staircases, bumangon sila sa mga drainpipe, sa mga console. Sa madaling salita, ang Gothic cathedral ay isang buong mundo. Na-absorb niya ang mundo ng isang medyebal na lungsod. Ang pag-unlad ng sining ng Gothic ay sumasalamin din sa mga pangunahing pagbabago sa istraktura ng lipunang medyebal: ang simula ng pagbuo ng mga sentralisadong estado, ang paglaki at pagpapalakas ng mga lungsod, ang nominasyon ng mga sekular na pwersa - urban, komersyal at craft, pati na rin ang korte. at mga bilog na kabalyero. Habang ang pag-unlad ng pampublikong kamalayan, sining at teknolohiya ay nagpapahina sa mga pundasyon ng medyebal na relihiyoso at dogmatikong pananaw sa daigdig, lumawak ang mga pagkakataon para sa katalusan at aesthetic na pag-unawa sa totoong mundo; Binuo ang mga bagong uri ng arkitektura at tectonic system. Ang pag-unlad ng lungsod at arkitekturang sibil ay masinsinang binuo. Kasama sa mga ensemble ng arkitektura ng lungsod ang mga kulto at sekular na mga gusali, mga kuta, tulay, mga balon. Ang pangunahing plaza ng lungsod ay madalas na binubuo ng mga bahay na may mga arcade, pamimili at mga bodega sa ibabang palapag. Mula sa parisukat ang mga pangunahing lansangan ay hinati; makitid na harapan ng 2-, mas mababa sa 3-palapag na mga bahay na may matataas, pediment na itinayo sa kahabaan ng mga lansangan at pilapil. Ang mga lungsod ay napapaligiran ng makapangyarihang mga pader na may mayayamang pinalamutian na mga tore. Ang mga kastilyo ng mga hari at pyudal na panginoon ay unti-unting naging kumplikadong mga complex ng mga serf, palasyo at mga relihiyosong gusali. Karaniwan sa gitna ng lungsod, na nangingibabaw sa pag-unlad nito, mayroong isang kastilyo o katedral, na nagiging pokus ng buhay sa lungsod. lugar. Ang katedral ay naisip bilang isang uri ng isang koleksyon ng kaalaman, isang simbolo ng uniberso, at ang masining na sistema nito, na pinagsasama ang solemne na kadakilaan na may madamdamin na dinamika, ang kasaganaan ng mga plastik na motif na may mahigpit na hierarchical system ng kanilang subordination, na ipinahayag hindi lamang ang mga ideya ng medyebal na panlipunan hierarchy at ang kapangyarihan ng mga banal na pwersa sa tao, ngunit din lumalaki ang kamalayan sa sarili ng mga mamamayan, ang malikhaing kadakilaan ng mga pagsisikap ng kolektibong tao. Ang matapang at kumplikadong istraktura ng frame ng Gothic cathedral, na naglalaman ng tagumpay ng matapang na pilosopiya ng engineering ng tao, ay pinahintulutan na pagtagumpayan ang napakalaking katangian ng mga Romanesque na gusali, upang mapadali ang mga dingding at arko, upang lumikha ng isang dinamikong pagkakaisa ng panloob na espasyo. Sa Gothic mayroong isang pagpapayaman at komplikasyon ng synthesis ng sining, isang pagpapalawak ng sistema ng mga plot kung saan ang mga medyebal na paniwala ng mundo ay makikita. Ang tanging uri ng pinong sining ay ang iskultura, na nakatanggap ng mayamang nilalamang ideolohikal at masining at nakabuo ng mga plastik na anyo. Ang pagwawalang-kilos at paghihiwalay ng mga estatwa ng Roma ay pinalitan ng kadaliang kumilos ng mga pigura, ang kanilang apela sa isa't isa at sa manonood. Nagkaroon ng interes sa mga tunay na likas na anyo, pisikal na kagandahan at damdamin ng isang tao, isang bagong paggamot ang ibinigay sa mga paksa ng pagiging ina, moral na pagdurusa, pagkamartir at sakripisyong katatagan ng isang tao. Organically intertwined sa Gothic lyricism at tragic affects, kahanga-hangang espirituwalidad at panlipunang pangungutya, kamangha-manghang katawa-tawa at alamat, talamak na mga obserbasyon sa buhay. Sa panahon ng Gothic, umunlad ang isang maliit na libro at lumitaw ang pagpipinta ng altar, ang pandekorasyon na sining, na konektado sa mataas na antas ng pag-unlad ng craft craft, ay umabot sa isang mataas na antas. Ang Gothic ay nagmula sa Northern France (Ile-de-France) noong kalagitnaan ng ika-12 siglo. at umabot sa kasagsagan nito noong unang kalahati ng ika-13 siglo. Natanggap ng mga katedral ng Stone Gothic ang kanilang klasikal na anyo sa France. Bilang isang patakaran, ang mga ito ay 3-5-nave basilicas na may isang transverse nave - isang transept at isang kalahating bilog na bypass ng koro ("de-ambulant"), kung saan ang mga radial chapels ("korona ng mga kapilya") ay magkadugtong. Ang kanilang mataas at maluwang na interior ay naliliwanagan ng makulay na pagkutitap ng mga stained glass na bintana. Ang impresyon ng isang hindi makontrol na paggalaw patungo sa langit at patungo sa altar ay nilikha ng mga hilera ng mga payat na haligi, isang malakas na pag-alis ng mga matulis na arko, isang pinabilis na ritmo ng mga arcade ng itaas na gallery (triforia). Dahil sa kaibahan ng mataas na main at half-dark side naves, mayroong isang nakamamanghang kayamanan ng mga aspeto, isang pakiramdam ng kawalang-hanggan ng espasyo. Ang istrukturang batayan ng katedral ay isang frame ng mga haligi (sa isang mature na Gothic - isang bundle ng mga haligi) at nakahilig na mga arko na nakapatong sa kanila. Ang istraktura ng gusali ay binubuo ng mga hugis-parihaba na mga cell (mga damo), na limitado ng 4 na mga haligi at 4 na mga arko, na kasama ang mga arch-ribs ay bumubuo ng balangkas ng cross vault, na puno ng magaan na maliliit na arko - mga pormasyon. Ang pag-ilid na pagpapalawak ng arko ng pangunahing nave ay ipinadala sa pamamagitan ng pagsuporta sa mga arko (mga arko) sa mga panlabas na haligi-buttress. Ang mga dingding na inilabas mula sa pagkarga sa mga pagitan sa pagitan ng mga haligi ay pinutol sa mga arko na bintana. Ang neutralisasyon ng arko ng arko sa gastos ng paglabas ng mga pangunahing elemento ng istruktura ay pinapayagan na lumikha ng isang pakiramdam ng kadalian at spatial na kalayaan ng interior. Ang 2-towered western facades ng French cathedrals na may tatlong "perspective" na portal at isang patterned round window ("rose") sa gitna ay pinagsama ang pag-akyat sa malinaw na balanse ng mga dibisyon. Sa mga facade ay nag-iiba-iba ang mga matulis na arko at mayamang arkitektura at plastik at pandekorasyon na mga detalye - may pattern na wimpergies, vial, crab, atbp. Ang mga estatwa sa mga console sa harap ng mga column ng mga portal at sa kanilang upper arched gallery, mga relief sa socles at tympanums ng mga portal, at gayundin sa mga column ng capitals ay bumubuo ng isang buong sistema ng kuwento, na kinabibilangan ng mga character at episode ng Banal na Kasulatan, mga aplegorical na imahe. Ang pinakamahusay na mga gawa ng Gothic plastics - ang mga estatwa ng facades ng mga katedral sa Chartres, Reims, Amiens, Strasbourg ay puno ng espirituwal na kagandahan, katapatan at maharlika ng mga damdamin. , na tumutukoy sa magkatugmang tectonics at proporsyon ng mga estatwa, ang kataimtiman ng kanilang mga pose at kilos. Ang iba pang bahagi ng mga templo ay pinalamutian din ng mga relief, estatwa, palamuti ng halaman, mga larawan ng kamangha-manghang mga hayop; nailalarawan sa pamamagitan ng isang kasaganaan sa palamuti ng mga sekular na motif (mga eksena ng trabaho ng mga artisan at magsasaka, katawa-tawa at satirical na mga imahe). Ang mga tema ng mga stained-glass na bintana ay magkakaiba din, sa hanay kung saan nangingibabaw ang pula, asul at dilaw na mga tono. Ang umiiral na Gothic frame system ay lumitaw sa simbahan ng abbey ng Saint-Denis (1137-44). Kasama rin sa Early Gothic ang mga katedral sa Lana, Paris, Chartres. Ang kayamanan ng ritmo, ang pagiging perpekto ng komposisyon ng arkitektura at ang sculptural na dekorasyon ay nakikilala sa pamamagitan ng mga magarang katedral ng mature na Gothic sa Reims at Amiens, pati na rin ang kapilya ng Saint-Chapelle sa Paris (1243-48) na may maraming mantsa. - salamin na mga bintana. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo. Ang mga maringal na katedral ay itinayo sa mga sinaunang bansa sa Europa - sa Germany (sa Cologne), Netherlands (sa Utrecht), Spain (Burgos, 1221-1599), Great Britain (Westminster Abbey sa London), Sweden (sa Uppsala), Czech Republic ( koro at transept St. Vitus Cathedral sa Prague), kung saan nakatanggap ng kakaibang lokal na interpretasyon ang mga diskarte sa pagbuo ng Gothic. Dinala ng mga Crusaders ang mga prinsipyo ng Gothic sa Rhodes, Cyprus at Syria. Sa huling bahagi ng ika-13 - unang bahagi ng ika-14 na siglo. ang pagtatayo ng mga katedral sa France ay dumaan sa isang krisis: ang mga anyo ng arkitektura ay naging mas tuyo, ang palamuti ay mas marami, ang mga estatwa ay nakatanggap ng parehong may salungguhit na S-shaped na liko at mga tampok ng kagandahang-loob. Mula noong ika-14 na siglo. malaking kahalagahan ay nakuha ng lungsod at monasteryo simbahan, kastilyo at palasyo kapilya. Para sa huli ("nagniningas") Ang Gothic ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kakaiba, nakapagpapaalaala sa mga apoy ng pattern ng mga pagbubukas ng bintana (ang simbahan ng Saint-Maclou sa Rouen). Sa sekular na arkitektura ng lunsod, higit sa lahat ang mga komposisyon at pandekorasyon na pamamaraan ng Gothic ay ginamit. Sa pangunahing parisukat ng mga lungsod ay itinayo ang mga bulwagan ng bayan na may masaganang palamuti, madalas na may isang tore (bulwagan ng bayan sa Saint-Cantin, 1351-1509). Ang mga kastilyo ay naging mga maringal na palasyo

Ang espasyo ng katedral, hindi matutumbasan ng tao, ang verticalismo ng mga tore at vault nito, ang subordination ng eskultura sa mga dynamic na ritmo ng arkitektura, ang maraming kulay na ningning ng mga stain-glass na bintana ay nagkaroon ng malakas na emosyonal na epekto sa mga tapat. Mahirap makahanap ng mga angkop na salita upang maihatid ang impresyon ng mga Gothic cathedrals. Matangkad ang mga ito at umabot sa langit na may walang katapusang mga arrow ng mga tore at turrets, wimpers, phials, pointed arches. Ngunit ang mas kapansin-pansin ay hindi ang taas kundi ang kayamanan ng mga aspetong bumubukas kapag naglalakad ka sa paligid ng katedral.Ang mga Gothic na katedral ay hindi lamang matataas, kundi napakahaba rin: Ang Chartres, halimbawa, ay may haba na 130 metro , at ang haba ng transept nito ay 64 metro para makalibot dito, kailangan mong maglakad ng hindi bababa sa kalahating kilometro. At mula sa bawat punto ang katedral ay tumingin sa isang bagong paraan. Hindi tulad ng Romanesque na simbahan, na may malinaw, madaling nakikitang mga anyo, ang Gothic cathedral ay walang hangganan, kadalasang walang simetriko at kahit na magkakaiba sa mga bahagi nito: bawat isa sa mga facade nito na may sariling portal ay indibidwal. Ang mga pader ay hindi nararamdaman, na parang wala. Mga arko, gallery, tore, ilang uri ng arcade, malalaking bintana, palayo nang palayo - isang walang katapusang kumplikado, eleganteng paglalaro ng mga openwork form. At ang lahat ng puwang na ito ay tinatahanan: ang katedral, sa loob at labas, ay pinaninirahan ng isang masa ng mga eskultura (sa Chartres Cathedral mayroong halos sampung libong estatwa lamang). Sinasakop nila hindi lamang ang mga portal at gallery, maaari din silang matagpuan sa bubong, mga cornice, sa ilalim ng mga vault ng mga kapilya, sa mga spiral staircase, lumilitaw ang mga ito sa mga drainpipe, sa mga console. Sa madaling salita, ang isang Gothic cathedral ay isang buong mundo. Ito ay sumisipsip sa mundo ng isang medyebal na lungsod.Ang pag-unlad ng Gothic art ay sumasalamin din sa mga pangunahing pagbabago sa istruktura ng medieval na lipunan: ang simula ng pagbuo ng mga sentralisadong estado, ang paglago at pagpapalakas ng mga lungsod, ang pagsulong ng mga sekular na pwersa - urban, kalakalan at crafts, pati na rin ang court at knightly circles. Sa pag-unlad ng panlipunang kamalayan, sining at teknolohiya, ang mga pundasyon ng medyebal na relihiyon-dogmatikong pananaw sa mundo ay humina, ang mga posibilidad ng katalusan at aesthetic na pag-unawa sa totoong mundo ay lumawak; nabuo ang mga bagong uri ng arkitektura at tectonic system. Ang pagpaplano ng lunsod at arkitekturang sibil ay masinsinang binuo. Kasama sa urban architectural ensembles ang kulto at sekular na mga gusali, kuta, tulay, at balon. Ang pangunahing plaza ng lungsod ay madalas na may linya ng mga bahay na may mga arcade, retail at storage room sa ibabang palapag. Ang mga pangunahing kalye ay diverged mula sa square; makitid na harapan ng 2-, mas madalas na 3-palapag na mga bahay na may matataas na gable na nakahanay sa mga kalye at pilapil. Ang mga lungsod ay napapaligiran ng makapangyarihang mga pader na may mayayamang pinalamutian na mga tore sa paglalakbay. Ang mga kastilyo ng mga hari at pyudal na panginoon ay unti-unting naging kumplikadong mga kuta, mga palasyo at mga lugar ng pagsamba. Karaniwan sa gitna ng lungsod, na nangingibabaw sa mga gusali nito, mayroong isang kastilyo o isang katedral, na naging sentro ng buhay sa lungsod. Sa loob nito, kasama ang banal na paglilingkod, inayos ang mga pagtatalo sa teolohiya, nilalaro ang mga misteryo, at naganap ang mga pagpupulong ng mga taong-bayan. Ang katedral ay naisip bilang isang uri ng katawan ng kaalaman, isang simbolo ng Uniberso, at ang artistikong istraktura nito, na pinagsasama ang solemne na kadakilaan na may madamdamin na dinamika, isang kasaganaan ng mga plastik na motif na may mahigpit na hierarchical system ng kanilang subordination, na nagpahayag hindi lamang ng mga ideya. ng medieval social hierarchy at ang kapangyarihan ng mga banal na puwersa sa tao, ngunit din ng isang lumalagong kamalayan sa sarili ng mga naninirahan sa lungsod, ang malikhaing kadakilaan ng mga pagsisikap ng pangkat ng tao. ng matapang na inhinyero ng tao, ginawang posible na madaig ang napakalaking mga gusaling Romanesque, gumaan ang mga pader at mga vault, at lumikha ng isang dinamikong pagkakaisa ng panloob na espasyo. Sa Gothic, mayroong isang pagpapayaman at komplikasyon ng synthesis ng sining, isang pagpapalawak ng sistema ng mga plot, na sumasalamin sa mga ideya ng medieval tungkol sa mundo. Ang pangunahing uri ng pinong sining ay eskultura, na nakatanggap ng isang mayamang ideolohikal at artistikong nilalaman at nakabuo ng mga plastik na anyo. Ang katigasan at paghihiwalay ng mga estatwa ng Romanesque ay nagbigay daan sa kadaliang kumilos ng mga pigura, ang kanilang apela sa isa't isa at sa manonood. Nagkaroon ng interes sa mga tunay na likas na anyo, sa pisikal na kagandahan at damdamin ng isang tao, ang mga paksa ng pagiging ina, moral na pagdurusa, pagkamartir at sakripisyong lakas ng loob ng isang tao ay nakatanggap ng isang bagong interpretasyon. Sa Gothic, lyricism at tragic affects, sublime spirituality at social satire, fantastic grotesque at folklore, ang matalim na mga obserbasyon sa buhay ay organikong magkakaugnay. Sa panahon ng Gothic, umunlad ang mga miniature ng libro at lumitaw ang pagpipinta ng altar, ang pandekorasyon na sining, na nauugnay sa isang mataas na antas ng pag-unlad ng guild craft, ay umabot sa isang mataas na pagtaas. Ang Gothic ay nagmula sa Northern France (Ile-de-France) sa kalagitnaan ng ika-12 siglo. at umabot sa tugatog nito noong unang kalahati ng ika-13 siglo. Natanggap ng mga katedral ng Stone Gothic ang kanilang klasikal na anyo sa France. Bilang isang patakaran, ang mga ito ay 3-5-nave basilicas na may isang transverse nave - isang transept at isang kalahating bilog na bypass ng koro ("ambulatory"), kung saan ang mga radial chapel ("korona ng mga kapilya") ay magkadugtong. Ang kanilang mataas at maluwang na interior ay naliliwanagan ng makulay na pagkutitap ng mga stain-glass na bintana. Ang impresyon ng isang hindi mapigilang paggalaw pataas at patungo sa altar ay nilikha ng mga hilera ng mga payat na haligi, isang malakas na pagtaas ng mga matulis na arko, at ang pinabilis na ritmo ng mga arcade ng itaas na gallery (triforium). Salamat sa kaibahan ng mataas na main at semi-dark side aisles, lumitaw ang isang kaakit-akit na kayamanan ng mga aspeto, isang pakiramdam ng kawalang-hanggan ng espasyo. Ang nakabubuo na batayan ng katedral ay isang frame ng mga haligi (sa mature na Gothic - isang grupo ng mga haligi) at mga lancet arches na nakapatong sa kanila. Ang istraktura ng gusali ay binubuo ng mga hugis-parihaba na selula (damo) na napapalibutan ng 4 na haligi at 4 na arko, na, kasama ng mga rib arch, ay bumubuo sa balangkas ng isang cross vault na puno ng mga lightened na maliliit na vault - formwork. Ang lateral thrust ng arko ng pangunahing nave ay ipinadala sa tulong ng pagsuporta sa mga arko (arch-butanes) sa mga panlabas na haligi-buttresses. Ang mga pader na napalaya mula sa karga sa mga puwang sa pagitan ng mga haligi ay pinutol ng mga arko na bintana. Ang neutralisasyon ng pagpapalawak ng vault sa pamamagitan ng paglipat ng mga pangunahing elemento ng istruktura palabas ay naging posible upang lumikha ng isang pakiramdam ng kagaanan at spatial na kalayaan ng interior. Ang 2-tower na western facade ng French cathedrals na may 3 "perspective" na portal at isang patterned round window ("rose") sa gitna ay pinagsasama ang aspirasyon pataas na may malinaw na balanse ng mga dibisyon. Sa mga facade, ang mga lancet na arko at mayamang arkitektura, plastik at mga detalye ng dekorasyon ay iba-iba - may pattern na mga wimper, phials, crab, atbp. Mga estatwa sa mga console sa harap ng mga haligi ng mga portal at sa kanilang itaas na arched gallery, mga relief sa socles at sa tympanums ng mga portal, pati na rin sa mga haligi ng mga capitals ay bumubuo ng isang mahalagang sistema ng balangkas, na kinabibilangan ng mga character at mga yugto ng Banal na Kasulatan, mga aplegorical na imahe. Ang pinakamahusay na mga gawa ng Gothic plastic art - ang mga estatwa ng facades ng mga katedral sa Chartres, Reims, Amiens, Strasbourg - ay puno ng espirituwal na kagandahan, katapatan at maharlika ng damdamin. Ang palamuti ay maindayog na organisado at mahigpit na napapailalim sa mga artikulasyon ng arkitektura ng harapan, na tumutukoy sa magkatugmang tectonics at proporsyon ng mga estatwa, ang kataimtiman ng kanilang mga postura at kilos. Ang iba pang bahagi ng mga templo ay pinalamutian din ng mga relief, estatwa, mga palamuting bulaklak, mga larawan ng kamangha-manghang mga hayop; ang kasaganaan ng mga sekular na motif sa palamuti ay katangian (mga eksena ng gawain ng mga artisan at magsasaka, katawa-tawa at satirical na mga imahe). Ang mga tema ng mga stained-glass na bintana ay iba-iba rin, ang hanay nito ay pinangungunahan ng pula, asul at dilaw na tono. Ang umiiral na Gothic frame system ay lumitaw sa abbey church ng Saint-Denis (1137-44). Kasama rin sa Early Gothic ang mga katedral sa Lana, Paris, Chartres. Ang kayamanan ng ritmo, ang pagiging perpekto ng komposisyon ng arkitektura at dekorasyon ng eskultura ay nakikilala ang mga engrandeng katedral ng mature na Gothic sa Reims at Amiens, pati na rin ang kapilya ng Sainte-Chapelle sa Paris (1243-48) na may maraming mga stained-glass na bintana. Mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo Ang mga maringal na katedral ay itinayo sa mga sinaunang bansa sa Europa - sa Germany (sa Cologne), Netherlands (sa Utrecht), Spain (sa Burgos, 1221-1599), Great Britain (Westminster Abbey sa London), Sweden (sa Uppsala), Czech Republic (choir at transept St. Vitus Cathedral sa Prague), kung saan nakatanggap ng kakaibang lokal na interpretasyon ang mga diskarte sa pagbuo ng Gothic. Dinala ng mga crusaders ang mga prinsipyo ng Gothic sa Rhodes, Cyprus at Syria.Sa pagtatapos ng ika-13 - simula ng ika-14 na siglo. ang pagtatayo ng mga katedral sa France ay nasa krisis: ang mga anyo ng arkitektura ay naging mas tuyo, ang palamuti ay mas sagana, ang mga estatwa ay nakatanggap ng parehong emphasized na hugis-S na liko at mga tampok ng kagandahang-loob. Mula noong ika-14 na siglo Ang mga simbahan sa lungsod at monasteryo, kastilyo at mga kapilya ng palasyo ay nakakuha ng malaking kahalagahan. Ang Late ("nagniningas") Gothic ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kakaiba, tulad ng apoy na pattern ng mga bukas na bintana (Saint-Maclou Church sa Rouen). Sa sekular na arkitektura ng lunsod, pangunahing mga komposisyon ng Gothic at mga pandekorasyon na pamamaraan ang ginamit. Sa pangunahing plaza ng mga lungsod, ang mga bulwagan ng bayan ay itinayo na may masaganang dekorasyon, kadalasang may isang tore (bulwagan ng bayan sa Saint-Quentin, 1351-1509). Ang mga kastilyo ay naging maringal na mga palasyo na may masaganang interior decoration (ang complex ng papal palace sa Avignon), ang mga mansyon ("hotel") ng mayayamang mamamayan ay itinayo. Sa huling bahagi ng Gothic, ang mga sculptural na altar sa interior ay naging laganap, na pinagsama ang pininturahan at ginintuan na kahoy iskultura at tempera pagpipinta sa kahoy na tabla. Ang isang bagong emosyonal na istraktura ng mga imahe ay nabuo, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang dramatikong (madalas na mataas) na pagpapahayag, lalo na sa mga eksena ng pagdurusa ni Kristo at ng mga banal, na inihatid ng walang awa na katotohanan. Lumitaw ang mga mural sa sekular na paksa (sa palasyo ng papa sa Avignon, 14-15 siglo). Sa mga miniature (mga aklat ng oras) nagkaroon ng pagnanais para sa espiritwal na sangkatauhan ng mga imahe, para sa paglipat ng espasyo at lakas ng tunog. Ang pinong ivory sculpture, silver reliquaries, Limoges enamel, tapestries, at carved furniture ay kabilang sa mga pinakamagandang halimbawa ng French Gothic decorative art.

Ang sining ng mga bansang Arabo ay masalimuot sa pinagmulan nito. Sa Timog Arabia, nagmula sila sa mga kultura ng mga estado ng Sabaean, Minean at Himyarite (1st millennium BC - 6th century AD), na nauugnay sa Mediterranean at East. Africa. Ang mga sinaunang tradisyon ay maaaring masubaybayan sa arkitektura ng mga bahay na tulad ng tore ng Hadhramawt at ang mga multi-storey na gusali ng Yemen, na ang mga facade ay pinalamutian ng isang kulay na pattern ng relief. Sa Syria, Mesopotamia, Egypt at Maghreb, ang mga estilo ng medieval na sining ng Arabe ay nabuo din sa isang lokal na batayan, na nakakaranas ng ilang impluwensya mula sa Iranian, Byzantine at iba pang mga kultura.

Arkitektura. Ang pangunahing relihiyosong gusali ng Islam ay ang moske, kung saan nagtitipon ang mga tagasunod ng propeta para sa panalangin. Ang mga moske, na binubuo ng isang nabakuran na patyo at isang colonnade (na minarkahan ang simula ng "bakuran" o "kolum" na uri ng mosque), noong ika-1 kalahati ng ika-7 siglo. ay nilikha sa Basra (635), Kufa (638) at Fustat (40s ng ika-7 siglo). Ang uri ng haligi sa mahabang panahon ay nanatiling pangunahing isa sa monumental na relihiyosong arkitektura ng mga bansang Arabo (mga moske: Ibn Tulun sa Cairo, ika-9 na siglo; Mutawakkil sa Samarra, ika-9 na siglo; Hassan sa Rabat at Koutoubia sa Marrakesh, parehong ika-12 siglo; Great Mosque sa Algiers, ika-11 siglo, atbp.) at naimpluwensyahan ang arkitektura ng Muslim ng Iran, ang Caucasus, Wed. Asya, India. Sa arkitektura, binuo din ang mga domed na istruktura, isang maagang halimbawa nito ay ang octagonal mosque na Kubbat As-Sahra sa Jerusalem (687-691). Sa hinaharap, ang iba't ibang mga relihiyoso at pang-alaala na mga gusali ay nakumpleto na may mga domes, kadalasan sila ay nakoronahan ng mga mausoleum sa mga libingan ng mga sikat na tao.

Mula noong ika-13 siglo hanggang sa simula ng ika-16 na siglo. Ang arkitektura ng Egypt at Syria ay malapit na magkakaugnay. Isang malaking fortification ang isinagawa: mga kuta sa Cairo, Aleppo (Aleppo), atbp. Sa monumental na arkitektura ng panahong ito, ang spatial na prinsipyo na nangibabaw sa nakaraang yugto (ang courtyard mosque) ay nagbigay daan sa mga engrande na volume ng arkitektura: sa ibabaw ng makinis na ibabaw ng malalakas na pader at malalaking portal na may malalalim na niches ay tumataas ang matataas na drum na may dalang domes. Ang mga maringal na gusali ng apat na aivan ay itinatayo (tingnan. Ivan) ng uri (dating kilala sa Iran): ang maristan (ospital) ng Kalauna (ika-13 siglo) at ang moske ni Hassan (ika-14 na siglo) sa Cairo, mga mosque at madrasah (mga espirituwal na paaralan) sa Damascus at iba pang lungsod ng Syria. Maraming mga domed mausoleum ang itinatayo, kung minsan ay bumubuo ng isang kaakit-akit na grupo (ang Mamluk cemetery sa Cairo, 15-16 na siglo). Upang palamutihan ang mga dingding sa labas at sa loob, kasama ang pag-ukit, ang inlay na may maraming kulay na bato ay malawakang ginagamit. Sa Iraq noong ika-15-16 na siglo. ang palamuti ay gumagamit ng kulay na glaze at gilding (mga mosque: Musa al-Kadima sa Baghdad, Hussein sa Karbala, Imam Ali sa Najaf).

Umunlad ito noong ika-10-15 siglo. Arkitekturang Arabe ng Maghreb at Espanya. Sa malalaking lungsod (Rabat, Marrakesh, Fes, atbp.), Ang mga kasbah ay itinayo - mga kuta, na pinatibay ng makapangyarihang mga pader na may mga tarangkahan at mga tore, at mga medina - mga tirahan ng kalakalan at bapor. Ang malalaking columned mosque ng Maghreb na may multi-tiered, square minarets ay nakikilala sa pamamagitan ng kasaganaan ng intersecting naves, ang kayamanan ng inukit na dekorasyon (mga moske sa Tlemcen, Taza, atbp.) at pinalamutian nang kahanga-hanga ng inukit na kahoy, marmol at mosaic ng maraming kulay na mga bato, tulad ng maraming madrasah 13-14 na siglo sa Marocco. Sa Espanya, kasama ang moske sa Cordoba, ang iba pang mga natitirang monumento ng arkitekturang Arabo ay napanatili: ang La Giralda minaret, na itinayo sa Seville ng arkitekto na si Jeber noong 1184-96, ang gate sa Toledo, ang palasyo. Alhambra sa Granada - isang obra maestra ng Arabic na arkitektura at pandekorasyon na sining noong ika-13-15 siglo. Naimpluwensyahan ng arkitekturang Arabo ang arkitektura ng Romanesque at Gothic ng Espanya ("estilo ng Mudéjar"), Sicily at iba pang mga bansa sa Mediterranean.

Dekorasyon-inilapat at pinong sining. Sa Arabic art, ang prinsipyo ng decorativeness, katangian ng artistikong pag-iisip ng Middle Ages, ay malinaw na nakapaloob, na nagdulot ng pinakamayamang palamuti, espesyal sa bawat isa sa mga rehiyon ng mundo ng Arab, ngunit konektado sa pamamagitan ng pangkalahatang mga pattern ng pag-unlad. Ang arabesque, na bumalik sa mga sinaunang motif, ay isang bagong uri ng pattern na nilikha ng mga Arabo, kung saan ang mathematical rigor ng konstruksiyon ay pinagsama sa libreng artistikong imahinasyon. Ang epigraphic ornament ay binuo din - calligraphically executed inscriptions kasama sa pandekorasyon pattern.

Ang dekorasyon at kaligrapya, na malawakang ginagamit sa dekorasyon ng arkitektura (pag-ukit sa bato, kahoy, katok), ay katangian din ng inilapat na sining, na umabot sa isang mataas na yumayabong at lalo na ganap na ipinahayag ang pandekorasyon na pagtitiyak ng sining ng Arab. Ang palayok ay pinalamutian ng isang makulay na pattern: makintab na mga kagamitan sa bahay sa Mesopotamia (mga sentro - Rakka, Samarra); mga sisidlan na pininturahan ng mga gintong chandelier ng iba't ibang kulay, na ginawa sa Fatimid Egypt; Spanish-Moorish luster ceramics noong 14th-15th century, na may malaking impluwensya sa European applied art. Arab patterned silk fabrics - Syrian, Egyptian, Moorish - nasiyahan din sa katanyagan sa mundo; Ang mga Arabo ay gumawa din ng mga pile carpet. Ang pinakamainam na paghabol, pag-ukit at paglalagay ng pilak at ginto ay ginagamit upang palamutihan ang mga masining na tansong bagay (mga mangkok, pitsel, insenso at iba pang kagamitan); Ang mga produkto ng ika-12-14 na siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng espesyal na pagkakayari. Mosul sa Iraq at ilang mga handicraft center sa Syria. Ang Syrian glass na natatakpan ng pinakamagandang enamel painting at mga produktong Egyptian na gawa sa batong kristal, garing, at mamahaling mga kahoy na pinalamutian ng napakagandang mga pattern na inukit ay sikat.

Ang sining sa mga bansa ng Islam ay umunlad, nakikipag-ugnayan sa relihiyon sa isang komplikadong paraan. Ang mga mosque, pati na rin ang banal na aklat ng Koran, ay pinalamutian ng mga geometric, floral at epigraphic pattern. Gayunpaman, ang Islam, hindi tulad ng Kristiyanismo at Budismo, ay tumanggi na gumamit ng malawak na sining upang itaguyod ang mga ideya sa relihiyon. Bukod dito, sa tinatawag na. Ang mga tunay na hadith, na ginawang legal noong ika-9 na siglo, ay naglalaman ng pagbabawal na ilarawan ang mga buhay na nilalang, at lalo na ang mga tao. Mga teologo noong ika-11-13 siglo (Ghazali at iba pa) ang mga larawang ito ay idineklara ang pinakamabigat na kasalanan. Gayunpaman, ang mga artista sa buong Middle Ages ay naglalarawan ng mga tao at hayop, tunay at mitolohikong mga eksena. Sa mga unang siglo ng Islam, habang ang teolohiya ay hindi pa nabubuo ang mga aesthetic canon nito, ang kasaganaan ng makatotohanang mga pagpipinta at eskultura sa interpretasyon ng mga pagpipinta at eskultura sa mga palasyo ng mga Umayyad ay nagpatotoo sa lakas ng mga tradisyon ng sining bago ang Islam. Sa hinaharap, ang paglalarawan sa sining ng Arabe ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng pagkakaroon ng mahalagang anti-klerikal na aesthetic na pananaw. Halimbawa, sa "Mga Mensahe ng mga Kapatid na Kadalisayan" (ika-10 siglo), ang sining ng mga artista ay tinukoy na "bilang ang imitasyon ng mga larawan ng mga umiiral na bagay, kapwa artipisyal at natural, kapwa tao at hayop."

Mosque sa Damascus. ika-8 c. Panloob. Syrian Arab Republic.

Mausoleum sa Mamluk cemetery malapit sa Cairo. 15 - magmakaawa. ika-16 na siglo United Arab Republic.

Pagpinta. Umunlad ang pinong sining sa Ehipto noong ika-10-12 siglo: ang mga larawan ng mga tao at mga eksena sa genre ay pinalamutian ang mga dingding ng mga gusali sa Fustat, mga ceramic na pinggan at mga plorera (master Saad, atbp.), na hinabi sa pattern ng pag-ukit ng buto at kahoy ( panel 11 century mula sa Fatimid palace sa Cairo, atbp.), pati na rin ang linen at silk fabrics; Ang mga bronze na sisidlan ay ginawa sa anyo ng mga pigura ng mga hayop at ibon. Ang mga katulad na phenomena ay naganap sa sining ng Syria at Mesopotamia noong ika-10-14 na siglo: ang korte at iba pang mga eksena ay kasama sa katangi-tanging hinabol na dekorasyon ng mga bagay na tanso na may inlay, sa pattern ng mga kuwadro na gawa sa salamin at keramika.

Ang magandang simula ay hindi gaanong binuo sa sining ng Arab West. Gayunpaman, ang pandekorasyon na iskultura sa anyo ng mga hayop, mga pattern na may mga motif ng mga nabubuhay na nilalang, pati na rin ang mga miniature ay nilikha din dito (manuskrito "Ang Kasaysayan ng Bayad at Riyad", ika-13 siglo, Vatican Library). Ang sining ng Arab sa kabuuan ay isang maliwanag, orihinal na kababalaghan sa kasaysayan ng kulturang sining ng mundo noong Middle Ages. Ang kanyang impluwensya ay umabot sa buong mundo ng Muslim at lumampas sa mga hangganan nito.

4. Arkitektura bilang isang anyo ng sining

Ang arkitektura ay isa sa mga pinakalumang anyo ng sining, na nagpapahayag sa mga relihiyoso at pampublikong gusali ng pananaw sa daigdig ng mga tao sa isang partikular na makasaysayang panahon, isang partikular na istilong masining. ARKITEKTURA (lat. , isang artistikong organisadong kapaligiran ng buhay ng tao. Gayundin, ang sining ng pagbuo ng spatial na kapaligiran na ito, paglikha ng isang bagong katotohanan na may functional na kahulugan, nagdudulot ng mga benepisyo sa isang tao at naghahatid ng aesthetic na kasiyahan. Sinasaklaw ng termino ang disenyo ng hitsura ng isang istraktura; organisasyon ng panloob na espasyo; pagpili ng mga materyales para sa panlabas at panloob na paggamit, disenyo ng natural at artipisyal na mga sistema ng pag-iilaw, pati na rin ang mga sistema ng suporta sa engineering; suplay ng kuryente at tubig; disenyong pampalamuti. Ang bawat isa sa mga gusali ay may tiyak na layunin: para sa buhay o trabaho, libangan o pag-aaral, kalakalan o transportasyon. Ang lahat ng mga ito ay matibay, komportable at kinakailangan para sa mga tao - ito ang kanilang mga ipinag-uutos na katangian.

Mga uri ng arkitektura

Mayroong tatlong pangunahing uri ng arkitektura:

Ang arkitektura ng mga three-dimensional na istruktura.Kabilang dito ang mga relihiyoso at pinatibay na gusali, mga gusaling tirahan, mga pampublikong gusali (mga paaralan, teatro, istadyum, mga tindahan, atbp.), mga gusaling pang-industriya (pabrika, pabrika, atbp.);

Landscape architecture na nauugnay sa organisasyon ng landscape gardening space (mga parisukat, boulevards at parke na may "maliit" na arkitektura - gazebos, fountain, tulay, hagdan)

Pagpaplano ng lungsod, na sumasaklaw sa pagtatayo ng mga bagong lungsod at bayan at ang muling pagtatayo ng mga lumang urban na lugar.

Mga istilo ng arkitektura

Ang arkitektura ay malapit na konektado sa buhay ng lipunan, mga pananaw at ideolohiya nito. Ang arkitektura ng sinaunang Griyego ay batay sa ideya ng isang perpekto, pisikal at espirituwal na binuo na tao. Itinayo ng mga sinaunang arkitekto ang lahat ng kanilang mga gusali ayon sa mga proporsyon ng katawan ng tao, na naglalaman ng pagkakaisa, pagsalungat sa mga elemento ng kalikasan, marilag na kalinawan at sangkatauhan. Ang "Era style" (Romanesque, Gothic, atbp.) ay nangyayari pangunahin sa mga makasaysayang panahon kung kailan ang perception ng mga gawa ng sining ay naiiba comparative inflexibility, kapag ito pa rin madaling adapts sa isang pagbabago sa estilo.

Ang magagandang istilo - Romanesque, Gothic, Renaissance, Baroque, Classicism, Empire / isang variation ng late classicism / - ay karaniwang kinikilala bilang pantay at katumbas. Ang pag-unlad ng mga istilo ay walang simetriko, na kung saan ay panlabas na ipinahayag sa katotohanan na ang bawat estilo ay unti-unting nagbabago mula sa simple hanggang sa kumplikado; gayunpaman, mula sa kumplikado hanggang sa simple, ito ay nagbabalik lamang bilang isang resulta ng isang pagtalon. Samakatuwid, ang mga pagbabago sa estilo ay nangyayari sa iba't ibang paraan: dahan-dahan - mula sa simple hanggang sa kumplikado, at bigla - mula sa kumplikado hanggang sa simple. Ang istilong Romanesque ay pinalitan ng Gothic sa loob ng higit sa isang daang taon - mula sa kalagitnaan ng ika-12 siglo. hanggang sa kalagitnaan ng ikalabintatlong siglo. ang mga simpleng anyo ng arkitektura ng Romanesque ay unti-unting nagiging masalimuot na istilong Gothic. Sa loob ng Gothic, pagkatapos ay nag-mature ang Renaissance. Sa pagdating ng Renaissance, nagsimula muli ang isang panahon ng mga ideological quests, ang paglitaw ng isang integral na sistema ng pananaw sa mundo. At kasabay nito, ang proseso ng unti-unting komplikasyon at pagkawatak-watak ng simple ay nagsisimula muli: ang Renaissance ay nagiging mas kumplikado, at pagkatapos nito ay ang Baroque. Ang Baroque naman, nagiging mas kumplikado, ay nagiging rococo sa ilang uri ng sining (arkitektura, pagpipinta, inilapat na sining). At muli ay may pagbabalik sa simple, at bilang isang resulta ng pagtalon, ang baroque ay pinalitan ng klasisismo, ang pag-unlad na sa ilang mga bansa ay pinalitan ng imperyo.

Ang mga dahilan para sa pagbabago ng mga pares ng mga estilo ay ang mga sumusunod: ang katotohanan ay hindi pumipili ng isang estilo sa mga umiiral na, ngunit lumilikha ng isang bagong estilo at binabago ang luma. Ang nilikhang istilo ay ang pangunahing istilo, at ang binagong istilo ay ang pangalawang istilo.

Arkitektura ng katutubong lupain

Arkitektura ng rehiyon ng Grodno

Borisoglebskaya (Kolozhskaya) Church, isang monumento ng sinaunang arkitektura ng Russia noong ikalawang kalahati ng ika-12 siglo.

Mir Castle, kasama sa UNESCO List, Lida Castle (XIV-XV na siglo)

Arkitektura ng rehiyon ng Minsk

Archcathedral Church of the Blessed Virgin Mary (ikalawang kalahati ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo)

Church of Saints Simeon and Helena (Red Church) - isang monumento ng neo-Gothic na arkitektura na may mga tampok na Art Nouveau (1908 - 1910)

Nesvizh Palace and Park Complex (XVII–XVIII na siglo)

Simbahan ng Bernardines sa nayon ng Budslav, distrito ng Myadel, isang monumento ng arkitektura ng baroque (siglo ng XVIII)

Arkitektura ng rehiyon ng Vitebsk

Sophia Cathedral, isang architectural monument ng XI-XVIII na siglo.

Church of the Savior Euphrosyne, isang monumento ng sinaunang arkitektura ng Russia (1152 - 1161). Ang mga natatanging fresco ay napanatili sa mga dingding at haligi nito.

Panitikan:

1. Gerchuk Yu.L. Mga Batayan ng artistikong karunungang bumasa't sumulat. –M., 1998

2. Danilov V.N. Mga pamamaraan ng pagtuturo ng sining at sining ng sining. Mn., 2004

3. Kasterin N.P. pang-edukasyon na pagguhit. –M.: Enlightenment, 1996

4. Lazuka B. Sloўnіk terminaў pa arhіtektury, vyyaўlenchamu dekaratyўna-prykladnomu kasanayan. - Mn., 2001

5. Nemensky B.M. Pedagogy ng sining. –M.: Enlightenment, 2007

Ang arkitektura, disenyo, sining at sining ay nabibilang sa utilitarian art na mga anyo ng pagkamalikhain. Iyon ay, nalulutas nila ang mga utilitarian na problema - paggalaw, organisasyon ng pang-araw-araw na buhay, lungsod, tirahan, iba't ibang uri ng buhay ng tao at lipunan. Kabaligtaran sa artistikong pagkamalikhain (pinong sining, panitikan, teatro, sinehan, tula, eskultura) na lumilikha lamang ng mga espirituwal, kultural at aesthetic na mga halaga na walang utilitarian na halaga.

Ang disenyo ay naiiba sa sining at sining sa teknolohikal na paggawa ng masa sa kaibahan sa handicraft noong Disyembre. Applied Art. Ang arkitektura at disenyo, bilang magkaugnay na mga konsepto, ay naiiba lamang sa spatial na sukat; lungsod, microdistrict, kumplikado, gusali sa arkitektura at kapaligiran ng interior ng kalye, disenyong pang-industriya, sining. disenyo sa "disenyo", ngunit halimbawa ang interior at landscaping ay ang paksa ng parehong arkitektura at disenyo.

Ang disenyo at arkitektura ay utilitarian at artistikong mga aktibidad na naglalayong lumikha ng isang subject-spatial na kapaligiran. Ang arkitektura ay isang mas lumang konsepto, ang disenyo ay mas moderno, ngunit ang pagkakaiba sa pagitan ng mga ito ay minimal, madalas na hindi makilala.

Ang taga-disenyo ay bumubuo - isang tanawin, isang parisukat, isang elemento ng kapaligiran sa lunsod - isang kiosk, isang fountain, isang stop, isang lampara ng orasan, isang vestibule /, isang silid, kasangkapan, isang opisina, isang interior.

Ang mga panloob na espasyo ay nabuo ng arkitekto, at ang saturation ng taga-disenyo ay madalas na ginagawa ng isa o ng iba pa, ito ay praktikal na nagpapakita ng pagiging malapit, at madalas na hindi makilala, ng propesyon ng arkitekto. at taga-disenyo.

Ang arkitektura at disenyo ay nabibilang sa sining ng pagpapahayag, na hindi direktang sumasalamin sa katotohanan, ngunit lumikha nito. Unlike sining(pagpinta, grapika, panitikan, teatro, eskultura) na sumasalamin sa materyal at espirituwal na katotohanan sa masining na paraan.

Lecture 1. Metodolohiya ng disenyo

1. Ang relasyon sa pagitan ng panlipunan at ideolohikal na kalagayan ng lipunan at disenyo.

Modernong kasanayan ng "bagong eclecticism"

2. malikhaing pamamaraan- propesyonal na pamamaraan - "indibidwal na paraan".

Interaksyon ng mga pamamaraan sa iba't ibang yugto ng pagkamalikhain.

Pakikipag-ugnayan ng pamamaraan at mga yugto ng propesyonal na aktibidad

Iba-iba ang mga halimbawa

3. Subjective at layunin sa malikhaing proseso.

1. Anumang aktibidad, at mas malikhain bilang disenyo, ay konektado at sumasalamin sa panlipunang organisasyon ng lipunan, kultural na pag-unlad, aesthetic ideals sa pamamagitan ng sarili nitong paraan……. Sinasalamin ng Egypt ang kumpletong deification ng layunin ng mundo at arkitektura, ang Middle Ages, Objection, Classicism, Constructivism. Noong ika-20 siglo, naranasan natin ang pagbagsak ng historicism, ang pagsilang ng modernismo at constructivism sa sining ng arkitektura at disenyo. Ang pagtanggi sa mga tradisyunal na anyo ng komposisyon ng mga detalye, ang prinsipyo ng malayang pagpaplano ay nakita bilang isang rebolusyon at parang sumasalamin sa isang panlipunang rebolusyon, ngunit walang rebolusyon sa Kanluran, at isang kaugnay na kilusan ang ipinanganak na tinatawag na modernong kilusan sa pagitan nila doon. ay isang tunay na koneksyon (Group Style Holland at ang pinuno ng constructivism sa Russia). Gayunpaman, ang rebolusyong ito ay inihanda kapwa ng mga bagong teknolohiya at materyales (zh.b) ng beam truss at mga bagong artistikong uso - cubism, futurism, expressionism, ngunit din ng mga kaguluhan sa lipunan (mga rebolusyon, World War 1), mga bagong pilosopikal na uso (sosyalismo Komunismo, pambansang sosyalismo –pasismo)…………., ang krisis ng burges na moralidad. Nagkaroon ng maraming usapan tungkol sa pagiging totoo kumpara sa burges na dekorasyon at decorativism. Ang mga pagbabago sa paksa at spatial na kapaligiran ay inihanda kapwa sa pamamagitan ng pag-unlad ng pilosopikal at pang-agham na pag-iisip at mga bagong artistikong abstract na alon at pag-unlad ng teknolohiya, ngunit gayundin ng mga kaguluhan sa lipunan na nagbigay ng isang tiyak na ideological pathos at nabuo at binuo ng isang prinsipyo ng pagbuo ng buhay - na nagsabing ang realidad ay maaaring mabago batay sa masining at spatial na ideya at konsepto. nabuo na ang mga ideya ng modernong kilusan at konstruktibismo

Art Nouveau bilang isang naka-istilong kalakaran ng bagong burgesya at mangangalakal (mansion ni Morozov).

Sa tapat ng House of the Commune, ang ideya ng panlipunan. lungsod, ang pagsasapanlipunan ng pang-araw-araw na buhay bilang isang manipestasyon sa layuning mundo ng mga ideya ng sosyalismo. Ang utopian na ideya na sa pamamagitan ng pagbabago ng kapaligiran ay maaari mong baguhin ang tao mismo.

Siyempre, ang layunin ng mundo ng kapaligiran at arkitektura ay sumasalamin sa pamamagitan ng paraan nito ang sistemang pang-ekonomiya at ang antas ng pag-unlad ng parehong lipunan at ang ideolohiya at sistema ng halaga na umiiral sa lipunan, ngunit ang pag-asa na ito ay hindi direkta ngunit kumplikado, kadalasan ang mga ideya ng sining para sa ang kapakanan ng sining ay iniangkop at inisip muli sa mga layuning realidad.

Ang mga makapangyarihang kuta ay itinayo: Frederiksborg sa Hillered (1602-1625), Kronborg sa Helsingor at iba pa, na kinabibilangan ng isang kastilyo, mga gusali ng opisina, mga bodega at kuwartel, ay napapalibutan ng mga ramparts, kanal at balwarte. Ang hari mismo ay bihasa sa arkitektura at pinangangasiwaan ang pagtatayo ng mga istruktura. Nakaplanong gusali noong siglo XVII. ganap na binago ang mukha ng Copenhagen at makabuluhang pinalawak ang laki nito. Ang isang palasyo, isang daungan ng militar, isang Renaissance Stock Exchange (1619-1625) ay itinayo o inilatag sa ilalim ng Christian IV. Ang mga arkitekto na sina L. at X. van Steenwinkel ay binigyan ng tungkuling itayo ito bilang isang "templo ng bagong patakarang pang-ekonomiya." Bilang resulta ng sigasig sa pagtatayo, ang Copenhagen ay naging isang ika-17 siglong lungsod. sa isa sa pinakamagagandang kabisera ng Europa. Iba't ibang mga estilistang linya ang magkakasamang umiiral dito: Gothic, Mannerism, ang umuusbong na Baroque.
Sa Sweden, ang panahong ito ay minarkahan din ng pagbabago ng mga lumang gusali at pagtayo ng mga bago. Sa istilo ng Renaissance, ang mga kastilyo ng Gripsholm, Vadstena at Uppsala, mga palasyo, mga bulwagan ng bayan at mga pribadong bahay sa mga lungsod ay itinatayo. Ang gusali ng simbahan, sa kabilang banda, ay bumababa.
Ang mga gusali noong panahong iyon ay tumutugma sa mayamang panloob na dekorasyon, mas kahanga-hanga sa Sweden, mas pinigilan sa Denmark: mga dibdib, mga bangko, mga sekretarya, mga cabinet. Ang mga muwebles at panel na gawa sa kahoy ay natatakpan ng pinakamasalimuot na pagpipinta o mga inukit na plot sa mga paksang biblikal at sekular, na may linya ng mga produktong gawa sa mamahaling bato at metal, faience, at kahoy. Ang mga dingding ay isinabit sa orihinal na sekular na mga tapiserya, isang masa ng mga larawan, at mga kuwadro na gawa. Lumilitaw ang mga eskultura sa mga bulwagan, patyo at hardin, kadalasan ay buong grupo, kadalasan sa antigong-mitolohiyang diwa. Nagkaroon ng isang espesyal na fashion para sa mga tile na pininturahan at may korte, pati na rin ang mga kalan na gawa sa bakal at cast iron, na may mga cast carvings.
Kasama sa mga inobasyon ng inhinyero at konstruksiyon noong panahong iyon ang pagtutubero: ang mga tubo na may mga gripo at kumplikadong fountain ay lumitaw sa mga kastilyo at palasyo. Ang mga palasyo at kastilyo ay pinalamutian ng parehong mga indibidwal na master at buong workshop. Ang kumbinasyon ng impluwensya ng Kanlurang Europa, lalo na mula sa Netherlands at Germany, at mga lokal na tradisyon ay nakabuo ng mga halimbawa na kakaiba sa istilo.
Sa panahong ito, ang sining ay pangunahing inilapat sa kalikasan. Bilang isang mahalagang bahagi ng interior, nagsilbi itong ipahayag at pagsamahin ang prestihiyo. Kaya, halimbawa, ang hindi pangkaraniwang pamamahagi sa oras na iyon ng mga kahanga-hangang epitaph, mga larawang seremonyal (sculptural at pictorial), mga larawang alegoriko.
Ang pinakakahanga-hanga at prestihiyosong anyo ng sining ay ang iskultura, na umunlad nang maglaon, sa pagtatatag ng Baroque. Karamihan sa mga iskultor ay mga dayuhan na pangunahing tumutupad sa mga utos ng hari. Pinangunahan ng "Royal Builder" na si Hans Steenwinkel ang paglikha ng isang bilang ng mga sculptural room
348
mga posisyon para sa mga fountain. Inatasan ni Christian IV sa Amsterdam, gumawa si Hendrik de Keyser ng mga eskultura. Ang sikat na Neptune Fountain sa Frederiksborg ay ginawa ng Dutchman na si Adrian de Fries (1546-1626).
Ang mga bas-relief, karamihan sa mga lapida, ngunit pati na rin ang mga pandekorasyon, ay naging laganap.
Ang interes sa imahe ng isang tao, lalo na sa mga larawan ng pamilya, ay naging isa sa mga tampok ng pagpipinta ng panahong ito. Kadalasan ang mga portrait ay ginawa pa rin ayon sa mga lumang modelo: static, kondisyon, walang sikolohikal na katangian. Mga seremonyal na larawan ng mga soberanya at mga miyembro ng kanilang mga pamilya na nauso - solemne, na may mga simbolo ng kapangyarihan - mula noong ika-17 siglo. ay pinananatili nang madalas sa paraan ng klasisismo. Ang panahon ay nailalarawan din ng kasaganaan ng mga larawan ng mga patrician at iskolar sa lunsod; lahat sila ay nagpapakita ng mga itim na damit at mga palatandaan ng kanilang mga trabaho. Marahil ang pinakaunang larawan ng isang burgher scholar ay ang sa humanist na si Wedel (1578). Ang larawan ng pamilya ni Rodman mula sa Flensborg (1591) ay nagpapahayag, kung saan siya mismo, ang kanyang dalawang asawa at 14 na anak ay nakatayo sa paligid ng krusipiho. Si Rodman mismo, isa sa kanyang mga asawa at apat na anak, bilang namatay na, ay minarkahan ng isang krus sa itaas ng kanilang mga ulo. Ang ilang iba pang mga larawan ng pamilya-mga epitaph ng mga burgher ay ginawa sa parehong paraan. Ang koneksyon ng mga patay at buhay ay walang alinlangan na sumasalamin sa mga ideya noong panahong iyon tungkol sa pagkakaisa ng buhay at kamatayan, tungkol sa hindi mapaghihiwalay na koneksyon sa pagitan ng dalawang mundo. Ang mga may-akda ng mga larawang ito ay hindi kilala, sa pangkalahatan, karamihan sa mga larawan ng mga burghers at provincial nobility ay ginawa nang hindi nagpapakilala. Humigit-kumulang 200 larawan ng mga maharlika at marangal na tao ang ipininta ng Dutchman na si Jacob van Doordt, marami ang Dutchman na si Joost Verheiden.
Unti-unti, umuusbong ang isang bagong uri ng artista sa Denmark - isang edukado at may kultura, medyo mayaman at malapit sa mga humanist scientist, kadalasan ay isang namamanang artista at kolektor. Ganito, sa partikular, ang napakaraming pintor ng portrait, ang Dutchman na si Karel van Mander, na ang self-portrait kasama ang kanyang asawa at biyenan ay isang bihirang larawan ng isang intelektwal na pintor sa panahong iyon. Humigit-kumulang pareho ang artistikong pamilya ni Isaakz, na gumawa ng malaking kontribusyon sa kultura ng Danish Renaissance; ang tagapagtatag nito ay inapo ng isang emigrante mula sa Amsterdam, isang negosyante ng sining, at ang isa sa mga apo ay isang humanist at mananalaysay, si Johann Pontanus. Kabilang sa mga artista ay may mga espesyal na espesyalista sa mga makasaysayang canvases, sa pagpipinta ng simbahan, atbp., ngunit ang karamihan ay may malawak na pagdadalubhasa.
Isang mahalagang uri ng pandekorasyon na sining noon ang mga tapiserya, parehong imported at lokal, na mga sketch na ginawa ng mga kilalang
349

mga artista, at ang produksyon ay isinagawa sa dayuhan o Danish na mga workshop sa palasyo.
Sa palamuti noon, tulad ng nabanggit na, isang kilalang lugar ang inookupahan ng woodcarving, tradisyonal at binuo sa Scandinavia. Sa mga simbahan, ang mga altar ay pinalamutian ng mga ukit na naglalarawan ng mga eksena mula sa Bibliya, gayundin ng mga eksena mula sa mga klasikal na may-akda na katangian ng Danish Renaissance. Ang mga ukit na may mga palamuting Gothic at Renaissance na may mga sekular na paksa ay ginamit upang palamutihan ang mga kasangkapan sa mga tirahan. Sa Norway at Finland, ang mga katutubong inukit na kahoy, na pinalamutian ang mga gusali ng probinsiya at mga gamit sa bahay, ay nakakuha ng malaking tagumpay.

Ang iba't ibang mga anyo ng sining ay nagbibigay-daan sa amin upang aesthetically galugarin ang mundo sa lahat ng pagiging kumplikado at kayamanan nito. Walang major o minor na sining, ngunit ang bawat sining ay may sariling lakas at mga kahinaan kumpara sa ibang sining.

Arkitektura. Kapag ang isang tao ay natutong gumawa ng mga kasangkapan, ang kanyang tirahan ay hindi na isang butas o isang pugad, ngunit isang kapaki-pakinabang na gusali, na unti-unting nakakuha ng isang aesthetic na hitsura. Ang konstruksiyon ay naging arkitektura.

Ang arkitektura ay ang pagbuo ng realidad ayon sa mga batas ng kagandahan kapag lumilikha ng mga gusali at istruktura na idinisenyo upang pagsilbihan ang mga pangangailangan ng tao sa mga pabahay at pampublikong espasyo. Ang arkitektura ay lumilikha ng isang saradong utilitarian-artistic na binuo na mundo, na nalilimita sa kalikasan, lumalaban sa natural na kapaligiran at nagpapahintulot sa mga tao na gamitin ang humanized na espasyo alinsunod sa kanilang materyal at espirituwal na mga pangangailangan. Ang imahe ng arkitektura ay nagpapahayag ng layunin ng gusali at ang masining na konsepto ng mundo at personalidad, ang ideya ng isang tao sa kanyang sarili at ang kakanyahan ng kanyang panahon.

Ang arkitektura ay sining at ang mga gusali ay may isang tiyak na istilo. Si Lomonosov, na tinukoy ang mga tampok ng arkitektura, ay sumulat na ang sining ng arkitektura "ay magtatayo ng mga gusali na komportable para sa tirahan, maganda para sa paningin, matatag para sa mahabang buhay." Salamat sa arkitektura, isang mahalagang bahagi ng "pangalawang kalikasan" ang lumitaw - ang materyal na kapaligiran, na nilikha ng paggawa ng isang tao at kung saan nagaganap ang kanyang buhay at aktibidad.

Ang mga anyo ng arkitektura ay natutukoy sa pamamagitan ng: 1) natural (depende sa heograpikal at klimatiko na mga kondisyon, sa likas na katangian ng tanawin, intensity sikat ng araw, kaligtasan ng seismic); 2) panlipunan (depende sa kalikasan kaayusan sa lipunan, aesthetic ideals, utilitarian at artistikong pangangailangan ng lipunan; Ang arkitektura ay mas malapit na konektado sa pag-unlad ng mga produktibong pwersa kaysa sa iba pang mga sining, sa pag-unlad ng teknolohiya.

Applied Art. Isa sa mga pinakaluma at umuunlad pa ring uri ng artistikong pagkamalikhain ay ang inilapat na sining. Isinasagawa ito sa mga gamit sa bahay na nilikha ayon sa mga batas ng kagandahan. Ang inilapat na sining ay mga bagay na nakapaligid at nagsisilbi sa atin, lumilikha ng ating buhay at ginhawa, mga bagay na ginawa hindi lamang bilang kapaki-pakinabang, kundi pati na rin kasing ganda, pagkakaroon ng istilo at masining na imahe na nagpapahayag ng kanilang layunin at nagdadala ng pangkalahatang impormasyon tungkol sa uri ng buhay, tungkol sa panahon tungkol sa pananaw sa mundo ng mga tao. Ang aesthetic na epekto ng inilapat na sining ay araw-araw, oras-oras, bawat minuto. Ang mga gawa ng inilapat na sining ay maaaring tumaas sa taas ng sining.

Ang inilapat na sining ay pambansa sa mismong kalikasan nito, ito ay ipinanganak mula sa mga kaugalian, gawi, paniniwala ng mga tao at direktang malapit sa kanilang mga aktibidad sa produksyon at pang-araw-araw na buhay. Ang tuktok ng inilapat na sining ay alahas, na nagpapanatili ng independiyenteng kahalagahan nito at umuunlad ngayon.

Pandekorasyon na sining. Pandekorasyon na sining - aesthetic na pag-unlad ng kapaligiran na nakapalibot sa isang tao, masining na disenyo ng isang "pangalawang kalikasan" na nilikha ng isang tao: mga gusali, istruktura, lugar, parisukat, kalye, kalsada. Sinasalakay ng sining na ito ang pang-araw-araw na buhay, na lumilikha ng kagandahan at kaginhawaan sa loob at paligid ng mga tirahan at pampublikong espasyo. Ang mga gawa ng pandekorasyon na sining ay maaaring maging isang doorknob at isang bakod, isang stained-glass window at isang lampara na pumapasok sa isang synthesis sa arkitektura.

Ang pandekorasyon na sining ay isinasama ang mga nagawa ng iba pang sining, lalo na ang pagpipinta at iskultura. Ang pagpipinta noong una ay umiral sa anyo ng rock at wall art, at noon lamang ito nabuo bilang easel painting. Monumental na pagpipinta sa dingding - fresco (ang pangalan ay nagmula sa pamamaraan nito: "al fresco" - pagpipinta na may mga pintura sa basang plaster) - isang genre ng pandekorasyon na sining.

Pagpipinta- ang imahe sa eroplano ng mga larawan ng totoong mundo, na binago ng malikhaing imahinasyon ng artist; pag-iisa ang elementarya at pinakasikat na aesthetic na pakiramdam - ang pakiramdam ng kulay - sa isang espesyal na globo at ginagawa itong isa sa mga paraan ng artistikong pagsaliksik sa mundo.

Sa sinaunang pagpipinta, ang ratio ng mga itinatanghal na phenomena ay hindi gaanong spatial bilang semantiko. Sa isla ng Cham (Australia, Gulpo ng Carpentaria), sa isang sinaunang kuweba sa isang puting pader, ang mga kangaroo ay pininturahan ng itim at pulang pintura, na hinabol ng tatlumpu't dalawang mangangaso, kung saan ang pangatlo sa pagkakasunud-sunod ay dalawang beses na mas mataas kaysa sa pahinga, bilang ito ay naglalarawan ng isang pinuno.

Para sa kapakanan ng semantikong diin, inilarawan din ng mga sinaunang Egyptian artist ang pigura ng isang pinuno ng militar nang maraming beses na mas malaki kaysa sa mga pigura ng kanyang mga mandirigma. Ito ang mga unang compositional accent ng pagpipinta, na hindi alam ang pananaw. Noong sinaunang panahon, ang mga graphics at pagpipinta ay malapit hindi lamang sa isa't isa, kundi pati na rin sa panitikan. Ang sinaunang Tsino at sinaunang Egyptian na pagpipinta at mga graphic ay nauugnay sa pamamagitan ng salaysay. Ang isang larawan ay isang hanay ng mga kaganapan, isang kuwento na nabuksan sa isang serye ng mga figure. Nasa maagang yugto ng pag-unlad na ito, ang pagpipinta ay nagpapahayag sa eroplano ng iba't ibang mga punto ng pananaw sa paksa. Ang mga artista ng Sinaunang Egypt ay nagpinta ng parehong mga mata sa isang mukha na inilalarawan sa profile, at ang mga pintor ng South Melanesia ay naglalarawan ng mga eroplano na nakatago mula sa direktang view: ang isang disk ay iginuhit sa itaas ng ulo ng isang tao, na nagpapahiwatig ng likod ng ulo, o isang dobleng mukha. na naghahatid ng "pabilog na tingin". Hindi napansin ng sinaunang artista ang kagandahan ng tanawin.

Alam na alam ng sinaunang artista ang anatomya ng hindi lamang isang hayop, kundi pati na rin ng isang tao. Ang himnastiko, musika at sining, na nararamdaman ang kagandahan at lakas ng katawan ng tao, ay kasangkot sa pagpapalaki ng isang mandirigma, na may malalim na socio-historical na ugat. Ang Olympic Games at mga sculptural na imahe ng mga bayani ay gumaganap ng magkatulad na panlipunan at aesthetic na mga tungkulin: ang edukasyon ng mga mandirigma na kinakailangan para sa demokrasya na nagmamay-ari ng alipin - ang mga tagapagtanggol ng Hellas at ang mga minero ng mga alipin para sa pag-unlad ng ekonomiya nito.

Ang medyebal na pagpipinta ay nagbigay ng isang karaniwang patag na imahe ng mundo. Ang komposisyon ay hindi nagbigay-diin sa liblib ng bagay mula sa mata ng nagmamasid, ngunit ang kahulugan at kahalagahan nito. Ang parehong mga tampok ay likas sa pagpipinta ng icon ng Russia. Ang Middle Ages ay hindi pa rin alam ang anatomical na pagkakaiba sa pagitan ng isang may sapat na gulang at isang bata: sa mga pagpipinta, ang Christ Child ay isang may sapat na gulang sa pinababang laki. Ang medieval na fine art ay tumitingin sa panloob na mundo ng isang tao, tumagos nang malalim sa kanyang espiritu. Ang kulto ng kagandahan ng hubo't hubad na katawan ay pinapalitan ng isang moda para sa pagsasara ng katawan, pagbagsak sa sahig ng mga damit. Ang monastic attire ay katangian, itinatago ang mga balangkas ng pigura ng isang tao, ginagawa ang kanyang hitsura na walang hugis at walang kasarian.

Binuhay ng Renaissance ang kulto ng hubad na katawan, na binibigyang diin hindi lamang ang kagandahan at kapangyarihan nito, kundi pati na rin ang sensual na apela nito. Ang kagalakan ng pagiging, ang espirituwal at senswal na kasiyahan sa buhay ay nagniningning sa pagpipinta, na nagpapaluwalhati sa kagandahan ng katawan ng babae, sa kalinisang-puri ni Georgenev, sa karilagan ni Rubens, sa makalupang at makalangit na kagandahan ni Titian, sa espiritwalidad ng El Grecian.

Ang pagpipinta sa sistema ng mga anyo ng sining ng Renaissance ay gumaganap ng isang nangungunang papel. Pinagtitibay ng mga artista ang unibersal na kahalagahan ng pagpipinta, na, tulad ng panitikan, ay hindi kailangang isalin sa ibang wika, isinulat ni Leonardo da Vinci: "... kung ang makata ay nagsisilbi sa isip sa pamamagitan ng tainga, kung gayon ang pintor sa pamamagitan ng mata, higit pa karapat-dapat sa pakiramdam ... Ang larawan ay mas kapaki-pakinabang at maganda, tulad ng higit pa ... Pumili ng isang makata na maglalarawan sa kagandahan ng isang babae sa kanyang kasintahan, at pumili ng isang pintor na maglalarawan sa kanya, at makikita mo kung saan ikikiling ng kalikasan ang mapagmahal na hukom.

Palaging lumilitaw ang mga henyo sa pinaka-kinakailangang lugar ng kasanayang panlipunan. At hindi nagkataon na ang Renaissance ay nagbigay ng mga dakilang artista tulad nina Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rubens, Titian.

Ang anti-ascetic, anti-scholastic pathos ng panahon, ang udyok sa kayamanan ng buhay, sa espirituwal at senswal na kagalakan nito, ay tiyak na nahahanap ang kanilang buong pagpapahayag sa pagpipinta ("Spring" ni Botticelli). Inihahatid ng mga artista ang anatomya na may kaugnayan sa edad ng isang tao (ang bata sa mga bisig ng Madonna Litta ni Leonardo da Vinci ay hindi isang dwarf, ngunit talagang isang sanggol), inilalantad nila ang dinamikong anatomya ng isang tao sa iba't ibang mga rate at sharpness, anggulo, direksyon ng paggalaw (ang mga fresco sa kisame ng Sistine Chapel ni Michelangelo).

Sa Renaissance, nabuo ang mga detalyadong prinsipyo ng perspective-spatial na komposisyon. Ang pag-aayos ng mga figure sa larawan ay nagsiwalat ng kanilang mga relasyon sa buhay. Binuksan ng Renaissance ang mga batas ng pananaw, o mas malawak pa - malayang pagmamay-ari ng espasyo. Ang ideya ng pananaw ay binuo nina Brunelleschi at Alberti, na nagturo upang ayusin ang espasyo sa isang pagpipinta ayon sa mga prinsipyo ng isang pinutol na pyramid na nabuo ng mga sinag na nagmumula sa mga bagay sa ating mata. Ang karunungan sa espasyo ay ipinapahiwatig hindi lamang sa pamamagitan ng pagbuo ng pananaw (halimbawa, sa The Last Supper ni Leonardo da Vinci), kundi pati na rin ng paglikha ng isang "dematerialized" na espasyo.

Noong ika-19 na siglo natapos na ang nakabalangkas na proseso ng delimitation ng pagpipinta at graphics. Ang mga detalye ng mga graphics ay mga linear na relasyon, ang pagpaparami ng hugis ng mga bagay, ang paglipat ng kanilang pag-iilaw, ang ratio ng liwanag at anino. Kinukuha ng pagpipinta ang ugnayan ng mga kulay ng mundo, sa kulay at sa pamamagitan ng kulay ay ipinapahayag nito ang kakanyahan ng mga bagay, ang kanilang aesthetic na halaga, na-calibrate ang kanilang layunin sa lipunan, ang kanilang mga sulat sa kapaligiran. Ang proseso ng delimitation ng pagpipinta at graphics ay nakumpleto ng mga Impresyonista. Hindi sila naghahatid ng anumang bagay sa labas ng kulay, ang lahat ng linear ay pangalawa sa kanila; hindi isang pagguhit, ngunit ang mga ratio ng kulay ng mga itinatanghal na bagay ay naging pangunahing tagapagdala ng aesthetic na kahulugan. Ang pagpipinta ay nakakakuha ng kalayaan mula sa pagguhit, na dati ay pangunahing layunin nito, at lumalapit sa musika, lumayo sa panitikan.

Noong ikadalawampu siglo kapansin-pansing nagbabago ang kalikasan ng pagpipinta. Ito ay naiimpluwensyahan ng litrato, sinehan, telebisyon, ang lawak at iba't ibang mga impression ng isang modernong tao na nakikita ang katotohanan mula sa mahusay na taas, at sa mataas na bilis, at mula sa hindi inaasahang mga anggulo, at mula sa variable, gumagalaw na mga punto ng view. Lumalalim ang intelektwal at sikolohikal na mundo ng tao. Ang pagdating ng photography at ang kahusayan nito sa kulay ay nagdulot ng mga bagong hamon para sa pagpipinta. Ang isang larawan ay maaari na ngayong kumuha ng isang bagay bilang isang alaala. Sa pagpipinta ng ikadalawampu siglo. ang papel ng subjective na prinsipyo ay tumataas, ang kahalagahan ng personal na pangitain, ang indibidwal na pang-unawa sa buhay ay pinalubha (alalahanin ang Grabar's March Snow).

Ang mga elementong bumubuo ng kahulugan ng pagpipinta ay ang naprosesong flat base, ang tamang mga gilid ng larawan at ang frame (wala ang mga elementong ito sa rock art). Sa modernong panahon, lumitaw ang pagpipinta na hindi naglalarawan ng malalim na espasyo at hindi naka-frame. Ang analogue nito ay isang iskultura na walang pedestal - nasuspinde o nakatayo sa lupa. Ang mga bahagi ng pictorial plane, ang lugar ng imahe ng bagay dito, ay may sign na kahulugan. Sa larawan ni Munch, ang paksang nakalubog sa kanyang sarili ay bahagyang matatagpuan sa gilid sa walang laman na espasyo. Lumilikha ito ng artistikong at semantikong epekto ng kalungkutan at pagkalayo, na nagpapaganda ng pose ng taong inilalarawan.

Arkitektura. Kapag ang isang tao ay natutong gumawa ng mga kasangkapan, ang kanyang tirahan ay hindi na isang butas o isang pugad, ngunit isang kapaki-pakinabang na gusali, na unti-unting nakakuha ng isang aesthetic na hitsura. Ang konstruksiyon ay naging arkitektura.

Ang arkitektura ay ang pagbuo ng realidad ayon sa mga batas ng kagandahan kapag lumilikha ng mga gusali at istruktura na idinisenyo upang pagsilbihan ang mga pangangailangan ng tao sa mga pabahay at pampublikong espasyo. Ang arkitektura ay lumilikha ng isang saradong utilitarian-artistic na binuo na mundo, na nalilimita sa kalikasan, lumalaban sa natural na kapaligiran at nagpapahintulot sa mga tao na gamitin ang humanized na espasyo alinsunod sa kanilang materyal at espirituwal na mga pangangailangan. Ang imahe ng arkitektura ay nagpapahayag ng layunin ng gusali at ang masining na konsepto ng mundo at personalidad, ang ideya ng isang tao sa kanyang sarili at ang kakanyahan ng kanyang panahon.

Ang arkitektura ay sining at ang mga gusali ay may isang tiyak na istilo. Salamat sa arkitektura, isang mahalagang bahagi ng "pangalawang kalikasan" ang lumitaw - ang materyal na kapaligiran, na nilikha ng paggawa ng isang tao at kung saan nagaganap ang kanyang buhay at aktibidad.

Ang arkitektura ay nakakaakit sa ensemble. Ang mga gusali nito ay mahusay na umaangkop sa natural (natural) o urban (urban) na tanawin. Halimbawa, ang gusali ng Moscow State University ay akma sa tanawin ng Sparrow Hills, mula sa kung saan makikita mo ang kabisera at ang papaalis na kalawakan ng Central Russian plain. Ang dating gusali ng CMEA (ngayon ay ang gusali ng City Hall), na mukhang isang bukas na libro, ay matagumpay na naisulat sa urban landscape ng Moscow.

Ang mga anyo ng arkitektura ay tinutukoy: 1) natural (depende sa heograpikal at klimatiko na mga kondisyon, sa likas na katangian ng tanawin, ang intensity ng sikat ng araw, kaligtasan ng seismic); 2) panlipunan (depende sa likas na katangian ng sistemang panlipunan, aesthetic ideals, utilitarian at artistikong pangangailangan ng lipunan; ang arkitektura ay mas malapit na konektado sa pag-unlad ng mga produktibong pwersa, sa pag-unlad ng teknolohiya kaysa sa iba pang sining).

Arkitektura - at sining, at inhinyero, at konstruksyon, na nangangailangan ng malaking konsentrasyon ng sama-samang pagsisikap at materyal na mapagkukunan (halimbawa, ang St. Isaac's Cathedral, ay itinayo ng kalahating milyong tao sa loob ng apatnapung taon). Ang mga gawaing arkitektura ay nilikha sa loob ng maraming siglo. Ang lumikha ng "aklat na bato" at ang "tagabasa" nito ay ang mga tao. Ang isang gawain ng arkitektura ay isang malaking simponya ng bato, isang makapangyarihang paglikha ng mga tao, tulad ng Iliad, isang kamangha-manghang resulta ng kumbinasyon ng lahat ng mga puwersa ng isang buong panahon.

Kahit noong sinaunang panahon, nakipag-ugnayan ang arkitektura sa monumental na iskultura, pagpipinta, mosaic, at mga icon. Sa synthesis na ito, nangingibabaw ang arkitektura. Minsan ang panitikan sa anyo ng isang sipi mula sa isang tekstong pampanitikan ay pumapasok sa isang relasyon ng subordination sa arkitektura at iskultura. May isang kilalang kaso ng isang subordinate na interaksyon ng musika sa arkitektura: isa sa mga Burmese pagoda ay nakabitin na may mga kampana na lumilikha ng isang pilak na ulap ng pinakamaliwanag at pinaka banayad na tugtog sa paligid ng istraktura. Ang musika ng organ ay isinailalim sa mga katedral ng Gothic.

Ang batayan ng komposisyon ng arkitektura ay ang tatlong-dimensional na istraktura, ang organikong pagkakabit ng mga elemento ng isang gusali o isang grupo ng mga gusali. Ang sukat ng gusali ay semiotically makabuluhan at higit sa lahat ay tumutukoy sa likas na katangian ng masining na imahe, ang monumentality o intimacy nito. Ang arkitektura ay hindi nagpaparami ng katotohanan sa paningin, ngunit nagpapahayag. Ritmo, ang ratio ng mga volume, mga linya - ang paraan ng pagpapahayag nito. Ang isa sa mga modernong artistikong istruktura ay arrhythmia sa ritmo, dissonance sa pagkakaisa (halimbawa, isang grupo ng mga gusali sa lungsod ng Brazil).

Ang arkitektura ay nagmula sa sinaunang panahon, sa pinakamataas na yugto ng barbarismo, kapag ang mga batas ng hindi lamang pangangailangan, kundi pati na rin ang kagandahan ay nagsimulang gumana sa konstruksiyon.

SA Sinaunang Ehipto malalaking libingan ang itinayo (ang taas ng pyramid ng Cheops sa Giza ay halos 150 m), mga templo na may maraming makapangyarihang mga haligi (sa templo ng Amun sa Karnak, ang taas ng mga haligi ay 20.4 m, at ang diameter ay 3.4 m) . Ang arkitektura na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng geometric na kalinawan ng mga anyo, ang kawalan ng mga artikulasyon, ang disproporsyon sa pagitan ng sukat ng gusali at ng tao, at monumentalidad na tumatakip sa personalidad. Ang mga magagarang istruktura ay nilikha hindi upang matugunan ang mga materyal na pangangailangan ng mga tao, ngunit sa ngalan ng espirituwal at relihiyosong mga layunin at nagsilbi sa layunin ng panlipunang organisasyon ng mga Ehipsiyo sa ilalim ng despotikong kapangyarihan ng pharaoh.

Sa Ancient Hellas, ang arkitektura ay nakakakuha ng isang demokratikong hitsura. Ang mga relihiyosong gusali (halimbawa, ang templo ng Parthenon) ay nagpapatunay sa kagandahan, kalayaan, at dignidad ng isang mamamayang Griyego. May mga bagong uri ng pampublikong gusali - mga sinehan, istadyum, paaralan. Sinusunod ng mga arkitekto ang humanistic na prinsipyo ng kagandahan na binuo ni Aristotle: ang kagandahan ay hindi masyadong malaki o napakaliit. Ang tao dito ay kumikilos bilang isang sukatan ng kagandahan at sukat ng gusali, na, hindi katulad ng mga gusali ng Sinaunang Ehipto, ay hindi pinipigilan, ngunit itinataas ang indibidwal, na tumutugma sa mga layuning panlipunan ng demokrasya ng Athens. Ang mga arkitekto ng sinaunang Greece ay lumikha ng isang sistema ng kaayusan na may malaking papel sa pag-unlad ng arkitektura. SA Sinaunang Roma arched at vaulted concrete structures ay malawakang ginagamit. Lumitaw ang mga bagong uri ng mga istruktura: mga forum, mga arko ng tagumpay, na sumasalamin sa mga ideya ng estado, kapangyarihan ng militar.

Sa Middle Ages, ang arkitektura ang naging nangungunang at pinakalaganap na anyo ng sining, na ang mga larawan ay naa-access kahit na sa mga taong hindi marunong bumasa at sumulat. Sa mga gothic cathedrals na naghahangad sa langit, ang relihiyosong salpok sa Diyos at ang madamdamin na makalupang pangarap ng kaligayahan ng mga tao ay ipinahayag.

Ang arkitektura ng Renaissance ay bubuo sa isang bagong batayan ang mga prinsipyo at anyo ng mga sinaunang klasiko.

Ang klasiko ay nag-canonize ng mga pamamaraan ng komposisyon noong unang panahon.

Mula sa katapusan ng ika-16 hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, sa panahon ng pagbuo ng mga pambansang estado, na sinamahan ng mga digmaan, nabuo ang baroque (isang malaking bilang ng mga dekorasyon ng stucco, ang pagiging kumplikado ng mga dibisyon at spatial na relasyon, karilagan, kadakilaan , kaibahan ng mga anyo). Ang mga Baroque na gusali ay nagsilbi upang luwalhatiin at patunayan ang absolutismo (tulad ng Palasyo ng Versailles) at Katolisismo (halimbawa, ang simbahang Romano ng Santa Maria della Vittoria).

Sa simula ng siglo XVIII. sa Pransya, ang estilo ng Rococo ay bumangon at kumalat sa buong Europa (halimbawa, Sanssouci Palace sa Potsdam) bilang isang pagpapahayag ng mga panlasa ng aristokrasya (dekorasyon, kakaibang dekorasyon ng anyo, sinasadyang kawalaan ng simetrya at pagiging kumplikado ng mga paikot-ikot na linya, at sa interior - mayamang mural at malalaking salamin na lumilikha ng impresyon na gaan at hindi madaling unawain ng mga dingding).

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVIII. Ang Rococo ay nagbibigay daan sa Imperyo - isang monumental, marilag na istilo batay sa mga tradisyon ng klasisismo at estilo ng panahon ng mga emperador ng Roma. Ito ay nagpapahayag ng kapangyarihang militar at soberanong kadakilaan ng kapangyarihan (halimbawa, ang Arc de Triomphe sa Paris, na lumalampas sa mga arko ng sinaunang mundo, o ang Vendome column, na inuulit ang column ni Trajan sa Roma).

Ang mga nakamit ng arkitektura ng Russia ay naka-print sa Kremlin, mga kuta, mga palasyo, mga gusali ng relihiyon at sibil. Ang arkitektura ng Russia ay mayaman sa orihinal na pambansang likha (ang kampanilya ng Ivan the Great, St. Basil's Cathedral, mga gusaling gawa sa kahoy na may malinaw na mga nakabubuo na solusyon at mayamang mga anyong ornamental, gaya ng mga simbahan sa Kizhi). Ang "Russian baroque" ay iginiit ang pagkakaisa ng estado ng Russia, ang pagtaas ng pambansang buhay (ang mga likha ni Rastrelli: ang Winter Palace at mga ensemble ng Tsarskoye Selo).

Sa XVIII-XIX na siglo. ang mga prinsipyo ng klasiko ng Russia ay binuo: kalinawan at pagpapahayag ng imahe ng arkitektura, simpleng nakabubuo at masining na paraan. Noong ika-19 na siglo naitatag ang eclecticism.

Noong ikadalawampu siglo lumalabas ang mga bagong uri ng mga gusali: pang-industriya, transportasyon, administratibong matataas na gusali at mga lugar ng tirahan. Ang kanilang pagtatayo ay isinasagawa sa pamamagitan ng mga pang-industriyang pamamaraan gamit ang mga bagong materyales at karaniwang mga prefabricated na elemento. Binabago nito ang pamantayan ng aesthetic at nagbubukas ng mga bagong paraan ng pagpapahayag sa arkitektura (sa pagpaplano ng lunsod, halimbawa, may problema masining na pagpapahayag gusali ng masa).

Ang dekorasyon, na nagkasala ng arkitektura ng Sobyet noong 30s - 50s, ay humadlang sa pag-unlad nito. Ang pagtanggi sa pagpapaganda ay nabawasan ang gastos ng konstruksiyon, nadagdagan ang sukat at bilis nito, nagdirekta sa malikhaing pag-iisip ng mga arkitekto sa paghahanap ng mga simple, nagpapahayag na mga solusyon sa arkitektura nang wasto. Sa bagay na ito, ang House of Film Veterans, isang complex ng mga gusali sa Novy Arbat sa Moscow, ay nagpapahiwatig.

Paglililok- spatial at visual na sining, pinagkadalubhasaan ang mundo sa mga plastik na larawan, na naka-imprinta sa mga materyales na maaaring maghatid ng imahe ng buhay ng mga phenomena.

Ang mga gawa sa eskultura ay inukit mula sa marmol, granite at iba pang bato, inukit mula sa kahoy, hinulma mula sa luwad. Ang mga malambot na materyales ay itinuturing na pansamantala; kapag nagtatrabaho sa kanila, ang karagdagang paghahagis sa mas matibay ay karaniwang ipinapalagay - cast iron, bronze. Sa ating panahon, ang bilang ng mga materyales na angkop para sa iskultura ay lumawak: ang mga gawa ng bakal, kongkreto, at plastik ay lumitaw.

Ang tao ang pangunahing, ngunit hindi lamang ang paksa ng iskultura. Ang mga animalist ay gumagawa ng mga pigura ng mga hayop. Ang isang bilog na iskultura ay maaari lamang muling likhain ang mga detalye ng kapaligiran ng tao. Ang ganitong mga uri ng iskultura bilang bas-relief at high relief ay malapit sa pagpipinta at mga graphic, at ang imahe ng landscape ay magagamit sa kanila.

Ang paglililok ay laging naghahatid ng paggalaw. Kahit na ang kumpletong pahinga ay nakikita sa iskultura bilang isang panloob na paggalaw, bilang isang pangmatagalang estado, na pinalawak hindi lamang sa espasyo, kundi pati na rin sa oras. Ang iskultor ay mayroon lamang isang sandali ng pagkilos sa kanyang pagtatapon, ngunit may tatak ng lahat ng nauna at sumunod. Nagbibigay ito sa iskultura ng isang dynamic na pagpapahayag. eskultura imahe ng patay ang isang tao ay naghahatid ng isang nakatagong kilusan na nabubo sa katawan, ang kanyang walang hanggang kapahingahan at ang huling pagsisikap ng pakikibaka, nagyelo magpakailanman. Ito ang imahe ng patay na Kristo, na nakahiga sa kandungan ng Ina ng Diyos, sa eskultura na "Pieta" ni Michelangelo. Ang kilusan ay natutulog sa katawan ng Diyos Anak, bumagsak mula sa mga tuhod ng ina at kasabay nito, parang, lumalaban sa walang buhay na pagkahulog na ito.

Ang pang-unawa ng iskultura ay palaging nagbubukas nang sunud-sunod sa oras, na ginagamit sa komposisyon ng eskultura at tumutulong upang maihatid ang paggalaw. Ang isang pabilog na view, isang pagbabago sa posisyon, isang viewing angle ay nagpapakita ng iba't ibang panig nito sa isang three-dimensional na imahe.

Ang monumento ay isa sa mga posibilidad ng iskultura, na nagbibigay ito ng synthesis sa arkitektura.

Sa likas na katangian ng iskultura ay may malawak na paglalahat. Nabanggit ni Pushkin na ang isang pininturahan na iskultura ay hindi gaanong impresyon kaysa sa isang kulay na iskultura; ang pagkulay ay nag-aalis ng pangkalahatan nito.

Ang paraan ng figurativeness at expressiveness ng sculpture ay liwanag at anino. Ang mga eroplano at ibabaw ng sculpted figure, na sumasalamin sa liwanag at casting shadows, ay lumikha ng spatial play ng mga form na aesthetically nakakaapekto sa audience.

Ang bronze sculpture ay nagbibigay-daan sa isang matalim na paghihiwalay ng liwanag at anino, habang ang marmol, na natatagusan ng mga sinag ng liwanag, ay nagbibigay-daan sa iyo na maghatid ng banayad na paglalaro ng liwanag at lilim. Ang katangiang ito ng marmol ay ginamit ng mga sinaunang artista; kaya, ang pinong pinkish, bahagyang translucent na marmol ng estatwa ni Venus de Milo ay kamangha-manghang nagbibigay ng lambing at pagkalastiko ng katawan ng isang babae.

Ang iskultura ay isa sa mga pinakalumang anyo ng sining, mula pa noong panahon ng Paleolitiko. Sa kurso ng pag-unlad ng sinaunang lipunan, sa batayan ng mga mahiwagang katotohanan (syncretic at ritwal sa kalikasan, pre-artistic na mga imahe) na lumitaw mula sa mga praktikal na pangangailangan, isang sistema ng pag-sign ay ipinanganak, na pagkatapos ay nag-ambag sa masining at makasagisag na pagmuni-muni ng ang mundo. Halimbawa, ang isang bato na nagpapakilala sa isang hayop at nagsilbing target para sa pagdulot ng mga sugat ("rehearsal" ng pangangaso) ay pinalitan ng isang natural na pinalamanan na hayop, at pagkatapos ay ang eskultura na imahe nito.

Sa sinaunang Egypt, ang eskultura ay nauugnay sa kulto ng mga patay: ang paniniwala na ang kaluluwa ay buhay hangga't ang imahe ng isang tao ay umiiral na kinakailangan upang lumikha ng matibay na mga eskultura mula sa pinakamatibay na materyales (Lebanese cedar, granite, red porphyry, basalt). Ang monumento, ilang pagpapasimple ng mga anyo, at isang ugali sa mga static na pigura ay likas sa sinaunang eskultura ng Egypt.

Sa sinaunang Greece, ang iskultura ay umabot sa pinakamataas na antas. Ito ay hindi nagkataon na iniugnay ni Hegel ang klasikal (sinaunang) panahon ng sining sa iskultura. Sa sinaunang eskultura, palaging may pakiramdam ng kalayaan sa loob. Ang bayani ay kalmado at pinananatili ang kanyang panloob na dignidad, kahit na ang pagdurusa ay hindi nakakasira, hindi nakakasira sa kanyang mukha, hindi lumalabag sa pagkakaisa ng imahe (halimbawa, "Laocoon").

Ang Middle Ages ay bumuo ng mga monumental na anyo ng iskultura sa synthesis sa arkitektura. Pinagsama ng Gothic sculpture ang naturalistic na detalye sa mga pandekorasyon at dynamic na figure na naghahatid ng matinding espirituwal na buhay. Lumilitaw din ang illusory-phantasmagoric, allegorical na mga imahe (halimbawa, ang mga chimera ng Notre Dame Cathedral).

Ang mga iskultor sa Renaissance ay lumikha ng isang gallery ng maliwanag na indibidwal na mga imahe ng malakas ang kalooban, masigasig, aktibong mga tao.

Baroque sculpture (XVII century) ay solemne, magarbo, parada, puno ng kakaibang paglalaro ng liwanag at anino, kumukulong umiikot na masa.

Ang iskultura ng klasisismo, sa kabaligtaran, ay makatuwiran, kalmado, marilag, marangal na simple. Noong siglo XVIII. sculpture gravitates towards socio-psychological katangian ng portrait tao.

Noong ika-19 na siglo Ang realismo ay umuunlad sa iskultura: ang mga imahe ay nakakakuha ng aesthetic versatility, historical concreteness, araw-araw at sikolohikal na katangian.

Noong ikadalawampu siglo Ang mga eskultor ay nagbibigay ng isang pangkalahatan, kung minsan ay simboliko, interpretasyon ng mga larawang eskultura. Ang iskultura ay nagpapalalim sa sikolohikal na nilalaman ng imahe, na nagpapalawak ng mga posibilidad ng pagpapahayag ng espirituwal na buhay ng panahon sa plastik.

Ang sining ay nagsisilbing pagpapahayag ng mga kaisipan, damdamin, orihinal at natatanging personalidad ng artista, ngunit ito rin ay salamin ng kultura at kasaysayan ng panahon kung saan ang personalidad na ito ay nakatakdang lumikha. Ang enerhiya ng pagkamalikhain, na tumutukoy sa buong kasaysayan ng sining, ay nag-uugnay sa mga masters na pinaghiwalay sa oras na may isang solong thread. At kung titingnan mo mula sa puntong ito, hindi na kailangang isaalang-alang ang iba't ibang mga masining na paggalaw at ang kanilang mga kinatawan nang hiwalay, dahil ito ay iba't ibang mga yugto ng isang mahusay, tuluy-tuloy na paggalaw sa kanilang pag-unlad. Ang isang henerasyon ay pinalitan ng isa pa; ang mga ideya, teorya at hilig ay tumatanda, tulad ng mga tao, na nagbibigay daan sa mga bagong uso. Kapag ang isang artista ay nagawang buhayin ang isang tiyak na bagong proseso ng malalim na espirituwal at masining na paghahanap sa pamamagitan ng kanyang sariling pagkamalikhain, ang mga bagong istilo ay ipinanganak, at ang thread na nag-uugnay sa kanila sa nakaraan ay hindi kailanman nagambala, gaano man ito manipis.
Ang aklat na ito ay nagtatanghal ng kasaysayan ng sining mula sa mga sinaunang sibilisasyon hanggang sa pinakabagong mga uso: sa likas nitong paraan ng pagpapahayag - pagpipinta, iskultura, arkitektura - at bilang isang panorama ng mga pangunahing paggalaw, makikinang na mga master at mga gawa na nagpapakilala sa kanilang mga nagawa. Ang kasaysayan ay ipinakita sa mga kabanata, alinsunod sa mga pangunahing artistikong paggalaw at iba't ibang mga panahon, at napapailalim sa pagkakasunud-sunod ng mga pangyayari - mula sa sining sa sinaunang lipunan hanggang sa unang pamumulaklak ng medieval na pagkamalikhain sa panahon ng Carolingian, mula sa Renaissance hanggang sa Baroque, mula sa Impresyonismo at Simbolismo noong ika-19 na siglo. sa unang bahagi ng avant-garde, mula sa abstractionism hanggang sa postmodern na arkitektura. Ang bawat kabanata ay nagsisimula sa mga abstract na nagpapaliwanag sa kakanyahan ng proseso sa isang yugto o iba pa.

Sining sa Sinaunang Daigdig.
Ang mga kakaibang anyo ng komunikasyon at masining na pagpapahayag, pangunahin ng isang mahiwagang-relihiyoso na kalikasan, ay nakikilala ang sinaunang lipunan: sapat na upang alalahanin ang mga templo at palasyo sa Mesopotamia o ang mga piramide ng Egypt at mga templo, ngunit mayroon ding mga pandekorasyon na bagay at magagandang bagay na metal na ipinakita sa ang kultura ng halos lahat ng mga tao.

Ang mga Celts ay isang grupo ng mga Indo-European na mga tao na nakabase sa ika-2 milenyo BC. e. sa lugar sa pagitan ng itaas na bahagi ng Danube at silangang bahagi ng kasalukuyang France, mula sa kung saan sila pagkatapos ay kumalat (mula sa ika-7 siglo BC) halos sa buong Kanlurang Europa, sa Balkans, sa Italya at Asia Minor. Ang panahon ng pagpapalawak na ito ay natapos sa pagliko ng mga siglo ng II-I. BC e., nang ang kapangyarihan ng Roma ay lumalago na, at mula sa kailaliman ng Asya, ang mga alon ng mga taong Aleman na lumipat ay nagsimulang gumulong. Ang lipunan ng Celtic, kasama ang istraktura ng tribo nito, ay pinasiyahan ng hari at muling naglagay ng mga mapagkukunan sa pamamagitan ng digmaan, pangangaso at pag-aanak ng baka. Napakalakas ng pakiramdam ng pagiging kabilang sa tribo. Masining na produksyon. Ang sining ng Celtic ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mahusay na tinukoy at hindi nagbabago na anti-naturalismo. Sa ilalim ng isang mahiwagang at relihiyosong kapaligiran, natagpuan nito ang pinakasapat na pagpapahayag nito sa abstract na dekorasyon, na pinalamutian lalo na ang mga produktong metal (ang simula ng Panahon ng Bakal, ang unang kalahati ng 1st milenyo BC); sa loob nito ay natunaw ang lahat ng elementong natutunaw sa pakikipag-ugnayan sa iba't ibang tao.

Libreng pag-download ng e-book sa isang maginhawang format, panoorin at basahin:
I-download ang librong The whole history of art, Painting, Architecture, Sculpture, Decorative arts, Kotelnikova T.M., 2007 - fileskachat.com, mabilis at libreng pag-download.

• Art, grade 9, Domestic at world art culture, Kolbysheva S.I., Zakharina Yu.Yu., Tomasheva I.G., 2019