"Kapag ang talamak na anggulo ng isang tatsulok ay humipo sa isang bilog, ang epekto ay hindi gaanong makabuluhan kaysa kay Michelangelo, kapag ang daliri ng Diyos ay humipo sa daliri ni Adan," sabi ni V. Kandinsky, ang pinuno ng avant-garde art ng una. kalahati ng ika-20 siglo.

- anyo sining biswal, na hindi naglalayong ipakita ang visually perceived reality.
Ang direksyong ito sa sining ay tinatawag ding "di-layunin", dahil. tinanggihan ng mga kinatawan nito ang imahe, na malapit sa katotohanan. Isinalin mula sa Latin, ang salitang "abstraction" ay nangangahulugang "pag-alis", "pagkagambala".

V. Kandinsky "Komposisyon VIII" (1923)
Ang mga abstract na artist ay lumikha ng ilang mga kumbinasyon ng kulay at geometric na hugis sa kanilang mga canvases upang pukawin ang iba't ibang mga asosasyon sa manonood. Ang abstractionism ay hindi naglalayong makilala ang isang bagay.

Kasaysayan ng abstract na sining

Ang mga tagapagtatag ng abstract art ay itinuturing na Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova at Mikhail Larionov, Piet Mondrian. Si Kandinsky ang pinaka mapagpasyahan at pare-pareho sa mga kumatawan sa direksyong ito noong panahong iyon.
Sinasabi ng mga mananaliksik na hindi ganap na tama na isaalang-alang ang abstractionism bilang isang istilo sa sining, dahil Ito tiyak na anyo sining biswal. Nahahati ito sa ilang direksyon: geometric abstraction, gestural abstraction, lyrical abstraction, analytical abstraction, Suprematism, Aranformel, Nuageism, atbp. Ngunit sa esensya, ang isang malakas na generalization ay isang abstraction.

V. Kandinsky "Moscow. Pulang parisukat""
Nasa kalagitnaan na ng ika-19 na siglo. pagpipinta, graphics, eskultura ay batay sa kung ano ang hindi naa-access sa direktang paglalarawan. Magsisimula ang paghahanap ng mga bago sining biswal, mga paraan ng pag-type, pinataas na expression, mga unibersal na simbolo, mga naka-compress na plastic na formula. Sa isang banda, ito ay naglalayong ipakita ang panloob na mundo ng isang tao - ang kanyang emosyonal sikolohikal na estado, sa kabilang banda, upang i-update ang pananaw ng layunin ng mundo.

Ang gawain ni Kandinsky ay dumaan sa maraming yugto, kabilang ang akademikong pagguhit at makatotohanan pagpipinta ng tanawin, at pagkatapos lamang napupunta sa libreng espasyo ng kulay at linya.

V. Kandinsky "The Blue Rider" (1911)
Ang abstract na komposisyon ay ang huling, molekular na antas kung saan nananatili pa rin ang pagpipinta. Ang abstract na sining ay ang pinaka-naa-access at marangal na paraan upang makuha ang personal na pag-iral, at sa parehong oras ito ay isang direktang pagsasakatuparan ng kalayaan.

Murnau "Ang Hardin" (1910)
Ang unang abstract na pagpipinta ay ipininta ni Wassily Kandinsky noong 1909 sa Alemanya, at makalipas ang isang taon dito ay inilathala niya ang aklat na "On the Spiritual in Art," na kalaunan ay naging tanyag. Ang batayan ng aklat na ito ay ang mga pag-iisip ng artist na ang panlabas ay maaaring hindi sinasadya, ngunit ang panloob na kinakailangan, espirituwal, na bumubuo ng kakanyahan ng tao, ay maaaring maisama sa isang larawan. Ang pananaw sa mundo na ito ay nauugnay sa theosophical at anthroposophical na mga gawa nina Helena Blavatsky at Rudolf Steiner, na pinag-aralan ni Kandinsky. Inilalarawan ng artist ang kulay, ang interaksyon ng mga kulay at ang epekto nito sa mga tao. “Ang saykiko na kapangyarihan ng pintura... ay nagdudulot ng espirituwal na panginginig ng boses. Halimbawa, ang kulay pula ay maaaring magdulot ng mental vibration katulad ng dulot ng apoy, dahil ang pula ay kasabay ng kulay ng apoy. Ang mainit na pulang kulay ay may nakapagpapasigla na epekto; ang gayong kulay ay maaaring tumindi sa isang masakit, masakit na antas, marahil dahil din sa pagkakahawig nito sa dumadaloy na dugo. Ang pulang kulay sa kasong ito ay gumising sa memorya ng isa pang pisikal na kadahilanan, na, siyempre, ay may masakit na epekto sa kaluluwa."

V. Kandinsky "Twilight"
«... lila ay isang pinalamig na pula, kapwa sa pisikal at mental na kahulugan. Ito ay samakatuwid ay may katangian ng isang bagay na masakit, napatay, may isang bagay na malungkot sa sarili. Ito ay hindi para sa wala na ang kulay na ito ay itinuturing na angkop para sa mga damit ng matatandang babae. Direktang ginagamit ng mga Intsik ang kulay na ito para sa mga kasuotan sa pagluluksa. Ang tunog nito ay katulad ng mga tunog ng English horn, flute at, sa lalim nito, sa mababang tono ng woodwind instruments (halimbawa, bassoon).”

V. Kandinsky "Grey Oval"
"Ang itim na kulay ay parang Wala nang walang posibilidad, parang patay."
"Malinaw na ang lahat ng mga ibinigay na pagtatalaga para sa mga simpleng kulay na ito ay napaka-pansamantala lamang at elementarya. Ang parehong mga damdamin na binanggit natin na may kaugnayan sa mga kulay - kagalakan, kalungkutan, atbp. Ang mga damdaming ito ay lamang din materyal na kondisyon mga kaluluwa. Ang mga tono ng mga kulay, pati na rin ang musika, ay may mas banayad na kalikasan; nagdudulot sila ng mas banayad na mga panginginig ng boses na hindi maipahayag sa mga salita."

V.V. Kandinsky (1866-1944)

Isang pambihirang pintor ng Russia, graphic artist at theorist ng fine arts, isa sa mga tagapagtatag ng abstract art.
Ipinanganak sa Moscow sa pamilya ng isang negosyante, nakatanggap siya ng isang pangunahing musikal at edukasyon sa sining sa Odessa, nang lumipat ang pamilya doon noong 1871. Mahusay siyang nagtapos sa Faculty of Law ng Moscow State University.
Noong 1895, isang eksibisyon ng mga impresyonistang Pranses ang ginanap sa Moscow. Si Kandinsky ay lalo na natamaan ng pagpipinta ni Claude Monet na "Haystack" - kaya sa edad na 30 ay ganap niyang binago ang kanyang propesyon at naging isang artista.

V. Kandinsky "Motley Life"
Ang kanyang unang pagpipinta ay "A Variegated Life" (1907). Ito ay kumakatawan sa isang pangkalahatang larawan ng pag-iral ng tao, ngunit ito na ang pag-asa ng kanyang pagkamalikhain sa hinaharap.
Noong 1896 lumipat siya sa Munich, kung saan nakilala niya ang gawain ng mga German Expressionist. Matapos ang pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, bumalik siya sa Moscow, ngunit pagkaraan ng ilang oras muli siyang umalis patungong Alemanya, at pagkatapos ay sa Pransya. Marami siyang naglakbay, ngunit pana-panahong bumalik sa Moscow at Odessa.
Sa Berlin, nagturo si Wassily Kandinsky ng pagpipinta at naging isang teorista ng paaralan ng Bauhaus ( graduate School konstruksiyon at masining na disenyo) - institusyong pang-edukasyon sa Germany, na umiral mula 1919 hanggang 1933. Sa oras na ito, natanggap ni Kandinsky ang buong mundo na pagkilala bilang isa sa mga pinuno ng abstract art.
Namatay siya noong 1944 sa Parisian suburb ng Neuilly-sur-Seine.
Ang abstract na sining bilang isang artistikong kilusan sa pagpipinta ay hindi isang homogenous na kababalaghan - ang abstract art ay pinagsama ang ilang mga paggalaw: Rayonism, Orphism, Suprematism, atbp., tungkol sa kung saan maaari mong malaman nang mas detalyado mula sa aming mga artikulo. Simula ng ika-20 siglo - oras mabilis na pagunlad iba't ibang mga paggalaw ng avant-garde. Ang abstract na sining ay napaka-magkakaibang, kasama rin dito ang mga cubo-futurists, constructivists, non-objectivists, atbp. Ngunit ang wika ng sining na ito ay nangangailangan ng iba pang mga anyo ng pagpapahayag, ngunit hindi sila suportado ng mga figure ng opisyal na sining, bukod pa rito, ang mga kontradiksyon ay hindi maiiwasan sa mga ang kilusang avant-garde mismo. Ang sining ng avant-garde ay idineklarang anti-people, idealistic at halos ipinagbawal.
Ang abstractionism ay hindi nakahanap ng suporta sa pasistang Germany, kaya ang mga sentro ng abstractionism mula sa Germany at Italy ay lumipat sa America. Noong 1937, isang museo ng hindi layunin na pagpipinta ay nilikha sa New York, na itinatag ng pamilya ng milyonaryo na si Guggenheim, at noong 1939, ang Museo ng Modernong Sining, na nilikha gamit ang mga pondo mula sa Rockefeller.

Post-war abstract art

Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang "New York School" ay naging tanyag sa Amerika, na ang mga miyembro ay ang mga tagalikha ng abstract expressionism D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

D. Pollock "Alchemy"
Sa pagtingin sa pagpipinta ng artist na ito, naiintindihan mo: ang seryosong sining ay hindi nagbibigay ng sarili sa madaling interpretasyon.

M. Rothko "Walang Pamagat"
Noong 1959, ang kanilang mga gawa ay ipinakita sa Moscow sa eksibisyon ng pambansang sining ng US sa Sokolniki Park. Ang simula ng "thaw" sa Russia (1950s) ay nagbukas ng isang bagong yugto sa pagbuo ng domestic abstract art. Nagbukas na ang studio Bagong realidad", ang gitna nito ay Eliy Mikhailovich Belyutin.

Ang studio ay matatagpuan sa Abramtsevo, malapit sa Moscow, sa dacha ng Belutin. Nagkaroon ng pagtuon sa kolektibong gawain, na pinagsikapan ng mga futurist noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang "Bagong Realidad" ay pinagsama ang mga artista ng Moscow na may iba't ibang pananaw sa pamamaraan ng pagbuo ng abstraction. Ang mga artista na sina L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin ay lumabas sa studio na "Bagong Reality".

E. Belyutin "Pagiging Ina"
Ang isang bagong yugto sa pagbuo ng abstraction ng Russia ay nagsisimula sa 1970s. Ito ang panahon ng Malevich, Suprematism at Constructivism, ang mga tradisyon ng Russian avant-garde. Ang mga pagpipinta ni Malevich ay nagpukaw ng interes sa mga geometric na anyo, mga linear na palatandaan, at mga istrukturang plastik. Natuklasan ng mga modernong may-akda ang mga gawa ng mga pilosopo at teologo ng Russia, mga teologo at mistiko, at naging pamilyar sa hindi mauubos na mga mapagkukunang intelektwal na pumuno sa mga gawa ni M. Shvartsman, V. Yurlov, E. Steinberg ng bagong kahulugan.
Ang kalagitnaan ng 1980s ay minarkahan ang pagkumpleto ng susunod na yugto sa pagbuo ng abstraction sa Russia. Katapusan ng ika-20 siglo binalangkas ang isang espesyal na "Russian path" ng hindi layunin na sining. Mula sa punto ng view ng pag-unlad ng kultura ng mundo, ang abstractionism bilang isang kilusang istilo ay natapos noong 1958. Ngunit sa post-perestroika na lipunan ng Russia lamang naging pantay ang abstract art sa mga karapatan sa iba pang mga paggalaw. Ang mga artista ay binigyan ng pagkakataon na ipahayag ang kanilang sarili hindi lamang sa mga klasikal na anyo, kundi pati na rin sa mga anyo ng geometric abstraction.

Modern abstract art

Ang kulay puti ay madalas na nagiging modernong wika ng abstraction. Para sa Muscovites M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh, ang espasyo ng puti (ang pinakamataas na pag-igting ng kulay) ay puno ng walang katapusang mga posibilidad, na nagpapahintulot sa paggamit ng parehong metapisiko na ideya tungkol sa espirituwal at optical na mga batas ng liwanag pagmuni-muni.

M. Kastalskaya "Sleepy Hollow"
Ang konsepto ng "espasyo" ay may iba't ibang kahulugan sa modernong sining. Halimbawa, mayroong puwang ng isang tanda, isang simbolo. Mayroong isang puwang ng mga sinaunang manuskrito, ang imahe kung saan ay naging isang uri ng palimpsest sa mga komposisyon ng V. Gerasimenko.

A. Krasulin "Stool and Eternity"

Ang ilang mga uso sa abstract na sining

Rayonismo

S. Romanovich "Pagbaba mula sa Krus" (1950s)
Ang direksyon sa Russian avant-garde painting sa sining ng 1910s, batay sa paglilipat ng light spectra at light transmission. Isa sa mga unang bahagi ng abstractionism.
Ang batayan ng pagkamalikhain ng mga raymen ay ang ideya ng "intersection ng mga sinasalamin na sinag ng iba't ibang mga bagay," dahil ang aktwal na nakikita ng isang tao ay hindi ang bagay mismo, ngunit "ang kabuuan ng mga sinag na nagmumula sa pinagmumulan ng liwanag, naaaninag mula sa bagay at nahuhulog sa aming larangan ng pangitain." Ang mga sinag sa canvas ay ipinapadala gamit ang mga linyang may kulay.
Ang tagapagtatag at theorist ng kilusan ay ang artist na si Mikhail Larionov. Si Mikhail Le-Dantu at iba pang mga artista ng grupong "Donkey's Tail" ay nagtrabaho sa Rayonism.

Ang Rayonism ay nakatanggap ng partikular na pag-unlad sa gawain ni S. M. Romanovich, na ginawa ang mga coloristic na ideya ng Rayonism bilang batayan ng "spatiality" ng makulay na layer ng isang makasagisag na pagpipinta: "Ang pagpipinta ay hindi makatwiran. Nagmumula ito sa kaibuturan ng tao, parang bukal na umaagos mula sa ilalim ng lupa. Ang gawain nito ay pagbabagong-anyo nakikitang mundo(bagay) sa pamamagitan ng pagkakaisa, na isang tanda ng katotohanan. Trabaho - sumulat nang magkakasuwato - maaaring gawin ng isa kung kanino ito nabubuhay - ito ang lihim ng tao."

Orphism

Direksyon sa French painting simula ng ika-20 siglo, na binuo ni R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Ang pangalan ay ibinigay noong 1912 ng makatang Pranses na si Apollinaire.

R. Delaunay "Champs of Mars: Red Tower" (1911-1923)
Ang mga orphist artist ay naghangad na ipahayag ang dynamics ng paggalaw at ang musikal ng mga ritmo sa pamamagitan ng interpenetration ng mga pangunahing kulay ng spectrum at ang intersection ng mga curved surface.
Ang impluwensya ng Orphism ay makikita sa mga gawa ng Russian artist na si Aristarkh Lentulov, pati na rin sina Alexandra Ekster, Georgy Yakulov at Alexander Bogomazov.

A. Bogomazov "Komposisyon No. 2"

Neoplasticism

Ang estilo na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng malinaw na mga hugis-parihaba na anyo sa arkitektura ("internasyonal na istilo" ni P. Auda) at abstract na pagpipinta sa pag-aayos ng malalaking hugis-parihaba na eroplano, na pininturahan sa mga pangunahing kulay ng spectrum (P. Mondrian).

"Mondrian style"

Abstract expressionism

Isang paaralan (kilusan) ng mga artista na mabilis na nagpinta at sa malalaking canvases, gamit ang mga non-geometric na stroke, malalaking brush, minsan ay tumutulo ang pintura sa canvas upang ganap na ipakita ang mga emosyon. Ang layunin ng artist na may ganitong malikhaing pamamaraan ay ang kusang pagpapahayag ng panloob na mundo (subconscious) sa mga magulong anyo na hindi inayos ng lohikal na pag-iisip.
Ang kilusan ay nakakuha ng partikular na momentum noong 1950s, nang ito ay pinamumunuan nina D. Pollock, M. Rothko at Willem de Kooning.

D. Pollock "Sa ilalim ng iba't ibang maskara"
Ang isa sa mga anyo ng abstract expressionism ay ang Tachisme; ang parehong mga kilusang ito ay halos nag-tutugma sa ideolohiya at malikhaing pamamaraan, gayunpaman, ang personal na komposisyon ng mga artista na tinawag ang kanilang mga sarili na Tachistes o abstract expressionists ay hindi ganap na nag-tutugma.

Tachisme

A. Orlov "Ang mga peklat sa kaluluwa ay hindi naghihilom"
Ito ay pagpipinta na may mga spot na hindi muling likhain ang mga imahe ng katotohanan, ngunit ipahayag ang walang malay na aktibidad ng artist. Ang mga stroke, linya at batik sa tachisme ay inilalapat sa canvas na may mabilis na paggalaw ng kamay nang walang paunang pinag-isipang plano. Ang European group na "COBRA" at ang Japanese group na "Gutai" ay malapit sa tachisme.

A. Orlov "Mga Panahon" P.I. Chaikovsky

07/08/2019 nang 18:05 · VeraSchegoleva · 9 920

Nangungunang 10 pinakasikat na abstract artist na ang mga gawa ay malamang na narinig mo na

Pagdating sa ganoong direksyon sa pagpipinta bilang, ang agad na nasa isip ay sikat na pagpipinta Malevich "Black Square". Marahil ay may paliwanag para dito. Ang pagpipinta na ito ay isa sa pinakasikat, at sa kabila ng katotohanan na ito ay higit sa 100 taong gulang, ito ay nasasabik pa rin sa isip ng mga kritiko ng sining.

Kung pinag-uusapan natin ang abstract art, ito ay isang uri ng sining na tumatanggi sa mga tunay na anyo at bagay. Ang mga gawa ay isang kumbinasyon ng mga geometric na hugis, mga spot at mga linya.

Isa sa pinaka sikat na abstract artist ay Markus Rotkovich- sabi niya na siya Ang mga gawa ay nagpapadala sa manonood sa isang hindi kilalang mundo, kung saan ang tagamasid ay halos hindi gustong pumunta sa kanyang sarili.

Ang mga kuwadro na gawa ng mahusay na artistang Ruso na si Wassily Kandinsky ay hindi naiintindihan ng lahat - ang isang taong hindi nakakaintindi ng sining ay hindi naiintindihan ang mga ito, ngunit ang mga connoisseurs ng pagkamalikhain ay nakikita ito nang perpekto. pilosopikal na pananaw may-akda sa mga bagay.

Sa artikulong maaari mong malaman ang tungkol sa mga pinakasikat na abstract artist, ang kanilang mga gawa, at matutong mas maunawaan ang pagpipinta.

10. Arshile Gorky (Vosdanik Adoyan)

Mga taon ng buhay: 1904-1948

Arshile Gorky- Amerikanong artista pinagmulan ng Armenian, na lumikha sa isang bagong istilo.

Para sa kanyang trabaho, bumuo siya ng isang pamamaraan - inilatag ng artist ang mga puting canvases sa sahig at ibinuhos ang pintura mula sa isang lalagyan sa kanila. Matapos tumigas ang pintura, nagkamot siya ng mga linya rito, na lumikha ng parang bas-relief.

Ang mga pagpipinta ng master ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kayamanan - ang mga manonood, tumitingin sa kanila, nararamdaman ang pulso na nagmumula sa canvas, na ginawa sa maliwanag na pula at orange na kulay.

Ang artista ay nakaranas ng kalungkutan at kalungkutan na nanaig sa kanya, kahit na napapaligiran ng pamilya at mga kaibigan. Noong 1948, ang master, sa edad na 44, ay nagpakamatay sa pamamagitan ng pagbigti sa kanyang sarili sa bahay.

Mga sikat na gawa:"Hubad", "Betrothal II", "Agony".

9. Markus Rothkovich

Mga taon ng buhay: 1903-1970

Markus Rotkovich ipinanganak sa isang pamilyang Hudyo sa Latvia. Noong 1930s at 40s, naging interesado ang master sa surrealism, at mula 1947 nagsimula siyang magtrabaho sa genre ng abstract art.

Inilarawan niya ang mga tatsulok na matatagpuan parallel sa bawat isa. Ang mga kakaibang painting ay nagdulot ng isang estado ng kapayapaan at ibinaon ang manonood sa mga pag-iisip tungkol sa kapalaran, kamatayan, at trahedya.

Ang isang walang karanasan na manonood ay nakakakita ng "daub" sa mga pintura ni Rothko, ngunit ang kanyang mga gawa ay kinikilala bilang napakatalino na mga likha.

Nakakatuwang katotohanan: noong 1968, ang artista ay nasuri na may arterial aneurysm, ngunit sa kabila nito, patuloy na umiinom at naninigarilyo si Rothko. Paulit-ulit na nahulog ang master sa clinical depression, at, iniwan ang kanyang mga anak at asawa, lumipat ang artist sa kanyang studio. Noong 1970, kumuha siya ng isang malaking dosis ng antidepressants at pinutol ang kanyang mga pulso, siya ay 66 taong gulang.

Mga sikat na gawa:"No. 1 Royal Red and Blue", "White Center", "Black on Maroon".

8. Frantisek Kupka

Mga taon ng buhay: 1871-1957

Ang sining ng pagpipinta ay hindi limitado sa pagpaparami ng katotohanan, at ang ika-20 siglo ay ganap na napatunayan ito.

Frantisek Kupka, ipinanganak sa isang maliit na bayan sa Eastern Bohemia – maliwanag na kinatawan abstract na sining. Ang kanyang mga pintura ay ang masining na katumbas ng mga desisyon na nauugnay sa mga batas ng kalikasan, paglikha, espasyo, at ang ikot ng buhay.

Ginugol ni Kupka ang mga huling taon ng kanyang buhay sa Puteaux, kung saan siya namatay noong 1957 sa edad na 85.

Mga sikat na gawa:"Vertical Plains Blue and Red", "Blue", "Disks of Newton, Study for Fugue in Two Colors".

7. Joan Miró

Mga taon ng buhay: 1893-1983

Ang artistang Espanyol ay isa sa mga kilalang surrealist. Joan Miró ay isang masayang tao, pakiramdam niya ay isang manlilikha sa anumang sandali ng kanyang buhay: kapag siya ay nag-sketch, gumuhit, nagsabi ng isang bagay o kumanta ng isang kanta. Ang bawat gawa ng master ay isang buhay na buhay, dancing garden, isang singing opera.

Noong 1939-1944. Lumaganap ang pasismo sa buong Europa, at, nababahala sa buhay ng kanyang pamilya, lumipat si Miró sa Varangiville (isang maliit na nayon sa baybayin ng Normandy), kung saan tinalikuran niya ang digmaan at ang labas ng mundo.

Ang pag-withdraw sa kanyang sarili, sinimulan ng master ang kanyang trabaho sa magagandang serye ng "Constellations", sila ay dalisay at maganda. Noong 1945, ang "Mga Konstelasyon" ay ipinakita sa gallery, ang eksibisyon ay isang malaking tagumpay, at sa oras na ito ay minarkahan ang simula ng tagumpay ng artist, nakatanggap siya ng pagkilala sa buong mundo.

Mga sikat na gawa:"Mga Konstelasyon", "Blue Star", "Blue II".

6. Paul Klee

Mga taon ng buhay: 1879-1940

Paul Klee- ang unang tao na tumawag sa mga guhit ng mga baliw na tao at mga bata bilang tunay na pagkamalikhain. Ang master ay nag-imbento ng kanyang sariling pamamaraan - pag-ukit ng salamin na may isang karayom.

Si Paul Klee ay nagtalaga ng maraming oras sa edukasyon, kabilang ang pag-aaral sa sarili, na naniniwala na ang isang pintor ay dapat na isang pilosopo, isang naturalista at isang makata.

Bilang karagdagan, siya ay ipinanganak sa pamilya ng isang guro ng musika, at sa loob ng ilang oras ay nilalaro ang biyolin. Si Klee ay may talento sa musika, ngunit nagpasya na maging isang artista.

Kawili-wiling katotohanan: nagsulat ng isang tula na nakatuon kay Klea, na inilathala sa koleksyon.

Mga sikat na gawa:"Abstract color harmony", "Full moon", "Strong Dream".

5. Robert Delaunay

Mga taon ng buhay: 1885-1941

Delaunay - sikat Pranses na pintor. SA maagang pagkabata Ang Parisian ay nabighani sa araw at mga bulaklak, na nagmamasid na nagdulot sa kanya ng banayad na pang-unawa ng liwanag at kulay.

Ang amo ay pinalaki ng kanyang tiyuhin matapos maghiwalay ang kanyang mga magulang. Robert Delaunay Kasama ang kanyang asawa, bumuo siya ng isang artistikong kilusan - Orphism, na naging isang bagong sangay ng abstractionism.

Mga sikat na gawa:"Rhythm 1", "Synchronous Disc", "Rhythm".

4. Piet Mondrian

Mga taon ng buhay: 1872-1944

Piet Mondrian- artista mula sa Netherlands. Ang kanyang mga obra maestra ay sadyang nilikha gamit ang mga elementarya na linya at anyo, tiyak ang pamamaraang ito, na nagsasabing: " Lahat ng mapanlikha ay simple", ginawang kinikilalang artista si Mondrian.

Sa kanyang mga gawa, ipinakita ni Piet Mondrian ang kanyang kahulugan sa mundo sa pamamagitan ng magkasalungat - patayo at pahalang, pambabae at panlalaki, kahinaan at kalamangan. Ang kanyang mga pagpipinta ay namangha sa mundo ng sining, at ang imitasyon ng henyo ng master ay matatagpuan pa rin sa fashion, atbp.

Mga sikat na gawa:"Komposisyon na may Pula, Dilaw at Asul", "Komposisyon sa Kulay A", "Boogie-Woogie sa Broadway".

3. Kazimir Malevich

Mga taon ng buhay: 1879-1935

Russian avant-garde artist, Kazimir Malevich, nagtrabaho sa iba't ibang istilo: impresyonismo, cubism, neo-primitivism, atbp.

Ginugol ng batang lalaki ang kanyang pagkabata malayo sa malalaking lungsod - sa mga nayon ng Ukrainian. Ang kaakit-akit na kalikasan at buhay sa kanayunan ay nagbigay inspirasyon sa kanya at naimpluwensyahan ang kanyang trabaho sa hinaharap. Sa kanyang mga kuwadro ay makikita ang mga tema ng magsasaka.

Inimbento ng artist ang Suprematism at bumaba sa kasaysayan ng sining bilang may-akda ng "Black Square".

Mga sikat na gawa:"Black Square", "Black Circle", "Red Square", "Red Cavalry Gallops".

2. Jackson Pollock

Mga taon ng buhay: 1912-1956

Bilang isang bata, ang artista ay hindi nakikilala sa pamamagitan ng kanyang kakayahang gumuhit, at walang sinuman ang maaaring mag-isip na si Pollock ay magiging pinuno ng abstract expressionism. Gayunpaman, gumawa siya ng makabuluhang kontribusyon sa sining ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo.

Jackson Pollock ay hindi gustong gumamit ng mga brush at pintura; sa halip, itinaboy lamang niya ang mga ito sa canvas, na lumikha ng mga obra maestra. Tinawag mismo ng artist ang diskarteng ito " pamamaraan ng pagbuhos", kung saan siya tinawag Jack the Sprinkler. Ang anyo ng pagpipinta na ito ay may kaugnayan sa surrealismo, dahil ipinahayag nito ang mga damdamin ng lumikha nito.

Si Jackson Pollock ay nahihirapang makipaghiwalay sa kanyang asawa - si Krasner, umatras siya sa kanyang sarili at naging malungkot. Habang lasing, nakuha ng artista ang kanyang convertible at nawalan ng kontrol. Lumipad ang sasakyan sa kalsada at tumaob. Namatay si Jackson matapos tumama sa puno.

Mga sikat na gawa:"No. 5,1948", "Number 17A".

1. Wassily Kandinsky

Mga taon ng buhay: 1866-1944

Ang artista ay hindi ipinanganak na may talento; nagsimula siyang magpinta lamang sa edad na 30. Gayunpaman, nagawa niyang maging sikat hindi lamang para sa kanyang mga pagpipinta, kundi pati na rin sa kanyang mga teoretikal na treatise, isa sa pinakasikat na pagiging "On the Spiritual in Art."

Nag-aral si Kandinsky mga gawaing pang-agham, mahusay na nagtapos mula sa Unibersidad ng Batas, ngunit nagpasya na iwanan ang kanyang mga aktibidad para sa kapakanan ng pagpipinta. Noong 1900 Wassily Kandinsky nagpunta sa Munich at pumasok sa pribadong paaralan ng Anton Azhbe doon, naramdaman ang kanyang tunay na pagtawag.

Mga sikat na gawa:"Green Composition", "Composition IV", "Contrasting Sounds", "Black and Purple", "Capricious".

Teksto: Ksyusha Petrova

NGAYONG LINGGO SA JEWISH MUSEUM AND TOLERANCE CENTER Ang eksibisyon na "Abstraction and Image" ni Gerhard Richter ay nagtatapos - ang unang personal na eksibisyon sa Russia ng isa sa mga pinaka-maimpluwensyang at mahal. mga kontemporaryong artista. Habang nasa kamakailang pinalawig na eksibisyon ng Raphael at Caravaggio at ang Georgian avant-garde sa Pushkin Museum. May mga pila para sa A.S. Pushkin; makikita mo si Richter sa komportableng kumpanya ng ilang dosenang bisita. Ang kabalintunaan na ito ay dahil hindi lamang sa katotohanan na ang Jewish Museum ay mas mababa sa katanyagan sa Pushkin o sa Hermitage, kundi pati na rin sa katotohanan na marami pa rin ang nag-aalinlangan tungkol sa abstract na sining.

Kahit na ang mga pamilyar sa Sovriska at nauunawaan nang mabuti ang kahalagahan ng "Black Square" para sa kultura ng mundo ay naaalis ng "elitismo" at "inaccessibility" ng abstraction. Kinukutya namin ang mga gawa ng mga naka-istilong artista, namangha sa mga talaan ng auction at natatakot na sa likod ng harapan ng mga termino ng pagpuna sa sining ay magkakaroon ng kawalan - pagkatapos ng lahat, ang mga artistikong merito ng mga gawa na kahawig ng mga scribble ng mga bata kung minsan ay nagtataas ng mga pagdududa sa mga propesyonal. Sa katunayan, ang aura ng "inaccessibility" ng abstract art ay madaling iwaksi - sa pagtuturo na ito sinubukan naming ipaliwanag kung bakit ang abstraction ay tinatawag na "Buddhist television" at mula sa aling panig lalapit dito.

Gerhard Richter. Nobyembre 1/54. 2012

Huwag subukang alamin
kung ano ang gustong sabihin ng artista

Sa mga bulwagan kung saan nakabitin ang mga pagpipinta ng Renaissance, kahit na ang isang hindi masyadong handa na manonood ay makakahanap ng kanyang paraan: hindi bababa sa madali niyang pangalanan kung ano ang inilalarawan sa pagpipinta - mga tao, prutas o dagat, kung anong mga emosyon ang nararanasan ng mga karakter, kung mayroong isang balangkas sa gawaing ito, pamilyar man sila sa kanya na mga kalahok sa mga kaganapan. Sa harap ng mga kuwadro na gawa ni Rothko, Pollock o Malevich, hindi kami nakakaramdam ng labis na kumpiyansa - walang bagay sa kanila na maaari naming pansinin at pag-isipan ang tungkol dito upang, tulad ng sa paaralan, upang malaman "kung ano ang may-akda nais na sabihin." Ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng abstract, o di-layunin, pagpipinta at ang mas pamilyar na matalinghagang pagpipinta: ang abstract artist ay hindi nagsusumikap na ilarawan ang mundo, hindi niya itinakda ang kanyang sarili ng ganoong gawain.

Kung titingnang mabuti ang huling dalawang siglo ng kasaysayan ng sining ng Kanluranin, magiging malinaw na ang pagtanggi sa paksa sa pagpipinta ay hindi kapritso ng isang dakot ng mga nonconformists, ngunit isang natural na yugto ng pag-unlad. Noong ika-19 na siglo, lumitaw ang litrato, at ang mga artista ay napalaya mula sa obligasyon na ilarawan ang mundo kung ano ito: ang mga larawan ng mga kamag-anak at minamahal na aso ay nagsimulang gawin sa isang studio ng larawan - ito ay naging mas mabilis at mas mura kaysa sa pag-order ng isang oil painting mula sa isang master. Sa pag-imbento ng photography, ang pangangailangan na maingat na kopyahin ang nakikita natin upang maiimbak ito sa memorya ay nawala.

← Jackson Pollock.
Shorthand figure. 1942

Noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang ilan ay nagsimulang maghinala na ang realistang sining ay isang bitag. Ang mga artista ay perpektong pinagkadalubhasaan ang mga batas ng pananaw at komposisyon, natutong ilarawan ang mga tao at hayop na may pambihirang katumpakan, nakakuha ng angkop na mga materyales, ngunit ang resulta ay mukhang hindi gaanong kapani-paniwala. Ang mundo ay nagsimulang magbago nang mabilis, ang mga lungsod ay naging mas malaki, ang industriyalisasyon ay nagsimula - laban sa background na ito, ang mga makatotohanang larawan ng mga patlang, mga eksena sa labanan at mga hubad na modelo ay tila lipas na sa panahon, diborsiyado mula sa kumplikadong mga karanasan ng modernong tao.

Ang mga Impresyonista, Post-Impresyonista, Fauvists at Cubists ay mga artista na hindi natatakot na muling tanungin kung ano ang mahalaga sa sining: bawat isa sa mga paggalaw na ito ay iginuhit ang mga karanasan ng nakaraang henerasyon, nag-eksperimento sa kulay at anyo. Bilang resulta, ang ilang mga artista ay dumating sa konklusyon na ang pakikipag-ugnay sa pagitan ng may-akda at ng manonood ay nangyayari hindi sa pamamagitan ng mga pagpapakita ng katotohanan, ngunit sa pamamagitan ng mga linya, mga spot at mga stroke ng pintura - kaya inalis ng sining ang pangangailangan na ilarawan ang anumang bagay, na nag-aanyaya sa manonood na pakiramdam ang walang ulap na kagalakan ng pakikipag-ugnay sa kulay, hugis, linya at texture. Ang lahat ng ito ay perpektong pinagsama sa mga bagong pilosopikal at relihiyosong mga turo - sa partikular, theosophy, at ang mga lokomotibo ng Russian avant-garde, Wassily Kandinsky at Kazimir Malevich, ay bumuo ng kanilang sariling mga sistemang pilosopikal kung saan ang teorya ng sining ay konektado sa mga prinsipyo ng isang huwarang lipunan.

Sa anumang hindi malinaw na sitwasyon, gumamit ng pormal na pagsusuri

Narito ang isang bangungot na maaaring matagpuan ng bawat makabagong mahilig sa sining: isipin na nakatayo sa harap ng sinasabi ng guidebook na isang magandang pagpipinta ni Agnes Martin at wala talagang nararamdaman. Walang iba kundi ang pagkairita at bahagyang kalungkutan - hindi dahil ang larawan ay nagbibigay sa iyo ng gayong mga damdamin, ngunit dahil hindi mo maintindihan kung ano ang iginuhit dito at kung saan kailangan mong tumingin (hindi ka sigurado kung ang mga tagapangasiwa ay nagbitin ng trabaho nang tama paraan). Sa ganoong sitwasyon, ang pormal na pagsusuri ay dumating upang iligtas, kung saan ito ay nagkakahalaga ng pagsisimula upang maging pamilyar sa anumang gawa ng sining. Huminga at subukang sagutin ang ilang mga tanong ng mga bata: ano ang nakikita ko sa harap ko - isang pagpipinta o isang iskultura, graphics o pagpipinta? Sa anong mga materyales at kailan ito nilikha? Paano mo mailalarawan ang mga hugis at linyang ito? Paano sila nakikipag-ugnayan? Gumagalaw ba sila o static? Mayroon bang lalim dito - aling mga elemento ng imahe ang nasa harapan at alin ang nasa background?

← Barnett Newman. Walang pamagat. 1945

Ang susunod na yugto ay medyo simple din: pakinggan ang iyong sarili at subukang tukuyin kung anong mga emosyon ang nagdudulot sa iyo ng nakikita mo. Nakakatawa ba o nakakaalarma ang mga pulang tatsulok na ito? Nakakaramdam ba ako ng kalmado o ang larawan ay nagpapabigat sa akin? Tanong sa pagsubok: Sinusubukan ko bang malaman kung ano ang hitsura nito, o hinahayaan ko ba ang aking isip na malayang makipag-ugnayan sa kulay at hugis?

Tandaan na hindi lamang ang larawan ang mahalaga, kundi pati na rin ang frame - o kakulangan nito. Sa kaso ng parehong Newman, Mondrian o ang "Amazon ng avant-garde" na si Olga Rozanova, ang pagtanggi sa frame ay isang malay na pagpili ng artist, na nag-aanyaya sa iyo na itapon ang mga lumang ideya tungkol sa sining at palawakin ang mga hangganan nito, literal na lumampas.

Upang maging mas kumpiyansa, maaari mong matandaan ang isang simpleng pag-uuri ng mga abstract na gawa: karaniwang nahahati sila sa geometric (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) at liriko (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).

Helen Frankenthaler. Orange Hoop. 1965

Helen Frankenthaler. Solarium. 1964

Huwag husgahan ang "kakayahang gumuhit"

"Walang magagawa ang aking anak/pusa/unggoy" ay isang parirala na sinasabi araw-araw sa bawat museo ng modernong sining (marahil naisip nilang mag-install ng isang espesyal na counter sa isang lugar). Ang madaling paraan Ang pagsagot sa ganoong pag-aangkin ay ang pagsinghot at pagpikit ng mga mata, pagrereklamo tungkol sa espirituwal na kahirapan ng mga nakapaligid sa iyo; isang mahirap at mas produktibong paraan ay seryosohin ang tanong at subukang ipaliwanag kung bakit ang kakayahan ng mga abstractionist ay dapat na masuri nang iba. Ang mahusay na semiologist na si Roland Barthes ay nagsulat ng isang taos-pusong sanaysay tungkol sa tila "pagkabata" ng mga scribbles ni Cy Twombly, at ang aming kontemporaryong Susie Hodge ay nagtalaga ng isang buong libro sa paksang ito.

Maraming mga abstract na artist ang may klasikal na edukasyon at mahusay na mga kasanayan sa pagguhit ng akademiko - iyon ay, nakakapagguhit sila ng isang magandang plorera ng mga bulaklak, isang paglubog ng araw sa dagat o isang larawan, ngunit sa ilang kadahilanan ay hindi nila gusto. Pinipili nila ang isang visual na karanasan na hindi nabibigatan ng objectivity: ang mga artista ay tila ginagawang mas madali ang gawain para sa manonood, na pinipigilan siyang magambala ng mga bagay na inilalarawan sa larawan, at tinutulungan siyang agad na isawsaw ang kanyang sarili sa isang emosyonal na karanasan.

← Cy Twombly. Walang pamagat. 1954

Noong 2011, nagpasya ang mga mananaliksik na suriin kung ang mga kuwadro na gawa sa genre ng abstract expressionism (ang direksyon na ito ng abstract na sining ay nagtataas ng karamihan sa mga katanungan) ay hindi nakikilala mula sa mga guhit ng maliliit na bata, pati na rin ang sining ng mga chimpanzee at elepante. Ang mga paksa ay hiniling na tumingin sa mga pares ng mga larawan at matukoy kung alin sa mga ito ang ginawa ng mga propesyonal na artista - sa 60-70% ng mga kaso, pinili ng mga sumasagot ang "tunay" na mga gawa ng sining. Ang kalamangan ay maliit, ngunit makabuluhan sa istatistika - tila, sa mga gawa ng mga abstractionist mayroong talagang isang bagay na nagpapakilala sa kanila mula sa mga guhit ng isang matalinong chimpanzee. Ang isa pang bagong pag-aaral ay nagpakita na ang mga bata mismo ay maaaring makilala ang mga gawa ng abstract artist mula sa mga guhit ng mga bata. Para subukan ang iyong artistic flair, maaari kang kumuha ng katulad na pagsusulit sa BuzzFeed.

Tandaan na ang lahat ng sining ay abstract

Kung ang iyong utak ay handa na para sa isang maliit na labis na karga, isaalang-alang ang katotohanan na ang lahat ng sining ay likas na abstract. Ang matalinghagang pagpipinta, maging ang buhay na buhay na "Boy with a Pipe" ni Picasso o "The Last Day of Pompeii" ni Bryullov, ay isang projection ng isang three-dimensional na mundo sa isang flat canvas, isang imitasyon ng "reality" na nakikita natin. sa pamamagitan ng pangitain. Hindi rin kailangang pag-usapan ang objectivity ng ating perception - kung tutuusin, ang mga kakayahan ng paningin, pandinig at iba pang pandama ng tao ay napakalimitado, at hindi natin masusuri ang mga ito sa ating sarili.

Si Marble David ay hindi isang buhay na tao, ngunit isang piraso ng bato na binigyan ni Michelangelo ng hugis na nagpapaalala sa amin ng isang tao (at nakuha namin ang ideya kung ano ang hitsura ng mga lalaki mula sa aming mga karanasan sa buhay). Kung napakalapit mo kay Gioconda, iisipin mo pa rin na nakikita mo ang kanyang maselan, halos buhay na balat, isang transparent na belo at fog sa di kalayuan - ngunit ito ay isang abstraction, ngunit si Leonardo da Vinci ay napakahirap at mahabang panahon. oras na inilapat ang mga layer ng pintura sa ibabaw ng bawat isa upang lumikha ng isang napaka banayad na ilusyon. Ang pag-unmask na trick ay mas malinaw na gumagana sa mga Fauvists at Pointillist: kung lalapit ka sa isang Pissarro painting, hindi mo makikita ang Montmartre Boulevard at ang paglubog ng araw sa Eragny, ngunit maraming makulay na maliliit na brushstroke. Ang sikat na pagpipinta ni Rene Magritte na "The Treachery of Images" ay nakatuon sa ilusyon na kakanyahan ng sining: siyempre, "ito ay hindi isang tubo" - ito ay mga stroke lamang ng pintura na maayos na inilagay sa canvas.

← Helen Frankenthaler.
Nepenthe. 1972

Ang mga Impresyonista, na ang kakayahan ay hindi natin pinagdudahan ngayon, ay ang mga abstractionist sa kanilang panahon: Sina Monet, Degas, Renoir at kanilang mga kaibigan ay inakusahan ng pag-abandona sa makatotohanang paglalarawan sa pabor sa paghahatid ng mga sensasyon. Ang mga stroke na "walang ingat", nakikita ng hubad na mata, "kakaibang" komposisyon at iba pang mga progresibong pamamaraan ay tila lapastangan sa publiko noong panahong iyon. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga impresyonista ay seryosong inakusahan ng "kawalan ng kakayahang gumuhit," kabastusan at pangungutya.

Kinailangan ng mga organizer ng Paris Salon na isabit ang Olympia ni Manet halos mula sa kisame - napakaraming tao ang gustong dumura dito o butasin ang canvas gamit ang isang payong. Ibang-iba ba ang sitwasyong ito sa insidente noong 1987 sa Stedelijk Museum ng Amsterdam, nang inatake ng isang lalaki ang abstract artist na Barnett Newman's Who's Afraid of Red, Yellow and Blue III gamit ang kutsilyo?

Mark Rothko. Walang pamagat. 1944-1946

Huwag pabayaan ang konteksto

Ang pinakamahusay na paraan upang maranasan ang isang piraso ng abstract na sining ay ang tumayo sa harap nito at tumingin at tumingin at tumingin. Ang ilang mga gawa ay maaaring maglubog sa manonood sa malalim na eksistensyal na damdamin o ecstatic na kawalan ng ulirat - kadalasang nangyayari ito sa mga painting ni Mark Rothko at mga bagay ni Anish Kapoor, ngunit ang mga gawa ay maaari ding magkaroon ng katulad na epekto hindi kilalang mga artista. Bagama't pinakamahalaga ang emosyonal na koneksyon, pag-iwas sa pagbabasa ng mga label at pagkilala kontekstong pangkasaysayan ito ay hindi katumbas ng halaga: ang pamagat ay hindi makakatulong sa iyo na maunawaan ang "kahulugan" ng trabaho, ngunit maaari itong magbigay sa iyo ng ilang mga kagiliw-giliw na mga saloobin. Kahit na ang mga tuyong pamagat tulad ng "Composition No. 2" at "Object No. 7" ay nagsasabi sa atin ng isang bagay: sa pamamagitan ng pagbibigay sa kanyang trabaho ng ganoong pangalan, hinihikayat tayo ng may-akda na talikuran ang paghahanap para sa "subtext" o "symbolism" at tumuon sa espirituwal na karanasan .

← Yuri Zlotnikov. Komposisyon Blg. 22. 1979

Mahalaga rin ang kasaysayan ng paglikha ng akda: malamang, kung malalaman mo kung kailan at sa ilalim ng anong mga pangyayari ang gawain ay nilikha, may makikita kang bago dito. Matapos basahin ang talambuhay ng artista, maingat na inihanda para sa iyo ng mga tagapangasiwa ng museo, tanungin ang iyong sarili kung ano ang kahalagahan ng gawaing ito sa bansa at sa oras na nagtrabaho ang may-akda nito: ang parehong "Black Square" ay gumagawa ng isang ganap na naiibang impresyon kung may alam ka tungkol sa mga pilosopikal na paggalaw at sining noong unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang isa pa, hindi gaanong kilalang halimbawa ay ang seryeng "Signal Systems" ng pioneer ng Russian post-war abstraction na si Yuri Zlotnikov. Ngayon, ang mga may kulay na bilog sa isang puting canvas ay hindi mukhang rebolusyonaryo - ngunit noong 1950s, nang ang opisyal na sining ay mukhang ganito, ang mga abstraction ni Zlotnikov ay isang tunay na tagumpay.

Bagalan

Ito ay palaging mas mahusay na bigyang-pansin ang ilang mga gawa na pumukaw sa iyong mata kaysa sa tumakbo sa museo, sinusubukang tanggapin ang kalawakan. Pinipilit ni Propesor Jennifer Roberts mula sa Harvard ang kanyang mga mag-aaral na tumingin sa isang pagpipinta sa loob ng tatlong oras - siyempre, walang humihingi ng ganoong tibay mula sa iyo, ngunit ang tatlumpung segundo ay malinaw na hindi sapat para sa isang pagpipinta ng Kandinsky. Sa kanyang manifesto - isang deklarasyon ng pag-ibig para sa abstraction, tinawag ng sikat na kritiko ng sining na si Jerry Saltz ang hypnotic na mga painting ni Rothko na "Buddhist television" - ito ay ipinahiwatig na maaari mong tingnan ang mga ito nang walang hanggan.

Ulitin ito sa bahay

Ang pinakamahusay na paraan upang subukan ang seditious na kaisipan na "Maaari din akong gumuhit," na kung minsan ay lumitaw sa mga propesyonal na kritiko ng sining, ay ang pagsasagawa ng isang eksperimento sa bahay. Magiging kawili-wili din ito sa kabaligtaran na sitwasyon - kung natatakot kang kumuha ng mga pintura dahil sa "kawalan ng kakayahang gumuhit" o "kakulangan ng kakayahan." Ito ay hindi para sa wala na ang mga abstract na diskarte ay madalas na ginagamit sa art therapy: nakakatulong sila upang ipahayag ang mga kumplikadong sensasyon kung saan mahirap makahanap ng mga salita. Para sa maraming artistang naghihirap panloob na mga kontradiksyon at sarili nitong hindi pagkakatugma sa labas ng mundo, ang abstraction ay naging halos ang tanging paraan upang makipagkasundo sa katotohanan (maliban sa droga at alkohol, siyempre).

Ang mga abstract na gawa ay maaaring gawin gamit ang anuman mga materyales sa sining- mula sa watercolor hanggang sa balat ng oak, kaya siguradong makakahanap ka ng pamamaraan na nababagay sa iyong gusto at badyet. Marahil ay hindi mo dapat simulan kaagad dripping" - ang pagsusuri ng painting ni Mondrian na "Composition with Red, Blue and Yellow" para sa mga maliliit ay hindi nakakahiyang basahin ng matatanda. Museo ng Hudyo, ART4

Mula noong sinaunang panahon, ang kagandahan ng nakapaligid na mundo, mga karanasan at mahahalagang kaganapan sa buhay ay hinikayat ang mga tao na maghatid ng mga visual na imahe sa tulong ng mga pintura. Malayo na ang narating ng pagpipinta mula sa mga rock painting at sinaunang fresco hanggang sa mga natatanging gawa ng sining na humanga sa pagiging totoo.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang ilang mga artista ay nagsimulang maghanap ng mga bagong paraan ng pagpapahayag, sinusubukang magdala ng isang hindi kinaugalian na pananaw at isang bagong pilosopiya sa kanilang mga gawa. Mula noon, hindi na sapat ang pag-master ng pamamaraan nang perpekto.

Kaya, sa pagpasok ng siglo, lumitaw ang isang kilusan na tinatawag na "modernismo" na may taglay nitong rebisyon ng klasikal na sining, isang hamon sa itinatag na mga aesthetic canon. Sa loob ng balangkas nito, nabuo ang isang ganap na espesyal na kilusan - abstractionism.

Kahulugan ng konsepto

Ang salitang Latin na abstractio ay isinalin sa Russian bilang "distraction." Ito ay ginamit upang tukuyin ang isang bagong istilo ng pagpipinta na lumitaw sa simula ng ika-20 siglo. Hindi ito ginamit ng pagkakataon, dahil abstract artist, nang walang pagbibigay ng malaking kahalagahan antas ng pagganap, ang espesyal na pananaw ng may-akda at mga bagong paraan ng pagpapahayag ay inilagay sa harapan.

Sa madaling salita, ang abstract art ay tiyak na uri sining, tumatangging maghatid ng mga tunay na anyo at bagay. Samakatuwid, madalas itong nailalarawan bilang hindi matalinghaga o hindi layunin na sining.

Sa halip na maghatid ng mga visual na larawan, nakatuon ang mga abstractionist sa pagpapakita ng panloob, madaling maunawaan na mga pattern ng pag-unawa sa mundo na nakatago sa likod ng mga nakikitang bagay.

Para sa kadahilanang ito, imposibleng makahanap ng mga asosasyon sa mga pamilyar na bagay sa kanilang mga gawa. Pangunahing tungkulin Ang ratio ng mga kulay, mga spot, mga geometric na hugis at mga linya. Bilang karagdagan sa mga artista, ang ilang mga iskultor, arkitekto, taga-disenyo, musikero, photographer at maging ang mga makata ay naging interesado sa sining ng abstraction.

Mga makasaysayang milestone

Si Wassily Kandinsky ay itinuturing na tagapagtatag ng abstract art. Noong 1910, pininturahan niya ang kanyang unang pagpipinta sa Alemanya gamit ang isang bagong pamamaraan noong panahong iyon. Bukod dito, noong 1911, ang aklat ni Kandinsky na "On Spiritual Art" ay nai-publish sa Munich.

Sa loob nito ay binalangkas niya ang kanyang aesthetic philosophy, na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga gawa ni R. Steiner at E. Blavatsky. Ang libro ay isang malaking tagumpay, at isang bagong kilusan sa pagpipinta ay tinawag na "abstractionism." Ito ang naging panimulang punto: ngayon ang di-layunin na diskarte sa pagkamalikhain ay nakakuha ng katanyagan sa iba't ibang uri ng pinong sining.

Sa kabila ng katotohanan na ang mga pinagmulan ng abstract na sining ay mga artistang Ruso tulad nina V. Kandinsky at K. Malevich, sa Unyong Sobyet noong 30s ang bagong direksyon ay tinalikuran. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, naging sentro ng abstract art ang Amerika, kung saan marami sa mga kinatawan nito ang nandayuhan mula sa Europa. Dito, noong 1937, binuksan ang Museo ng Non-Objective Painting.

Ang abstract art pagkatapos ng digmaan ay dumaan sa ilang mga yugto ng pag-unlad, kabilang ang muling pagkabuhay ng non-figurative art sa Russia sa simula ng perestroika. Ang mga artista sa wakas ay nagkaroon ng pagkakataon na lumikha ng mga kuwadro na gawa sa iba't ibang direksyon. Inilipat nila ang kanilang mga personal na subjective na karanasan sa mga canvases sa tulong ng kulay, lalo na puti, na naging isa sa mga pangunahing bahagi ng modernong hindi matalinghagang sining.

Mga direksyon ng abstractionism

Mula sa mga unang taon ng paglitaw ng isang bagong uri ng visual na pagkamalikhain, dalawang pangunahing direksyon ang nagsimulang bumuo sa loob ng balangkas nito: geometric at liriko. Ang una ay makikita sa mga gawa ni Kazimir Malevich, Peter Mondrian, Robert Delaunay at iba pa. Ang liriko na direksyon ay binuo ni Wassily Kandinsky, Jackson Pollock, Hans Hartung, atbp.

Gumagamit ang geometric abstractionism ng mga nakaayos na figure, eroplano at linya, habang ang lyrical abstractionism, sa kabaligtaran, ay nagpapatakbo ng may chaotically scattered spot ng kulay. Sa turn, sa batayan ng dalawang direksyon na ito, ang iba pang mga paggalaw ay nabuo, na nauugnay sa abstractionism sa pamamagitan ng isang solong aesthetic na konsepto: systematism, constructivism, Suprematism, Orphism, Tachisme, neoplasticism, Rayonism.

Rayonismo at liriko

Ang mga pagtuklas sa larangan ng pisika sa simula ng ika-20 siglo ay nagsilbing impetus para sa paglitaw ng naturang kilusan sa loob ng geometric na direksyon bilang rayonismo. Sa mga pinagmulan nito ay ang mga artistang Ruso na sina M. Larionov at N. Goncharova. Ayon sa kanilang ideya, ang anumang bagay ay isang kabuuan ng mga sinag na ipinadala sa canvas sa pamamagitan ng mga pahilig na kulay na mga linya. Ang gawain ng artist ay lumikha ng isang form mula sa kanila alinsunod sa kanyang sariling aesthetic vision.

At noong 50s ng huling siglo, ang geometric abstraction, kabilang ang Rayonism, ay pansamantalang nagbigay daan sa liriko na direksyon. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng improvisational na pagganap, pati na rin ang isang apela sa emosyonal na estado ng artist. Sa madaling salita, ang lyrical abstractionism ay isang uri ng snapshot ng emosyonal na mga karanasan ng isang tao, na ginawa nang hindi naglalarawan ng mga bagay at anyo.

Ang geometric lyricism ni Kandinsky

Tulad ng nabanggit na, ang estilo ng abstract art ay may utang sa hitsura nito kay V. Kandinsky. Paghahanda para sa isang karera bilang isang abogado, siya ay naging interesado sa pagpipinta at, na dumaan sa mga yugto ng pagkahumaling sa iba't ibang mga uso ng modernismo, lumikha ng kanyang sariling, natatanging uri ng abstract na pagpipinta.

Nang ipahayag ang pag-alis mula sa kalikasan hanggang sa kakanyahan ng mga phenomena, hinarap ni Kandinsky ang mga problema ng pagsasama-sama ng kulay at musika. Bilang karagdagan, ang impluwensya ng simbolismo na may kaugnayan sa interpretasyon ng kulay ay malinaw na nakikita sa kanyang trabaho.

Sa iba't ibang mga panahon ng kanyang buhay, ang artist ay mahilig sa alinman sa geometriko o liriko na direksyon. Bilang resulta, ang abstractionism sa pagpipinta ni Kandinsky, lalo na sa huling bahagi ng panahon, ay pinagsama ang mga prinsipyo ng parehong paggalaw.

Neoplasticism ni Peter Mondrian

Ang Dutchman na si P. Mondrian, kasama si V. Kandinsky, ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng abstract art. Kasama ang kanyang mga tagasunod, itinatag ng artista ang lipunang "Style" noong 1917, na naglathala ng isang magasin na may parehong pangalan.

Ang mga aesthetic na pananaw ni Mondrian ay naging batayan ng isang bagong direksyon - neoplasticism. Ang kanyang katangian- ang paggamit ng malalaking hugis-parihaba na eroplano, na pininturahan sa mga pangunahing kulay ng spectrum. Ito ay tiyak na maiuri bilang geometric abstract art.

Ang mga pintura ni Mondrian P., na nahuhumaling sa balanse ng mga pahalang at patayo, ay mga canvases na binubuo ng mga parihaba na may iba't ibang laki at iba't ibang kulay, na pinaghihiwalay ng makapal na itim na linya.

Ang neoplasticism ay may kapansin-pansing impluwensya sa arkitektura, muwebles at panloob na disenyo, pati na rin sa typographic art.

Suprematism ni Malevich

Ang abstractionism sa sining ng Kazimir Malevich ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na pamamaraan ng pagpapatong ng dalawang layer ng pintura upang makakuha ng isang espesyal na uri ng lugar ng kulay. Ang pangalan ng artist ay nauugnay sa paglitaw ng Suprematism - isang kilusan na pinagsasama ang pinakasimpleng geometric na mga hugis ng iba't ibang kulay.

Gumawa si Malevich ng kanyang sariling natatanging sistema ng abstract fine art. Ang kanyang sikat na "Black Square", na ipininta sa isang puting background, ay isa pa rin sa pinaka-tinalakay na mga painting ng mga abstract artist.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, bumalik si Malevich mula sa pagiging walang kabuluhan matalinghagang pagpipinta. Totoo, sa ilang mga pagpipinta sinubukan pa rin ng artist na pagsamahin ang mga diskarte ng pagiging totoo at Suprematism, tulad ng makikita sa pagpipinta na "Girl with a Pole".

Hindi maikakaila na kontribusyon

Ang mga saloobin sa hindi layunin na pagpipinta ay malawak na nag-iiba: mula sa kategoryang pagtanggi hanggang sa taos-pusong paghanga. Gayunpaman, hindi maikakaila ang impluwensya niya makabagong Sining genre abstractionism. Gumawa ang mga artista ng mga bagong direksyon, kung saan ang mga arkitekto, eskultor, at taga-disenyo ay gumuhit ng mga bagong ideya.

At ang kalakaran na ito ay nagpapatuloy. Halimbawa, sa modernong di-layunin na pagpipinta ang isang direksyon ng balangkas ay umuunlad, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtatayo ng isang imahe na nagbubunga ng ilang mga asosasyon.

Minsan hindi natin napapansin kung gaano karaming mga bagay na ginawa gamit ang pamamaraang ito ang nakapaligid sa atin: kasangkapan at mga tapiserya nito, alahas, desktop wallpaper, atbp. Sa Photoshop at computer graphics Ang mga abstract na pamamaraan ay malawakang ginagamit.

Kaya, ang abstractionism ay isang artistikong kababalaghan sa sining, na, anuman ang ating saloobin dito, ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa modernong lipunan.

Para sa akin, ang istilo ng abstractionism ay, una sa lahat, oposisyon sa lohika ng sibilisasyon. Ang buong kasaysayan ng sibilisasyon noong nakaraang siglo binuo sa mga formula, algorithm, prinsipyo, equation at panuntunan. Gayunpaman, likas sa tao na magsikap para sa balanse at pagkakaisa. Kaugnay nito, sa bukang-liwayway ng siglo ng rebolusyong pang-agham at teknolohikal, lumilitaw ang gayong kilusang sining, na hindi sumusunod sa mga klasikal na canon ng pagguhit, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagsisilbing layunin nito na magbigay ng kalayaan sa walang malay at magulo, sa unang tingin ay walang kahulugan, ngunit sa gayon ay binibigyan ang isang tao ng pagkakataon na palayain ang kanyang sarili mula sa impluwensya ng mga pamantayan at dogma at mapanatili ang panloob na pagkakaisa.

abstractismo(mula sa Latin abstractus - remote, abstract) isang napakalawak na kilusan sa sining ng ika-20 siglo, na lumitaw noong unang bahagi ng 1910s sa ilang mga bansa sa Europa. Ang abstractionism ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga eksklusibong pormal na elemento upang ipakita ang realidad, kung saan ang imitasyon o tumpak na representasyon ng realidad ay hindi mismo ang katapusan.

Ang mga nagtatag ng abstract art ay mga Russian artist at ang Dutchman na si Piet Mondrian, ang Frenchman na si Robert Delaunay at ang Czech Frantisek Kupka. Ang kanilang paraan ng pagguhit ay batay sa pagnanais para sa "harmonization", ang paglikha ng tiyak mga kumbinasyon ng kulay at mga geometric na hugis upang pukawin ang iba't ibang mga asosasyon sa contemplator.

Sa abstractionism, dalawang malinaw na direksyon ang maaaring makilala: geometric abstraction, pangunahing batay sa malinaw na tinukoy na mga pagsasaayos (Malevich, Mondrian), at lyrical abstraction, kung saan ang komposisyon ay nakaayos mula sa malayang dumadaloy na mga form (Kandinsky). Mayroon ding ilang iba pang malalaking independiyenteng paggalaw sa abstract art.

Kubismo- avant-garde kilusan sa sining, na nagmula sa simula ng ika-20 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga mariing kumbensyonal na anyo ng geometric na hugis, ang pagnanais na "hatiin" ang mga tunay na bagay sa stereometric primitives.

Regionalism (Rayismo)- isang direksyon sa abstract na sining ng 1910s, batay sa pagbabago ng light spectra at light transmission. Ang ideya ng paglitaw ng mga anyo mula sa "intersection ng sinasalamin na mga sinag ng iba't ibang mga bagay" ay katangian, dahil ang aktwal na nakikita ng isang tao ay hindi ang bagay mismo, ngunit "ang kabuuan ng mga sinag na nagmumula sa pinagmumulan ng liwanag at sinasalamin mula sa ang bagay.”

Neoplasticism- pagtatalaga ng direksyon ng abstract art na umiral noong 1917-1928. sa Holland at nagkakaisang mga artista na pinagsama-sama sa magazine na "De Stijl" ("Style"). Ang mga katangian ay malinaw na mga hugis-parihaba na hugis sa arkitektura at abstract na pagpipinta sa pag-aayos ng malalaking hugis-parihaba na eroplano, na pininturahan sa mga pangunahing kulay ng spectrum.

Orphism- isang direksyon sa French painting noong 1910s. Ang mga orphist artist ay naghangad na ipahayag ang dynamics ng paggalaw at ang musikal ng mga ritmo sa tulong ng "mga regularidad" ng interpenetration ng mga pangunahing kulay ng spectrum at ang mutual intersection ng mga curved surface.

Suprematismo- isang kilusan sa avant-garde art na itinatag noong 1910s. Malevich. Ito ay ipinahayag sa mga kumbinasyon ng mga multi-kulay na eroplano ng pinakasimpleng mga geometric na hugis. Ang kumbinasyon ng mga multi-kulay na mga geometric na hugis ay tumagos panloob na paggalaw balanseng asymmetrical suprematist na komposisyon.

Tachisme- isang kilusan sa Western European abstract art noong 1950s-60s, pinakalaganap sa USA. Ito ay pagpipinta na may mga spot na hindi muling likhain ang mga imahe ng katotohanan, ngunit ipahayag ang walang malay na aktibidad ng artist. Ang mga stroke, linya at batik sa tachisme ay inilalapat sa canvas na may mabilis na paggalaw ng kamay nang walang paunang pinag-isipang plano.

Abstract expressionism- ang paggalaw ng mga artist na nagpinta nang mabilis at sa malalaking canvases, gamit ang mga non-geometric stroke, malalaking brush, kung minsan ay tumutulo ang pintura papunta sa canvas, upang ganap na ipakita ang mga emosyon. Ang nagpapahayag na paraan ng pagpipinta dito ay kadalasang kasinghalaga ng pagpipinta mismo.