Mga seksyon ng site
Pinili ng Editor:
- Mahirap bang makapasok sa paaralan ng pulisya (College of the Ministry of Internal Affairs)
- Mindfulness: kahulugan, yugto, pamumuhay at pag-unlad ng isip Ano ang ibig sabihin ng kamalayan?
- Espesyalista sa larangan ng komersyo at kalakalan Internasyonal na komersiyo kung sino ang makakasama
- Gap year: ano ito at posible ba sa Russia Ano ang ginagawa nila sa gap year?
- Espesyal na tagapagpatupad ng batas na maaaring magtrabaho
- Pavel Grudinin, talambuhay, balita, larawan Pavel Grudinin kandidato at ang kanyang sakahan ng estado
- Atomic "seam" ng Grigory Naginsky Grigory Mikhailovich Naginsky state
- Semaphore ng sistemang “kaibigan o kalaban” si Koschey the Immutable ang ating kandidato
- Pagkabata at edukasyon ni Vladislav Surkov
- Noah's Ark - ang totoong kwento
Advertising
| Kilusang Henry Matisse sa sining. Henri Matisse. Fauvism ni Matisse "Rebulto at Vases sa isang Oriental Carpet" |
Henri Matisse Orihinal na post at komento sa Henri Matisse ( Henri Matisse) - isang namumukod-tanging Pranses na artista, pinuno ng kilusang Fauvist - kilala sa kanyang mahusay na pag-render ng mga katangi-tanging emosyon at damdamin sa kulay. Ang mundo ng Matisse ay isang mundo ng mga sayaw at pastoral, magagandang plorera, makatas na prutas, mga greenhouse na halaman, mga karpet at makukulay na tela, mga bronze na pigurin at walang katapusang mga landscape. Ang kanyang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng kakayahang umangkop ng mga linya, kung minsan ay pasulput-sulpot, kung minsan ay bilugan, na naghahatid ng iba't ibang mga silhouette at mga balangkas, mood at motif. Pino masining na media, coloristic harmonies na pinagsasama ang maliwanag na contrasting harmonies, na parang tinatawagan ang manonood ng mga gawang ito upang tamasahin ang sensual na kagandahan ng mundo. Sinasabi nila tungkol sa pagpipinta ni Matisse na ito ay musikal. Ang sining ng artist ay madalas na binibigyan ng mga kahulugan ng "sekular" at "salon", na nakikita sa kasiyahan at kagandahan ng kanyang mga pagpipinta ang direktang impluwensya ng panlasa ng mayayamang patron ng sining. Inakusahan nila siya ng pagiging out of touch sa realidad, dekadente, at hindi naiintindihan ang mga modernong problema. Sa katunayan, sa mga pambihirang eksepsiyon, hindi ka makakakita ng mga pang-araw-araw na motif sa kanyang mga kuwadro na gawa. Sinubukan ni Henri na makuha ang isang bagay na ganap na naiiba: mga matikas na kababaihan sa isang magandang eleganteng setting, malago na mga bouquet ng mga bulaklak, maliwanag na mga karpet. Ang hinaharap na artista ay dumating sa mundo, na sa kalaunan ay luluwalhatiin niya ng gayong pag-ibig sa tulong ng isang brush at pintura, bago ang pagsisimula ng Bagong Taon - Disyembre 31, 1869 sa Cateau-Cambresy, sa hilagang France. Nais ng ama na makabangon ang kanyang anak sa lalong madaling panahon, nakita niya ito bilang isang abogado, isang mayaman, ngunit ang kanyang mga hangarin ay nanatiling isang panaginip. Totoo, pagkatapos ng pagtatapos sa Lyceum Saint-Quentin, kailangan pa ring mag-aral ng abogasya si Matisse sa Paris. Una niyang sinubukan ang kanyang kamay sa pagpipinta habang nasa ospital, kung saan siya nagdusa ng appendicitis. Maraming libreng oras, gumawa ng drawing si Henri, isa pa at... ang trabaho ay nabighani sa kanya. Sa edad na 20, nagsimula siyang mag-aral sa Ventin de la Tour art school, at noong 1891 nagpunta siya sa Paris, kung saan pumasok siya sa Ecole des Beaux-Arts. Pagkatapos, laban sa kalooban ng kanyang ama, iniwan ni Matisse ang jurisprudence at ganap na nanirahan sa Paris, pumasok sa Julian Academy at kumuha ng mga aralin mula sa master ng French painting, si Gustave Moreau. Isang mistiko at simbolista, hinulaan ni Moreau ang magandang kinabukasan para sa naghahangad na artista, lalo na ang pagpapahalaga sa kanyang mga makabagong diskarte sa hindi inaasahang kumbinasyon ng kulay. Ang pagpipinta ay nangangailangan ng oras at pera. Lumalaki ang pamilya: sa pagliko ng dalawang siglo, ipinanganak ang mga anak ng artista - sina Jean at Pierre. Ayon sa mga memoir ng mga kontemporaryo, ang kasal ni Matisse ay labis na masaya: Si Amelie Matisse, na nakatuon sa artista, ay nagtrabaho nang husto upang ang kanyang asawa ay makisali lamang sa pagkamalikhain. Ang magandang babaeng ito ay inilalarawan sa marami sa mga painting ng master; karamihan mga tanyag na gawa- "Woman in a Hat" at "Portrait of a Wife." Ginawa ni Amelie ang lahat para mas makapaglakbay si Henri, makita ang mundo, at makuha ang mga kulay nito. Magkasama ang mag-asawa sa Algeria, kung saan nakilala ni Matisse ang sining ng Silangan, na may malaking impluwensya sa kanya. Samakatuwid, sa kanyang trabaho - ang pamamayani ng kulay sa anyo, pagkakaiba-iba at patterning, stylization sa disenyo ng mga bagay. Ang paghahanap para sa isang direktang paglipat ng mga sensasyon gamit ang matinding kulay, pinasimple na pagguhit at mga flat na imahe ay makikita sa mga gawa na ipinakita sa eksibisyon ng Fauvist sa Paris Autumn Salon noong 1905. Sa oras na ito, natuklasan ni Matisse ang iskultura ng mga tao ng Africa at naging interesado sa mga klasikal na Japanese woodcuts at pandekorasyon na sining ng Arabe. Noong 1908, inatasan ng kolektor ng Russia na si Sergei Shchukin ang artist na lumikha ng tatlong pandekorasyon na panel para sa kanyang sariling tahanan sa Moscow. Ang akdang "Sayaw" (1910) ay nagtatanghal ng isang kalugud-lugod na sayaw na inspirasyon ng mga impresyon ng mga panahon ng Russia ni Sergei Diaghilev, ang mga pagtatanghal ng Isadora Aunkan at pagpipinta ng Greek vase. Sa "Musika" mayroong mga pigura ng mga artista na tumutugtog ng iba't ibang instrumento. Ang ikatlong panel - "Pagliligo, o Pagmumuni-muni" - ay nananatili lamang sa mga sketch. Ang mga pintura mula sa koleksyon ng Shchukin, na "pinutol" ng digmaan mula sa ibang bahagi ng mundo, ay kinumpiska ng estado pagkatapos ng rebolusyon, nanatiling nakakulong sa mga basement ng Sobyet sa buong kalagitnaan ng ika-20 siglo at nakita ang liwanag ng araw lamang pagkatapos. ang pagkamatay ni Stalin (at si Matisse mismo). Hindi masasabing positibong tinanggap ng artistic beau monde ang gawa ni Matisse. Halimbawa, hindi napansin ni Pablo Picasso ang Pranses na pintor at nakita siya bilang kanyang karibal. Naalala ni Igor Stravinsky: "Ano ang Matisse? - Gustong ulitin ni Pablo. "May balkonahe, at may maliwanag na palayok ng bulaklak dito." Hindi tulad ni Picasso, kailangang harapin ni Matisse ang pagsalungat mula sa kanyang ama, na ikinahihiya sa buong buhay niya na nagpasya ang kanyang anak na maging isang artista. Sa loob ng maraming taon, nabuhay si Matisse sa kahirapan. Mga apatnapu't taong gulang na siya nang sa wakas ay maitaguyod niya ang kanyang pamilya nang mag-isa. Hinangad ni Henri sa sining ang kapayapaan at katatagan na hindi maibibigay sa kanya ng buhay; Si Pablo, sa kabaligtaran, ay nagpapahina sa mga pundasyon ng mundo. Nang magkita sila noong 1906, si Picasso ay 25 taong gulang, kararating lang mula sa Espanya, halos hindi nagsasalita ng Pranses, at halos walang nakakakilala sa kanya sa Paris. Ang tatlong taong gulang na si Matisse sa oras na iyon ay kinikilala na bilang isang first-class na artist. Ang unang pagpipinta na ibinigay ni Matisse kay Picasso noong 1907 ay larawan ng anak ni Henri na si Marguerite. Ibinitin ni Picasso ang trabaho sa kanyang studio at inimbitahan ang kanyang mga kaibigan na gamitin ito bilang dartboard. Matisse ay naimpluwensyahan ng Islamikong sining, na ipinakita sa isang eksibisyon sa Munich noong 1911. Ang dalawang taglamig na ginugol ng artist sa Morocco (1912 at 1913) ay higit na nagpayaman sa kanyang kaalaman sa mga oriental na motif, at ang kanyang mahabang buhay sa Riviera ay nag-ambag sa pagbuo ng isang maliwanag na palette. Hindi tulad ng mga masters ng Cubism, ang gawain ni Matisse ay hindi haka-haka; ito ay batay sa isang masusing pag-aaral ng kalikasan at mga batas ng pagpipinta. Ang lahat ng mga kuwadro na ito, na naglalarawan ng mga pigura ng babae, mga buhay pa rin at mga tanawin, ay resulta ng mahabang pag-aaral ng mga likas na anyo. Masasabi natin na nagawa ni Matisse na maayos na ipahayag ang agarang emosyonal na sensasyon ng katotohanan sa pinaka mahigpit na artistikong anyo. Isang mahusay na draftsman, siya ay pangunahing isang colorist, na nakakamit ang epekto ng isang coordinated na tunog ng ilang matinding kulay. Halimbawa, sa pagpipinta na "Luxury, Peace and Voluptuousness," ang estilo ng Art Nouveau ay pinagsama sa may tuldok na istilo ng pagpipinta na katangian ng pointillism. Kasunod nito, tumataas ang enerhiya ng kulay, lumilitaw ang interes sa pagpapahayag ( paboritong salita Matisse), makulay na halos, coloristic elaboration sa loob ng pictorial composition. Ang epekto ng kulay ng mga painting ni Matisse sa manonood ay hindi kapani-paniwala; ang mga kulay ay sumisigaw at sumisigaw na parang malalakas na palakpakan. Ang mga kaibahan ng kulay ay malinaw na na-highlight at binibigyang-diin. Narito ang sinabi mismo ng artist: "Sa aking pagpipinta na "Musika" ang kalangitan ay ipininta sa isang magandang asul na kulay, ang pinaka-asul na asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na puspos na ang asul, ang ideya ng ganap na asul , ay ganap na inihayag; Ang dalisay na halaman ay kinuha para sa mga puno, at nagri-ring cinnabar para sa katawan ng tao. Dahil ang pagpapahayag ay nakasalalay sa kulay na ibabaw na tinatanggap ng manonood sa kabuuan." Sa mga gawa ni Matisse, ang kulay ay nangingibabaw nang higit sa pagguhit na masasabi natin: ito ay kulay na siyang tunay na bayani ng nilalaman ng mga kuwadro na gawa. Gaya ng malikhaing pamamaraan ay katangian hindi lamang ng Matisse, kundi pati na rin ng Fauvism sa pangkalahatan. Isang kritiko ang sumulat tungkol sa mga Fauves: "Naghagis sila ng isang lata ng pintura sa mukha ng publiko." Si Matisse, sa isa sa kanyang mga sanaysay, ay sumasalungat: "Ang mga kulay sa isang pagpipinta ay dapat na pumukaw ng damdamin hanggang sa lalim, anuman ang sabihin ng mga kritiko." Hindi kataka-taka na si Guillaume Apollinaire ay bumulalas: "Kung ang gawain ni Matisse ay nangangailangan ng paghahambing, ang isa ay dapat kumuha ng kahel. Ang Matisse ay isang prutas na may nakasisilaw na kulay." Ang katumpakan kung saan siya bumuo ng isang komposisyon sa canvas ay kapansin-pansin. Nahawakan ni Matisse ang mismong axis ng paggalaw, na nagbibigay ng integridad at regularidad sa pagguhit. Ang kanyang mga sketch ay napakatalas, dynamic, lapidary at sa parehong oras nababaluktot na hindi sila malito sa mga gawa ng iba pang mga draftsmen - agad silang nakikilala! Ang mga artistang Pranses noong panahon ng Art Nouveau ay bahagyang sumayaw. Mga magagandang ballerina ng Degas, prima cabaret ng Toulouse-Lautrec - iba't ibang anyo isang tema ng sayaw na naging uso. Si Henri Matisse ay walang pagbubukod. At kahit na ang pagiging totoo ay kakaiba sa mga imahe ni Matisse, at ang kanyang mga pandekorasyon na canvases ay may kaunting pagkakatulad sa isang maaasahang paglalarawan ng mga ballerina sa pointe na sapatos, ang tema ng sayaw ay palaging umuusbong sa mga punto ng kanyang malikhaing landas. Ang panel na "Parisian Dance" ay ipinaglihi ni Matisse sa kanyang mga pababang taon. Gayunpaman, ang gawain ay itinuturing na isa sa pinaka matapang at makabagong. Lalo na para sa order na ito, ang may-akda ay nag-imbento at nakabuo ng isang orihinal na pamamaraan - decoupage (isinalin mula sa Pranses bilang "pagputol"). Tulad ng isang higanteng palaisipan, ang larawan ay binuo mula sa mga indibidwal na mga fragment. Mula sa mga sheet na pre-painted na may gouache, ang maestro ay personal na naggupit ng mga figure at mga piraso ng background na may gunting, pagkatapos, ayon sa pagguhit na minarkahan ng uling, inilakip ang mga ito sa base na may mga pin... Ang "Parisian dance" ay kilala sa tatlo mga bersyon. Ang pinakamaagang, hindi natapos na bersyon ay mahalagang isang paghahanda sketch. Sa pangalawa, halos natapos na trabaho, lumitaw ang isang kapus-palad na kuwento: Nagkamali si Matisse sa laki ng silid, at ang buong canvas ay kailangang muling isulat. Ang huling bersyon ay naaprubahan ng kliyente at matagumpay na umalis sa ibang bansa. At ang naunang, "may sira" na artista ay nagawang tapusin, noong 1936 ay ibinigay niya ang trabaho para sa isang katamtamang bayad sa Museum of Modern Art sa Paris. Ngayon, ang "Parisian Dance" ay wastong itinuturing na perlas ng koleksyon ng museo na ito - hindi nagkataon na may isang espesyal na bulwagan na itinayo upang ipakita ang higanteng canvas. Isa pang kawili-wiling detalye: sa proseso ng pagtatrabaho sa "The Parisian Dance," kinailangan ni Henri Matisse na bisitahin ang Moscow, kung saan, kasama ang makata na si Valery Bryusov at ang artist na si Valentin Serov, na natuklasan kay Matisse ang kagandahan ng mga icon ng Russia, kung saan ang Natuwa ang pintor ng Pranses, nakilala niya si Lydia Aelektorskaya. Ang simpleng babaeng Ruso na ito ay nakalaan na bumaba sa kasaysayan - siya ay naging isang sekretarya, pagkatapos ay isang kailangang-kailangan na katulong, at pagkatapos ay ang pinakamalapit na kaibigan ng artist at huling muse. Noong Oktubre 1933, lumipat si Lydia Lelektorskaya sa bahay ni Matisse at nanatili doon ng halos 22 taon. Sumulat si Matisse tungkol sa kanyang mga impression sa Russia: "Kahapon nakakita ako ng isang koleksyon ng mga lumang icon. Ito ay tunay na mahusay na sining. Gustung-gusto ko ang kanilang nakakaantig na pagiging simple, na mas malapit at mas mahal sa akin kaysa sa mga kuwadro na gawa ni Fra Angelico. Sa mga icon na ito, tulad ng isang mystical na bulaklak, ang kaluluwa ng mga artista ay ipinahayag. At mula sa kanila kailangan nating matutong umintindi ng sining.” Una Digmaang Pandaigdig, na nag-iwan ng malalim na marka sa kaluluwa ni Matisse at binago ang kanyang artistikong istilo. Ang kulay ng mga kuwadro na gawa ay nagiging madilim, at ang pagguhit ay nagiging halos eskematiko. Mula noong 1918, ang artista ay halos palaging nakatira sa Nice, paminsan-minsan ay bumibisita sa Paris. Ang masayang, maliliwanag na kulay ay hindi babalik sa kanyang pagpipinta sa lalong madaling panahon... Sa maraming komposisyon ng panahong ito, bukod sa kung saan ang pinakasikat ay ang "Persian Dress", "Music" (1939), "Romanian Blouse" (1940), muli ang artist pinagtitibay ang mga prinsipyo ng "purong pagpipinta" " Pininturahan ng mga walang ingat na paghampas, ang mga kuwadro na ito ay lumikha ng isang masaya ngunit mapanlinlang na impresyon - na parang madaling ipininta, sa unang pagkakataon, bilang isang resulta ng masaya at walang malasakit na inspirasyon. Ngunit sa katunayan, ang bawat isa sa mga likha ng master ay resulta ng maingat na pagsasaliksik, pagsusumikap, at napakalaking moral at pisikal na stress. Dahil wala sa mabuting kalusugan at dumaranas ng insomnia, itinanggi ni Matisse ang kanyang sarili ng maraming kasiyahan para lamang mapanatili ang kakayahang magtrabaho. Habang gumagawa ng larawan, nakalimutan niya ang lahat ng bagay sa mundo. Ang artista ay patuloy na lumilikha kahit na sa pinakamahirap na oras para sa kanya. Mula noong 1941, siya ay may malubhang karamdaman, ang kanyang asawa at anak na babae ay inaresto ng Gestapo para sa pakikilahok sa kilusang Paglaban, walang alam si Matisse tungkol sa kanilang kapalaran sa mahabang panahon. SA mga nakaraang taon Si Henri ay higit na nagtatrabaho bilang isang ilustrador at mahilig sa mga collage. Sa anong kagalakan ay pininturahan niya ang mga pattern ng mga oriental na karpet, kung gaano kaingat na nakamit niya ang tumpak, maayos na mga relasyon sa kulay! Ang kanyang mga buhay pa rin at mga larawan ng huling mga panahon ay kahanga-hanga rin, puno ng mahiwagang panloob na liwanag. Ito ay hindi na isang intimate painting, ito ay tumatagal sa isang kosmiko tunog. Pinilit na iwanan ang pagpipinta ng langis, na hindi humawak ng brush at palette sa kanyang mga kamay, ang artist ay bumuo ng isang pamamaraan para sa pagbubuo ng isang imahe mula sa mga scrap ng kulay na papel. Noong 1948-53, sa pamamagitan ng order ng Dominican Order, nagtrabaho si Matisse sa pagtatayo at dekorasyon ng "Chapel of the Rosary" sa Vence. Ang isang openwork na krus ay lumilipad sa itaas ng ceramic na bubong na naglalarawan sa kalangitan na may mga ulap; sa itaas ng pasukan sa kapilya ay mayroong isang ceramic panel na naglalarawan sa St. Dominic at ang Birheng Maria. Ang iba pang mga panel, na isinagawa ayon sa mga sketch ng master, ay inilalagay sa interior; ang artista ay lubhang kuripot sa mga detalye, hindi mapakali na itim, ang mga linya ay kapansin-pansing nagsasabi sa kuwento ng Huling Paghuhukom (ang kanlurang pader ng kapilya); sa tabi ng altar ay isang imahe ni Dominic mismo. Ang huling gawain ni Matisse, kung saan binigyan niya ng malaking kahalagahan, isang synthesis ng maraming mga nakaraang quests, ay karapat-dapat na nakumpleto ang kanyang artistikong landas. Gayunpaman, nagpinta si Matisse hanggang sa huling sandali, kahit sa gabi, kahit na pagkatapos ng atake sa puso, isang araw bago ang kanyang kamatayan, noong Nobyembre 3, 1954, humingi siya ng lapis at gumawa ng tatlong portrait sketch. Ang artista, sa kabutihang palad, ay nagkaroon ng mahaba at matinding malikhaing buhay - sa isang mundong puno ng mga sakuna, teknikal, siyentipiko at panlipunang mga rebolusyon. Nakakabingi ang mundong ito, nagbabago ito nang napakabilis, at binawi ni Matisse ang lahat ng karaniwang ideya, nakasalansan ang mga guho, pinarami ang mga natuklasan, at naghanap ng mga bagong anyo ng pagiging nasa sining. Hinanap ko at nakita ko!
Pranses na artista Henri Matisse bumaba sa kasaysayan bilang isang kinikilalang henyo ng pagpipinta sa mundo, na higit na tinutukoy ang pag-unlad ng sining noong ika-20 siglo. Sa paghahanap ng kanyang artistikong sarili, nagawa niyang subukan ang kanyang kamay sa ilang mga estilo at direksyon nang sabay-sabay, lumaki ang bawat isa sa kanila at itinatag ang kanyang sariling paaralan ng pagpipinta, na tinatawag na "Fauvism" (French fauve - "wild").
Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang mga kasamahan sa tindahan, si Matisse mismo ay hindi nagpahayag ng anumang "kailangang", ngunit isang mahinhin at mapayapang tao. At habang literal na gumagawa ng rebolusyon ang ibang mga avant-garde artist, sinusubukang ipakita ang mapaghimagsik na diwa ng mga panahon sa kanilang mga canvases, si Matisse ay naghahanap ng "kapayapaan at kasiyahan," patuloy na nag-eeksperimento sa mga pintura at muling iniisip ang kahulugan ng kulay.
Marami pa rin ang nagulat kung paano nagawang maging isa sa mga pangunahing tauhan sa sining ng ika-20 siglo ang isang tao na may ganoong katahimikan na malikhaing kredo. Kakatwa, ang mga tanong na iyon ay hindi agad nagsimulang mag-alala kay Matisse, dahil ang kasaysayan ng mahusay na artista ay hindi nagsimula sa mundo ng pagpipinta. Ang batang si Henri, ang anak ng isang matagumpay na mangangalakal ng butil, ay hinulaang magkakaroon ng karera bilang isang abogado, at, bilang isang masunuring anak, si Matisse ay nagsimulang mag-aral ng abogasya sa isa sa mga prestihiyosong paaralan sa Paris. Pagkatapos ng kanyang pag-aaral, bumalik siya sa kanyang bayan, kung saan nakahanap siya ng trabaho bilang isang klerk para sa isang sinumpaang abogado. Tila napagpasyahan na ang hinaharap ng binata, ngunit pagkatapos ay namagitan ang kapalaran sa kanyang buhay, na radikal na binago ang lahat ng kanyang mga plano. Natagpuan ni Matisse ang sarili sa operating table. Isang atake ng acute appendicitis ang nakakadena sa kanya sa mahabang panahon binata sa kama, iniiwan siya nang walang anumang libangan. Sa pagnanais na kahit papaano ay lumiwanag ang "ospital" ng kanyang anak sa pang-araw-araw na buhay, binigyan siya ng mapagmahal na ina ng mga gamit sa pagguhit, na nagbukas ng bago at hindi kilalang mundo sa batang Matisse. Ang binata ay labis na nabighani sa pagpinta, anupat, laban sa kagustuhan ng kanyang ama, nagpasya siyang umalis sa batas magpakailanman at bumalik sa kabisera upang maging isang artista. Ang unang guro ni Matisse, ang French artist na si Gustave Moreau, isang simbolista sa kaibuturan at isang kinikilalang master ng laro ng kulay, ay gustong magpadala ng mga mag-aaral sa Louvre upang kopyahin ang mga gawa ng mga pinarangalan na masters, honing techniques at techniques. klasikal na pagpipinta. "Kailangan mong managinip tungkol sa kulay", inulit niya sa kanyang mga mag-aaral, at si Matisse, tulad ng walang iba, ay napuno ng pahayag na ito, na ginawa ang kanyang buhay sa isang paghahanap para sa perpektong paraan upang maihatid ang mga emosyon sa pamamagitan ng kulay. Nang maglaon ay sumulat si Matisse:
Ang interes sa kulay ay kapansin-pansin na sa mga unang gawa ni Matisse. Bilang isang tuntunin, ito ay mga pagtatangka batang artista pintura sa diwa ng mga kinikilalang masters ng pagpipinta. Isa sa mga gawang ito ay isang still life na tinatawag na "Bottle of Schiedam" (Nature Morte à la Bouteille de Schiedam): isang klasikong komposisyon, madilim at magkakaibang mga kulay, ang espesyal na atensyon sa mga halftone ay nagpapakita ng pagkakahawig sa mga canvases. Samantala, ang yaman ng itim at pilak na kulay at ang lawak ng mga stroke ay nagsasalita ng pagiging pamilyar ni Matisse sa pagkamalikhain.
Sa kanyang mga taon ng pag-aaral, si Matisse ay patuloy na dumaan sa lahat ng mga yugto ng ebolusyon ng klasikal na sining at sinubukan ang kanyang kamay sa bawat isa sa kanila. Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng kahalagahan ng mga tradisyon ng mga nakaraang panahon sa paghubog ng estilo ng artist, nadama ni Matisse na ang lahat ng ito ay hindi para sa kanya. Para sa kanya ang Louvre ay parang isang napakalaking silid-aklatan na puno ng mga lumang libro na nagpapaantok at mapanglaw sa pagod na estudyante. Si Matisse ay nagnanais ng isang bagay na bago, hindi pangkaraniwan, hindi katulad ng nilikha bago siya.
Ang isa sa pinakamahalagang yugto sa pag-unlad ni Matisse bilang isang pintor ay ang kanyang pagkakakilala sa mga gawa ng mga Impresyonista, lalo na sa pagkamalikhain na hindi gaanong kilala noong panahong iyon. Inutang ito ni Matisse sa Australian artist na si John Russell, ang kanyang kaibigan at tagapagturo, na sa unang pagkakataon pagkatapos na seryosong isipin ni Moreau si Matisse tungkol sa kahulugan at kahalagahan ng kulay sa pagpipinta.
Ang impresyonismo at ang kanyang sariling mga eksperimento na may mga kaibahan ng kulay ay lubos na nakaimpluwensya sa unang "independiyente" na mga gawa ng artist. Ito ay, halimbawa, ang mga buhay na buhay na "Mga Pagkain at Prutas" (Vaisselle et Fruits), "Fruits and Coffee Pot" (Fruits et Cafetière). Kasama rin dito ang mga unang landscape ng Matisse - "Bois du Boulogne" (Bois du Boulogne) at "Luxembourg Garden" (Jardin du Luxembourg).
Pagkalipas ng ilang taon, tinalikuran ni Matisse ang kanyang pagkahilig sa impresyonismo at isinubsob ang kanyang sarili sa pagsasaliksik sa mga gawa ng kanyang mga tagasunod. Sa panahong ito, nagsimula ang artista ng isang pamilya, ngunit, sa kabila ng kanyang masikip na sitwasyon sa pananalapi, nagpatuloy siya sa paghahanap para sa kanyang sariling istilo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay halos hindi nagbebenta, gayunpaman, si Matisse ay hindi tumigil sa pag-eksperimento sa kulay, sinusuri ang kahalagahan ng iba't ibang mga kulay at ang kanilang mga kumbinasyon.
Nakilala ni Matisse ang kanyang magiging asawa na si Amelie Pareire sa kasal ng isang kaibigan. Si Amelie ay isang bridesmaid, at sila ni Matisse ay hindi sinasadyang naupo sa tabi ng isa't isa. Ang batang babae ay nahulog na baliw sa isang matangkad na may balbas na lalaki, maingat na pinatuyo ang bawat palumpon ng mga violet na ibinigay nito sa kanya sa mga pagpupulong. Sa oras na iyon, si Matisse ay pinahirapan ng mga pagdududa at hindi siya makapagpasya kung sa wakas ay italaga ang kanyang buhay sa sining. Si Amelie ay naging taong naniwala sa artista, tunay na naniwala, at sa mahabang panahon ay naging tapat niyang kaibigan at unang muse. Gayunpaman, sa kabila ng damdamin ni Matisse para sa batang babae, naunawaan na niya noon na walang sinuman at walang makakaakit sa kanyang puso kaysa sa pagpipinta. Nag-iipon ng lakas ng loob, inamin niya:
Ang unang personal na eksibisyon ng artist ay hindi partikular na matagumpay at hindi nagdulot ng tamang tugon mula sa mga kritiko. Pagkatapos ay nagpasya si Matisse na umalis sa kabisera patungo sa timog ng France sa kumpanya ng pointillist na si Paul Signac. Humanga sa kanyang mga pagpipinta, nagsimulang magtrabaho si Matisse sa isang katulad na pamamaraan ng mga dotted stroke, at, pagkaraan ng ilang panahon, ang unang obra maestra na pinamagatang "Luxe, Calme at Volupté" ay lumabas sa kanyang brush.
Ang pagpipinta ay kasalungat at sa sarili nitong paraan ay hindi umaangkop sa balangkas na itinakda ng mga pointillist. Hindi tulad ng kanyang mga kasamahan, na inabandona ang pisikal na paghahalo ng mga pintura sa pabor ng hiwalay na mga stroke, si Matisse ay muling tumutok sa kulay. Sa pamamagitan ng sadyang pagpili ng isang maliwanag na palette - pula, lila, orange - ang artist ay lumayo mula sa isang makatotohanang interpretasyon ng balangkas. Ang mga saturated shade ay tila hindi natural, na lumilikha ng pag-igting at nakakagambala sa karaniwang "kapayapaan" ng mga klasikal na elemento. Gayunpaman, tiyak na dahil sa hindi pagkakapare-pareho na ito - isang kumbinasyon ng mga klasikal at makabagong anyo - na sa unang pagkakataon ay tunay na nagawang ipakita ni Matisse sa manonood ang kanyang sariling pananaw sa katotohanan. Naging matagumpay ang pelikula at positibong tinanggap ng mga kritiko. Gayunpaman, sa lalong madaling panahon ay inabandona ni Matisse ang pointillism, napagtanto na ang landas na ito ay hindi rin para sa kanya. Ang taong 1905 ay isang pagbabago sa trabaho ni Matisse. Matapos ang maraming paghahanap at pag-eksperimento sa kulay, pinamamahalaan ng artist na buhayin ang kanyang "pagkadama ng kalikasan" hangga't maaari. Kasama ang isang grupo ng mga taong katulad ng pag-iisip, nakibahagi siya sa Autumn Salon, na nagtatanghal ng dalawang bagong gawa sa eksibisyon - "The Open Window" (La Fenêtre Ouverte) at "The Woman with a Hat" (La Femme au Chapeau) .
Ang mga kuwadro na gawa, na pininturahan ng kumpletong pagwawalang-bahala para sa lahat ng mga patakaran, ay nagdulot ng maraming ingay, nagalit kahit na ang mga taga-Paris na nakasanayan na sa kakaiba. Tinawag sila ng mga kritiko na "isang palayok ng pintura na itinapon sa mukha ng publiko," at ang mga may-akda ay tinawag pa ngang "fauvists" o "mga ganid." Sa kabila ng malupit na pagpuna at galit ng publiko, nakuha ang The Woman in the Hat sikat na manunulat at mahilig sa sining na si Gertrude Stein. Ayon sa isang nakasaksi, "Ang mga bisita ay suminghot sa pagpipinta at sinubukan pa nga nilang sirain ito". Hindi maintindihan ni Gertrude Stein kung bakit parang natural sa kanya ang larawan. Kaya, lumitaw ang isang bagong direksyon sa pagpipinta, na pumasok sa kasaysayan ng sining sa ilalim ng pangalang "Fauvism". Kinilala si Matisse bilang pinuno ng mga Fauves, kung saan ang mga dating kaklase mula sa klase ni Moreau. Ang pagkakaroon ng inabandunang mga tradisyunal na pamamaraan ng pagpapakita ng mga bagay at paggawa ng isang larawan, ang mga artistang ito ay nagsimulang magpinta sa dalisay, bukas na kulay, pinasimple at i-schematize ang anyo. Ang maliwanag, minsan agresibong pangkulay at mataas na kaibahan ay naging batayan para sa komposisyon at naging pangunahing paraan ng "pagpapahayag ng damdamin" ng mga artista.
Ang liwanag ng mga kulay, ang pagiging simple ng pamamaraan, ang expression - ang mga kuwadro na gawa ng Pranses na artist na si Henri Matisse ay humanga sa kanilang pagka-orihinal. Sinubukan ng pinuno ng Fauvism ang isang grupo ng mga uso sa fine arts bago mahanap ang kanyang sariling estilo, na nakikilala sa pamamagitan ng "ligaw" na karakter nito. Pagkabata at kabataanAng lugar ng kapanganakan ng mahusay na artista ay ang hilagang bayan ng Le Cateau-Cambresy sa France. Dito noong 1869, ipinanganak ang unang anak sa pamilya ng isang matagumpay na mangangalakal ng butil, na pinangalanang Henri Emile Benoit Matisse. Ang kapalaran ng bata ay paunang natukoy - sa oras na iyon, ang unang tagapagmana sa pamilya ay obligadong kunin ang negosyo ng kanyang ama sa hinaharap. Ngunit, tila, namana ng batang lalaki ang mga gene ng kanyang ina, na gustong-gusto habang wala libreng oras para sa pagpipinta ng ceramic crafts. Si Henri ay lubusang naghanda para sa hinaharap; nag-aral siya sa paaralan, pagkatapos ay sa lyceum. Susunod, ang matigas na anak na lalaki, laban sa kalooban ng ulo ng pamilya, ay pumunta sa Paris upang mag-aral ng mga legal na agham. Dala ang isang diploma na malayo sa sining, umuwi siya, kung saan nagtrabaho siya ng ilang buwan bilang isang klerk. Ang sakit ang nagpasya sa kapalaran. Malikhaing talambuhay Ang paglalakbay ng isang magaling na artista ay nagsimula noong 1889, nang si Henri Matisse ay nahulog sa ilalim ng kutsilyo ng surgeon na may apendisitis.  Inabot ng dalawang buwan bago gumaling pagkatapos ng operasyon. Upang hindi mabagot ang kanyang anak, nagdala ang kanyang ina ng mga gamit sa pagguhit sa ospital, at sinimulan ni Matisse ang walang pag-iimbot na pagkopya ng mga postkard na may kulay. Sa oras na ito, sa wakas ay naunawaan na ng binata kung ano ang gusto niyang pag-ukulan ng kanyang buhay. PagpipintaAng pangarap na maging isang mag-aaral sa School of Fine Arts ng kabisera ay hindi ibinigay. Nabigo si Henri sa kanyang debut application, kaya kailangan muna niyang umupo sa mga mesa ng iba pang mga institusyong pang-edukasyon, kung saan ipinakilala siya sa mga pangunahing kaalaman sa pagpipinta. Gayunpaman, noong 1895, ang "kuta" ay sumuko - kasama ang hinaharap na sikat na artista na si Albert Marquet, si Matisse ay pumasok sa coveted School of Art, ang studio ng Gustave Moreau. Sa simula ng kanyang karera, kasama sa kanyang mga interes ang kontemporaryong sining; Si Henri Matisse ay mausisa din tungkol sa kilusang Hapon. Isang simbolista sa kaibuturan, ipinadala ni Moreau ang mga mag-aaral upang matutong "maglaro ng may kulay" sa Louvre, kung saan sinubukan ni Henri na gayahin ang mga klasiko ng pagpipinta, pagkopya ng mga pintura. Itinuro ng master na "managinip tungkol sa kulay," kung saan lumitaw ang pagkahilig ng artist na si Matisse para sa paghahanap ng mga angkop na lilim upang maihatid ang mga emosyon.  Sa kanyang maagang trabaho, isang halo ng mga turo ng Moreau na may mga elemento na hiniram mula sa mga kinikilalang masters ng brush ay maliwanag na. Halimbawa, ang buhay na buhay na "Bote ng Schiedam" ay kapansin-pansin sa kalabuan nito: sa isang banda, ang mga madilim na kulay ay nagpapahiwatig ng isang imitasyon ni Chardin, habang ang malawak na mga stroke at isang pinaghalong itim at pilak ay nagpapahiwatig ng imitasyon ni Chardin. Kalaunan ay inamin ni Henri: "Nakikita ko ang nagpapahayag na bahagi ng kulay na intuitively. Kapag naghahatid ng isang landscape ng taglagas, hindi ko matandaan kung aling mga kulay ng kulay ang angkop para sa oras na ito ng taon, ako ay magiging inspirasyon lamang ng mga sensasyon ng taglagas... Pinipili ko ang mga kulay hindi ayon sa ilang siyentipikong teorya, ngunit ayon sa pakiramdam, pagmamasid at karanasan.” Mabilis na nababato ang artista sa pag-aaral ng mga klasiko, at bumaling siya sa mga impresyonista, lalo na, sumamba siya sa mga canvases. Ang kulay sa mga unang gawa ay mapurol pa rin, ngunit unti-unting nakakuha ng kayamanan; ang pagkahumaling sa impresyonismo ay nagsimulang magbago sa sarili nitong natatanging istilo. Nasa 1896 na noong mga art salon Ang mga unang likha ng baguhan na pintor ay nagsimulang lumitaw. Ang unang personal na eksibisyon ay hindi lumikha ng isang pandamdam sa mga art connoisseurs. Nagpasya si Henri Matisse na umalis sa kabisera ng Pransya sa hilaga, kung saan sinubukan niya ang kanyang kamay sa pamamaraan ng mga dot stroke. Sa oras na ito, ang unang obra maestra ay nagmula sa kanyang panulat - "Luxury, Peace and Pleasure." Ngunit hindi natagpuan ng lalaki ang ganitong istilo ng pagsulat na "katutubo".  Ang rebolusyon sa gawa ng artista ay naganap noong 1905. Si Matisse, kasama ang isang grupo ng mga taong katulad ng pag-iisip, ay lumikha ng isang bagong istilo ng pagpipinta na tinatawag na Fauvism. Ang enerhiya ng mga kulay na ipinakita sa eksibisyon sa taglagas ay nagulat sa madla. Iniharap ni Henri ang dalawang gawa - ang larawang "Babae sa isang Sumbrero" at ang pagpipinta na "Open Window". Isang alon ng galit ang tumama sa mga artista; hindi naunawaan ng mga bisita sa eksibisyon kung paano mapabayaan ang lahat ng mga tradisyon ng pinong sining. Ang mga tagapagtatag ng istilo ay tinawag na Fauves, iyon ay, mga ganid.  Gayunpaman, ang gayong pansin, kahit na negatibo, ay nagdala ng katanyagan ng Matisse at magagandang dibidendo: ang mga kuwadro na gawa ay nakakuha ng mga tagahanga na bumili sa kanila nang may kasiyahan. Halimbawa, ang "Woman with a Hat" ay agad na inalis mula sa eksibisyon ng Amerikanong manunulat na si Gertrude Stein, at ang pagpipinta na "The Joy of Life," na lumitaw noong 1906, ay binili ng sikat na kolektor na si Leo Stein. Maya-maya, isang makabuluhang kaganapan ang nangyari - nakilala ng artista ang isang hindi kilalang artista, ang komunikasyon ay nagresulta sa mga dekada ng pagkakaibigan, kung saan ang mga masters ng brush ay nakikipagkumpitensya sa bawat isa. Sinabi ni Picasso na ang pagkamatay ng sinuman sa kanila ay isang hindi na mababawi na pagkawala para sa lahat, dahil walang ibang tao na tatalakayin ang ilang mga malikhaing isyu nang napakasigla.  Ang dalawang pinakatanyag na pagpipinta - "Sayaw" at "Musika" - ay isinulat ni Matisse para sa pilantropo na si Sergei Shchukin. Isang Russian ang nag-order ng mga painting para sa isang bahay sa Moscow. Ang artista, na gumagawa ng mga sketch, ay nagtakda ng layunin na lumikha ng isang bagay upang ang sinumang pumasok sa mansyon ay makadama ng kaginhawahan at kapayapaan. Kapansin-pansin na personal na pinangasiwaan ni Henri ang pag-install ng mga kuwadro na gawa - ang Pranses ay dumating sa kabisera ng Russia, kung saan siya ay tinanggap nang may kagalakan. Ang artist mismo ay humanga sa koleksyon ng mga sinaunang icon ng may-ari ng bahay at ang pagiging simple ng mga Ruso. Tila, ang artist ay nakatanggap ng isang mahusay na bayad, dahil siya ay agad na naglakbay. Binisita ko ang oriental fairy tale ng Algeria, at sa pag-uwi, agad akong umupo para magtrabaho - ang pagpipinta na "Blue Nude" ay nakita ang liwanag ng araw. Ang paglalakbay na ito ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon kay Matisse; lumitaw ang mga bagong elemento sa kanyang trabaho; ang lalaki ay lumikha ng mga lithograph, mga ukit sa mga keramika at kahoy.  Ang kagandahan ng Silangan ay hindi pinakawalan, ang Pranses ay patuloy na nakilala sa Africa, naglalakbay sa Morocco. At pagkatapos ay nagpunta siya sa isang paglalakbay sa Europa at Amerika. Sa oras na ito, ang kanyang trabaho ay unti-unting nagsimulang mawala ang mga palatandaan ng Fauvism, na pinupuno ng kapitaganan at espesyal na lalim, lumitaw ang isang koneksyon sa kalikasan. Noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang artista ay nasuri na may kanser; pagkatapos ng operasyon, ang lalaki ay hindi makagalaw. Sa panahong iyon, nag-imbento si Matisse ng isang bagong direksyon sa larangan ng decoupage, na batay sa komposisyon ng mga kuwadro na gawa mula sa mga piraso ng kulay na papel.  Tinapos ni Henri Matisse ang kanyang pagkamalikhain sa isang malakihang disenyo ng proyekto para sa isang kumbento sa Vence. Sinasabing ang artist ay hiniling lamang na i-edit ang mga stained glass sketch, ngunit masigasig niyang ibinulong ang kanyang manggas at gumawa ng isang kumpletong proyekto. Sa pamamagitan ng paraan, itinuturing ng tao ang gawaing ito bilang isang uri ng tanda ng kapalaran sa pagtatapos ng kanyang buhay at ang pinakamahusay sa kanyang koleksyon ng mga artistikong gawa. Personal na buhayAng personal na buhay ni Henri Matisse ay pinalamutian ng tatlong babae. Noong 1984, ang artista ay naging ama sa unang pagkakataon - binigyan ng modelong Carolina Zhoblo ang talentadong pintor ng isang anak na babae, si Margarita. Gayunpaman, hindi pinakasalan ni Henri ang babaeng ito.  Ang opisyal na asawa ay si Amelie Pareire, na nakilala ng kinatawan ng mundo ng pagpipinta sa kasal ng isang kaibigan. Ang dalaga ay umakto bilang isang abay, at si Henri ay hindi sinasadyang naupo sa tabi niya sa mesa. Na-love at first sight si Amelie, nagsimula na ring magpakita ng atensyon ang binata. Ang batang babae ay naging unang malapit na tao na naniniwala sa kanyang talento nang walang kondisyon.  Bago ang kasal, binalaan ng lalaking ikakasal ang nobya na ang trabaho ay palaging sakupin ang pangunahing lugar sa buhay. Kahit sa kanilang honeymoon, ang bagong-gawa na pamilya ay nagpunta sa London upang makilala ang pagkamalikhain. Ang kasal ay nagbunga ng mga anak na sina Jean-Gerard at Pierre. Isinama din ng mag-asawa si Margarita sa kanilang pamilya upang palakihin. Sa loob ng maraming taon, sinakop ng anak na babae at asawa ang mga lugar ng mga pangunahing modelo at muse ng artist. Isa sa sikat na mga painting, na nakatuon sa kanyang asawa, "Green Stripe," na isinulat noong 1905.  Ang larawang ito ng isang minamahal na babae ay tumama sa mga mahilig sa sining noong panahong iyon bilang "pangit." Naniniwala ang mga manonood na ang kinatawan ng Fauvism ay lumampas sa liwanag ng mga kulay at tapat na katotohanan. Sa tuktok ng kanyang katanyagan, na naganap noong 30s, kailangan ng artista ng isang katulong. Lumipat si Matisse kasama ang kanyang pamilya sa Nice noong panahong iyon. Isang araw, isang batang Ruso na emigrante, si Lydia Delectorskaya, ang lumitaw sa bahay at naging sekretarya ng pintor. Sa una, ang asawa ay hindi nakakita ng isang panganib sa batang babae - ang kanyang asawa ay hindi gusto ng mga taong may patas na buhok. Ngunit agad na nagbago ang sitwasyon: sa pagkakataong makita si Lydia sa kwarto ng kanyang asawa, sinugod siya ni Henri.  Kasunod nito, hiniwalayan ni Amelie ang kanyang sikat na asawa, at si Dillectorskaya ay naging huling muse ni Matisse. Anong uri ng relasyon ang naghari sa pagsasama na ito, kung ito ay pag-ibig, o kung ang mag-asawa ay limitado sa pagtatrabaho nang magkasama, ay hindi pa rin alam. Kabilang sa mga pagkakalat ng mga guhit at mga kuwadro na naglalarawan kay Lydia, ang pagpipinta na "Odalisque" ay namumukod-tangi. Blue Harmony." KamatayanNoong Nobyembre 1, 1954, si Henri Matisse ay nagkaroon ng microstroke. Pagkalipas ng dalawang araw, namatay ang mahusay na artista. Sinasabi ng alamat na si Dillectorskaya, bago siya namatay, ay binisita ang pintor sa silid-tulugan, kung saan sinabi niya: "Sa ibang araw sasabihin mo, kumuha tayo ng lapis at papel." Nakangiting sagot ni Henri: "Bigyan mo ako ng lapis at papel." Gumagana
Matisse Henri Emile Benois (Disyembre 31, 1869, Le Cateau, Picardy, - Nobyembre 3, 1954, Cimiez, malapit sa Nice), Pranses na pintor, graphic artist at iskultor. Ang epekto ng kulay ng mga painting ni Matisse ay napakalakas; Gayunpaman, ang reaksyon ay maaari ding maging negatibo, ngunit palaging napakatindi. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay matunog, malakas na palakpakan, kung minsan ay nakakabingi. Hindi na sila pumukaw ng mahinahong paghanga, ngunit visual na paroxysms; ito ay hindi isang "pista para sa mata," ngunit isang walang pigil na kasiyahan. Sa paanong paraan nakakamit ni Matisse ang napakalakas na epekto ng kulay? Una sa lahat, labis na binibigyang diin ang mga kaibahan ng kulay. Ibigay natin ang sahig sa artist mismo: "Sa aking pagpipinta na "Musika" ang kalangitan ay nakasulat sa isang magandang asul na kulay, ang pinaka-asul na asul, ang eroplano ay pininturahan ng isang kulay na puspos na ang asul, ang ideya ng ... ganap na bughaw, ay ganap na inihayag; Ang dalisay na halaman ay kinuha para sa mga puno, at nagri-ring cinnabar para sa mga katawan. Isang espesyal na tampok: ang anyo ay binago ayon sa impluwensya ng mga kalapit na kulay ng eroplano, dahil ang pagpapahayag ay nakasalalay sa kulay na ibabaw na tinatanggap ng manonood sa kabuuan." Nakatanggap ng degree sa batas, nagtrabaho siya bilang isang abogado (1889-1891) Nag-aral siya sa Paris - sa Julian Academy (mula 1891) kasama si A. V. Bouguereau, sa School of Decorative Arts (mula 1893) at sa School of Fine Sining (1895-99) kasama si G. .Moro; kinopya ang mga gawa ng mga lumang French at Dutch masters. Naimpluwensyahan siya ng neo-impressionism (pangunahin ang P. Signac), P. Gauguin, ang sining ng Arab East, at, sa isang tiyak na lawak, ang sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia (isa siya sa mga una sa Kanluran na pahalagahan ang masining nito. merito; noong 1911 binisita niya ang Moscow). Matapos makilala ang gawain ng mga Impresyonista, Post-Impresyonista at pintor ng Ingles na si J. Turner, nagsimulang gumamit si A. Matisse ng mas maraming puspos na kulay, na nagbibigay ng kagustuhan sa mga mapusyaw na kulay ("Bois de Boulogne", ca. 1902, Pushkin Museum, Moscow; "Hardin ng Luxembourg", ca. 1902, Hermitage, Saint Petersburg). Malaking impluwensya naimpluwensyahan siya ng sining ni P. Cezanne ("Hubad. Lingkod", 1900, Museo ng Modernong Sining, New York; "Mga Pagkain sa Mesa", 1900, Hermitage, St. Petersburg). Noong 1905-07 pinuno ng Fauvism. Sa sikat na Parisian autumn Salon noong 1905, kasama ang kanyang mga bagong kaibigan, nagpakita siya ng maraming mga gawa, at kabilang sa mga ito ang "Babae na may Green Hat." Ang mga gawang ito, na lumikha ng isang nakakainis na kaguluhan, ay naglatag ng pundasyon para sa Fauvism. Sa oras na ito, natuklasan ni Matisse ang iskultura ng mga tao ng Africa, nagsimulang kolektahin ito, at naging interesado sa mga klasikal na Japanese woodcuts at Arab decorative art. Noong 1906 natapos niya ang trabaho sa komposisyon na "The Joy of Life," ang balangkas na kung saan ay inspirasyon ng tula na "The Afternoon of a Faun" ni S. Mallarmé: pinagsasama ng balangkas ang mga motif ng pastoral at bacchanalia. Lumitaw ang mga unang lithographs, woodcuts, at ceramics; Ang pagguhit ay patuloy na bumubuti, pangunahin nang ginawa gamit ang panulat, lapis at uling. Pinagsasama ng mga graphic ni Matisse ang arabesque na may banayad na rendering ng sensual charm ng kalikasan. Mula noong ika-2 kalahati ng 1900s, inaangkin ni Matisse bagong uri masining na pagpapahayag, gamit ang isang laconic, matalim at sa parehong oras nababaluktot na pattern, isang matalim na maindayog na komposisyon, isang magkakaibang kumbinasyon ng ilang mga zone ng kulay, ngunit matinding maliwanag at lokal (mga panel para sa mansyon ng S. I. Shchukin sa Moscow "Sayaw" at "Musika" , pareho - 1910 , Hermitage, Leningrad), pagkatapos ay mayaman sa mga kakulay ng isang pangunahing tono, translucent at hindi itinatago ang texture ng canvas ("Artist's Workshop", 1911, Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow). Noong 1908-1912, si Matisse, na gumagamit ng halos eksklusibong purong kulay (sa mga bihirang gawa ay gumagamit siya ng mga transition at halo-halong tono), itinayo ang kanyang mga kuwadro na gawa sa tatlong pangunahing tono. Ang "Satyr and Nymph" ay isang consonance ng berde, pink at asul, "Sayaw" ay asul, berde at pula, still lifes ay binuo sa consonance ng lilac, dilaw at pula o asul, violet at pink. Pagkatapos, noong mga 1912, lumipat siya sa mga kulay na may apat na tono, na ang isa sa apat na tono ay binigyan ng napakaliit na lugar sa larawan: "Tangier" - asul, orange, pink, pula, "Sa Terrace" - lila, berde , pink, asul . "Pasukan sa Kazba" - pulang-pula, asul, berde, maputlang rosas. SA mga susunod na taon gumagamit siya ng mas kumplikadong mga kumbinasyon at makabuluhang pinalawak ang kanyang palette, na nagpapakilala ng mas maraming iba't ibang mga shade. Mahalaga dito na ipakita ang kahulugan ng mga salita ni Matisse tungkol sa pakikipag-ugnayan ng mga purong tono. Sa pagsasalita tungkol sa mga shade, ang Matisse, siyempre, ay hindi nangangahulugang mga gradasyon ng saturation ng tono - kaputian, na posible rin kapag gumagamit ng purong kulay (sa mga primitibo ng Italyano at Ruso). Ni tila nasa isip niya ang mga haka-haka na kulay na dapat maramdaman ng manonood kapag nagbanggaan ang mga saturated plane ng kulay, isang uri ng echo ng Neo-Impressionist theory ng optical color mixing. Ang panginginig ng boses na ito ay masyadong bahagyang, at ang sensasyon ng mga intermediate shade ay panandalian. Dito pinag-uusapan natin, malinaw naman, tungkol sa pangangailangang ipakilala ang mga transisyonal na tono, na napunta kay Matisse sa ibang pagkakataon. Nagtatrabaho sa purong kulay, nais ni Matisse, tulad ng sinumang pintor, na maiwasan ang monotony - ang antithesis ng kaakit-akit, ngunit hindi siya palaging nagtagumpay dito, at ang ilan sa kanyang mga gawa ay nailalarawan sa monotony (panel na "Music"). Sa kabilang banda, sa 10s tiyak na nais niyang mapanatili ang kadalisayan ng kulay. Ang pag-iwas sa paghahalo ng mga kulay, siya ay gumagamit ng isang pamamaraan na katulad ng mga glaze ng mga lumang masters, naglalagay ng mas magaan na pintura sa madilim na pintura, halimbawa, puti sa rosas, lila sa asul, atbp. Pagkatapos, para mag-vibrate ang pintura, masigla niyang kinuskos ito sa canvas, sa halip na gumamit ng puti, na nagpapakinang. Ang patuloy na trabaho sa pagguhit ay nagpapahintulot kay Matisse na maging isang birtuoso ng brush. Ang mga contour sa kanyang mga kuwadro ay kumpiyansa na iginuhit sa isang stroke. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay madalas na katulad (lalo na sa pagpaparami) sa mga guhit ng brush. Ang kanilang epekto ay kadalasang nakabatay sa isang dalubhasa, matapang na pagpindot. Minsan gumagamit siya ng mga layer ng iba't ibang densidad (halimbawa, sa "Girl with Tulips"), itinutulak ang isang kulay pasulong sa kapinsalaan ng isa pa. Gayunpaman, ang ilang mga bagay mula 1912 ay pininturahan ng makinis, monotonous na texture. Kung ang ibabaw ng ilan sa mga kuwadro na gawa ni Matisse ay maaaring mukhang tuyo at walang pagbabago, hindi ito nagpapahiwatig ng paghamak sa materyal ng pagpipinta, hindi maiisip para sa isang mahusay na pintor, ngunit isang kakaibang takot sa karahasan laban sa materyal. Para kay Matisse, bilang isang pandekorasyon na pintor, ang pagkakaisa ng pagpipinta kasama ang base nito, ang canvas, ay lalong mahalaga, ang kaputian at istraktura na kung saan ay isinasaalang-alang niya tulad ng isang monumentalista na isinasaalang-alang ang ibabaw ng dingding. . Ngunit, ang pag-alala sa batayan, minsan ay nakakalimutan ni Matisse ang tungkol sa pintura mismo, tungkol sa mga tiyak na tampok at posibilidad ng pagpipinta ng langis. Ang partikular na kahalagahan ay ang pamamaraan ng hindi natapos na mga detalye, lalo na malinaw na nakikita sa "The Moroccan", "The Ball Game" at iba pang mga bagay; ang kulay sa mga lugar na iyon na gustong lunurin ng artist ay hindi ginagawang mas duller, ngunit isang blangko na canvas ang naiwan (na kung minsan ay ginagawa upang ilabas ang liwanag), o ang detalye ay nananatiling hindi pininturahan (karamihan ay mga braso, binti, atbp.). Nililimitahan ni Matisse ang kanyang sarili sa matte, likidong pagpipinta at hindi naglalaan espesyal na atensyon mga isyu sa invoice. Ito ay isang walang alinlangan na puwang sa kanyang trabaho, lalo na kung ihahambing natin ang kanyang pangmatagalang pagsusumikap sa mga kaibahan ng kulay, isang uri ng gawaing pang-agham sa pag-aaral ng mga psychophysical na reaksyon sa ito o sa kaibahan ng kulay na iyon. Hindi nasisiyahan si Matisse sa sistema ng mga karagdagang tono na natuklasan ni Delacroix, na pinagsama-sama sa isang sistema ng mga Impresyonista. Siya ay naghahanap para sa mga dissonances, magaralgal, matalim consonances; may posibleng parallel dito sa modernong musika Stravinsky, Strauss, atbp. Siya, tulad ng mga kompositor na ito, ay apektado ng pagkabalisa, sikolohikal na kawalang-tatag, at ang labis na pagtaas ng damdamin ng modernong burges. Sa pigil at mahigpit na paraan ng mga gawa ni Matisse noong ika-2 kalahati ng 10s, kapansin-pansin ang impluwensya ng Cubism ("The Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); Ang mga gawa ng 20s, sa kabaligtaran, ay nakikilala sa pamamagitan ng mahalagang spontaneity ng mga motibo, pagkakaiba-iba ng kulay, at lambot ng pagsulat (ang serye ng "Odalisques"). Noong 30-40s, ang Matisse, tulad nito, ay nagbubuod ng mga pagtuklas ng mga nakaraang panahon, na pinagsasama ang paghahanap para sa libreng dekorasyon ng panahon ng Fauvism na may isang analytically malinaw na pagtatayo ng komposisyon (frieze sa Barnes Museum "Dance", 1931- 32, Merion, Philadelphia, USA), na may banayad na nuanced na scheme ng kulay ("Plum Tree Branch", 1948, pribadong koleksyon, New York). Ang gawain ni Matisse sa kabuuan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang bilang ng karaniwang mga tampok. Naghahangad na ihambing ang magulong tensyon ng ika-20 siglong buhay Walang hanggang halaga ng pag-iral, muli niyang nililikha ang maligaya na bahagi nito - ang mundo ng walang katapusang sayaw, tahimik na kapayapaan ng mga hindi magandang tanawin, patterned na mga karpet at tela, kumikinang na prutas, plorera, bronse, sisidlan at pigurin. Ang layunin ni Matisse ay maakit ang manonood sa lugar na ito perpektong mga imahe at mga panaginip, ihatid sa kanya ang isang pakiramdam ng kapayapaan o isang malabo ngunit nakakabighaning pagkabalisa. Emosyonal na epekto ang kanyang pagpipinta ay pangunahing nakamit sa pamamagitan ng matinding saturation ng scheme ng kulay, ang musikal ng mga linear na ritmo na lumilikha ng epekto panloob na paggalaw mga form, at sa wakas, ang kumpletong subordination ng lahat ng mga bahagi ng larawan, kung saan ang bagay kung minsan ay nagiging isang uri ng arabesque, isang namuong purong kulay ("Red Fishes", 1911; "Still Life with a Shell", 1940; parehong gawa ay nasa A.S. Museum of Fine Arts Pushkin). Nakamit ni Matisse ang integridad at sa parehong oras ang pagkakaiba-iba ng larawan, una sa lahat, sa pamamagitan ng pagsasakatuparan ng isang tunay at organikong koneksyon sa pagitan ng kulay at anyo - linear-planar. Ang kulay ay nangingibabaw nang labis sa anyo na maaari itong ituring na tunay na nilalaman ng kanyang mga kuwadro na gawa, at lahat ng iba pa ay isang function lamang ng nakasisilaw, makapangyarihang kulay. Ang pagguhit ni Matisse bilang tulad ay palaging nasa ilalim ng kalidad ng kanyang kulay; ang pag-unlad ng kanyang linya ay naging parallel sa pagbuo ng mga katangian ng larawan. Sa panahon ng kanyang mga unang paghahanap, medyo matamlay at tinatayang ("Haponan ng Hapunan"), ang kanyang pagguhit ay unti-unting nagiging matalas at nagpapahayag. Matisse ay gumuhit ng maraming at walang kapaguran mula sa buhay, ang kanyang mga guhit ay nasa daan-daan, siya ay isang tunay na birtuoso ng pagguhit. Ang kanyang husay ay malinaw na kitang-kita sa alinman sa kanyang masigla, mapusok na mga sketch ng mga modelo. Ang kapansin-pansin, una sa lahat, ay ang katumpakan kung saan inilalagay niya ang figure sa sheet, agad na nakahanap ng isang sulat sa pagitan ng mga proporsyon nito at ang eroplano ng papel. Maging ang kanyang mga sketch ay compositional; karaniwang nakaayos ang mga ito sa isang nagpapahayag na arabesque, pinuputol ang eroplano nang pahilis. Ang isang piraso ng kalikasan ay agad na binago ng isang receptive artist sa isang play ng mga pandekorasyon na mga spot at stroke; sa parehong oras, gayunpaman, ang sigla ay hindi sa lahat nabawasan, sa halip ito ay matalas na binibigyang-diin. Nang walang pag-iisip tungkol sa mga detalye, nahawakan ni Matisse ang pinakadulo ng axis ng paggalaw, nakakatawang ginagawang pangkalahatan ang mga kurba ng katawan, at nagbibigay ng integridad at pagkakapare-pareho sa paghahati ng mga anyo. Ang mga guhit ni Matisse ay napakatalim, pabago-bago, pinasimple at laconic, ang kanilang kaplastikan ay natatangi na hindi sila maaaring ihalo sa anumang mga gawa ng iba pang mga sikat na draftsman sa kanyang panahon. Sa kasiglahan at spontaneity hindi sila mababa sa mga Japanese, sa mga miniature ng Persian sa dekorasyon, at sa mga guhit ni Delacroix sa pagpapahayag ng mga linya. Bukod dito, hindi sila nakabatay sa "virtuosity" o isang predilection para sa mga kamangha-manghang pag-unlad - sila ay nakabubuo sa totoong kahulugan, dahil inilalantad nila ang plastik na anyo na may kumpletong pananalig. Bilang isang graphic artist, nagtatrabaho gamit ang panulat, lapis, uling, pag-ukit, linocut at lithography, ang Matisse ay pangunahing gumagana sa linya, manipis, minsan pasulput-sulpot, minsan mahaba at bilog, pinuputol ang puti o itim na background [Mga serye ng Tema at Pagkakaiba-iba, uling, panulat , 1941; mga guhit: para sa "Mga Tula" ni Mallarmé, para sa "Pasiphae" ni de Monterlant, para sa "Mga Tula tungkol sa Pag-ibig" ni Ronsard]. Noong 40s, madalas na ginagamit ni Matisse ang pamamaraan ng mga applique na gawa sa kulay na papel (serye ng Jazz, 1944-47). Si Matisse ay bumaling sa iskultura mula sa unang bahagi ng 1900s, ngunit lalo na madalas sa 20s at 30s (relief "Nude female figure from the back", bronze, 1930, Kunstmuseum, Zurich). Huling gawain Matisse - interior design (kabilang ang stained glass) ng "Chapel of the Rosary" sa Vence, malapit sa Nice (1953). Namatay si Matisse sa Cimiez malapit sa Nice noong Nobyembre 3, 1954. Isang mahusay na draftsman, si Matisse ay pangunahing isang colorist, na nakakamit ang epekto ng coordinated sound sa isang komposisyon ng maraming matinding kulay. Kasama ng kanyang mga pintura, kilala ang kanyang makikinang na mga guhit, ukit, eskultura, at disenyo para sa mga tela. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng artist ay ang disenyo at mga stained glass na bintana ng Dominican Chapel of the Rosary sa Vence (1951). Mga artistang Pranses huli XIX- ang simula ng ika-20 siglo ay napaka partial sa sayaw. Ang magagarang ballerina ni Degas at ang napakagandang cabaret primas ng Toulouse-Lautrec ay magkaibang anyo lamang ng isang naka-istilong tema ng sayaw. Ang dakilang Henri Matisse ay walang pagbubukod. "Mahal na mahal ko ang sayaw. Ang sayaw ay isang kamangha-manghang bagay: buhay at ritmo. Madali para sa akin na mamuhay kasama ang sayaw, "pag-amin ng master. At kahit na ang pagiging totoo ay dayuhan sa mga imahe ni Matisse, at ang kanyang mga pandekorasyon na canvases ay may kaunting pagkakatulad sa mga tansong batang babae sa tutus, ang tema ng sayaw ay palaging lumitaw sa lahat ng mga punto ng kanyang malikhaing landas. Ang unang round dance ay lumitaw sa unang bahagi ng pagpipinta ng artist na "Joys of Life". Ang temang ito ay natagpuan ang pag-unlad nito 4 na taon mamaya, nang magsimulang magtrabaho si Matisse sa mga higanteng panel na "Sayaw" at "Musika", na kinomisyon ng sikat na kolektor ng Russia at pilantropo na si S.I. Shchukin. Ngunit bago pa man iyon, noong 1907, gumawa ang master ng isang kahoy na relief na may mga sumasayaw na nymph at ilang mga vase ng designer batay sa parehong motif. Pagkatapos nito, nagsimulang lumikha si Matisse ng isang monumental na canvas para sa mansyon ng Shchukin sa Moscow. "Noong kailangan kong gumawa ng sayaw para sa Moscow, pumunta lang ako sa Moulin de la Galette noong Linggo. Napanood ko kung paano sila sumayaw. Nagustuhan ko lalo na ang farandole... Pagbalik sa aking lugar, binubuo ko ang aking apat na metrong haba ng sayaw. , umaawit ng parehong himig ". Ang maliwanag na pulang figure na umiikot sa isang nakatutuwang bilog na sayaw ay hindi lamang nasiyahan sa customer, ngunit nagdala din ng karapat-dapat na katanyagan sa lumikha ng larawan. Ito ay hindi nagkataon na halos isang-kapat ng isang siglo mamaya, si Matisse ay muling bumalik sa tema ng sayaw. Ang order, na dumating noong 1930 mula sa sikat na Amerikanong kolektor na si Albert Barnes, ay talagang mahirap: ang pandekorasyon na canvas ay kailangang ilagay sa mga arched vault sa itaas ng mga bintana. Ang kilalang kliyente ay matalinong iniwan ang pagpili ng tema at pamamaraan ng pagpapatupad sa pagpapasya ng artist. Ngunit, bumaling sa kanyang paboritong paksa, lumikha si Matisse ng isang gawain na hindi katulad ng pabago-bago at kamangha-manghang panel na "Schukin". Ang Parisian Dance" ay ipinaglihi ni Matisse sa kanyang ikapitong dekada. Gayunpaman, ito ay itinuturing na isa sa pinakamapangahas at makabagong mga gawa ng artist. At lahat dahil lalo na para sa order na ito, ang may-akda ay nag-imbento at nakabuo ng isang orihinal na pamamaraan ng decoupage (na sa Pranses ay nangangahulugang " gupitin"). Tulad ng isang higanteng palaisipan, ang larawan ay binuo mula sa mga indibidwal na mga fragment. Mula sa mga sheet na pre-painted na may gouache, ang maestro ay personal na naggupit ng mga figure o mga piraso ng background gamit ang gunting, na noon ay (ayon sa pagguhit na ipinahiwatig sa uling. ) na nakakabit sa base na may mga pin. Kasama sa teknolohiyang ito ang mabilis na pagpapalit ng isang piraso sa isa pa. Pangwakas na yugto- paglalapat ng pintura sa canvas - ginawa sa tulong ng isang pintor, kumikilos sa mga tagubilin ng artist. Ang mga gawang isinagawa gamit ang pamamaraan ng decoupage ay itinuturing na mga obra maestra ng huli at napakahuli na Matisse. Isa nang may sakit na matandang lalaki, nakaratay, hindi niya binibitawan ang gunting at patuloy na humihingi ng kulay na papel. Sa katunayan, ang panel na "Parisian Dance" ay umiiral sa tatlong bersyon. Ang pinakamaagang, ngunit hindi natapos na bersyon, ay mahalagang isang paghahanda sa pag-aaral. Sa pangalawa, halos natapos, ganap na trabaho, nagkaroon ng nakakasakit na pagkakamali: Nagkamali si Matisse sa laki ng silid, at ang buong canvas ay kailangang muling isulat. Ang huling bersyon ay naaprubahan ng kliyente at matagumpay na umalis sa ibang bansa. At ang naunang, "may sira" na pintor ay nagdala nito sa katuparan at noong 1936 ay ibinigay ito sa Museum of Modern Art ng lungsod ng Paris para sa isang maliit na gantimpala. Ngayon, ang "Parisian Dance" ay wastong itinuturing na perlas ng koleksyon ng museo na ito - hindi walang dahilan na ang isang espesyal na bulwagan ay itinayo upang ipakita ang higanteng canvas. Ang pagpipinta ay matatag na naayos sa itaas ng tatlong bintana sa mga arched vault at, ayon sa tapat na pag-amin ng direktor ng museo, "ay hindi nagpapahiwatig ng posibilidad ng transportasyon." Ngunit narito ang mga residente ng St. Petersburg at Moscow ay hindi kapani-paniwalang mapalad: ang Museo ng Modernong Sining ng Paris ay sarado para sa pangmatagalang muling pagtatayo. Ang natatanging panel ay ipinadala sa Russia na may malawak na kilos: una itong nag-hang ng tatlong buwan sa State Hermitage, at ngayon (mula Setyembre 6) ay nakarating ito sa Pushkin State Museum of Fine Arts. At isa pang kawili-wiling detalye: sa proseso ng pagtatrabaho sa "The Parisian Dance," nakilala ni Henri Matisse ang isang simpleng babaeng Ruso, si Lydia Nikolaevna Delectorskaya, na unang naging sekretarya, pagkatapos ay isang kailangang-kailangan na katulong at nars, at pagkatapos ay ang pinakamalapit na kaibigan ng artist at huling muse. Noong Oktubre 1933, lumipat si Lydia Delectorskaya sa bahay ni Matisse at "nanatili" doon sa halos 22 taon, hanggang sa pagkamatay ng dakilang master. Ang mga panel ni Matisse na "Dance" at "Music", na lumikha ng isang nakakainis na sensasyon sa eksibisyon ng Paris Autumn Salon noong 1910, ay inatasan mula sa noon ay sikat na artist sa France ng Russian industrialist at kolektor na si S. Shchukin, na nag-imbita kay Matisse sa Moscow at ipinakilala siya sa V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, ay nagbigay ng pagkakataong makita ang mga sinaunang icon ng Russia, kung saan natuwa ang Pranses na artist. Ganito naisip ni Matisse ang ideya ng dalawang canvases na ito: "Inaakala ko ang isang bisitang papasok. Ang unang palapag ay bumubukas sa harap niya. Kailangan niyang pumunta pa, gumawa ng pagsisikap, kailangan niyang magtanim ng isang pakiramdam ng kagalakan. Ang una ko panel depicts a dance, a round dance on the top of a hill. Sa ikalawang palapag ay nasa loob ka na ng bahay, isang espiritu ng katahimikan ang naghahari dito, at nakita ko ang isang eksena ng musika na may maasikasong mga nakikinig..." Nakita rin ni Matisse. pangatlong eksena, na naglalaman ng kumpletong kapayapaan. Ang pangunahing gawain para sa kanya ay upang makamit ang integridad ng mga kuwadro na ito ng easel, na may kaunting koneksyon sa arkitektura at pandekorasyon na grupo. Sa parehong mga komposisyon mayroong isang echo ng mga komposisyon ng Fauvist ni Matisse, na ginawa sa ilalim ng direktang impresyon ng French folk dances na nakita niya sa timog ng France. Sinabi ng mga nakakakilala sa artist na kahit na hindi siya inutusan ni Shchukin ng pangalawang komposisyon, ito ay ipinanganak pa rin. Sa pabago-bago, galit na galit na "Sayaw" ang isang tao ay maaaring makilala ang mga kumplikadong anggulo, isang hindi pangkaraniwang pagkakaugnay ng mga kamay at katawan, at sa kabaligtaran na ritmo ng "Musika" ang batayan ng komposisyon na solusyon ay hindi dinamika, hindi paggalaw, ngunit ang ganap na katahimikan ng nakahiwalay, mga figure na matatagpuan sa harapan. Ang dalawang canvases, ang isa ay may limang sumasayaw na pigura, ang isa naman ay may limang nakaupo na nagniningas na pigura, ay magkatulad sa scheme ng kulay, flat interpretasyon ng anyo, at abstract na tema, ngunit kabaligtaran sa ritmo. Si Matisse, tulad ng isinulat niya mismo, ay nagkulay ng kanyang mga kuwadro na gawa "hanggang sa punto ng saturation, upang ... ang asul ay ganap na nahayag, tulad ng ideya ng ganap na asul." Matapos ang "Sayaw" at "Musika" ay nagdulot ng isang iskandalo sa Autumn Salon, tumanggi si S. Shchukin na ibalik ang mga ito at ipinaliwanag ito sa pamamagitan ng kawalang-hiningan sa pagpapaliwanag ng ilang mga pigura. Ilang kabataang babae ang bagong lipat sa kanyang bahay, at ayaw niyang mapahiya sila. Gayunpaman, pagkaraan ng ilang sandali ay nagbago ang isip niya. Si Matisse, gayunpaman, ay kailangang maglagay ng kaunting pulang pintura sa pigura ng boy flute player upang maitago ang mga palatandaan ng kasarian. Ngayon ang mga panel ni Matisse na "Sayaw" at "Musika" ay ipinakita sa State Hermitage Museum sa St. Petersburg. Si Henri Matisse ay interesado sa mga impresyonista at neo-impresyonista, Gauguin, at sa sining ng Arab East, at sa edad na 35 siya ay naging pinuno ng Fauves. Ang kanyang scheme ng kulay ay elegante at sopistikado, at ang kanyang napaka-musika na mga linear na ritmo ay lumikha ng epekto ng panloob na paggalaw. Wala sa mga tagasunod ni Matisse ang nakamit, tulad ng kanyang, kumpletong komposisyonal at pandekorasyon na subordination ng lahat ng mga elemento ng larawan, nananatili siyang ganap na master pandekorasyon na pagpipinta. Siya mismo ang lumikha ng kanyang sariling natatanging mundo ng musika, mabilis na sayaw, isang mundo ng mga kumikinang na pigurin, mga plorera at prutas, isang mundo ng matahimik na kapayapaan at masayang limot. Si Henri Matisse ay ipinanganak noong Disyembre 31, 1869 sa hilaga ng France, sa Cateau-Cambresy, at ginugol ang kanyang pagkabata sa Bohin-en-Vermandois. Ang kanyang ama ay isang mangangalakal ng butil at nangarap na maging abogado ang kanyang anak. Si Matisse, pagkatapos ng Lyceum Saint-Quentin, ay nag-aral ng abogasya sa Paris at nagtrabaho para sa isang abogado sa Bohin-en-Vermandois. Una niyang sinubukan ang pagpipinta matapos siyang ma-ospital at maoperahan para tanggalin ang kanyang appendix. Sa edad na 20 nagsimula siyang mag-aral ng pagguhit sa École Ventine de la Tour, at noong 1891 nagpunta siya sa Paris, kung saan inihanda siya nina Bouguereau at Ferrier na pumasok sa École des Beaux-Arts. Sa mga kurso sa gabi sa School of Decorative Arts, nakilala niya si Albert Marquet at pumasok sa workshop ni Gustave Moreau sa School of Fine Arts. Marami siyang kinopya sa Louvre, naglakbay sa Brittany, at noong 1897 ay ipinakita ang isa sa kanyang pinakamahalagang impresyonistikong gawa, ang pagpipinta na "Dessert," sa Salon ng National Society of Fine Arts. Si Matisse ay madalas na tinatawag na anak at asawa ng isang milliner. Noong 1898, pinakasalan niya ang napakarilag na matangkad na babae sa Timog na si Amelia Noe-mi-Alexandrine Prayer. At magkasama sila sa London, kung saan unang nakita ni Matisse ang mga gawa ng "harbinger of the sun," ang romantikong iniidolo ng mga Impressionist, Turner. Naalala ng isa sa mga kaibigan ni Matisse na sinabi ni Matisse na mahal niya ang London dahil "unang nakilala niya ito sa kanyang hanimun." Pagkatapos ng London, nagpunta ang artist sa Corsica, Toulouse. Nang mamatay si Moreau, umalis si Matisse sa School of Fine Arts at sa parehong 1899 nagsimula siyang pumasok sa Carriere Academy at kumuha ng sculpture (sa mga kurso sa gabi). Kabilang sa kanyang mga kaibigan ay sina Pissarro, Derain, Puy, Marche, kung saan pininturahan niya ang isang pandekorasyon na frieze, Mignac, Cross, Maillol at iba pang sikat na artista noong panahong iyon. Noong 1901, nagsimulang ipakita ni Matisse ang kanyang mga gawa sa Salon of Independents, sa Bertha Weil Gallery, at sa Autumn Salon. Nagtatrabaho noong 1904 kasama ang Signac at Cross, si Matisse ay nabighani sa dibisyonismo - isang sistema ng pagpipinta na batay sa pamamaraan ng pagkabulok ng isang kumplikadong tono ng kulay sa mga purong kulay, na naayos sa canvas na may hiwalay na mga stroke, na umaasa sa kanilang optical mixing sa visual na pang-unawa. At noong 1905, si Matisse ay naging pinuno ng isang bagong kilusan - Fauvism. Sa Autumn Salon, Manguin, Puy, Marche, Derain, Vlaminck, Walta exhibited kasama niya, na nagbahagi ng kanyang mga pananaw sa pagpipinta, tulad niya, hinahangad nilang tumuon sa scheme ng kulay kanilang mga komposisyon, batay sa mga ito sa ugnayan sa pagitan ng maliwanag na lokal na mga spot ng kulay. Noong 1906, sa Salon of Independents, ipinakita ni Matisse ang isa sa kanyang pinakamalaking komposisyon, "The Joy of Life," na kalaunan ay nagsilbing batayan para sa panel na "Sayaw". Sa panahong ito gumawa siya ng mga woodcuts at lithographs. Nagpunta ako sa Algeria saglit, at pagkatapos ay sa Italya. Noong 1907, binuwag ang grupong Fauvist, at binuksan ni Matisse ang kanyang sariling pagawaan. Ang kanyang mga pagpipinta ay ipinakita sa New York, Moscow, at Berlin. Nag-publish siya ng "Notes of a Painter" at nanirahan sa Paris suburb ng Issy-les-Moulineaux. Noong 1910, isang iskandalo ang sumiklab sa Autumn Salon sa kanyang mga panel na "Dance" at "Music". Noong 1911, binisita ni Matisse ang Moscow, noong 1912 - Morocco, at nagsimulang magpakita ng iskultura. Mula noon, ang kanyang mga personal na eksibisyon ay ginanap sa maraming lungsod sa buong mundo, at ang Bernheim-Gen Gallery ay regular na nag-organisa ng kanyang mga personal na eksibisyon. Noong 1920, si Henri Matisse, sa kahilingan ni S. Diaghilev, ay gumawa ng mga modelo ng tanawin at mga disenyo ng kasuutan para sa mga ballet ng Russia. Noong 1921, lumipat siya sa Nice, nagsimulang magtrabaho sa mga ilustrasyon ng libro at, na inatasan ng American Barnes, gumawa ng isang monumental na panel ng pagpipinta na "Dance", na na-install sa lungsod ng Merion noong 1933. Ang anak ng artist na si Pierre ay nagbukas ng kanyang sariling gallery sa New York, kung saan ipinakita niya ang mga gawa ng kanyang ama. Ang pagkakaroon ng sumailalim sa isang seryosong operasyon noong 1941, sa mga nagdaang taon ay mas nagtrabaho si Matisse bilang isang book artist at naging interesado sa mga collage. Mas gusto ni Matisse na magpinta ng mga bulaklak, puno at babae higit sa lahat. Ganito siya mismo ang sumulat tungkol sa kanyang trabaho: "Lubusan akong umaasa sa aking modelo, na pinag-aaralan ko kapag siya ay libre sa pagpo-pose, at saka lang ako nagpasya na pumili para sa kanya ng isang pose na pinakaangkop sa kanyang kakanyahan. Kapag kumuha ako ng isang bagong modelo, nakakakita ako ng pose na angkop para sa kanya kapag siya ay nasa isang estado ng pagpapahinga at kapayapaan, at ako ay nagiging alipin sa pose na ito. Katrabaho ko ang mga babaeng ito minsan sa loob ng maraming taon hanggang sa matuyo ang aking interes. Ang aking mga plastik na palatandaan ay marahil ipahayag ang kanilang estado ng pag-iisip.. . interes sa akin unconsciously..." Kaya naman ang kanyang mga babae ay parang bulaklak, at ang mga bulaklak ay parang buhay na tao... Nagbigay si Matisse ng bagong pananaw sa mundo. Kung ang dakilang Leonardo da Vinci ay nagtalo na ang pangunahing himala ng pagpipinta ay ang kakayahang ihatid ang dami ng isang bagay, pagkatapos ay isinalin ni Matisse ang lahat sa isang eroplano. Ang mansanas ay naging bilog mula sa isang bola. Inalis ni Matisse ang lalim mula sa pagpipinta at nagsimulang baguhin ang kalikasan, na ginawa itong kaayon sa kanyang mga iniisip. Maaari niyang i-subordinate ang figure ng tao sa linya ng dekorasyon, tulad ng nangyayari sa kanyang "Red Room", maaari niyang ilipat ang figure na may kaugnayan sa suporta - ginawa niya ito sa "Standing Zora". Kahit na ang kanyang sahig ay biglang naging sloping, at ang mga kulay ay nagbigay ng pisikal na sensasyon ng dumadaloy na maalinsangan na hangin ("Entrance to Kozba") o malamig na malinaw na tubig sa isang aquarium ("Red Fishes"). Sa sobrang galak na ipininta ni Matisse ang mga pattern ng mga oriental na karpet, kung gaano siya kaingat na nakamit ang tumpak, magkatugma na mga relasyon sa kulay! Ang kanyang still lifes, portraits, at nudes ay kahanga-hanga, puno ng mahiwagang panloob na liwanag. Sinasabi ng mga istoryador ng sining na kung si Matisse ay hindi isang pintor, siya ay kabilang sa sampung pinakamahusay na Pranses na iskultor. Siya ang unang gumamit ng pagpapapangit para sa pagpapahayag, at, tulad ng inamin niya mismo, kung si Maillol, tulad ng mga panginoon ng sinaunang panahon, ay nagtrabaho sa dami, siya, tulad ng mga panginoon ng Renaissance, ay masigasig sa mga arabesque at naghanap ng isang katangi-tanging linya ng silweta. Isa sa pinakasikat na bronze statues ng Matisse, "Large Seated Nude," ay nilikha noong 1920s, kasabay ng kanyang mga painting na "Odalisque" at "Nude Seated on a Blue Cushion." Sinabi ng mga kontemporaryo na kapag si Matisse ay naglilok, madalas niyang binabasa ang luad, at bilang isang resulta, kapag ang makina ay pinaikot, ang mga figure ay madalas na nahulog at nawasak. Pagkatapos ay kinuha ni Matisse ang isang brush at inilipat ang kanyang plastic vision sa canvas. Isa sa huli malalaking gawa Dinisenyo ni Henri Matisse ang "Chapel of the Rosary" sa Vence malapit sa Nice, kung saan mula 1948 hanggang 1951 ay nagtrabaho siya bilang isang arkitekto, pintor, iskultor, at dekorador. Ang pagguhit, hindi pangkaraniwang, magaan, plastik, ay palaging sinasakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa trabaho ni Matisse. Noong 20s, ang kanyang mga guhit ay mahusay na binuo at kongkreto; kalaunan ay naging interesado siya sa mga guhit ng brush, na kanyang ginawa ay nakakagulat na makulay. Noong 1919, kabilang sa kanyang mga guhit ang "tema ng isang sumbrero na may mga balahibo ng ostrich" ay lumitaw, noong 1935 - ang "tema ng mga salamin", noong 1940 - ang "tema ng isang babae sa isang upuan", at noong 1944 - ang "tema ng mga milokoton”. Ang kanyang huling pagpipinta sa "Chapel of the Rosary" ay ginawa din gamit ang pamamaraan ng pagguhit - monumental, figurative at plastic. Si Louis Aragon, sa kanyang hindi pangkaraniwang nobelang Henri Matisse, ay sumulat: Buong buhay Iguhit mo sa kanya ang salitang tumutunog sa kanya... Noong 1952, binuksan ang Henri Matisse Museum sa Cateau-Cambresis. Binuksan sa panahon ng buhay ng artist. Sa isang artikulo na pinamagatang "Kailangan mong tingnan ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng isang bata," inihayag ni Henri Matisse ang lihim ng pagiging bago at kagandahan ng kanyang mga gawa: "Naniniwala ako na para sa isang artista ay walang mas mahirap kaysa sa pagpinta ng isang rosas. ; ngunit siya ay makakalikha ng sarili niyang rosas sa pamamagitan lamang ng paglimot sa lahat ng iba.” mga rosas na ipininta sa kanyang harapan... Ang unang hakbang sa pagkamalikhain ay ang makita ang tunay na anyo ng bawat bagay... Ang paglikha ay nangangahulugan ng pagpapahayag kung ano ang nasa iyo. ” |
Sikat:
Bago
- Mindfulness: kahulugan, yugto, pamumuhay at pag-unlad ng isip Ano ang ibig sabihin ng kamalayan?
- Espesyalista sa larangan ng komersyo at kalakalan Internasyonal na komersiyo kung sino ang makakasama
- Gap year: ano ito at posible ba sa Russia Ano ang ginagawa nila sa gap year?
- Espesyal na tagapagpatupad ng batas na maaaring magtrabaho
- Pavel Grudinin, talambuhay, balita, larawan Pavel Grudinin kandidato at ang kanyang sakahan ng estado
- Atomic "seam" ng Grigory Naginsky Grigory Mikhailovich Naginsky state
- Semaphore ng sistemang “kaibigan o kalaban” si Koschey the Immutable ang ating kandidato
- Pagkabata at edukasyon ni Vladislav Surkov
- Noah's Ark - ang totoong kwento
- Baburin Sergei Nikolaevich Pagkabata at edukasyon ni Sergei Baburin
