Sa pagsasalita tungkol sa teatro ng Aleman sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, dapat nating bumaling sa pagtatapos ng 60s. Ang mahirap na socio-political na sitwasyon ay makabuluhang nakaimpluwensya sa buhay teatro. Tanging ang mga courtier (sa mga tirahan ng mga pinuno) ay may permanenteng mga sinehan. Ang sistema ng paglilibot ay laganap. Ang nangungunang Berlin Royal Theatre na itinanghal na klasiko ay gumagana nang walang anumang pagtatangka na alisin ang nakagawian at declamatory na kalunos-lunos. At ang mga dulang ginanap dito ay may direksyong chauvinistic, at ang mga ito ay isinulat ng mga pangkaraniwang may-akda.

Kasabay nito, ang isang kapansin-pansin na kababalaghan ay ang teatro ng korte sa kabisera ng Duchy of Saxe-Meiningen, sa lungsod ng Meiningen. Ang pinagmulan nito ay nagsimula noong ika-18 siglo.

Teatro ng Meiningen ay isa sa pinakamahalagang teatro sa Germany noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ngunit, sa kabila ng katotohanan na ang teatro ay isang teatro sa korte, naimpluwensyahan ito ng panlasa ng burges na publiko.

Mula noong 1869, ang direktor at direktor ng teatro ay naging isang tao na dati nang nagtrabaho bilang isang artista sa teatro na ito. Ludwig Kroneg (1837-1891). At ang teatro ay pumasok sa kanyang kapanahunan noong 70-80s.

Ang teatro ay pinamumunuan ng tatlong tao: Duke George II, na pangunahing kasangkot sa pandekorasyon na bahagi ng pagtatanghal, ngunit may mapagpasyang boses sa lahat ng bagay ng buhay ng teatro; ang kanyang asawa, na dating artista ng teatro na ito, si Helene Franz, na ang mga tungkulin ay pangunahing kasama ang pagtatrabaho sa mga pagbigkas, at si Ludwig Kroneg, isang mahuhusay na direktor at isang komprehensibong edukadong tao.

Sa pagbuo ng mga plano ng direktor, hinanap ni Kroneg ang katotohanan sa buhay, katumpakan sa paglalarawan ng makasaysayang panahon, ang paraan ng pamumuhay at mga kaugalian nito. Siya rin ang organizer ng theater tours. Ang Meiningeners ay naglakbay sa buong Germany, nasa Holland, Sweden, Belgium, Denmark, Switzerland, England, at dalawang beses nasa Russia - noong 1885 at 1890. Pagkatapos ng kamatayan ni Kroneg noong 1891, huminto ang mga paglilibot, at ang teatro ay nagsimulang gumana nang tuluy-tuloy sa Meiningen.

Ang masining na direksyon ng Meiningen Theater ay batay sa mga prinsipyo ng trabaho ni Goethe sa Weimar theater at mga eksperimento K.L. Immerman(1796-1840), isa sa mga unang direktor ng teatro ng Aleman. Sa pagpapatuloy ng mga tradisyon ni Goethe, hinangad ng Meiningen Theater na mapanatili ang mataas na ideolohikal at artistikong antas ng repertoire nito, na pangunahing nakatuon sa mga klasiko. Sa pagpapatuloy ng mga tradisyon ng teatro ng Weimar, iginiit ng mga Meiningian ang nangungunang papel ng direktor sa pagtatanghal. Mula sa Immermann, minana ng mga Meiningian ang pagnanais para sa isang grupo, para sa makasaysayang at araw-araw na katumpakan ng pagganap.

Bilang karagdagan sa mga pambansang tradisyon ng pagdidirekta ng Aleman, malawakang ginamit ng Meiningen Theater ang mga prinsipyo ng direktor ng Ingles na si Charles Kean, na pinagsama ang pangangailangan ng pagiging tunay sa kasaysayan sa panlabas na pagiging epektibo at karangyaan ng pagganap.

Ang core ng repertoire ay ang dramaturgy ng Schiller (The Fiesco Conspiracy, The Robbers, Wallenstein's Camp, The Death of Wallenstein, William Tell). Mga dula ni Shakespeare: "Julius Caesar", "Twelfth Night", "The Merchant of Venice", "Macbeth", "The Winter's Tale", "The Taming of the Shrew". Karagdagan sa repertoire ay ang: "Iphigenia in Aulis" ni Goethe, "Mrs. Sarah Sampson" ni Lessing, mga dula ni Kleist. Mula sa French drama, kasama sa repertoire ng teatro ang mga komedya ni Moliere na “The Imaginary Invalid” at “Learned Women”.

Tinukoy ni George II ang pagpili ng mga dula at ang kanilang interpretasyon. Para sa kadahilanang ito, hindi kasama sa repertoire ng teatro ang mga socially makabuluhang gawa ng German drama - "Cunning and Love" ni Schiller, "Emilia Galotti" ni Lessing. Ngunit may mga dulang nagpalakas ng damdaming makabansa.

Nagdidirekta sa Meiningen Theater Nagsumikap na lumikha ng isang kumpleto at holistic na gawain ng sining, kung saan ang lahat ng mga bahagi ng bahagi ay napapailalim sa gawain ng pinaka kumpletong pagpapahayag ng ideya ng dula. Tinukoy nito ang espesyal na kaayusan at katangian ng akda sa dula. Nagsimula ito sa isang detalyadong pag-aaral ng direktor ng makasaysayang panahon at pang-araw-araw na buhay. Pagkatapos ay sinimulan nilang basahin ang dula, na tinalakay muna sa kabuuan, at pagkatapos ay sa pamamagitan ng mga indibidwal na kilos, eksena, at mga tungkulin. Kinakailangang malaman ng mga aktor hindi lamang ang kanilang papel, kundi pati na rin ang buong dula. Sa panahon ng proseso ng pag-eensayo, maraming mga pag-uusap ang ginanap, kung saan ang mga tungkulin ay sinuri nang detalyado at ang kanilang panitikan at sikolohikal na pagsusuri ay ginawa. Matapos gumawa ng production plan ang direktor at artist, nagsimula ang rehearsals mga eksena sa karamihan. Ang kanilang maingat na pag-unlad ay isa sa pinakamahalagang paraan ng paglikha ng masining na pagkakaisa ng pagtatanghal. Ang mise-en-scène sa mga pagtatanghal ng Meiningen ay masigla at pabago-bago, kung kaya't ang mga tao ay organikong lumahok sa aksyon. Ang mga extra ay hinati sa mga grupo, ang bawat grupo ay itinalaga ng isang pinuno ('sergeant major') mula sa mga artista sa teatro, na tinitiyak na ang mga kalahok sa mga eksena ng karamihan ay hindi kumuha ng parehong mga pose, gumawa ng kinakailangang mga kilos sa oras, at tumpak na naihatid na mga linya na partikular na isinulat para sa kanila.

Ang direktor ay nagbigay ng espesyal na pansin sa pagtatrabaho sa mga episodic na tungkulin. Ang gawain ng paglikha ng isang pangkat ng entablado ay nangangailangan ng pag-abandona sa sistema ng papel. Ang aktor na gumaganap sa pangunahing papel ay maaaring gumanap ng isang cameo role sa susunod na pagganap o kahit na lumitaw bilang isang dagdag sa isang crowd scene.

Ang isang pinag-isang artistikong imahe ng pagganap at pinakamataas na verisimilitude ng paglalarawan ng buhay sa entablado ay nangangailangan ng maingat na pag-unlad ng disenyo. Para sa kadahilanang ito, ang pangunahing pansin ay binabayaran sa katumpakan ng pagpaparami ng pang-araw-araw na buhay, kung saan ang mga makasaysayang mapagkukunan ng materyal na kultura ay lubusang pinag-aralan. Halimbawa, sa pagtatanghal ng Iphigenia sa Tauris, ang teatro ay gumamit ng mga materyales mula sa mga archaeological excavations ni Schliemann; sa pagtatanghal ng "Mary Stuart," pinag-aralan nila ang kasaysayan ng mga lugar na ipinahiwatig ni Schiller; Sa pagtatanghal ng "The Maid of Orleans," ang artista ay naglakbay sa tinubuang-bayan ni Joan of Arc - ang nayon ng Pransya ng Domrem At – at gumawa ng mga sketch ng tanawin sa lugar.

Ang mga pamantayan, walang mukha na mga pavilion ay pinalitan ng mga dekorasyon na hindi lamang tumpak sa etnograpiko, ngunit nagtataglay din ng imprint ng katayuan sa lipunan, pamumuhay, at propesyon ng mga naninirahan sa bahay. Sa halip na mga nakasulat na hanay na may mga haligi, naglalagay sila ng mga haligi sa entablado. Ang plano sa entablado ay nahahati sa magkakahiwalay na mga seksyon (mga burol, bangin), mga hagdan, mga platform, at mga paglipat ay ipinakilala, na naging posible upang bumuo ng mga kaakit-akit at dynamic na mga setting.

Ang pagpapahayag ng entablado ay pinahusay sa pamamagitan ng paggamit ng ingay at liwanag na mga epekto: mga magaan na larawan ng pagbagsak ng ulan, pagsikat at paglubog ng araw, liwanag ng buwan, gumagalaw na ulap, atbp. Sa dulang "William Tell," isang buong hanay ng mga tunog ang ginamit upang ilarawan ang bagyo: ang pag-ungol ng hangin, ang dagundong ng kulog, ang tunog ng ulan, ang pagbagsak ng mga alon ng isang lawa ng bundok. Nagawa ng teatro na gumamit ng mga sound effect upang lumikha ng ilusyon ng isang malaking espasyo na umaabot sa likod ng entablado.

Ngunit ang pagbabago sa larangan ng mga diskarte sa pagtatanghal ay hindi naaayon sa sining ng pag-arte; nananatili pa rin ang maling declamatory pathos, stiltedness at cliches. Ang mga Meiningian ay "hindi nag-update ng mga lumang puro diskarte sa pag-arte" (Stanislavsky). Ang pangunahing paraan ng paghahatid ng ideya ng pagganap ay hindi ang aktor, ngunit ang mga diskarte ng direktor at pagtatanghal.

Ang pangangailangan ng direksyon ng Meiningen na ang mga mahuhusay na aktor ay gumaganap ng mga episodic na tungkulin, kung minsan ay may mahinang pagganap ng mga pangunahing tungkulin, na humantong sa pagkawasak ng grupo at ang integridad ng artistikong impresyon. A.N. Nakuha ni Ostrovsky ang pansin kung paano sa dulang "Julius Caesar" ang isa sa pinakamahalagang eksena ay nasira ng hindi matagumpay na pagganap: "Ang magandang talumpati na ibinigay ni Shakespeare kay Antony ay mahinang sinalita ng aktor, at ang matalinong sinanay na pulutong ay nasasabik at nabuhayan na parang ang talumpati ay binigkas nang malakas at may damdamin."

Ang katangian ng naturalismo ay ang pagpapalit ng generalizations at typification ng external naturalistic verisimilitude. ay ipinahayag din sa pagpili ng mga aktor. Kaya, para sa papel ni Julius Caesar, pumili si Kroneg ng isang aktor na mukhang katulad ni Caesar, ngunit walang talento. At sa pagkakataong ito A.N. Nabanggit iyon ni Ostrovsky "Sa mga taong Meiningen, si Julius Caesar mismo ay kabilang sa kategorya ng mga props."

Sa artikulo ʼʼMga pagsasaalang-alang at konklusyon hinggil sa Meiningen troupeʼʼ A.N. Binanggit ni Ostrovsky ang mga positibong aspeto ng Meiningen Theater: ang pagbuo ng mga eksena sa karamihan, ang mahusay na paggamit ng mga epekto sa pag-iilaw, ang magandang kalidad ng mga tanawin at props. Ngunit sa pangkalahatan ay tinukoy niya ang teatro na ito bilang “isang napakahusay na disiplinadong tropa na binubuo ng mga katamtamang aktor at kasuklam-suklam na nagbubulung-bulungan at nagbabagang mga artista” at binibigkas ang kanyang "pangungusap": ʼʼ...ang nakita natin sa kanila ay hindi sining, kundi kasanayan, ᴛ.ᴇ. craft.

K.S. Lubos na pinahahalagahan ni Stanislavsky ang talento at katalinuhan ng direktoryo ni Kroneg at mahigpit na disiplina sa teatro, ngunit sa parehong oras ay kinondena ang despotismo ng direktor, na pinipigilan ang sariling katangian ng aktor, at ang paglipat ng sentro ng grabidad ng pagganap mula sa aktor patungo sa direktor. mga diskarte sa pagtatanghal.

Vl.I. Sumang-ayon si Nemirovich-Danchenko sa pagtatasa ni Ostrovsky sa dula na "Julius Caesar".

Ang Meiningen Theater ay walang sariling malinaw na ideolohikal at aesthetic na programa at hindi nauugnay sa modernong drama; samakatuwid, ang malikhaing hitsura ng teatro ay mukhang eclectic. Ngunit ang mataas na kultura ng produksyon, batay sa pag-unlad ng prinsipyo ng isang solong artistikong anyo ng pagganap, isang maingat na pinag-isipang plano ng produksyon, mahigpit na pagsunod sa makasaysayang at pambansang pangkulay, ay may malaking impluwensya sa pag-unlad ng pag-iisip ng direktor. huli XIX siglo.

Ang makasaysayang sitwasyon ay patuloy na naging mahirap. Ang sosyo-politikal na mga kondisyon sa gitnang Europa ay medyo talamak: inangkin ng France ang hegemonya at interesado sa pagkapira-piraso ng Alemanya. Ang dahilan ng Funko-Prussian War noong 1870-1871. lumitaw ang isang pagtatalo tungkol sa Alsace, Lorraine, at mga teritoryo sa hangganan.

Noong 1871 ᴦ. Ang Digmaang Franco-Prussian ay natapos sa ganap na pagkatalo ng France, kung saan bumagsak ang Ikalawang Imperyo at isang republika ang naiproklama (ang Paris Commune). Ang France ay sinakop ng mga tropang Prussian na lumahok sa pagsugpo sa Commune.

Sa parehong 1871 ᴦ. Ang mga monarko ng "dwarf" na estado, na nagpupulong sa Versailles, ay nagpahayag ng Prussian King William I German Emperor. Nangangahulugan ito ng pambansang pagkakaisa ng Alemanya. Ngunit ang pinag-isang estado ay parlyamentaryo lamang sa anyo, ngunit sa katunayan ay pinanatili ang maraming pyudal na labi; ang burukratikong kagamitan ay nasa ilalim ng impluwensya ng burgesya at pinoprotektahan ng pulisya. Ang Prussian Junkers ay sumakop sa isang maimpluwensyang posisyon sa buong imperyo. Ang mga Aleman ay pinalaki sa diwa ng sovinismo (ᴛ.ᴇ. matinding nasyonalismo). Nagsimula ang mabilis na pag-unlad ng kapitalismo, at sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang Alemanya ay naging isang pangunahing kapangyarihang monopolyo.

Nagdulot ng oposisyon ang reaksyunaryong rehimen, at bumangon ang Socialist Workers' Party of Germany (Agosto Bebel at Wilhelm Liebknecht). Ang mga kinatawan ng mga advanced na intelihente ay unti-unting nasangkot sa kilusang paggawa.

Ang paghaharap ng mga pwersang panlipunan sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo. nailalarawan ang isang kumplikadong sitwasyon, ngunit ang pangyayaring ito ay nagbunga din ng isang kumplikadong espirituwal na kultura.

Sa panahong ito, ang mga konserbatibong lupon ng mga intelihente ng Aleman ay nahulog sa ilalim ng impluwensya ng pilosopikal na turo ni Friedrich Nietzsche, na naglagay ng reaksyonaryong teorya ng "master morality" at "strong personality".

Ngunit may mga pwersang tumututol sa sobinismo. Gumawa ng isang mahusay na kontribusyon sa makatotohanang aesthetics Franz Mehring (1846-1919): sa kanyang mga artikulong kritikal sa panitikan ay hinawakan niya ang mga pangunahing problema at penomena ng dramaturhiya noong huling bahagi ng ika-19 na siglo.

Nagkaroon ng isang kagyat na pangangailangan upang i-update ang parehong repertoire at artistikong mga diskarte. Nagsimula ito sa Meiningen Theater.

Ang susunod na mahalagang hakbang ay kinuha ng direktor na si Otto Brahm, na sa unang pagkakataon sa Alemanya ay nagsimulang magtanghal modernong drama– mga dula ni Ibsen, Hauptmann, L. Tolstoy, I. Turgenev.

Ang tuktok ng malikhaing paghahanap sa teatro ng unang bahagi ng ikadalawampu siglo. sa Germany may mga makabagong pagtatanghal ni M. Reinhardt. Ang kanyang teatro ay nakikilala sa pamamagitan ng isang maayos na kumbinasyon ng klasiko at modernong repertoire; Bukod dito, ang modernong repertoire ay sumasalamin sa mga pinaka matinding uso at kontradiksyon ng panahon.

Gerhardt Hauptmann(1852-1946) - isang pambihirang manunulat ng dula sa Alemanya sa pagtatapos ng ika-19 - simula ng ika-20 siglo. Nagsimula siya bilang isang artista at malakas ang impluwensya ng naturalismo. Ngunit ang kanyang interes sa mga prosesong panlipunan at mga salungatan sa moral ay nagpapahintulot sa kanya na gumawa ng makatotohanang paglalahat sa kanyang mga dula.

Mga unang dula ( bago sumikat ang araw, 1889) tumugon sa naturalismo. Sa kanila isinasama niya ang ideya ng kumpletong pag-asa ng isang tao sa kapaligiran, at ang sikolohiya ay tinutukoy ng pagmamana. Ang dula ay nakatuon sa tema ng pagkakawatak-watak ng isang mayamang pamilya ng magsasaka, na nahawahan ng alkoholismo at walang mga prinsipyong moral. Noong 1891 ᴦ. lilitaw ang psychological drama ʼʼNag-iisaʼʼ at sosyal na drama ʼʼWeaversʼʼ(sa loob nito ay umaasa siya sa pag-aalsa ng mga manghahabi ng Silesian noong 1844 ᴦ.). Ang aksyon sa dula ay dynamic na umuunlad. Sa simula ng dula, ang mga manghahabi ay isang inapi, nagugutom na masa, pagod sa pagsusumikap. Habang umuusad ang aksyon, lumiliko sila mula sa masunuring mga alipin tungo sa mga aktibong mandirigma. Nagbibigay si Hauptmann sa drama bagong uri bayani-manlaban sa mga larawan ng retiradong sundalo na si Moritz Jäger at ng kanyang kaibigang manghahabi na si Becker. Ang drama ay nagpapakita ng ebolusyon ng maraming karakter: ang matandang si Baumert ay unti-unting naaakit sa laban, si Louise Gilse ay isang batang manghahabi na lalaban kasama ng iba pang manghahabi. Ang kanyang asawang si Gottlieb ay sumali rin sa pag-aalsa. Ang mga nasa kapangyarihan ay inilalarawan ng satirically.

Bilang isang kalunus-lunos na katutubong drama, tumanggap ng mataas na papuri ang The Weavers mula sa mga progresibong manggagawa sa teatro.

Madulang kuwento ʼʼSunken Bellʼʼ(1896) - isang himno sa kalikasan. Ang balangkas ay nilikha ng malikhaing imahinasyon ni Hauptmann, ngunit ginamit din niya ang malawak na paggamit ng mga tema mula sa mga fairy tale ng Aleman. Ang isang mahalagang ideya ay ipinahayag dito - tungkol sa kalayaan ng pagkamalikhain ng artist, hindi pinipigilan ng mga kombensiyon dogma ng simbahan, tungkol sa pagkamalikhain, ang ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ ay makakahanap lamang ng pagkakaisa sa malapit sa kalikasan. Sa istilo, pinag-uugnay ng dula ang romantikismo, mga larawan ng katutubong tula, realismo at simbolismo.

Ang pinaka makabuluhang dula ni Hauptmann ay isang makatotohanang drama Bago lumubog ang araw(1932). Mahusay na pinagsasama ng dramang ito ang dalawang linya - liriko at akusa sa lipunan. Ang Οʜᴎ ay malapit na magkakaugnay sa isa't isa. Nakita ni Matthias Clausen kung paano itinakda sa buhay ang komersyal na pagkalkula at pangungutya; hinatulan niya ang mundong ito at tumalikod dito. Ito ay isang mundo hindi lamang ng hucksterism, hypocrisy at cynicism, ito ay isang mundo ng pagsulong ng pasismo, na nakapaloob sa pigura ng kanyang manugang na si Klamroth.

Sa panahong ito ng panloob na pagpapalaya mula sa buong nakaraan na isang batang babae, si Inken Peters, ang sumalakay sa buhay ni Clausen. Nagbigay siya ng buhay sa kanyang pag-iral. Pagkatapos ng maraming pag-aalinlangan at pag-aalinlangan, napagdesisyunan niyang makiisa sa kanya. Nang malaman ang tungkol dito, ang pamilya ay naghahanda para sa isang "pag-atake": pagkatapos ng lahat, ang isang napakalaking pamana ay maaaring mapunta sa "poor seamstress" na si Inken. At humihingi sila ng utos ng korte na magtatag ng guardianship sa ama, na diumano'y nawalan ng malay. Namangha si Matthias, wala siyang lakas para labanan sila. Umalis siya sa sarili niyang tahanan. Sinusubukan ng mga bata na ilagay siya sa isang psychiatric hospital. At nagpasya si Matthias na mamatay.

Sa mga taon ng pasismo, si Hauptmann ay nanirahan sa pag-iisa sa kanyang ari-arian at lumikha ng isang tetralogy sa mga sinaunang tema: "Iphigenia at Aulis", "The Death of Agamemnon", "Electra" at "Iphigenia at Delphi". Sa pamamagitan nito, nagprotesta siya laban sa rehimen. Ang dramaturhiya ni Hauptmann ay gumawa ng malaking kontribusyon sa panitikan at teatro ng Aleman.

Teatro ng Aleman - konsepto at uri. Pag-uuri at mga tampok ng kategoryang "German Theater" 2017, 2018.

Mein Lieblingstheater

Es gibt verschiedene Theater: Opern- und Ballettheater, Puppen-, Kinder-, Jugendtheater, Dramatheater at Studiobühnen. Abend für Abend gibt es Vorstellungen. Sie sind meistens ausverkauft. Ito ang nicht die Mode, die Tausende von Menschen ins Theater lockt. Si denn ba? Der eine möchte sich entspannen, für den anderen ist es ein Hobby.

Eine besondere Erscheinung im Theaterleben Moskaus ist das Kinder-Musiktheater. Viele Jahre war es mit dem Namen von Natalja Saz verbunden. Bereits 1918 wurde sie die künstlerische Leiterin des ersten Kindertheaters in der Welt. In den 60er Jahren verwirklichte sie ihre Idee, ein Musiktheater für Kinder zu gründen. Es wurde 1965 gegründet und bekam 1980 ein neues Gebäude am Wernadski-Prospekt.

Auf der Kuppel sieht man den blauen Vogel aus dem Märchen. Er sitzt auf einer Harfe. Das ist das Wahrzeichen des Theaters, ein Symbol des menschlichen Strebens nach Schönheit und Erkenntnis. Fünf große Türen führen ins Gebäude. Die Kinder werden von beliebten Märchengestalten begrüßt. Der größere Zuschauerraum hat über 1000 Platze. Hier werden die Musikstücke aufgeführt. Es gibt noch einen kleinen Zuschauerraum für Kammermusik. Das Repetoire hat mehr als 20 Stücke, darunter waren das musikalische Märchen von Sergej Prokofjew "Peter und der Wolf", Wladimir Rubins phantastische Oper "Die drei Dicken" nach dem Märchen von Juri Olescha. Die bekannteste Oper "Der blaue Vogel" steht viele Jahre auf dem Spielplan des Theaters. Die Oper ni Mark Minkow „Zaubermusik oder Wir machen eine Oper“ fasziniert auch die jungen Zuschauer und wird zu einem richtigen Erlebnis. Bühnendekoration, Kostüme und Schauspieler beeindrucken.

Für dieses Theater ist die Musika eine besondere Kraft. Hier wird es deutlich, was sie vermag. Für Musik ist keiner zu klein. Und wenn sie so hinreißend dargeboten wird wie bei diesem Theater, bleibt keine Seele unberührt. Seine Figuren leben auf der Bühne und bewegen, seine Geschichten fesseln und halten aufgeregte Kinder fast zwei Stunden in Atem. Ang Dieses Theater ay namatay sa Schönheit verstehen.

Maraming mga teatro: opera, ballet, puppet, pambata, kabataan, drama at mga teatro na pang-edukasyon. May mga pagtatanghal dito tuwing gabi. Bilang isang patakaran, ang lahat ng mga tiket ay palaging nabili. Hindi tradisyon ang akitin ang libu-libong tao sa teatro. Ano ngayon? Ang ilang mga tao ay gustong magsaya, para sa iba ito ay isang libangan. Ang pinaka makabuluhang kababalaghan sa theatrical life ng Moscow ay ang musical theater ng mga bata. Sa loob ng maraming taon ay nauugnay siya sa pangalan ni Natalia Sats. Mula noong 1918 siya ay naging direktor ng sining ang unang teatro ng mga bata sa mundo. Noong 60s, nabuhay ang kanyang ideya: isang musikal na teatro para sa mga bata ang binuksan. Ito ay itinatag noong 1965 at nakatanggap ng bagong gusali noong 1980 sa Vernadsky Avenue.

Sa ilalim ng simboryo makikita mo ang bluebird mula sa fairy tale. Nakaupo siya sa isang alpa. Ito ay simbolo ng teatro, simbolo ng pananabik ng tao sa kagandahan at kaalaman. Limang malalaking pinto ang humahantong sa gusali. Nakikita ng mga bata ang kanilang mga paboritong karakter mula sa mga fairy tale. Ang pinakamalaking awditoryum ay nakakaupo ng higit sa 1,000 katao. Ang mga pagtatanghal ng musika ay itinanghal dito.

Mayroon ding maliit na bulwagan para sa chamber music. Kasama sa kanyang repertoire ang higit sa 20 mga gawa, kabilang ang musikal na fairy tale ni Sergei Prokofiev na "Peter and the Wolf", ang kamangha-manghang opera ni Vladimir Rubin na "Three Fat Men" batay sa fairy tale ng parehong pangalan ni Yuri Olesha. Ang pinakasikat ay ang opera na "The Blue Bird," na nasa repertoire sa loob ng maraming taon.

Ang opera ni Mark Minkov na "Magic Music, o Let's Do an Opera" ay humahanga sa mga batang manonood at gumagawa ng isang pangmatagalang impresyon. Ang mga tanawin sa entablado, mga kasuotan at mga aktor ay gumawa ng nakamamanghang impresyon.

May espesyal na kapangyarihan ang musika sa teatro na ito. Dito nagiging malinaw na kaya niya. Walang fan na masyadong bata para sa musika. Kapag ito ay ipinakita nang napakasaya, wala ni isang kaluluwa ang mananatiling walang malasakit. Ang lahat ng mga character ay nakatira sa tanawin, gumagalaw, ang kanilang mga kuwento ay riveting at panatilihing excited mga bata sa pananabik sa loob ng halos 2 oras. Ang teatro na ito ay nagtuturo sa atin na maunawaan ang kagandahan.

MINISTRY OF EDUCATION AND SCIENCE OF THE RUSSIAN FEDERATION

DEPARTMENT OF EDUCATION ADMINISTATION

MO KUITUN DISTRICT

MUNICIPAL STATE EDUCATIONAL INSTITUTION

"UYANSKAYA SECONDARY EDUCATION SCHOOL"

"DIE ROLLE DES THEATERS IM LEBEN DES MODERNEN MENSCHEN."

Ginawa:

Tsuranova Vasilisa

mag-aaral sa ika-11 baitang

Superbisor:

Agapitova T.V.

1. das Ziel und der Aufgabe

   der theoretische Teil:

a) Die Kunst im Leben des Menschen

b) Die Rolle des Theaters im Leben der Gesellschaft: gestern und heute.

c) Die Theater Sibiriens

d) Die Geschichte des Theaters names Ochlopkowa

4) der Praktische Teil:

b) Die Idee des Experimentes

c) Die Statistik des Experimentes

d) Das Ergebnis des Experimentes

5) mamatay Schlussfolgerung

6) die Liste der verwendeten Literatur

Die Aktualidad.

Die Zeit geht, die Menschheit ändert sich. Es ändern sich die Prioritäten, das Ziel, der Präferenz. Es hat sich auch die Beziehung des Menschen zur Kunst geändert, wie sich auch die Kunst eigentlich geändert hat. Zum eindrucksvollen Beispiel jenem kann das moderne Theater dienen. Die Rolle des Theaters im Leben des Menschen war immer sehr groß.

Die Theaterkunst unterrichtet in erster Linie, Mensch zu sein, zu fühlen und mitzuempfinden.

Wie deutscher Philosopher Johann Friedrich Schiller, “bestraft das Theater Tausende der Laster, die vom Gericht ohne die Strafe abgegeben werden, und empfiehlt Tausende Tugenden, über die das Gesetz verschweigt. Das Theater zieht den Betrug und die Lüge aus ihren krummen Labyrinthen heraus und führt dem Tageslicht ihr schreckliches Äußere vor. Das Theater entfaltet vor uns das Panorama der menschlichen Leiden. Das Theater führt in die Sphäre der fremden Nöte künstlich ein und für das augenblickliche Leiden belohnt uns mit den wonnevollen Tränen und der prächtigen Zunahme des Mutes und der Erfahrung.”

Das gewählte Thema des Projektes halte ich aktuell, da bestimmte Aspekte des Themas nicht vollkommen studyert sind und die durchgeführte Forschung ist auf die Überwindung dieser Lücke gerichtet. Sie regt mich an, die intellektuellen Fähigkeiten, die moralischen und kommunikativen Qualitäten zu zeigen.

Das Ziel und der Aufgabe:

Die Bedeutsamkeit der Theaterkunst im Leben des modernen Menschen zu beweisen.

Das Interesse der Menschen für die Welt der Kunst zu erwecken.

Die Umfrage zwecks der Klärung der Bedeutsamkeit der Theaterkunst im Leben der Menschen durchzuführen.

Das Experiment zwecks der Aufspürung der Handlung der Durchsicht der Theatererrichtung auf den Zustand der Teilnehmer des Experimentes durchzuführen.

Die Kunst im Leben des Menschen.

Die Frage, welche Rolle spielt die Kunst im Menschenleben, genauso altertümlich, wie auch die ersten Versuche seines theoretischen Verständnisses. Die Welt der künstlerischen Gestalten, nach der Überzeugung der antiken Denker und der Maler, "nachahmend" dem Leben, wurde ein untrennbarer Bestandteil des wahrhaften Lebens des Menschen. Euripides schrieb, zum Beispiel: "Gibt es, ich werde nicht verlassen, es gibt keine Muse, den Altar Ihr... des Wahrhaften Lebens ohne Kunst..."

Die Geschichte der künstlerischen Kultur hat nicht wenig Fälle eingeprägt, wenn die Wahrnehmung der Kunst zum unmittelbaren Impuls für die Vollziehung dieser oder jener Taten, für die Veränderung der Lebensweise gedient hat. Die Kunst gilt nicht auf eine irgendwelche menschliche Fähigkeit und die Kraft, ob die Emotion oder den Intellekt, und auf den Menschen insgesamt. Die Kraft der Kunst besteht darin, zum menschlichen Gewissen zu rufen, seine geistigen Fähigkeiten zu wecken. In der Kunst findet der Mensch sowohl das neue Wissen, als auch die Antworten auf die lebenswichtigen Fragen, und die Beruhigung von der alltäglichen Eile, und den Genuss.

Die besondere Stelle in der Kunst nimmt das Theater ein.

Die Rolle des Theaters im Leben der Gesellschaft: gestern und heute.

Die Theaterkunst der Völker unserer Heimat nimmt den Anfang in den Ritualien und den Spielen, die rituellen Handlungen. Das russische Theater hat sich im tiefen Altertum gebildet. Seine Quellen gehen ins Volksschaffen – die Ritualien, die Feiertage weg, die mit dem Erwerbsleben verbunden sind.

Tatsächlich ist das Theater im XVII. Jahrhundert erschienen. Das Entstehen des Hoftheaters war vom Interesse der Hofnoblesse für die westliche Kultur herbeigerufen. Ang Dieses Theater ay nasa Moskau bei Zaren Aleksej Michajlowitsch erschienen.

Das Erscheinen der Theater hat die Sphäre des Geisteslebens der russischen Gesellschaft ausgedehnt. Die Möglichkeiten des Theaters sind vielseitig. Die Theaterkunst bildet die intellektuellen und moralischen Qualitäten, fördert die schöpferischen Fähigkeiten, unterstützt die erfolgreiche Sozialisierung.

Von den einstigen Zeiten und bis zu unseren Tagen spielt das Theater die wichtigste Rolle in unserem Leben, helfend es ist moralisch, den zukünftigen Generationen zu wachsen.

Die Theater Sibiriens

Da ich in Sibirien lebe, interessiert mich die Frage: und wie sich die Schaffen mit den Theatern in unseren Rändern verhalten?

Das Kulturleben insgesamt, und das Theaterleben sind in Sibirisch dem Rand in siebzehntem – die achtzehnten Jahrhunderte zusammen mit den ersten Ansiedlern aus dem zentralen Teil Russlands insbesondere erschienen. Ursprünglich trug die vorliegende Tätigkeit den selbsttätigen Volkscharakter. Im Folgenden, seit dem achtzehnten Jahrhundert, zusammen mit dem Erscheinen in Sibirien nach-jewropejski den gebildeten Beamten, entwickeln sich andere Formen der Organization der Theatertätigkeit.

Noong 1705 sind gerade an diesen Stellen die ersten Erwähnungen an den liebhaberischen Theatervorstellungen erschienen, als deren Initiator lokaler Metropolit Filofej Leschtschinski aufgetreten ist. Die Vorstellungen wurden zwecks der Propaganda im Volk der geistigen orthodoxen Werte organisiert. Das Repertoire bestand aus den Stücken nach den biblischen Sujets.

Dann hat beim lokalen Priesterseminar das Theaterschaffen genug hoch nach jenen Zeiten des Niveaus erreicht.

Die Theater Russlands mit dem weltlichen Repertoire nicht auf der folkloristischen Grundlage - haben begonnen, im achtzehnten Jahrhundert zu entstehen. Das erste ähnliche Theater sa Sibirien unter der Leitung von der Ehefrau des Beamten des Jh. A.Trojepolskis - ist sa Irkutsk noong 1787 erschienen.

Die Theater Russlands, die Beschäftigten auf der professionellen Grundlage, sind ein wenig später - im achtzehnten Jahrhundert erschienen. Ist von anderen Regionen auf dem gegebenen Arbeitsgebiet und Sibirien nicht zurückgeblieben. Ende achtzehntes Jahrhundert digmaan sa Tobolsk das erste professionelle Theater gegründet.

Die Theater Russlands insgesamt und die Theater Sibiriens, insbesondere haben das sehr hohe künstlerische Niveau für zwei letzten Jahrhunderte erreicht. Viele Menschen, die in der Geschichte unseres Landes den wichtigen Platz belegt haben, waren gerade mit den sibirischen Theatern, zum Beispiel, der Schriftsteller und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens A.N.Radischtschew, Deutscher Dramatik, Deutscher H. K.Kjuchelbekers, Schriftsteller P.P.Jerschow verbunden u.a.

Ich will Ihnen von einem der ältesten Schauspielhäuser Russlands - Irkutsk den akademische Schauspielhaus namens N. P. Ochlopkowa erzählen.

Die Geschichte des Theaters names Ochlopkowa.

Das irkutsker akademische Schauspielhaus namens N.P.Ochlopkow hat den Status des professionellen Theaters noong 1850 erworben, wenn die wandernde Truppe der Schauspieler in Irkutsk für die Dauerstellung blieb. Die ersten Vorstellungen der Spezialisten waren in der Edlen Versammlung gegeben. Noong 1851 ist bei der Pflegschaft Generalgouverneurs Nikolaj Murawjewa-Amurski der Bau des Gebäudes für das Theater geendet, das sich am 22. September feierlich geöffnet hat. In diesen Abend ging das Stück N.Polewogos "der Russische Mensch das Gute erinnert sich".

Noong 1897 fährt die Truppe ins Steingebäude, das nach dem Projekt des Hauptarchitekten der Direksyon der Kaiserlichen Theater Schr±tera des Jh. At errichtet ist

Die Finanzierung der Arbeiten und der Bau ging unter der unermüdlichen Kontrolle und der Kranken- und Säuglingsfürsorge Gouverneurs Alexander Goremykina. Das neue Theater traf nicht nur der reichen Ausstattung, sondern auch der ausgezeichneten Akustik des Zuschauerraumes. Haben es für drei Jahre aufgebaut, und hat das Theater bis zu unseren Tagen stillgestanden, für das Meisterwerk der russischen Baukunst des XIX. Jahrhunderts rechtlich geltend, “… du ähnlich der vom Ural bis zu Entferntem Osten nicht begegnen wirst.”

Das Theater war Startplatz für die irkutsker Dramatiker Ignatija des Haushofmeisters, Pawels Maljarewski, Belly Lewantowski, Marks Sergejews.

In der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts haben sich über Irkutsk zwei Sterne - Alexander Wampilow und Walentin Rasputin entzündet. Alle Stücke A.Wampilowas waren des Irkutsker Schauspielhauses auf die Bühne gebracht. Ins Gedächtnis über den großen Dramatiker auf Grund vom Theater jeder zwei Jahre wird "das Allrussische Theaterfestival der modernen Dramaturgie names Alexander Wampilowa" durchgeführt.

Über dieses Theater sagend, kann ich darüber erwähnen, welchen prächtigen Eindruck er auf mich erzeugt hat. Das Theater names Ochlopkow – der gegenwärtige Tempel der Kunst.

Wieviel Ma lhaben Sie das Theater besucht?

Haben Sie Plane, sa Theater zu besuchen?

Ob die Rolle des Theaters im Leben des Menschen auf Ihren Blick groß ist?

Was haben Sie bevorzugt: die Theatererrichtung im Fernsehen oder im Theater anzuschauen?

Wie meinen Sie, ob man die Theaterkunst unterstützen und entwickeln muss?

Aus den Ergebnissen der durchgeführten Umfrage ist es sichtbar, dass zur Zeit die Rolle des Theaters im Leben der Menschen bedeutsam bleibt. Das Fernsehen und das Internet, ungeachet der Erweitertheit, haben die Rolle der Theaterkunst im Laufe der Entwicklung der Menschheit nicht verringert

Ich habe mich das Projekt entschieden, vom Experiment zu exemplifizieren. Er besteht im Folgenden: drei Freiwillige in der Strömung der Woche werden nach einer Theatererrichtung jeden Tag durchsehen. In der Strömung der ganzen Zeit des Experimentes werden die Freiwilligen hinsichtlich der Arbeitsfähigkeit, des emotionalen Hintergrunds, der Gefälle der Stimmung unter Beobachtung stehen.

Als die Freiwilligen in meinem Experiment sind meine Freundinnen aufgetreten.

Die Statistik des Experimentes.

Infolge der Umstände, die Freiwilligen haben die Theatererrichtungen im Fernsehen und im Internet durchgesehen.

In die Liste der Errichtungen sind eingegangen: "Hamlet", "Romeo und Julia", "Sirano halt Berscherak", "die Möwe", "den Kirschgarten", "Boris Godunow" at das Musical "Gespenst der Oper".

Ich führte die Beobachtung der Teilnehmer des Experimentes.

Während der Durchsicht habe ich die Gefälle der Stimmung meinen Freunden bemerkt. Nach der Durchsicht war ihre Stimmung ruhig, befriedet. Es war die positive Dynamik im emotionalen Hintergrund der Freiwilligen bemerkenswert.

Ebenso war das Plätschern der schöpferischen Kräfte gefegt.

Ebenso, die Teilnehmer des Experimentes beobachtend, habe ich die Verbesserung der Schriftkundigkeit ihrer Rede bemerkt.

Das Ergebnis des Experimentes.

Im Verlauf des Experimentes haben wir das Folgende aufgeklärt:

Die Durchsicht der Theatererrichtungen beeinflusst den emotionalen und psychischen Zustand günstig.

Verbessert sich die Schriftkundigkeit der Rede.

Weckt das schöpferische Potensyal.

Es ist der positive Einfluss der Durchsicht der Theatererrichtungen vorhanden.

Die Schlussfolgerung.

Das Theater spielt die wichtigste Rolle in unserem Leben, helfend es ist moralisch, den zukünftigen Generationen zu wachsen. Jede Generation trägt den Beitrag an die Entwicklung der Menschheit bei, es kultiviert bereichernd. Wirklich, das Theater – die beste Schule des Lebens, weil er der Quelle der Informationen über die Welt, über das Leben, veranlassend für die Arbeit des Gedankens präsentiert. Die Nachdenken über den Sinn der menschlichen Existenz, über die Tiefen der menschlichen Seele – das edle und notwendige Ziel der Kunst überhaupt, und einschließlich der Kunst des Theaters herbeizurufen. Kaya ist eine der wichtigsten Funktionen des Theaters eine wissenswerte Funktion. Dank ihr verwirklicht sich die Sendung der sozialen Erfahrung von einer Generation zu anderem, von ein Ländern und den Völkern zu anderem. Deshalb so ist die Eingliederung bis zur Kunst wichtig. Auch als noch höher, das Theater der wichtigste Teil der menschlichen Entwicklung ist.

Besuchen Sie das Theater und entwickeln Sie sich geistig!

Die Liste der verwendeten Literatur.

K.N. Kostrikov. "Makasaysayang pananaw ng artistikong kultura sa panahon ng paglipat"

Nezhnov G.G. "Sining sa ating buhay"

Stolovich L.N. "Buhay-pagkamalikhain"

Tema: Theaterbesuch sa Germany

Paksa: Pagbisita sa isang teatro sa Germany

Ich heiße Lena und lerne in einem Lyzeum mit vertieftem Sprachunterricht. Ang Mein Hauptfach ay Deutsch. Im vorigen Jahr unterrichtete bei uns eine junge Lehrerin aus Deutschland. Sie hat mich und meine Freundin Angela zu sich nach Hamburg eingeladen. Ich war sehr froh darauf, Deutschland mit eigenen Augen zu sehen und deutsch zu sprechen.

Ang pangalan ko ay Lena, nag-aaral ako sa isang lyceum na may malalim na pag-aaral ng mga banyagang wika. Ang pangunahing paksa ko ay German. Noong nakaraang taon mayroon kaming isang batang guro mula sa Germany na nagtuturo. Inimbitahan niya ako at ang kaibigan kong si Anita sa kanyang tahanan sa Hamburg. Tuwang-tuwa ako na ngayon ay nakikita ko na ang Germany gamit ang sarili kong mga mata at nagsasalita ng German.

Wir waren sa Hamburg 2 linggo. Lahat ng klase ng digmaan! Unsere Lehrerin zeigte uns die Stadt. Und einmal hat sie uns ins Theater eingeladen. Das war eine Premiere sa Hamburg Ballett. Es wurde das Ballett "Orpheus" gegeben. Wir bekamen die Eintrittskarten im Voraus. Dadurch bekamen wir Zeit, in Ruhe diese alte Sage über Orpheus und Eurydike zu lesen.

Nanatili kami sa Hamburg ng 2 linggo. Lahat ay mahusay! Ipinakita sa amin ng aming guro ang lungsod. At isang araw ay inanyayahan niya kami sa teatro. Ito ang premiere sa Hamburg Ballet. Ibinigay nila ang balete na "Orpheus". Nakatanggap kami ng mga tiket nang maaga. Samakatuwid, nagkaroon kami ng oras upang dahan-dahang basahin ang sinaunang alamat ng Orpheus at Eurydice.

Der Sänger Orpheus wurde in der ganzen Welt geliebt. Ihm hörten Vögel in der Luft, Fische im Wasser, Tiere im Wald zu. Apollon hat ihm eine wundervolle Leier geschenkt. Orpheus liebte sehr seine Frau Eurydike. Die Hochzeit haben sie vor kurzem gefeiert. Aber sie wurden nicht lange glücklich. Eurydike wurde von einer giftigen Schlange tödlich gebissen. Orpheus beschloss seine Geliebte im Reich der Toten zu finden und zu retten. Er stieg in die Unterwelt hinab. Vor dem Thron des Herrschers Hades sang Orpheus zum Klang der Leier. Er bat ihn, seine Geliebte Eurydike zu befreien. Alle Totenschatten weinten. Der düstere Herrscher hatte Mitleid mit dem Sänger. Orpheus bekam seine Gemahlin zurück. Aber während des Rückwegs durfte er nicht zurückblicken. Orpheus blickte aber nach der Geliebten um und verlor sie für ewig. Der Sänger lebte 3 Jahre in seiner Trauer und wollte keine andere Frau sehen. Er wurde dadurch von den wütenden Weibern getötet. Die Nymphen brachten ihn zu seiner Eurydike in die Totenwelt.

Mahal ng lahat ang mang-aawit na si Orpheus. Ang kanyang pag-awit ay narinig ng mga ibon sa himpapawid, isda sa tubig, mga hayop sa kagubatan. Si Apollo mismo ang nagbigay sa kanya ng magandang lira. Mahal na mahal ni Orpheus si Eurydice. Kamakailan lang ay ipinagdiwang nila ang kanilang kasal. Pero saglit lang silang naging masaya. Si Eurydice ay nakagat ng makamandag na ahas. Siya ay namatay. Nagpasya si Orpheus na hanapin ang kanyang minamahal sa kaharian ng mga patay at iligtas siya. Bumaba siya sa underworld. Sa harap ng trono ng pinuno ng Hades, nagsimulang kumanta si Orpheus ng kanyang mga kanta at tumugtog ng lira. Hiniling niyang pakawalan si Eurydice. Lahat ng anino ay umiiyak. Naawa ang Gloomy King of the Dead sa mang-aawit. Natanggap ni Orpheus ang kanyang Eurydice. Ngunit sa kanyang pagbabalik kailangan niyang umalis nang hindi lumilingon. Lumingon si Orpheus, tumingin sa kanyang minamahal at sa sandaling iyon ay nawala siya ng tuluyan. Ang mang-aawit ay malungkot sa loob ng 3 taon at ayaw tumingin sa sinumang babae. Dahil dito, pinatay siya ng mga galit na lokal na kababaihan sa pamamagitan ng pagbato sa kanya. Dinala siya ng mga nimpa sa kaharian ng mga patay sa Eurydice.

Das Gebäude des Ballettzentrums gefiel mir auch sehr. Es sah wie ein Museum aus. Der Regieführer des Hamburger Balletts hat eine neue Interpretation dem Publikum vorgestellt. Er wollte das Sujet modern machen. Die Bühnenbilder sind auch stilistisch geändert. Der Sänger Orpheus bekam eine Geige statt der alten Leier. Die Musik unterstützte den neuen Blick. Neben Stravinsky und Barock erklangen Melodien aus einem aktuellen Musical. Sie wurden auch durch Lautsprecher gespielt. Somit wurde Orpheus wie ein Künstler von heute für Zuschauer gegeben. Was aber blieb – das ist die Idee der ewigen Liebe. Das Publikum im Saal würdigte die moderne Variante der alten Sage durch ihren heftigen Applaus sehr hoch. Die neue Interpretation fand auch in der Choreographie ihren Ausdruck. Der Orpheus-Darsteller Otto Bubeníček tanzte technisch glänzend. Musik und Tanz verschmelzen sich in mir eng zusammen. Die Kostüme waren elegant neoklassisch, dem Tanzstil angepast.

Nagustuhan ko talaga ang gusali ng Ballet Center. Mukha itong museo. Inalok ng direktor ng pagtatanghal ang madla ng kanyang bagong bersyon ng ballet. Ginawang moderno niya ang balangkas ng alamat. Na-update din ang istilo ng tanawin. Ang mang-aawit na si Orpheus ay hindi tumugtog ng lira, kundi ng biyolin. Binigyang-diin ng musika ang pagiging bago. Bilang karagdagan sa mga klasiko ng Stravinsky at ang lumang baroque, ang mga melodies ng isang modernong musikal ay tumunog mula sa mga speaker. Samakatuwid, lumilitaw si Orpheus sa harap ng madla bilang mang-aawit ngayon. Ngunit ang pangunahing ideya ng alamat ay nanatiling hindi nagbabago - ang kawalang-hanggan ng pag-ibig. Ang mga manonood sa bulwagan ay nagpahayag ng kanilang kagalakan na may dumadagundong na palakpakan. Ang bagong interpretasyon ay makikita sa koreograpia. Ang gumaganap ng papel ni Orpheus, si Otto Bubenchik, ay sumayaw nang napakatalino. Ang musika at sayaw ay nag-intertwined sa aking isipan sa isang solong kabuuan. Ang mga costume ng mga performer ay eleganteng nagbigay-diin sa mga klasiko na may modernong twist.

Das Zentrum wurde 1929 eingerichtet. Das Innere wurde mit einem schönen Wandgemälde „"Orpheus mit den Tieren" von der Kunstmalerin Anita Rée geschmückt. Das Gemälde zeigt Orpheus auf einer Antilope reitend. Um ihn herum liegen Tiere, die sein Spiel und Singen bewundern. Die Ballettsäle werden nach berühmten Choreografen benannt: Petipa, Nijinsky, Balanchine, und anderen.

Pagbisita sa teatro - paksa sa Aleman

Es gibt viele Moglichkeiten, die Freizeit zu verringen. Einige sitzen die ganze Zeit vor dem Fernseher und sehen alle Sendungen, die anderen besuchen Diskotheken. Viele gehen aber ins Theater. In jeder Gro?stadt gibt es viele Theater, in denen Opern, Ballette, Dramen, Operetten aufgefuhrt werden.

Die Geschichte des Theaters ist sehr reich und interessant. Es gibt verschiedene formen des Theaters: griechisches Theater, Barocktheater und modernes Theater.

Jede Gro?stadt in unserer RB hat ihr eigenes Theater mit seinem einmaligen Antlitz. Die bekanntesten Theater sa Belarus mula sa Sprechtheater sa Grodno, sa Jakub-Kolas-Theater sa Witebsk. Mit vollem Recht nennt man Minsk eine Theaterstadt. Das Janka-Kupala-Theater, das russische Sprechtheater u a. m. sind weit uber die Grenzen der Republik bekannt. Das Janka-Kupala-Theater trogt den Namen des belorussischen Dichters Iwan Dominikowitsch Luzewitsch, dessen Pseudonym Kupala ist. Sein Pseudonym Kupala idt mit dem belorussischen Volksfest, die so genannte Kupala-Nacht verbunden. Dieses fest ist sehr schon und wird heutzutage gefeiert. Auf dem spielplan stehen die Werke von den belorussischen Schriftstellern, auch auslandischen Autoren. Die bekanntesten belorussischen Schauspieler sind Stanyta, Garbuk, Jeremenko.

Ich interessiere mich fur Theater at besuche Theater gern. Ich kann din immer wahlen: entweder in die Oper oder ins Ballett zu gehen, entweder sich ein Drama oder ein Lustspiel anzusehen.

Sa Deutschland gibt es viele Theaterfreunde. Allein Berlin sumbrero uber 150 Theater, darunter sa "Deutsche Theater", sa komische Oper, sa "Berliner Ensemble". Auch in der Provinz werden Theaterstucke gegeben. Auf deutschen Buhnen fuhrt man die Werke der Klassik auf, z.B. Schillers "Kabale und Liebe" Die zeitgenossischen Werke werden auch gegeben.

Neue Titel, neue Namen – das ist immer wieder interessant. Theater is ewig, es kann nicht altmodisch sein. Ich konnte mir ein leben des Menschen ohne Theater gar nicht vorstellen. Es ware bestimmt ein langweiliges Leben. Ich glaube, ein jeder geht mit vielen Erwartungen ins Theater. Nicht alle konnen naturlich erfullt werden. Um einmal den Alltag zu vergessen, gehe ich ins Theater, vor allem ins Sprechtheater. Ich wahle mir etwas Lustiges, wenn ich schlechter Laune bin, wenn ich aber eine gute Laune habe, sehe ich mir etwas Trauriges an.

Naturlich be suche ich das Theater nicht allein. Viel interessanter geht es mit den Freunden: man kann in den Pausen das Stuck besprechen und Meinungen austauschen. Mag-iwan ng mga Eintrittskarten im Vorverkauf auf, wenn naturlich keine Premiere gegeben wird. Sa diesem Fall muss man unmittelbar im Theater tun. Ich erkundige mich immer nach den Schauspielern, die Hauptrollen spielen. Das ist doch sehr angenehm und spannend, bekanntes Kunstlerspielen zu sehen.

In der Regel beginnt die Auffuhrung um 19 00 Uhr. Um halb 19 00 hole ich meine Freundin ab und wir machen uns auf den Weg. Das Wichtigste hier ist nicht zu spat zu kommen.

In der Garderobe legen wir ab und gehen ins Foyer. Dort flanieren auf und ab zahlreiche Theaterbesucher. Da sind viele Menschen: Kinder und Erwachsene warten auf den beginn der Vorstellung. Wir kaufen ein Programm und schlie?en uns ihnen an. Wenn es zum 2. Mal lautet, gehen wir zu unseren Platzen. Wir setzten uns, und jetzt haben wir die Zeit, unsere Umgebung zu betrachten. Es ist ein gro?er, festlicher Raum. Von links und rechts stromen durch die offnen Turen Menschen dito. Sie sind festlich gekleidet. Die meisten haben frohe Mienen. Sie lachen und scherzen, nicken einander freundlich zu und plaudern vergnugt, wahrend sie ihre Platze auf suchen. Kalbo klingelte es zum dritten Mal. Schnell fuhlte sich der Zuschauerraum. Das Licht nahm rasch ab und erlosch nach ein paar Sekunden ganz. Stille herrschte im Zuschauerraum, man vernahm nur das Rauschen der Programmhefte. Ganz leise erklang zarte Musik, die Scheinwerfer strahlen ihr helles Licht auf die Buhne, langsam ging der Vorgang auf. Wenn der erste Aufzug zu Ende ist, klatschen die Zuschauer Beifall. Der Vorgang geht zu.

In der Pause ging ich im Foyer auf und ab und beobachtete das Publikum. Einige Zuschauer unterhielten sich uber das Stuck, tauschten ihre Eindrucke und Meinungen aus, andere gingen in den Erfrischungsraum. Es klingelte kalbo. Der zweite Aufzug beginnt. Alle sehen gespannt zur Buhne. Die Schlussszene ist am schonsten.

Die Vorstellung ist zu Ende. Der Vorgang fallt und die Zuschauer klatschen Beifall. Die Schauspieler haben viele Vorhange, sie bekommen Blume.

Nach Hause kehrte ich spat am Abend zuruck, ziemlich mude und uberaus zufrieden. Das eben gesehene Stuck hat mich stark beeindruckt, aber ich habe schon einen neuen Theaterbesuch vor…