Hindi mahalaga kung paano nila tinawag ang istilong ito! – Kakaiba, madaling kapitan ng labis, katawa-tawa, mapagpanggap, hindi natural...

Sa una, ang mga katangiang ito ay parang isang biro. At lahat dahil lang isang bagong istilo ay hindi tumutugma sa mga canon ng sinaunang sining, sa batayan kung saan ang isang gawa ng sining ay dapat itayo at sa kalaunan ay gumamit ng klasisismo at rasyonalismo. Ibig sabihin, sa ganitong paraan lamang at hindi kung hindi man.

Ngunit, tulad ng alam mo, walang permanente sa mundo: lahat ay dumadaloy, nagbabago at nakakakuha ng mga bagong katangian at priyoridad. At ngayon ang bagong ika-17 siglo ay minarkahan ng isang bagong istilo. Nasakop ng istilong ito ang lahat ng uri ng sining: mula sa interior at pananamit hanggang sa musika. Ngunit darating ang oras - at isa pang istilo ang papalit dito...
Saang bansa maaaring magmula ang Baroque? Syempre, sa Italy. Italy ang sentro kulturang Europeo XVII-XVIII siglo, at mula dito nagsimula ang matagumpay na martsa ng Baroque sa buong Europa. Sa bawat bansa, ang Baroque ay may sariling natatanging pambansang katangian.

Mga tampok ng istilong Baroque

Ang pinakamahalagang katangian ng Baroque ay ang pagnanais nito para sa karangyaan at kadakilaan. Ang Baroque ay nailalarawan din sa pamamagitan ng dinamismo at kaibahan, na lubos na nakikilala ito mula sa pagkakaisa ng Renaissance.
Kung pinag-uusapan natin ang panahon at ang mga taong nabuhay sa panahong ito, makikita mo ang isang espesyal na pagkahilig para sa libangan, mga laro ng card, sa oras na ito ay nagbalatkayo, mga paputok, detalyadong mga hairstyles ng kababaihan, corset, hindi natural na pinalawak na mga palda sa mga frame, at ang mga pulbos na peluka para sa mga lalaki ay naging sikat , ahit na mukha, atbp. Tulad ng nakikita natin, mayroong isang malakas na pag-alis mula sa natural na buhay, na tinanggihan bilang kabangisan at kawalang-galang. Dapat lamang tandaan ng isa kung gaano kalaki ang pagsisikap ni Peter na ginawa ko upang "parangalan" lipunang Ruso oras na iyon. Sa koleksyon na "An Honest Mirror of Youth", na inihanda sa kanyang mga tagubilin, ang pangalawang bahagi nito ay ganap na nakatuon sa mga alituntunin ng pag-uugali para sa "mga kabataang kabataan" at mga batang babae ng marangal na uri. Sa katunayan, ito ang unang aklat ng etiquette sa Russia. Ang batang maharlika ay inirerekomenda na mag-aral, una sa lahat, mga wikang banyaga, pagsakay sa kabayo, pagsasayaw at pagbabakod. Ang mga birtud ng batang babae ay kinilala bilang kababaang-loob, paggalang sa mga magulang, pagsusumikap at katahimikan, at kalinisang-puri. Ang sanaysay ay kinokontrol ang halos lahat ng aspeto pampublikong buhay: mula table manners hanggang serbisyo sibil. Ang libro ay bumuo ng isang bagong stereotype ng pag-uugali ng isang sosyalista, pag-iwas sa masamang pakikisama, pagmamalabis, paglalasing, kabastusan at pagsunod sa mga kaugalian sa lipunan ng Europa.

Baroque sa pagpipinta

Ang parehong mga tampok ng Baroque ay nasa pagpipinta din: karilagan ng mga anyo, kaakit-akit na dinamismo at ningning, pagka-orihinal ng mga paksa. Ang pinakatanyag na kinatawan ng istilong ito sa pagpipinta ay sina Rubens at Caravaggio.

Peter Paul Rubens (1577-1640)

Pintor ng South Dutch (Flemish) na sumasalamin sa mobility, walang pigil na sigla at sensuality ng European painting ng Baroque era.

P.P. Rubens "Self-Portrait" (1623)
Ang kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang pagkakaiba-iba, lalo na tungkol sa komposisyon: gumagamit siya ng dayagonal, ellipse, at spiral. Ang kanyang palette ay iba-iba din; kayamanan ng mga kulay - natatanging katangian kanyang mga painting. Ang mga babaeng "Rubensian" ay karaniwang medyo mabigat, ngunit nakakaakit ng pansin sa kanilang mabigat na anyo ng babae.

P.P. Rubens "Ang Panggagahasa ng mga Anak na Babae ni Leucippus" (1618)
Ang balangkas ng pagpipinta na ito ni Rubens ay ang mito ng magkapatid na Castor at Pollux (mga anak nina Zeus at Leda), na kumidnap sa mga anak na babae ni Haring Leucippus - sina Gilaira at Phoebe. Sa plot na ito, nabighani si Rubens ng dramatikong sandali ng mismong pagdukot, na nagbibigay ng maraming pagkakataon para sa mga plastic na solusyon. Ang larawan ay kamangha-manghang naghahatid ng dinamika ng paggalaw. Ang paggalaw, ayon sa pagkakaunawa ni Rubens, ay nagdadala ng parehong emosyonal na salpok at isang balangkas na kahulugan.
Si Rubens ay itinuturing na isang innovator sa paglalarawan ng mga eksena sa pangangaso, na nakikilala rin sa kanilang dinamika, hindi inaasahang komposisyon at mayaman na kulay.

P.P. Rubens "Ang Pangangaso para sa Hippopotamus" (1618)

Arkitekturang Baroque

Ang arkitektura ng Baroque ay kapansin-pansin lalo na sa pagiging kumplikado at saklaw nito. Isang kasaganaan ng mga kumplikado, karaniwang mga curvilinear na anyo, malalaking colonnade. Mayroong isang kasaganaan ng iskultura sa mga facade ng mga gusali at sa mga interior. Kadalasan multi-tiered domes ng mga kumplikadong hugis. Walang katapusang pag-uulit, pagdoble ng parehong mga diskarte.

Katedral ng St. Petra (Vatican)
Isinulat ni I. Grabar ang tungkol sa arkitektura ng Roma noong panahon ng Baroque: “Ang neurasthenic enthusiasm ay nagdodoble at triple ang lahat ng paraan ng pagpapahayag: wala nang sapat na indibidwal na mga column, at kung saan posible ay pinapalitan sila ng mga ipinares; Ang isang pediment ay tila hindi sapat na nagpapahayag, at hindi sila nag-aatubili na buwagin ito upang ulitin ang isa pa, mas maliit na sukat. Sa pagtugis ng isang kaakit-akit na paglalaro ng liwanag, ang arkitekto ay hindi nagbubunyag ng lahat ng mga anyo sa manonood nang sabay-sabay, ngunit unti-unti itong ipinakita, na inuulit ang mga ito ng dalawa, tatlo at limang beses. Ang mata ay nalilito at nalilito sa mga nakakalasing na alon ng mga anyo at napagtanto ang gayong masalimuot na sistema ng pagtaas, pagbaba, pag-urong at paglapit, ngayon ay binibigyang-diin, ngayon ay nawawalang mga linya, na hindi mo alam kung alin sa mga ito ang tama? Kaya ang impresyon ng ilang uri ng paggalaw, patuloy na pagtakbo ng mga linya at daloy ng mga anyo. Naabot ng prinsipyong ito ang pinakamataas na ekspresyon nito sa pamamaraan ng "bracing", sa paulit-ulit na pagkakapira-piraso ng entablature, na nagiging sanhi ng kakaibang kurbadong linya ng cornice sa tuktok ng gusali. Ang pamamaraan na ito ay itinaas ng mga master ng Baroque sa isang buong sistema, hindi pangkaraniwang kumplikado at kumpleto. Kasama rin dito ang paggamit ng mga grupong pilaster, kapag ang mga pilaster ay tumatanggap ng karagdagang kalahating pilaster sa mga gilid, pati na rin ang paggamit ng mga flat frame na nag-frame ng mga pagitan sa pagitan ng mga pilaster. Sa ganitong paraan sa arkitektura, sa halip na ang Renaissance ideal ng malinaw, matatag at kumpletong pagkakaisa, isang "makamulto na sensasyon" ay nilikha.

Mga natatanging detalye ng Baroque -Atlanta(telamones), caryatids– upang suportahan ang mga vault, gumaganap ang papel ng mga haligi;mascarons(isang uri ng sculptural decoration ng isang gusali na hugis ulo ng tao o hayop mula sa harapan).

Marahil ito ay sa arkitektura na ang Baroque ay ipinakita sa lahat ng kapunuan at pagkakaiba-iba nito. Mahirap kahit na ilista ang lahat ng mga arkitekto ng istilong ito; pangalanan lang natin ang ilang pangalan: L. Bernini, F. Borromini sa Italy, B. F. Rastrelli sa Russia, Jan Christoph Glaubitz sa Poland.
Sa arkitektura ng Italyano, ang pinakatanyag na kinatawan ng Baroque ay si Carlo Maderna (1556-1629). Ang kanyang pangunahing nilikha ay ang harapan ng simbahang Romano ng Santa Susanna (1603).

Santa Susanna (Roma)
Ang iskultor na si Lorenzo Bernini ay isa ring arkitekto. Siya ang may pananagutan sa disenyo ng parisukat ng Cathedral of St. Peter's sa Roma at interior, pati na rin ang iba pang mga gusali.

Square ng Cathedral of St. Petra sa Roma
Ang istilong Baroque ay nagiging laganap sa Spain, Germany, Belgium (Flanders), Netherlands, Russia, France, at Polish-Lithuanian Commonwealth (Poland). Sa simula ng ika-18 siglo. Ang France ay may sariling istilo, iba't ibang Baroque - Rococo. Nangibabaw ito hindi sa panlabas na disenyo ng mga gusali, kundi sa loob lamang, gayundin sa disenyo ng mga aklat, damit, muwebles, at mga pintura. Ang estilo ay laganap sa buong Europa at Russia. Pero mamaya na natin pag-usapan. Ngayon, tumuon tayo sa Russian Baroque.

Baroque sa Russia

Sa Russia, lumitaw ang Baroque huli XVI siglo ko (tinawag itong "Naryshkin baroque", "Golitsyn baroque"). Sa panahon ng paghahari ni Peter I, ang tinatawag na "Petrine baroque" (mas pinigilan) ay nagsimulang umunlad sa St. ng S. I. Chevakinsky at B. Rastrelli.

Baroque ni Peter

Ang terminong ito ay ginagamit ng mga art historian upang ilarawan ang artistikong istilo na inaprubahan ni Peter I at malawakang ginagamit sa disenyo ng mga gusali sa bagong Russian capital ng St. Petersburg.
Ito ay istilo ng arkitektura, na tumutuon sa mga halimbawa ng Swedish, German at Dutch civil architecture. Bagaman posible na bawasan ang buong iba't ibang mga solusyon sa arkitektura ng mga arkitekto ni Peter the Great sa Baroque lamang sa isang tiyak na antas ng kombensiyon, dahil Mayroong mga tampok ng klasiko at gothic dito.
Ang arkitektura ng panahon ni Peter the Great ay nailalarawan sa pagiging simple ng volumetric na mga konstruksyon, kalinawan ng mga dibisyon at pagpigil sa dekorasyon, at isang planar na interpretasyon ng mga facade. Hindi tulad ng Naryshkin Baroque, na sikat noong panahong iyon sa Moscow, ang Baroque ni Peter the Great ay kumakatawan sa isang mapagpasyang pahinga sa mga tradisyong Byzantine na nangibabaw sa arkitektura ng Russia sa halos 700 taon. Ang Golitsyn Baroque ay katulad ng mga halimbawa ng Italyano at Austrian.
Kabilang sa mga unang tagapagtayo ng St. Petersburg ay sina Jean-Baptiste Leblon, Domenico Trezzini, Andreas Schlüter, J. M. Fontana, Nicolo Michetti at G. Mattarnovi. Lahat sila ay dumating sa Russia sa imbitasyon ni Peter I. Ang bawat isa sa mga arkitekto na ito ay nagpakilala ng mga tradisyon ng kanilang bansa at ang paaralang arkitektura na kanilang kinakatawan sa hitsura ng mga gusali na kanilang itinayo. Habang pinangangasiwaan ang pagpapatupad ng kanilang mga proyekto, ang mga arkitekto ng Russia, tulad ni Mikhail Zemtsov, ay pinagtibay din ang mga tradisyon ng European Baroque.

Peter's Assemblies

Sila ang prototype ng isang marangal na bola. Ipinakilala ni Peter I ang mga pagtitipon sa buhay kultural ng lipunang Ruso noong Disyembre 1718.
Ang ideya ay hiniram ni Peter mula sa mga anyo ng paglilibang na nakita niya sa Europa. Ginanap sila sa lahat ng oras ng taon, sa tag-araw - sa labas. Kasama sa mga asamblea ang pagkain, inumin, sayawan, laro at pag-uusap. Ayon sa utos, ang pagdalo sa mga pagtitipon ay ipinag-uutos hindi lamang para sa mga maharlika, kundi pati na rin sa kanilang mga asawa, na malapit na sinusubaybayan ng "hari ng mga bola" na si Yaguzhinsky. Sinubukan ng mga boyars kahapon sa lahat ng posibleng paraan upang maiwasan ang pakikilahok sa mga pagtitipon, hindi gustong magbihis sa bagong fashion at isinasaalang-alang ang gayong libangan na hindi disente. Nagdulot din ng kawalang-kasiyahan ang pakikilahok ng mga kababaihan sa entertainment. Upang maiwasan ang "absenteeism," tiningnan ni Yaguzhinsky ang mga listahan ng mga inanyayahan sa mga asembliya at tinukoy ang "netchikov." Ito ay kung gaano kahirap para sa European fashion (sa kasong ito, ang Baroque style) na mag-ugat sa Russia.

Domenico Trezzini (1670-1734)

Italyano, ipinanganak sa Switzerland. Mula 1703 nagtrabaho siya sa Russia, naging unang arkitekto ng St. Petersburg. Inilatag ni Trezzini ang pundasyon ng European school sa arkitektura ng Russia.

Peter at Paul Cathedral ay isa sa mga pinaka mga tanyag na gawa Domenico Trezzini
Ang kanyang iba pang mga gawa:
Proyekto ng Alexander Nevsky Lavra complex (1715)
Anichkov Bridge (1721). Muling itinayo para sa mas malaking sukat bandwidth mga tawiran. Ang bagong proyekto ay isang 18-span na kahoy na tulay na may drawbridge sa gitna. Ang pagtatayo ay isinagawa ng Dutch master H. van Bolos.

Anichkov Bridge (modernong tanawin)
Peter and Paul Cathedral (1712-1733) Itinayo sa lugar ng isang kahoy na simbahan na may parehong pangalan. Ang bell tower spire na may pigura ng isang lumilipad na anghel ay itinayo ng Dutch master na si H. van Bolos.
Bahay ng Trezzini (1721-1726). Ang disenyo ay isinagawa mismo ni Trezzini, ang pagtatayo ay isinagawa ni M. Zemtsov.
Pagpapalawak ng Winter Palace ni Peter I para kay Catherine I (1726-1727)

Bartolomeo Francesco Rastrelli (1700-1771)

OK. Pfandzelt "Portrait of Rastrelli"
Arkitekto ng Ruso na nagmula sa Italyano, akademiko ng arkitektura sa Imperial Academy of Arts. Ang pinakakilalang kinatawan ng tinatawag na Elizabethan Baroque.
Mga gawa niya:

Palasyo ng Rundāle (Latvia). Itinayo sa istilong Baroque ayon sa disenyo ng F. B. Rastrelli para sa E. I. Biron noong 1736-1740).
Palasyo ng Mitava (Latvia). Itinayo noong ika-18 siglo. dinisenyo ni Bartolomeo Rastrelli bilang ceremonial city residence ng Dukes of Courland at Semigallia sa kanilang kabisera na Mitava (ngayon ay Jelgava).
Grand Palace (Peterhof). Matatagpuan sa katimugang baybayin ng Gulpo ng Finland.

St. Andrew's Church (Kyiv). Simbahang Orthodox bilang parangal kay Apostol Andrew ang Unang Tinawag; itinayo sa istilong Baroque ayon sa disenyo ni Bartolomeo Rastrelli noong 1754.
Smolny Cathedral (1748-1764), Vorontsov Palace (1749-1757), Great Catherine Palace (1752-1756) - lahat sa St. "Grotto" pavilion sa Tsarskoe Selo (1753-1757), "Hermitage" pavilion sa Tsarskoe Selo (1744-1754), Tsar's Palace sa Kiev (1752-1770), Stroganov Palace at Winter Palace sa St. Petersburg (1753-1762) .

Winter Palace (Hermitage)
Tanging ang mga nabubuhay na gusali ng arkitekto na ito ang nakalista. Sa kasamaang palad, hindi lahat ng nilikha ni Rastrelli ay nakaligtas hanggang ngayon.

Baroque sa eskultura

Ang pinakadakilang iskultor at kinikilalang arkitekto noong ika-17 siglo. ay ang Italyano na si Lorenzo Bernini.

Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680)

D.L. Bernini "Self-Portrait"
Ang kanyang pinakatanyag na mga eskultura ay ang mga mitolohiyang eksena ng pagdukot kay Proserpina ng diyos ng underworld na si Pluto at ang mahimalang pagbabago ng nimpa na si Daphne sa isang puno, na hinabol ng diyos ng liwanag na si Apollo, pati na rin ang pangkat ng altar na "The Ecstasy of Saint Teresa” sa isa sa mga simbahang Romano. Ang eskultura na ito, na may mga ulap na inukit mula sa marmol at ang mga damit ng mga tauhan ay nagliliyab sa hangin, na may teatrically exaggerated na damdamin, ay tumpak na nagpapahayag ng posisyon ng mga iskultor ng panahong ito.

D.L. Bernini "Ang Panggagahasa ni Proserpina" (1621-1622). Borghese Gallery

D.L. Bernini "Ecstasy of Saint Teresa"

Baroque literature

Sa panitikang Baroque, ang mga manunulat at makata ay may kaugaliang malasahan tunay na mundo parang ilusyon o panaginip. Ang mga alegorikal na larawan, simbolo, metapora, pamamaraang pandulaan, kabaligtaran, at retorika na mga pigura ay kadalasang ginagamit. May kapansin-pansing pagnanais para sa simbolismo ng gabi, ang tema ng kahinaan at impermanence, buhay bilang isang panaginip. Isa sa mga dula ni P. Calderon ay tinatawag na: “Life is a Dream.” Ang aksyon ng mga nobela ay madalas na inilipat sa kathang-isip na mundo ng unang panahon, sa Greece, ang mga ginoo at kababaihan ng korte ay inilalarawan bilang mga pastol at pastol, na tinatawag na mga pastoral. Sa tula ay may pagpapanggap, ang paggamit ng mga kumplikadong metapora. Ang soneto, rondo, concetti (isang maikling tula na nagpapahayag ng ilang nakakatawang pag-iisip), at madrigals (isang love-lyrical na musikal at patula na akdang).
Sa Russia, kasama sa panitikan ng Baroque sina S. Polotsky at F. Prokopovich.

Simeon ng Polotsk (sa mundo Samuil Gavrilovich Petrovsky-Sitnyanovich, 1629-1680)

Manggagawa ng kultura ng East Slavic, espirituwal na manunulat, teologo, makata, playwright, tagasalin, Basilian monghe, korte astrologo. Siya ay isang tagapayo sa mga anak ng Russian Tsar Alexei Mikhailovich: Alexei, Sophia at Fedor.
Isa rin siya sa mga unang makatang Ruso, ang may-akda ng mga syllabic verse sa Church Slavonic at Polish. Bilang karagdagan sa patula na transkripsyon ng Psalter na tinatawag na "The Rhyming Psalter," sumulat si Polotsky ng maraming mga tula na bumubuo sa koleksyon na "Rhythmologion," kung saan kumanta siya ng iba't ibang mga kaganapan mula sa buhay ng maharlikang pamilya at mga courtier, pati na rin ang maraming moral. at mga didactic na tula na kasama sa "Vertograd the Multicolored." Ang koleksyon na ito ay ang rurok ng gawain ni Simeon ng Polotsk, pati na rin ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansing pagpapakita ng Russian literary baroque.
Sumulat din si S. Polotsky ng dalawang komedya (mga drama sa paaralan) para sa nascent na teatro; "The Comedy of the Parable of the Prodigal Son" ay nagtamasa ng partikular na tagumpay.

Baroque na musika

Ang musikang Baroque ay lumitaw sa pagtatapos ng Renaissance at nauna sa musika ng klasisismo. Ang mga mapagpanggap na anyo, kumplikado, karangyaan at dinamika ay katangian din ng musika. Ngunit maraming mga gawa sa panahon ng Baroque ang naging mga klasiko at ginagawa pa rin hanggang ngayon: fugues ni Johann Sebastian Bach, gawa ni George Frideric Handel, "The Seasons" ni Antonio Vivaldi, "Vespers" ni Claudio Monteverdi.

E.G. Haussmann (Hausmann) "Larawan ni J. S. Bach"
Para sa musikang barok nailalarawan sa pamamagitan ng dekorasyong musikal, na naging napaka-sopistikado sa kasagsagan ng istilo, at mga pamamaraan ng pagtugtog ng mga instrumento na binuo. Ang saklaw ng mga genre ay lumawak, at ang pagiging kumplikado ng pagganap ng mga musikal na gawa ay tumaas. Lumitaw sa panahon ng Baroque opera. Maraming Baroque musical terms ang ginagamit pa rin ngayon.

F.M. de La Cava "Portrait of A. Vivaldi"

Baroque fashion

Ang fashion ng panahon ng Baroque ay tumutugma sa France sa panahon ng paghahari ni Louis XIV, ang ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ito ay panahon ng absolutismo. Ang mahigpit na tuntunin ng magandang asal at kumplikadong mga seremonya ay naghari sa korte. Ang costume ay napapailalim sa etiquette. Ang France ang naging trendsetter sa Europa, kaya ang ibang mga bansa ay mabilis na nagpatibay ng French fashion: isang pangkalahatang fashion ang itinatag sa Europa, at ang mga pambansang katangian ay napanatili lamang sa katutubong costume ng magsasaka. Bago si Peter I, ang mga kasuutan sa Europa ay halos hindi isinusuot sa Russia.
Ang kasuutan ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang primness, karangyaan, at kasaganaan ng mga dekorasyon. Ang huwarang tao ay si Louis XIV, ang “Hari ng Araw,” isang bihasang mangangabayo, mananayaw, at mamamaril. Maikli siya, kaya naka-high heels siya.

N. de Largilliere "Larawan ni Louis XIV kasama ang kanyang pamilya"
Dahil si Louis ay nakoronahan sa edad na 5, ang mga maiikling jacket (brassiere), na pinalamutian ng puntas, at pantalon (rengraves), na katulad ng isang palda, na pinalamutian din ng puntas, ay naging uso. Ang Justocor ay isang uri ng caftan, hanggang tuhod, suot na butones, na may sinturon sa ibabaw nito. Isang walang manggas na kamiseta ang isinuot sa ilalim ng caftan. Ang caftan at camisole ay magiging jacket at vest sa loob ng 200 taon. Ang kwelyo ng justocor ay sa una ay naka-down, na may kalahating bilog na mga dulo na pinahaba pababa, at kalaunan ay pinalitan ito ng isang frill. Bilang karagdagan sa puntas, mayroong maraming mga busog sa mga damit. Bago ang Louis XIII, sikat ang mga bota (sa ibabaw ng tuhod na bota). Nagsuot pa sila ng bota sa mga bola. Patuloy silang isinusuot sa ilalim ng Louis XIV, ngunit sa mga kampanyang militar lamang. Sa isang sibilyan na setting, sapatos ang nauna. Hanggang 1670 sila ay pinalamutian ng mga buckle at pagkatapos ay may mga busog. Ang mga buckle na pinalamutian nang detalyado ay tinawag na agraf.
Ang mga lalaki ay nagsusuot ng malalambot na peluka na nakadikit at umaagos sa kanilang mga balikat. Ang mga peluka ay ginamit sa ilalim ni Louis XIII, na kalbo. Nang maglaon ay naging mas kahanga-hanga sila. Ang mga sumbrero noong 1660s ay malawak na napuno ng mataas na korona. Sa katapusan ng siglo sila ay pinalitan ng isang cocked na sumbrero, na nanatiling popular sa ika-18 siglo.

Baroque sa mga damit
Ang damit ng babae ay nilagyan ng whalebone. Unti-unti itong lumawak patungo sa ibaba, at may nasuot na tren sa likod. Puno suit ng babae binubuo ng dalawang palda: ang ibaba (fripon, liwanag) at ang itaas (katamtaman, mas madidilim). Ang underskirt ay nakikita, ang itaas na palda ay lumihis sa mga gilid mula sa ilalim ng bodice. Ang mga gilid ng palda ay pinalamutian ng mga kurtina. May mga kurtina din sa gilid ng neckline. Ang baywang ay makitid; isang corset ang isinuot sa ilalim ng damit.
Noong 1660s, uso ang hairstyle ng Mancini at Sevigne, at nang maglaon ay nauso ang hairstyle ng Fontange. Ito ay isang mataas na hairstyle na may maraming mga kulot.

Ang mga payong ay dumating sa fashion, at para sa mga kababaihan, muffs at tagahanga. Ang mga kosmetiko ay ginamit nang walang sukat: ang lahat ng mga uri ng mga batik ay nililok sa mukha (ang itim na lugar ay lumikha ng isang kaibahan sa mga pulbos na mukha at peluka). Ang mga lalaki at babae ay may dalang mga tungkod.
Ang mga sikat na materyales noong panahong iyon ay lana, velvet, satin, brocade, taffeta, moiré, camelot, at cotton.

Baroque sa loob

Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng magarbong karangyaan. Ang pagpipinta sa dingding ay naging laganap, bagama't ito ay popular nang mas maaga.

Baroque na interior
Ang mga interior ay gumamit ng maraming kulay at malalaking, pinalamutian na mga detalye: mga frescoed ceiling, marmol na dingding, pagtubog. Karaniwan ang mga contrast ng kulay, halimbawa, isang marmol na sahig na pinalamutian ng mga tile sa pattern ng checkerboard. Ang malawak na ginintuan na mga dekorasyon ay isa ring katangian ng Baroque.
Ang muwebles ay isang piraso ng sining at nilayon upang palamutihan ang loob. Ang mga upuan, sofa at armchair ay naka-upholster sa mamahaling tela. Laganap ang malalaking kama na may mga canopy at umaagos na bedspread at higanteng wardrobe.

Ang mga salamin ay pinalamutian ng mga eskultura at stucco na may mga pattern ng bulaklak. Ang Southern walnut at Ceylon ebony ay kadalasang ginagamit bilang mga materyales sa muwebles.
Ang estilo ng Baroque ay angkop lamang para sa malalaking silid, dahil ang malalaking kasangkapan at dekorasyon ay kumukuha ng malaking espasyo. Sa pamamagitan ng paraan, mayroon nang isang ugali sa pagbabalik nito - ang ilan ay nagbibigay ng kanilang mga apartment sa ganitong istilo.

Ang pinakatanyag at makabuluhang artista ng Italian Baroque ay si Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Niluwalhati niya ang absolutismo at Katolisismo. Siya ay isang tao ng napakalaking creative energy, na may iba't ibang talento na namangha sa kanya: arkitekto, iskultor, dekorador, pintor, draftsman. Isa siya sa mga bihirang artista na nabuhay ng mahaba at komportableng buhay. Sa katunayan, sa buong buhay niya, si Bernini ang diktador ng buhay-sining ng mga Romano.

Sa isang banda, ang kanyang trabaho ay salamin ng mga hinihingi ng simbahan (hindi nagkataon na ang simbahan ay palaging tumatangkilik sa kanyang talento); sa kabilang banda, pinalawak nito ang mga posibilidad ng spatial (plastic) na mga anyo ng sining. Sa isang banda, nilikha niya ang kaluwalhatian ng sining ng Katoliko, sa kabilang banda, "sinira" niya ang iskultura ng simbahan, lumikha ng isang nakakainis, malikot, malaswa na uri ng mga relihiyosong estatwa, na naging kanon sa isang buong siglo.

Isa sa mga sikat na eskultura ni Bernini ay si David. Ito ay ipinakita sa isang ganap na naiibang paraan kaysa sa Michelangelo. May kapayapaan, dito mayroong pagpapahayag, pakiramdam, mapusok na paggalaw. Ganoon din ang makikita sa mukha. Pinapangit ito ng isang pagngiwi ng galit at poot. Ang mga imahe sa Bibliya at ang kanilang interpretasyon ay talagang hindi mauubos. Kabaligtaran sa monumentalismo ng mga revivalists, nagsusumikap si Bernini para sa isang kongkretong paglalarawan ng kaganapan.

Ang aksyon at dynamics ay ang core ng mga komposisyon ni Bernini (“The Rape of Proserpina”, “Apollo and Daphne”). Ang kahanga-hangang pintor na ito ay naging isa sa mga unang (pagkatapos ng mga sinaunang eskultor) na lumapit sa problema ng pagpapadala ng paggalaw sa pamamagitan ng isang spatial na anyo ng sining.

Ito ay lalo na malinaw na kinakatawan sa kanyang eskultura na "Apollo at Daphne" (ang kuwento ni Apollo at Daphne ay sinabi ni Ovid. Hinabol ni Apollo si Daphne, ang anak na babae ng lupain ng Gaia at ang diyos ng mga ilog Peneus (o Ladon), na nagbigay sa kanya salita na manatiling malinis at manatiling walang asawa, tulad ni Artemis. Humingi siya ng tulong sa mga diyos, at ginawa siyang puno ng laurel ng mga diyos. Walang kabuluhang niyakap siya ni Apollo, hindi ito bumalik kay Daphne. At ang laurel mula noon ay naging paboritong sagradong halaman ni Apollo). Nakakagulat na tumpak na naihatid ni Bernini ang sandali ng metamorphosis ng katawan ng nymph sa mga ugat, dahon, at sanga ng isang puno. Ipinapahiwatig ng bato ang lambot ng balat ni Daphne, ang liwanag ng kanyang buhok, at ang ibabaw ng umuusbong na puno. Marahil sa kauna-unahang pagkakataon ang eskultura ay prangka at tunay.

Nagawa ni Bernini na lapitan ang genre ng sculptural portraiture.

Ang larawan ni Cardinal Scipione Borghese ay naghahatid ng lumulubog na balat, ang satin ng robe, at ang katangiang paggalaw; ang isang tao ay nakadarama ng isang tiwala sa sarili, matalino, senswal, at makapangyarihang tao.

Gumawa si Bernini ng isang bilang ng mga kahanga-hangang tinatawag na ceremonial portraits (minsan sinasabi nilang ceremonial - romantic).

Halimbawa, ang larawan ni Francesco d'Este ay naglalarawan ng isang tunay na pinuno, isang soberanya. Isa sa mga pinaka-katangiang gawa ni Bernini sa genre na ito ay ang larawan ni Louis XIV. Kahit na hindi alam kung kaninong larawan ang nasa harap namin, maaari naming hulaan na ito ay ang hari. Ipinakita ni Bernini, kasama ng kadakilaan, aristokratikong pagmamataas, walang laman na pagmamataas, at pagkamakasarili.

Isinulat ni E. Fuchs sa "The Illustrated History of Morals" ang tungkol sa panahon ng Baroque bilang "isang masining na pagmuni-muni ng prinsipeng absolutismo, isang artistikong pormula ng kadakilaan, pose, representasyon... Walang mas mataas kaysa sa monarko, alinman sa ideya o sa pagsasagawa... Sa katauhan ng ganap na soberanya sa lupa ang diyos mismo ay lumalakad. Kaya't ang kaningningan, kaya't ang kumikinang na ginintuang karangyaan kung saan ang ganap na monarko ay nakadamit... ang prim, maingat na pinag-isipang seremonya hanggang sa pinakamaliit na detalye, na pumapalibot sa bawat serbisyong ibinibigay sa kanya mula sa kanyang paggising hanggang sa kanyang pagbagsak. sa pagtulog.”

Si Louis XIV ay hindi marunong bumasa o sumulat. Ngunit gayunpaman, ang mga tala ni E. Fuchs, nang malaman ng sikat na J.B. Colbert (Minister ng Pananalapi mula 1665) na ang kanyang anak ay kasama sa mga courtier ng Louis XIV, nakita niya ito bilang ang pinakamataas na kaligayahan. Ganito ang sinabi niya kay Louis: “Ginoo, tungkulin nating manatiling may pagpipitagan na tahimik at magpasalamat sa Diyos araw-araw sa pagpapahintulot sa atin na ipanganak sa ilalim ng setro ng isang soberano na walang ibang nakikilalang mga hangganan maliban sa kanyang sariling kalooban.” Ang sining ni Bernini, na ipinakita sa larawan ni Louis XIV, ay kapansin-pansing sumasalamin sa sikolohiya at wika ng panahon ng absolutismo.

Nakukuha ng mga sculptural works ni Bernini ang kalunos-lunos na damdamin, kagila-gilalas na ningning, mga epekto ng larawan, kumbinasyon ng mga materyales na may iba't ibang texture at kulay, at paggamit ng liwanag. Ang mga lapida ng papa ay talagang theatrical mise-en-scenes, ang lahat ng nasa kanila ay nilikha sa paraang pumukaw ng gulo ng mga damdamin (sa partikular, ang mga lapida ni Pope Alexander VII at Pope Urban VIII ay nakikilala sa pamamagitan nito).

Hindi pinansin ni Bernini ang kanyang mga paboritong paksa ng kulto noong ika-17 siglo. - mga martir, ecstasie, mga pangitain at apotheoses. Kaya, ang balangkas ng kanyang sikat na sculptural composition na "The Ecstasy of Saint Teresa" ay isa sa mga liham ng isang madre ng Espanyol noong ika-16 na siglo, kung saan sinabi niya kung paano niya nakita ang isang anghel na ipinadala sa kanya ng Diyos. Nagawa ni Bernini na ihatid panloob na estado ang madre na ito, na wala pang ibang artista na kailangang gawin.

Ang mga character sa komposisyon ay lumilitaw sa harap ng manonood nang hindi inaasahan. Ang dingding ng altar ay tila bumukas, ang mga haligi ay bahagi. Ang mga pigura ni Teresa at ng anghel, na gawa sa puting marmol, ay kahawig ng isang pangitain. Ngunit para kay Teresa, ang anghel ay katotohanan. Ang sandali ng pinakamataas na emosyonal na kaguluhan ay ganap na nakuha. Ang ulo ay itinapon pabalik, ang kamay ay nakabitin. Ang mga sirang tiklop ng damit ay nagpapatindi lamang sa hilig ng karanasan. Sa harap natin ay tunay na masakit at matamis na lubos na kaligayahan. (May isang napaka-tiyak na oryentasyon ng Kanlurang Katolikong sining tungo sa karanasan, at hindi patungo sa isang mistikong pakiramdam. Sa iskultura, muling nililikha ang isang ganap na tumpak na relihiyosong damdamin, tiyak na mayroong isang malakas na ugnayan ng erotisismo, na hindi kailanman naging, halimbawa, sa isang Russian icon.) ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa komposisyon liwanag na sumasalamin mula sa tanso ray, na din enhances ang karanasan. Ang sculptural composition ay matatagpuan sa Cornaro Chapel.

Ang gawa ni Bernini ay nakikilala din sa katotohanan na naghahanap siya ng mga bagong pamamaraan upang mapahusay ang pagpapahayag at lumiliko sa synthesis ng sining (eskultura at arkitektura). Halimbawa, ang canopy at pulpito sa Cathedral of St. Petra. Kinukuha ni Bernini ang mga hindi pa nagagawang plastic effect mula sa mga tradisyonal na materyales.

Kabilang sa mga pinakamagagandang likha ni Bernini ay ang mga fountain na puno ng napakalaking dinamikong kapangyarihan. Ang unyon ng iskultura at tubig ay kawili-wili dito. Halimbawa, ang sikat na Triton fountain, ang fountain ng Four Rivers. Ang mga fountain ni Bernini ay naging mahalagang bahagi ng arkitektura ng Roma.

Si Bernini ay nanatili sa kasaysayan bilang isang sikat na arkitekto. Sa arkitektura ng Baroque, nawawala ang pagkakaisa ng mga anyo na likas sa arkitektura ng Renaissance. Sa halip na isang ekwilibriyo ng mga bahagi, nariyan ang kanilang pakikibaka, mga kaibahan, pabago-bagong pakikipag-ugnayan.

Ang kaluwagan ng pader ay nagiging mas kumplikado, ang mga form ay mas plastic, na parang mobile, sila ay "bumubuo" at nagpapatuloy sa isa't isa. Ang arkitektura ng Baroque ay tila gumuhit ng isang tao sa espasyo nito.

Kasama sa mga gawa ni Bernini ang simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale (parang yumuko ang harapan, malukong ang bakod, kalahating bilog na mga hakbang, ang balangkas ng simbahan ay batay sa isang ellipse, ang loob ay napapalibutan ng mga kapilya - niches; niches, mga haligi, pilasters, eskultura ay makikita mula sa mga kumplikadong anggulo, na lumilikha ng impresyon sa kanila na walang katapusang pagkakaiba-iba; ang solusyon ng simboryo ay kawili-wili din: ang mga caisson ay matatagpuan na bumababa sa laki patungo sa gitna, na lumilikha ng ilusyon ng espesyal na liwanag ng simboryo at espesyal na pataas na direksyon nito.

Ang solusyon sa "Royal Staircase" sa Vatican ay napaka-interesante din. Sa pamamagitan ng paggamit ng iba't ibang diskarte sa pananaw, nililikha ni Bernini ang ilusyon ng napakalaking sukat at lawak nito.

Sa Palasyo ng Barberini, ang mga silid ay matatagpuan sa isang enfilade, kasama ang isang axis, at ang unti-unting pagbubukas na ito, isang uri ng "paggalaw" ng espasyo, ay nagtatakda ng isang mataas, marangal na ritmo para sa mga seremonya ng kasiyahan.

Ang parisukat sa harap ng St. Peter's Basilica ay isa sa mga magagandang likha ni Bernini.

Dalawang gallery na humahantong sa isang colonnade ang yumakap sa espasyo ng parisukat, "tulad ng mga bukas na armas," gaya ng sinabi ni Bernini. Ang gitna ng parisukat (kabuuang lalim nito ay 280 m) ay minarkahan ng isang obelisk, ang mga fountain sa mga gilid nito ay tumutukoy sa transverse axis nito. Ang lugar sa harap ng katedral ay lalo na malinaw na nagpapakita ng henyo sa arkitektura ni Bernini at ang kanyang kakayahang magmodelo ng espasyo. Kapag pupunta sa katedral, ang isang tao ay dapat maglakad sa ilalim o sa kahabaan ng colonnade, kaya nakikita niya ang gusali mula sa iba't ibang mga punto ng view at sa pagkakaisa sa colonnade at fountain.

Nakamit ni Bernini ang impresyon ng pagkakaisa ng komposisyon ng katedral - isang gusali na itinayo ng iba't ibang mga masters sa loob ng dalawang siglo. Ang facade ng katedral ay lilitaw sa harap ng walker sa sandali ng agarang paglapit dito, ngunit ang engrandeng parisukat na sikolohikal na naghahanda ng isang tao para sa pang-unawa na ito (isa sa mga prinsipyo ng Baroque ay sorpresa, ang pagnanais na humanga sa imahinasyon, lahat ng ito ay naroroon sa Bernini). Ang parisukat sa harap ng katedral ay itinuturing na pinakamahusay na ensemble ng arkitektura ng Italya noong ika-17 siglo. (I. Pruss).

Ang lahat ng ito ay pinagsama-samang pinahusay ang mood ng mga relihiyosong kalunos-lunos.

Ang gawaing arkitektura ni Bernini ay nagpapatunay sa emosyonal na prinsipyo.

Ang Simbahan ni St. Charles ng sikat na Francesco Borromini ay, mula sa harapan, isang tunay na buhay na organismo, mayroon itong hindi mapakali na ritmo ng mga anyong arkitektura. Lumilitaw ito bilang isang mabisang pandekorasyon na panoorin.

Ang pintor na si Caravaggio (1573-1610) ay ang personipikasyon ng walang pigil na ugali sa pagpipinta. Ang isang katangian ng kanyang trabaho ay uri. Kasama sa kanyang mga gawa katutubong larawan(“Pagkamartir ni Apostol Pedro”).

Si Peter Paul Rubens ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kilusang Baroque. Ito Flemish artist Inuri ito ng maraming mga istoryador ng sining bilang isang kilusang baroque sa sining.

Si Rubens ang pinakamaliwanag na kinatawan ng panahon ng Baroque. Ang pagnanais para sa isang solemne "grand style" (isang kinahinatnan ng pagtatatag ng mga monarkiya ng Europa) ay pinagsama sa Baroque na may isang saloobin sa mundo bilang isang kumplikado at nababagong kabuuan. Samakatuwid - lahat ng bagay na itinuturing na "trademark" ng Baroque: kaibahan, pag-igting, dynamism ng mga imahe, affectation, ang pagnanais para sa kadakilaan at karilagan, para sa pagsasama-sama ng katotohanan at ilusyon.

Si Peter Paul Rubens ay ipinanganak noong Hunyo 28, 1577 sa Siegen, sa Westphalia (ngayon ay bahagi ng Alemanya). Siya ang ikapitong anak sa pamilya ng abogadong si Jan Rubens. Sa loob ng mahabang panahon ang pamilya Rubens ay nanirahan sa Antwerp, ngunit noong 1568 lumipat sila sa Cologne. Ang katotohanan ay sa mga panahong ito, si Jan ay nagsimulang sumandal sa Protestantismo, na nagdulot ng matinding kawalang-kasiyahan sa bahagi ng lokal na komunidad ng Katoliko. Sa Cologne, natanggap niya ang posisyon ng kalihim ni Anna ng Saxony, ang asawa ni William I ng Orange. Noong 1591, nagsimulang mag-aral ng pagpipinta si Rubens. Sa loob ng ilang panahon ay nagtrabaho siya bilang isang baguhan kay Tobias Verhahat; mga apat na taon - kasama si Adam van Noort; isa pang dalawang taon kasama si Otto van Ven. Noong 1598 sa wakas ay tinanggap siya sa Guild of Artists of St. Luke. Ang mga unang guro ni Rubens ay napakakaraniwan na mga pintor, ngunit ang pag-aaral kay van Wen ay nakinabang kay Rubens. Noong Mayo 1600, nagtungo si Peter Paul sa lupang pangako ng mga artista. Nanirahan siya sa Italya sa loob ng walong taon, na nagpasiya sa kanyang kinabukasan. Hindi malamang na sinuman sa mga pintor sa Hilagang Europa na dumating sa Italya noong mga taong iyon ay nahuhulog ang kanilang sarili sa kulturang Italyano na kasing lalim ni Rubens. Noong Oktubre 1608, nakatanggap si Rubens ng abiso na ang kanyang ina ay may malubhang karamdaman. Nagmadali siyang pumunta sa Antwerp, ngunit hindi siya nagkaroon ng pagkakataon na makitang buhay ang kanyang ina. Noong Setyembre 23, 1609, nakatanggap si Rubens ng posisyon bilang pintor ng korte sa korte ni Archduke Albert at ng kanyang asawang si Isabella, na noon ay namuno sa Flanders sa ngalan ng korona ng Espanya, at pagkaraan ng sampung araw ay pinakasalan niya ang 17-taong-gulang na si Isabella Brant. Nang sumunod na taon, sa wakas ay nanirahan si Rubens sa Flanders, bumili ng isang malaking bahay sa Antwerp. Sa susunod na dekada, aktibong lumahok si Rubens sa gawaing ito, na lumikha ng isa pang kamangha-manghang mga altarpieces. Kabilang sa mga ito, ang mga triptych na "Hoisting the Cross" at "Descent from the Cross", na isinulat para sa Katedral Antwerp. Ang tadhana ay nagbigay sa kanya ng unang malupit na dagok noong 1623, nang mamatay ang anak na babae ni Rubens (mayroon siyang dalawa pang anak na lalaki), at ang pangalawa noong 1626, nang mamatay ang kanyang asawa ("isang kaibigan at isang hindi mapapalitang katulong," gaya ng isinulat mismo ni Rubens sa isa sa kanyang mga sulat).Kasama ng kaligayahan ang artista sa kanyang personal na buhay. Noong 1630, pinakasalan ni Rubens ang 16-anyos na si Helena Fourment, ang pamangkin ng kanyang unang asawa. Ang kasal na ito, tulad ng una, ay naging matagumpay. Nagkaroon ng limang anak sina Rubens at Helena (isinilang ang kanilang huling anak na babae walong buwan pagkatapos ng pagkamatay ng artista). Noong 1635, nakuha ni Rubens ang kastilyo ng Steen, na matatagpuan humigit-kumulang 20 milya sa timog ng Antwerp. Habang naninirahan sa kastilyo, naging mahilig siya sa pagpinta ng mga lokal na tanawin.Noong Mayo 30, 1640, habang nasa Antwerp, hindi inaasahang namatay si Rubens dahil sa atake sa puso. Ang artista, na naging 62, ay ipinagluksa ng buong lungsod.

Baroque painting(sa pagsasalin mula sa Italyano - "kakaiba") ay kaugalian na tumawag estilo ng sining, nangingibabaw sa sining ng Europa noong ika-16-18 siglo.

Ito ang panahong ito na itinuturing na simula ng tagumpay ng "Western civilization."

Ito ay lumitaw dahil sa dalawang mahahalagang kaganapan sa Middle Ages. Sa una, ang mga ideya sa ideolohiya tungkol sa tao at sa uniberso ay nagbago, salamat sa mga pagtuklas ng siyentipiko noong panahong iyon. Kasunod nito, ang pangangailangan ay lumitaw para sa mga awtoridad na lumikha ng isang imitasyon ng kanilang sariling kadakilaan laban sa backdrop ng materyal na pagtanggi. Upang makamit ito, nagsimula silang gumamit ng masining na istilo na niluwalhati ang kapangyarihan ng maharlika at ng simbahan. Gayunpaman, ang tao ay nagsimulang makaramdam na parang isang gumagawa at tagalikha, at ang diwa ng kalayaan at kahalayan ay pumasok sa istilo mismo.

Ang artistikong istilong ito ay nagmula sa Italya, partikular sa Roma, Mantua, Venice, Florence, at kumalat sa ibang mga bansa pagkatapos ng Renaissance. Noong ika-17 siglo, nawala ang kapangyarihan ng Italya sa politika at ekonomiya. Ang teritoryo nito ay nagsimulang salakayin ng mga dayuhan - ang mga Espanyol at ang Pranses. Gayunpaman, ang Italya, na pagod sa kahirapan, ay hindi nawala ang posisyon nito. Ang Italya ay nananatiling sentro ng kultura ng Europa. Ang simbahan at ang maharlika ay naghangad na ipakita ang kanilang kapangyarihan at kayamanan, ngunit dahil walang pera para dito, bumaling sila sa larangan ng sining. Salamat sa kanya, nalikha ang ilusyon ng kayamanan at kapangyarihan.

Ang mga pangunahing tampok ng istilong ito ay solemnity, karangyaan, karangyaan, karakter na nagpapatibay sa buhay, at dinamismo.

Ang Baroque art ay may matapang na magkakaibang mga kaliskis ng kulay, anino at liwanag, na pinagsasama ang pantasya at katotohanan. Ang pagpipinta ng direksyong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga progresibong ideya tungkol sa pagiging kumplikado ng uniberso, ang walang hangganan at magkakaibang mundo, at ang impermanence nito.

Banal na Pamilya, Anthony van Dyck Thomas Howard, 2nd Earl ng Arundel, Anthony van Dyck Larawan ng Philadelphia at Elizabeth Wharton, Anthony van Dyck

Ang isang tao ay bahagi ng mundo, isang kumplikadong personalidad na nakakaranas ng mga salungatan sa buhay.

Ang interior ay nagsimulang palamutihan ng mga larawan na nagbibigay-diin sa posisyon ng isang tao sa lipunan. Napakasikat din ang mga larawan ng mga pinuno, kung saan inilalarawan ang mga ito kasama ang mga sinaunang Diyos. Ang Baroque ay nailalarawan din sa pamamagitan ng mga still life na naglalarawan ng mga regalo ng kalikasan.

Giovanna Garzoni Magandang Balita, Philippe de Champagne Giovanna Garzoni

Mga artistang baroque

Ang mga sikat na kinatawan ng Baroque ay sina Rubens, Van Dyck, Snyders, Jordaens, Maulberch.

Ilang mga artista, kahit na mga namumukod-tanging, ang nakakuha ng karangalan bilang mga tagapagtatag ng istilong ito sa sining ng pagpipinta. Si Rubens pala ay exception. Gumawa siya ng isang kapana-panabik, masiglang istilo ng masining na pagpapahayag. Ang paraan ng pagsulat na ito ay katangian ng kanyang unang gawain, "Saint George Slaying the Dragon." Ang istilo ni Rubens ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpapakita ng malalaki at mabibigat na pigura sa pagkilos - sila ay nasasabik at emosyonal. Ang kanyang mga painting ay pinagkalooban ng napakalaking enerhiya.

Walang nagawang ilarawan ang mga tao at hayop sa mortal na labanan tulad ni Rubens.

Noong nakaraan, pinag-aralan ng mga artista ang mga alagang hayop, inilalarawan nila ang mga ito kasama ng mga tao. Ang mga gawaing ito ay karaniwang nagpapakita ng anatomikal na kaalaman sa istruktura ng mga hayop. Ang kanilang mga larawan ay kinuha mula sa mga kuwento ng Bibliya o mga alamat. Ang imahinasyon ng artist ay nakabuo ng mga tunay na larawan ng pakikipaglaban sa mga tao at hayop sa isang tunay na labanan.

Ang iba pang mga masters ng pagpipinta ay kabilang din sa istilong ito, halimbawa, Caravaggio at ang kanyang mga tagasunod. Makatotohanan at may madilim na kulay ang kanilang mga painting.

Ang Caravaggio ay ang pinakamahalagang tagalikha sa mga Italian artist.

Ang kanyang mga ipininta ay batay sa mga paksang panrelihiyon. Lumikha siya ng kaibahan ng mga panahon sa pagitan ng huli na sinaunang panahon at modernong panahon.

Marta at Maria Magdalena, Caravaggio Mga musikero, Caravaggio Kristo sa Haligi, Caravaggio

Sa Germany, Austria, Slovakia, Hungary, Slovenia, Croatia, Western Ukraine, Poland, at Lithuania, ang istilong Baroque ay kaakibat ng mga usong Rococo. Kaya, sa France, ang klasisismo ay itinuturing na pangunahing estilo ng ika-17 siglo, habang ang baroque ay itinuturing na isang side trend hanggang sa kalagitnaan ng siglo, ngunit kalaunan ang parehong direksyon ay pinagsama sa isang malaking estilo.

Nagmula ang pangalan ng bagong istilo salitang Italyano barocco, na nangangahulugang "kakaiba, kakaiba, madaling kapitan ng labis," o mula sa pangalan ng perlas hindi regular na hugis– perola baroca.

Ang istilong ito ay lumitaw noong ika-16 hanggang ika-17 siglo. sa Italyano na mga lungsod ng Roma, Mantua, Venice, Florence, at pagkatapos ay kumalat sa iba pang mga bansa sa Europa (hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo). , upang lumikha ng isang kapaligiran ng karilagan at karilagan sa mga templo at palasyo, gayundin ang pagkintal ng mga ideya ng kalayaan at ang malikhaing kapangyarihan ng tao.

Ang mga pangunahing tampok ng istilong ito ay ang kataimtiman, kamahalan, at ang kakayahang ipahayag ang kasiyahan sa buhay at ang kapunuan nito. At gayundin - monumentalidad at dinamismo. Ang wika ng pagpipinta na ito ay mayaman sa mga kaibahan, paglalaro ng liwanag at anino, mga lilim ng kulay. Ang lahat ng mga paraan na ito ay naglalayong sa isang layunin - maximum na pagpapahayag ng mga damdamin at kaisipan.

Ang Baroque artist ay kumukuha ng kanyang mga paksa mula sa Bibliya at sinaunang mitolohiya– ang mga ito ay pinakaangkop sa mga templo at palasyo. Buhay sa lupa nagpapakita lamang ng sarili sa mga larawan (dahil ang mga ito ay ipininta mula sa buhay), pati na rin sa mga gawa ng mga artista ng independiyenteng espiritu at pambihirang tapang (ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ay ang Caravaggio.

Caravaggio "Bacchus"

Ang panahon ng Baroque ay nagsilang ng maraming mga artista ng iba't ibang espesyalidad - mga pintor, eskultor, arkitekto, alahas, atbp. Ito ay isang likas na bunga ng mga pagbabagong sosyo-ekonomiko ng lipunan sa panahong ito. Ang mga maliliit na pamunuan ay nagkakaisa sa mga estado, ang mga monarkiya ay nabuo gamit ang awtokratikong kapangyarihan ng hari, na sinusuportahan ng kapangyarihan ng mas mataas na klero. Ang pang-ekonomiya at pampulitikang pundasyon ng lipunan ay ina-update. Lumilitaw ang isang malawak na contingent ng mga customer para sa pagpipinta, eskultura at iba pang sining. Malaki ang demand ng mga artista. Natural, tinutupad nila ang isang panlipunang kaayusan - sumusuporta sa ideolohiya at nagbibigay-kasiyahan sa panlasa ng mga may-ari ng kapital.

Gayunpaman - ganoon ang hindi mapaglabanan na kapangyarihan ng sining - bilang karagdagan sa mga order ng klase, nagsisilbi rin itong ipahayag ang mga unibersal na ideya at adhikain ng tao. Ito ay makikita sa pamamagitan ng pagtingin sa mga gawa ng mga Baroque artist.

Sa tekstong ito ay pag-uusapan natin ang tungkol sa ilan, ngunit ang pinaka kinikilalang mga pintor sa lahat ng panahon, na kung saan ang trabaho ang lahat ng mga pinaka-katangian na katangian ng estilo na ito ay puro - ang tinatawag na. paradigms.

Isang maliit na listahan ng mga Baroque masters:

Flanders: Peter Paul Rubens (1577–1640), Frans Snyders (1579–1657), David Teniers Jr. (1610–1690), Anthony Van Dyck (1599-1641)

Italya: Annibale Carracci (1560–1609), Guido Reni (1575–1642), Domenico Fetti (1589–1623)

Holland: Rembrandt Van Rijn (1606–1669), Van Goyen (1596–1656), Solomon Van Ruisdael (1600–1670)

Espanya: Diego Velazquez (1599–1660), Jusepe de Ribera (1591-1652), Francisco Zurbaran (1598-1664), Murillo Bartolome Esteban (1617-1682).

Ang oras ay ang pinakamakatarungang hukom ng sining. Apat na siglo ng European Baroque ang nagpapanatili para sa atin ng mga pangalan at gawa ng mga pinakamatalino na pintor sa panahong ito - yaong, kahit ngayon, sa ating panahon, ay pumukaw ng masiglang tugon sa ating mga kaluluwa. Tulad ng Holy Trinity - may tatlo sa kanila: Rubens, Velazquez at Rembrandt. Ang kanilang mga gawa ay naglalaman ng lahat ng pinaka katangian at mahahalagang bagay na dinala ng istilong Baroque sa kultura ng sangkatauhan.

Peter Paul Rubens

Peter Paul Rubens "The Flagellation of Christ"

Ito biblikal na motif interpreted medyo realistically - nakikita namin ang isang kahila-hilakbot na episode na parang nasaksihan namin ito sa buhay. Naririnig natin ang sipol ng latigo at ang tunog ng mga suntok, nadarama natin ang lahat ng materyalidad ng mga katawan na ito, ang galit na galit na enerhiya ng mga berdugo at ang paghihirap na pagpapakumbaba ni Kristo. Ang mismong komposisyon ng larawan at ang dynamics ng mga kilos ay pumukaw ng isang pakiramdam ng isang masamang puwersa ng hayop na nagpapahirap sa walang pagtatanggol na katawan ng isang nakagapos na Lalaki.

Ang larawang ito ay isang mahigpit na pagkondena sa kalupitan at kasamaan. Walang alinlangan, ang mga flagellant ay masusunog sa impiyernong apoy kasama ng mga nagtiwala sa kanila ng di-makadiyos na gawain.

Peter Paul Rubens "The Annunciation"

Natagpuan ni Rubens ang kanyang sariling orihinal na pamamaraan para sa paglalarawan ng damdamin ni Maria, na nakatanggap ng mabuting balita mula sa Arkanghel Gabriel. Siya ay nanginginig sa masayang takot - ang kanyang katawan ay tumatagal ng hugis ng isang sinusoid. Isang espiritung kalapati at mga anghel ang lumilipad sa itaas niya sa isang haligi ng liwanag. Ang lahat ng mga canon ng Baroque ay sinusunod, ngunit si Maria, sa aming opinyon, ay hindi sapat na napuno ng kabanalan - siya ay medyo simple ang pag-iisip sa hitsura.

Peter Paul Rubens "Labanan ng mga Amazon"

Ang pagpipinta na ito ay isang pagkilala sa diwa ng digmaan noong panahon. Ito ay dinisenyo upang magbigay ng inspirasyon sa mga mamamayan ng parehong kasarian sa mga gawa ng armas. Ang baroque na labis sa paggalaw, enerhiya at hubad na katawan ay madaling gamitin dito.

Peter Paul Rubens "Bacchus"

Ang Diyos ng alak at saya, na pinalaki tulad ng isang bote ng bagong alak, ay nagpapakilala sa kasalanan ng labis sa pagkonsumo ng mga inuming may alkohol. Dito ay ganap na nahayag ang baroque na pagnanasa para sa napakalaking at purong materyal, na umabot sa Rabelaisian na pagbawas ng lahat ng bagay na dakila.

Peter Paul Rubens "Odysseus and Nausicaa"

Lubos na pinarangalan at dinadakila ng Baroque ang Kalikasan. Sa mga tanawin ng istilong ito, ang kalangitan ay napakalaki, ang distansya ay walang hangganan, ang mga bundok ay marilag, at ang mga taong laban sa background na ito ay hindi gaanong mahalaga, kahit na sila ay mga bayani ng klasikal na epiko tulad ng Odysseus at Nausicaa.

Diego Velazquez

Diego Velazquez "Self-Portrait"

Sa kanyang mga mata ay nababasa natin ang matinding kalungkutan para sa mga sakuna ng bansa at ang pagkasira ng mga tao ng Espanya sa masamang kapalaran na ika-17 siglo. Ang magandang mukha ng Artist ay napapaligiran ng hindi maarok na kadiliman - ito ang kulay ng mga itim na gawa ng mga haring Espanyol, Simbahang Katoliko at Inkisisyon. Ngunit gayon pa man, ang kapangyarihan ng buhay ng mga tao ay hindi pa kumukupas - makikita natin ito sa mga kuwadro na gawa ni Velazquez, makikita rin natin sa kanyang sariling larawan - kung gaano kasaya ang pagkulot ng kanyang bigote! Mag aaway pa tayo!

Diego Velazquez "The Forge of Vulcan"

Kung hindi dahil sa pigura ni Apollo na may nagniningning na halo sa paligid ng kanyang ulo, ang larawan ay magiging ganap na makatotohanan at genre. Ang mga panday, abala sa kanilang trabaho, ay nakikita ang batang diyos na nagdadala ng kamangha-manghang balita at aktibong tumutugon dito. Ang pagkakaiba-iba ng kanilang mga paggalaw, ang pagpapahayag ng mga ekspresyon ng mukha at mga hubad na katawan - lahat ng ito ay kasama sa arsenal ng mga tool ng Baroque, ngunit ang science fiction ay pinalitan ng mga obserbasyon ng kalikasan. Ang red-hot strip na nakahiga sa anvil ay napakatalino - isang metapora para sa galit ni Vulcan, pati na rin ang pagtabingi ng kanyang katawan - hindi lamang mula sa pagkapilay, kundi pati na rin mula sa sumisikat na damdamin.

Diego Velazquez "Ang Tagapagdala ng Tubig"

Ang larawang ito ay maaaring maiugnay sa istilong Baroque sa pamamagitan lamang ng isang tampok: ang kaibahan ng malalim na kadiliman na may maliwanag na kaputian. Kung hindi, ito ay kabilang sa estilo ng "realismo ng ika-17 siglo", sa kanyang pinakamahusay na mga gawa pag-abot sa taas ng metaphysical art. Ang matandang tagapagdala ng tubig ay hindi lamang isang taong nagtatrabaho na kumikita ng kanyang kakarampot na pang-araw-araw na tinapay sa pamamagitan ng pagsusumikap. Ito ay isang tao na inialay ang kanyang buhay sa pagbibigay sa sangkatauhan ng mga pangunahing pangangailangan - malinis na tubig. Siya ay naghahatid sa mga tao hindi lamang ng tubig - ito ay ang banal na tubig ng buhay, na pumapawi sa pagkauhaw sa Kaalaman at Pananampalataya. Nabasa namin ang kaisipang ito sa mukha ng batang lalaki na tumatanggap ng isang basong tubig. Ang matandang lalaki ay inilalarawan sa profile, na ginagawang monumental ang kanyang pigura, (sa diwa ng mga sinaunang medalya) at makabuluhan; kahit ang punit sa kanyang damit ay parang isang marangal na detalye ng kasuutan, at ang malaking pitsel ay bumubuo ng isang plastik na tula sa kanyang matangkad at malakas na pigura.

Diego Velazquez "Maria at Martha"

Dito nakakamit ng Artist ang gayong sikolohiya na angkop para sa mga Itinerant ng Russia noong ika-19 na siglo. ( Lucas 10:38-42 ). Si Marta, na nasaktan sa sinabi ni Jesus, ay malapit nang umiyak. Namumula ang kanyang mga pisngi, at ang kanyang mga mata ay nakaawang nakatingin sa nanonood ng larawan, na humihingi ng moral na suporta mula sa kanya. Pagkatapos ng lahat, dapat may mag-asikaso ng mga pagkain para sa mga bisita? Pagkatapos ng lahat, si Jesus mismo ay hindi hinatulan ang mga alagad nang sila ay ngumunguya ng mga uhay ng mais sa bukid, sa kabila ng araw ng pag-aayuno. “Ang Sabbath ay ginawa para sa tao, at ang tao ay hindi para sa Sabbath,” sabi Niya (Marcos 2:27).

Ang paghahanda ng hapunan para sa Tagapagligtas mismo ay isa ring maka-Diyos na gawa.

Ang tahimik na buhay sa mesa at ang eksena ng pakikipag-usap ni Kristo kay Maria ay inilalarawan ng medyo makatotohanan (gayunpaman, ang pagiging totoo ay maaaring tawaging "metapisiko").

Diego Velazquez "Mga Spinner"

Ang pagpipinta na ito ay bihira sa kanyang kapangyarihang nagpapatibay sa buhay at positibong kalooban. Malikhaing gawa, Sining at Kagandahan ang naghahari dito. Sa pamamagitan ng mga gawain ng mga simpleng kababaihan, isang kahanga-hangang tapiserya sa istilong Baroque ang nalikha, puno ng paggalaw at magkakasuwato na mga kulay. (Sa kasamaang palad, ang pagpaparami na ipinakita dito ay hindi nagbibigay ng kulay ng larawan, magaan at mahangin).

(Larawan 206, 207, 208) Mga larawan at mga pagpipinta ng genre Velazquez, na naglalarawan sa Tao hindi gaanong sa kanyang sariling katangian at kakaiba, ngunit sa isang unibersal na kahulugan ng tao - bilang isa o ibang uri ng personalidad.

Diego Velazquez "Ang Matandang Kusinero"

Diego Velazquez "Tatlo sa Isang Mesa"

Diego Velazquez "Papa Innocent"

REMBRANDT van Rijn

Maraming naisulat tungkol sa mahusay na pintor na ito, at bawat manunulat ay nakahanap ng higit at higit pang mga bagong merito sa gawain ng Guro. Sa aming maikling pagsusuri, bibigyan namin ng pansin ang mga tampok na pangkakanyahan ng mga gawa Dutch artist, at lalo na sa kung paanong sa kanyang pagpipinta ang mundo ay ipinapakita sa lahat ng hindi napagkukunwaring katotohanan nito, gayunpaman, sa parehong oras, ang titig ng Guro ay nagagawang tumagos sa kaibuturan ng mga bagay at kababalaghan.

REMBRANDT van Rijn "Self-Portrait"

Nakikita natin dito ang isa sa maraming self-portraits ni Rembrandt. Sa pag-uulit ng balangkas na ito nang maraming beses, tila sinunod niya ang utos ng sinaunang karunungan: "Kilalanin ang iyong sarili." Ang lahat sa larawang ito ay tila tradisyonal: isang malawak na sumbrero, isang madilim na background, isang tatlong-kapat na pagliko ng ulo. Sa titig ay tanging atensyon, walang anumang emosyon. Halos walang chiaroscuro sa mukha. Ang portrait ay medyo makatotohanan.

REMBRANDT van Rijn "Aristotle na may bust ng Homer"

Inulit ng mukha ni Aristotle ang mga tampok ng mukha ni Rembrandt mismo. Ipinatong ng sinaunang pilosopo ang kanyang kamay sa ulo ng dakilang makata, na parang gustong hiramin ang kanyang karunungan at henyo. May malalim na pag-iisip sa mga mata ng pilosopo, at isang pilak na kadena sa kanyang dibdib. Ito ay isang kadena na nag-uugnay sa kultura ng sinaunang Hellas at Europa. Ang malawak na itim na ibabaw ng pagpipinta ay sumisimbolo sa mga misteryo ng pag-iral, na bumubuo sa paksa ng mga saloobin ng makata at pilosopo.

REMBRANDT van Rijn "Ang Panggagahasa ng Ganymede"

REMBRANDT van Rijn "Danae"

"Na-moderno" ni Rembrandt ang mga sinaunang paksang ito sa lahat ng kanyang taglay na katapangan at walang kapantay na kasanayan. Nabasa ng mga karanasang kritiko sa mukha ni Danae ang isang napakagandang pakiramdam ng kagalakan sa pakikipag-usap sa Banal. Nagawa kaming kumbinsihin ng artista tungkol dito.

REMBRANDT van Rijn "Ang Pagbulag ni Samson"

Naghahari dito ang diwa ng Baroque. Malalim na espasyo, galit na galit na paggalaw ng mga katawan ng tao, iba't ibang mga anggulo, kontrabida at pahirap, pag-aaksaya ng enerhiya ng tao sa mga hindi makataong gawa.

REMBRANDT van Rijn "Pagbabalik ng Alibughang Anak"

Ano ang pinaka-kapansin-pansin sa larawang ito? Sa aking palagay – ang hubad na sakong ng kaliwang paa ng alibughang anak, isang tsinelas na nahulog sa kanyang paa, at ang likod ng kanyang ulo, na hugis walang sapin. Imposibleng mas mahusay na magpatotoo sa katangahan at kawalang-halaga ng binatang ito. Ang awa ng matandang ama ay walang hangganan; ang kanyang awa ay isang gawaing naghahalintulad sa ama sa karaniwang Ama ng sangkatauhan.

Wala nang hihigit pa sa pagpipinta na ito - ang huli sa buhay ni Rembrandt. Naglalaman ito ng pagpapatibay para sa mga tao hanggang sa katapusan ng panahon.

Ang Renaissance ay natapos na. Dumating ang ika-17 siglo, na naging bagong yugto sa kasaysayan ng sining ng Kanlurang Europa. Ang mga pambansang estado ng Europa ay pinalakas, at pinalitan ng kapitalismo ang naghihingalong sistemang pyudal. Lumalaki ang kawalang-kasiyahan ng masa sa kanilang sitwasyon. Ang lumalagong bourgeoisie ay nagsusumikap para sa kapangyarihang pampulitika. Sa mga bansang may maunlad na industriya at kalakalan (England at Holland), natapos ang mga burges na rebolusyon sa tagumpay ng bagong sistemang panlipunan. Ang paglaban sa pyudalismo ay nakadirekta din laban sa Simbahang Katoliko, na namumuno sa mga reaksyunaryong pwersa.

Sa mahirap na panahon na ito, bagong kultura, na nagbigay sa mundo ng mahusay na mga siyentipiko - Galileo, Leibniz, Newton, mga pilosopo - Bacon, Spinoza, Descartes, mga manunulat - Shakespeare, Cervantes, Moliere.

Nabuo din ang pinong sining, ang pinakamataas na tagumpay na pangunahing nauugnay sa mga bansa tulad ng Italya, Espanya, Holland, Flanders at France.

Ang pangunahing direksyon ng istilo sa sining ng panahong ito ay ang Baroque, ipinanganak sa Italya sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang pangalang "baroque" ay literal na nangangahulugang "kakaiba", "kakaiba". Ang mga epithets na ito ay nakakagulat na tumutugma sa mga tampok ng bagong istilo, na nagpapanatili ng katanyagan nito sa sining ng Kanlurang Europa hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok tulad ng pag-iibigan at linaw ng damdamin, damdamin, pag-abot sa punto ng pagmamalabis, seremonyal na solemnidad at karangyaan.

Hinangad ng mga pinuno at ng Simbahang Katoliko na gamitin ito sa kanilang kalamangan, itinataguyod ang kanilang lakas at kapangyarihan sa pamamagitan ng sining at pagpapalakas ng pananampalataya ng mga tao. Kaya naman ang Baroque art ay pinaka-binuo sa mga bansang may relihiyong Katoliko.

Kasabay nito, ang istilong ito ay nagpahayag din ng mga progresibong ideya tungkol sa pagkakaiba-iba at pagkakaiba-iba ng mundo, at ang isang tao ay lumilitaw bilang isang kumplikadong personalidad na may sariling mundo ng malalim na damdamin at karanasan.

Ang pagpipinta ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa Baroque art. Sa panahong ito, lumitaw ang mga bagong genre at tema. Ngayon ginagamit ng mga artista para sa kanilang mga gawa hindi lamang ang mga motif ng relihiyon at mitolohiya, kundi pati na rin ang mga tema na may kaugnayan sa mga katotohanan ng buhay sa kanilang paligid.

Hinahati ng ilang mananaliksik ang pagpipinta ng Baroque sa tatlong bahagi depende sa kung sino ang kostumer: simbahan, korte, burgis. Ang pagpipinta ng simbahan ay katangian ng Espanya, ang pagpipinta sa korte ay katangian ng Flanders, at ang burges na pagpipinta ay katangian ng Holland, na noong panahong iyon ay may pinakaprogresibong sistema ng lipunan.

Ang mga Baroque master ay pangunahing gumamit ng mga mainit na lilim at makinis na mga paglipat ng kulay sa kanilang mga gawa, mahusay na gumamit ng mga epekto ng liwanag at anino at mga kaibahan ng liwanag at madilim na mga tono. Ang kanilang mga pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng matinding drama; ang mga pose ng mga bayani ay hindi matatag, ang mga kilos at galaw ay matalas at labis na nagpapahayag. Ang mga mata ng mga santo at martir ay nakataas sa langit, ang hindi kapani-paniwalang hubog na katawan ng mga karakter sa mga komposisyong mitolohiko ay dapat na magpaganda ng impresyon sa kung ano ang inilalarawan sa ang canvas at gawing makiramay ang manonood sa mga bayani.

Pagpipinta ng Italya

Sa Italya, ang lugar ng kapanganakan ng Baroque, noong ika-17 siglo. Ang pagpipinta ng fresco ay umunlad. Ang pamilya ng mga artista ng Carracci ay nasiyahan sa mahusay na katanyagan, na lumikha ng maraming mga kuwadro na gawa sa dingding batay sa mga sinaunang motif sa Roma at Bologna. Lodovico Carracci at ang kanyang magpinsan Nagtatag sina Annibale at Agostino Carracci ng workshop-academy sa Bologna noong 1585, kung saan sinanay nila ang mga batang artista sa sariling programa, na naglalayong lumikha ng monumental at solemne na sining. Sa mga mag-aaral ng akademya, sina Guido Reni at Domenichino, na nagtrabaho sa Roma noong simula ng ika-17 siglo, ay lalong namumukod-tangi.

Michelangelo da Caravaggio

Makabuluhang lugar sa Pagpipinta ng Italyano pagliko ng XVI-XVII na siglo. sumasakop sa gawain ni Michelangelo da Caravaggio. Ipinanganak noong 1573 sa Lombardy. Natanggap niya ang kanyang artistikong edukasyon sa Milan. Nanirahan sa Roma noong unang bahagi ng 1590s. Nasiyahan ang pintor sa pagtangkilik ng Cardinal del Monte. Noong 1606, sa isang laro ng bola, nakipag-away si Caravaggio sa isa sa mga kalahok sa libangan at pinatay siya sa isang tunggalian. Pagtago mula sa gobyerno, napilitang tumakas ang artista sa Naples, at pagkatapos ay sa isla ng Malta. Matapos ang isang away sa isa sa mga kinatawan ng lokal na maharlika, kinailangan niyang umalis papuntang Sicily. Noong 1608-1609. Nagtago si Caravaggio mula sa mga assassin sa Sicily at Southern Italy. Sa Naples, nabigo ang artist na makatakas sa isang pag-atake kung saan siya ay nasugatan. Noong 1610, si Caravaggio ay nagtungo sa dagat sa Roma, umaasa sa kapatawaran ng Papa, ngunit bago makarating sa kanyang huling hantungan, siya ay ninakawan ng mga carrier at namatay sa malaria.

Ang mapanghimagsik na espiritu ni Caravaggio ay nahayag din sa kanyang gawain. Nagsusumikap para sa katotohanan, ang artista ay naglalarawan ng mga karaniwang tao sa mga relihiyoso at mitolohiyang komposisyon. Ito ang mga bayani ng kanyang mga unang gawa ("Little Sick Bacchus", ca. 1591; "Bacchus", 1592-1593), kung saan ang matamis na guwapong bayani ng akademikong sining ay nagbibigay-daan sa mga larawan ng mga ordinaryong Italyano na may mga katangian ng mukha (almond). -hugis na mata, buong labi, maitim na malasutla na kulot). Ang katotohanan ng mga tauhan ay binibigyang-diin ng mga detalye ng buhay na walang buhay: mga bulaklak, prutas, mga instrumentong pangmusika. Ang interes sa still life ay kapansin-pansin sa marami sa mga gawa ni Caravaggio. Noong 1596, isinagawa ng artist ang isa sa mga unang komposisyon sa genre na ito sa kasaysayan ng pagpipinta ng Europa - "Fruit Basket".

Nagsusumikap para sa pagiging tunay, si Caravaggio ay palaging naglalarawan ng totoong buhay sa kanyang mga gawa, gaano man ito kagaspangan at walang awa (“Sakripisyo ni Abraham”, 1594-1596; “Judith at Holofernes”, 1595-1596). Ayon sa mga kontemporaryo, ang pintor, na inanyayahan sa isang eksibisyon ng mga antigong estatwa, ay nanatiling walang malasakit sa kanilang malamig na kagandahan at, itinuro ang mga pulutong ng mga tao sa paligid, sinabi na sila, mga ordinaryong kontemporaryo, ang nagbigay inspirasyon sa kanya. Upang patunayan ang kanyang mga salita, pinahinto ng artista ang isang babaeng gipsi na dumaan at pininturahan siya na hinuhulaan ang kapalaran ng isang binata. Ito ay kung paano lumitaw ang sikat na "Fortune Teller" (1595).

Hinahanap ni Caravaggio ang kanyang mga bayani sa mga lansangan, sa maliliit na tavern, sa bohemian na kapaligiran. Nagsusulat siya ng mga manlalaro, musikero ("Mga Manlalaro", 1594-1595; "Lute Player", 1595).

Sa kanyang mature na mga taon, si Caravaggio ay bumaling sa monumental na sining. Inilalarawan niya ang mga kaganapan ng Sagradong Kasaysayan para sa mga simbahan ng San Luigi dei Francesi at Santa Maria del Popolo bilang makatotohanan at totoo bilang mga eksena sa genre. Hindi nasisiyahan ang mga customer dito: hindi tinanggap ng simbahan ang pagpipinta na "Apostle Matthew with an Angel", dahil ang hitsura ng santo ay tila bastos at bastos sa kanya. Ang pintor ay kailangang magpinta ng isa pang larawan.

Dalawang monumental na komposisyon ni Caravaggio ang naging tunay na obra maestra: "Entombment" (1602) at "Assumption of Mary" (1605-1606). Ang huling gawain, dahil sa makatotohanang paglalarawan ng pagkamatay ng Ina ng Diyos, ay tinanggihan ng kostumer - ang Simbahang Romano ng Santa Maria della Scala. Binibigyang-kahulugan ng pintor ang tema ng pag-akyat ni Mary sa langit bilang isang simpleng drama sa buhay: ang pagkamatay ng isang ordinaryong babae ay ipinagluluksa ng kanyang pamilya at mga kaibigan.

Ang pagpipinta na "Entombment" ay minarkahan ng malalim na trahedya, ngunit sa parehong oras na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng pagpigil at pagiging totoo, walang labis na pagpapahayag at kadakilaan dito, na katangian ng pagpipinta ng maraming mga artista ng panahon ng Baroque. Sa pamamagitan ng paglalarawan sa patay na Kristo at sa mga taong nagyelo sa paligid niya nang malungkot, hinahangad ng artista na ihatid ang ideya ng kabayanihan na kamatayan at ginagawa ito nang nakakumbinsi at makatotohanan.

Ang mga paghihirap ng buhay at patuloy na pag-aaway sa simbahan ay humantong sa pagtindi ng kalunos-lunos na tunog sa mga gawa ni Caravaggio sa mga huling taon ng kanyang buhay ("The Flagellation of Christ", 1607; "Seven Acts of Mercy", 1607).

Ang Italyano master ay nagbabayad ng malaking pansin sa pag-render ng pag-iilaw: ang aksyon sa kanyang mga gawa ay karaniwang nagaganap sa kalahating kadiliman, isang bigkis ng liwanag na nagmumula sa kailaliman ay tumatawid sa espasyo ng canvas (tinatawag na basement lighting). Maraming mga artista noong ika-17 siglo. ginamit ang pamamaraang ito sa kanilang mga gawa, na nagdaragdag ng drama sa larawan.

Ang gawa ni Caravaggio ay nagkaroon ng malaking impluwensya hindi lamang sa Italyano, kundi pati na rin sa mga dayuhang artista na nagtatrabaho sa Roma. Ipinakalat ng mga tagasunod ng pintor ang kanyang istilo, na tinatawag na "Caravaggism," sa ibang mga bansa sa Europa.

Karamihan sa mga Italian Caravaggist ay hindi umabot sa taas ng katanyagan ng dakilang master. Kabilang sa mga ito ay maaari nating i-highlight ang mga nagtrabaho sa unang kalahati ng ika-17 siglo. Bartolomeo Manfredi, Orazio Gentileschi, Giovanni Serodine, Giovanni Battista Caracciollo, binansagang Battistello. Sa simula ng kanyang malikhaing landas Sina Rubens, Rembrandt, Vermeer, Velazquez, at Ribera ay mahilig sa Caravaggism.

Napakasikat noong ika-17 siglo. sa Naples ay ginamit ni Salvator Rosa, na ang pangalan ay nauugnay sa hitsura ng mga romantikong tanawin sa pagpipinta.

Salvator Rosa

Noong 1615, ipinanganak ang isang batang lalaki sa bahay ng surveyor at arkitekto na si Vitantonio Rosa sa maliit na bayan ng Arenella malapit sa Naples. Pinangalanan nila siyang Salvator. Mula sa mga bintana ng sirang Casaccio estate ay may magandang tanawin ng Naples at ng Vesuvius volcano. Mayroong maraming mga lugar sa paligid ng nayon na nabighani sa kanilang kagandahan: ang mataas na bato ng San Elmo, ang kuta ng Borgo di Arenella, na itinayo noong panahon ng paghahari ni Charles V, ang mga burol ng Vomero at Posilipo, ang isla ng Capri, ang baybayin ng ang Golpo ng Naples na may malinaw na asul na tubig. Ang lahat ng mga larawang ito ay ganap na makikita sa mga kuwadro na gawa ni Salvator Rosa. SA mga unang taon Sinubukan ng hinaharap na artista na makuha ang mga larawan ng kalikasan na nagpasigla sa kanya sa maliliit na piraso ng papel.

Napansin ng kanilang anak na lalaki ang pagnanais para sa kaalaman, agham at sining, nagpasya ang kanyang mga magulang na ipatala siya sa Jesuit College ng Somasca Congregation, na matatagpuan sa Naples. Doon nakatanggap si Salvator Rosa ng iba't ibang edukasyon: nag-aral siya ng klasikal na panitikan, nag-aral ng gramatika, retorika, at lohika. Kabilang sa iba pang mga bagay, nakatanggap siya ng edukasyong pangmusika, natutong tumugtog ng alpa, plauta, gitara, at kahit na sinubukang gumawa ng maikli. mga gawang musikal(kilala ang mga serenades-doncella na sinulat niya). Ang ilang mga harana ay napakapopular sa mga Neapolitano na kinakanta nila ito araw at gabi sa ilalim ng mga bintana ng kanilang mga manliligaw.

Pagkaraan ng ilang oras, umalis si Salvator Rosa sa kolehiyo at bumalik sa kanyang bayan ng Arenella, kung saan nakilala niya ang lokal na artista na si Francesco Fracanzano, isang dating estudyante ng master ng Espanyol sa pagpipinta na si Jusepe Ribera, na napakapopular noong mga panahong iyon. Nang makita ang mga pagpipinta ni Francesco, gumawa si Salvator ng ilang kopya ng mga ito, kung saan nararapat siyang papurihan ni Fracanzano, na nakilala ang talento ng isang tunay na artista sa binata at pinayuhan siyang seryosohin ang pagpipinta.

Mula ngayon, marami na ang iginuhit ni Rosa. Sa paghahanap ng mga bagong larawan, naglalakbay siya sa Abruzzi Mountains. Sa oras na ito, lumilitaw ang mga landscape na may mga larawan ng mga lambak ng Monte Sarkio na may patay na bulkan, ang mga grotto ng Palignano, ang mga kuweba ng Otranto, pati na rin ang mga guho ng sinaunang lungsod ng Canusia at Brundisia, ang mga guho ng arko at ang amphitheater ng Benevento.

Doon, sa Abruzzi Mountains at Calabria, nakilala ng batang artista ang mga palaboy na magnanakaw, kasama ng mga ito ang mga pinatalsik mula sa lipunan ng "kagalang-galang" na mga tao para sa kanilang mapagmahal sa kalayaan, matapang na pag-iisip. Ang hitsura ng mga bandidong ito ay labis na ikinagulat ni Salvator na nagpasya siyang kunin ang mga ito sa kanyang album. Ang kanilang mga imahe ay ginamit noon sa mga susunod na komposisyon ng may-gulang na master (dito ay angkop na alalahanin ang ukit mula sa Capricci suite, na nagpapakita ng pagkuha ng isang binata ng mga magnanakaw na pinamumunuan ng pinuno), at makikita rin sa mga pagpipinta. naglalarawan ng mga eksena ng labanan.

Naging mabunga at makabuluhan ang paglalakbay para sa pagbuo ng pagkamalikhain sa landscape ng batang pintor. Sa kanyang paglalakbay, gumawa siya ng maraming sketch ng mga tanawin ng kalikasan ng Italyano. Pagkatapos ay inilipat sa mga painting, ang mga landscape na ito ay hindi pangkaraniwang makatotohanan, buhay, at natural. Parang saglit lang nakatulog ang kalikasan. Tila sa isang segundo ay mabubuhay ang lahat, ihip ng mahinang hangin, uugoy ang mga puno, huni ng mga ibon. Ang mga tanawin ng Rosa ay naglalaman ng napakalaking kapangyarihan at espesyal na pagpapahayag. Ang mga figure ng mga tao at mga gusali, bilang bahagi ng isang solong kabuuan, harmoniously pinagsama sa mga larawan ng kalikasan.

Ang unang eksibisyon ni Salvator Rosa ay naganap sa Naples. Isa sa mga nakapansin at naka-appreciate sa gawa ng batang artista ay sikat na master monumental na pagpipinta ni Giovanni Lanfranco, na bumili ng ilang mga landscape para sa kanyang sarili sa eksibisyon.

Sa kalagitnaan ng 30s. siglo XVII Lumipat si Salvator Rosa sa Roma - ang kabisera ng sining ng mundo, kung saan naghahari ang Baroque at Classicism. Sa Roma nakilala ni Rosa ang gawain ng mga pangunahing masters ng pagpipinta gaya nina Michelangelo, Raphael, Titian, Claude Lorrain. Ang kanilang istilo ng pagsulat ay higit na nakaimpluwensya sa pagbuo ng malikhaing pamamaraan ni Rosa at masining at visual na pamamaraan. Ito ay pinaka-kapansin-pansin sa mga painting na may mga seascape. Kaya, ang "Seaport" ay isinulat sa pinakamahusay na mga tradisyon ng C. Lorrain. Gayunpaman, ang batang artista ay higit pa kaysa sa guro. Ang kanyang tanawin ay natural at konkreto: ang perpekto, sa halip na abstract, mga larawan ng Lorrain ay pinalitan dito ng mga pigura ng mga ordinaryong mangingisda mula sa Naples.

Pagkalipas ng ilang buwan, si Rosa, na may malubhang karamdaman, ay umalis sa malago at magandang kabisera ng Italya. Bumalik lamang siya noong 1639. Noong tag-araw ng taong ito, isang karnabal ang ginanap sa Roma, kung saan gumanap si Rosa bilang isang naglalakbay na artista sa ilalim ng pagkukunwari ni Coviello (isang plebeian na hindi tinanggap ang kanyang kapalaran). At kung sinubukan ng iba pang Coviello ang kanilang makakaya na maging katulad ng mga tunay na magsasaka hangga't maaari, kung gayon ay ganap na nilalaro ni Rosa ang kanyang maskara, bumubuo ng isang buong pagtatanghal at nagpapakita ng isang binata na kumakanta at tumutugtog ng gitara, masayahin, hindi nasiraan ng loob sa anumang sitwasyon at kahirapan sa buhay. Ang pagkilos ng karnabal ay naganap sa Piazza Navona. Si Salvator Rosa kasama ang isang maliit na grupo ng mga aktor ay sumakay sa isang kariton na pinalamutian ng mga bulaklak at berdeng sanga. Napakalaki ng tagumpay ni Rose.

Nang matapos ang karnabal, hinubad ng lahat ang kanilang mga maskara. Isipin ang sorpresa ng mga nakapaligid sa kanya nang matuklasan na sa pagkukunwari ng isang magsasaka ay walang iba kundi si Salvator Rosa.

Pagkatapos nito, nagpasya si Rosa na mag-artista. Hindi kalayuan sa Porta del Popolo, sa isa sa mga walang laman na villa, nagbubukas siya ng sariling teatro. Ang nilalaman ng mga dulang itinanghal sa ilalim ng direksyon ni Rosa ay hindi alam ng mga kritiko ng sining at mga mananalaysay. Gayunpaman, may mga katotohanan na nagsasalita para sa kanilang sarili: pagkatapos ng premiere ng dula, kung saan kinutya ng mga aktor ang teatro ng korte sa ilalim ng direksyon ng noon ay sikat na arkitekto at iskultor na si Lorenzo Bernini, may nag-hire ng mga assassin para kay Rosa. Naghihintay sila sa kanya malapit sa kanyang bahay.

Sa kabutihang palad, hindi naganap ang tangkang pagpatay - nakaligtas ang binata. Gayunpaman, dahil sa mga pangyayaring ito, napilitan siyang umalis muli sa Roma.

Matapos tumugon sa imbitasyon ni Cardinal Giovanni Carlo Medici, pumunta si Rosa sa Florence. Dito lumilikha ang artista
ang sikat na "Self-Portrait".

Ang canvas ay nakikilala sa pamamagitan ng natatanging pagpapatupad nito. Ang binata na ipinakita sa larawan ay tila anggulo. Gayunpaman, ang isang tao ay nakadarama ng masiglang enerhiya, pambihirang lakas at determinasyon sa kanya. Sa pagpipinta, ang isang binata ay nakasandal sa isang pisara na may inskripsiyon sa Latin: "Avt tace, Avt Loqver meliora silentio" ("Manahimik ka, o sabihin kung ano ang mas mabuti kaysa sa katahimikan"). Ang inskripsiyong ito ay parang ang buong pag-iisip ng buong gawa ng sining at kasabay ng kredo ng binata na inilalarawan sa canvas (at samakatuwid ay ang pintor mismo).

Mahusay na pinagkadalubhasaan ng artista ang paglalaro ng liwanag at anino. Ang pagpapahayag ng imahe ay nakamit nang tumpak sa pamamagitan ng epekto ng anino, nang matindi at kung minsan kahit na hindi inaasahang nagiging mga light spot.

Hindi sinasadya na ang pigura ng isang binata ay matatagpuan laban sa background ng kalangitan sa gabi: ang imahe ng isang mapagmataas, independiyenteng binata sa madilim na damit ay nakatayo laban sa isang magaan na background, at samakatuwid ay nagiging mas malapit at mas naiintindihan sa manonood. .

Ang mga sikat na satire ni Rose ay nilikha sa parehong ugat, kung saan ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng "Poetry", "Music", "Envy", "War", "Painting", na naging isang uri ng awit ng batang manunulat at artist . Dito sinasabi ng may-akda na ang mga pintor, bilang mga tagapaglingkod ng isa sa mga kapatid ng sining - artistikong at visual na pagkamalikhain, ay dapat na bihasa sa kasaysayan, etnograpiya, at eksaktong agham. Ang istilo ni Rose sa tula, gayundin sa pagpipinta, ay nahayag sa kabuuan nito. Ang kanyang mga tula ay masigla, mapusok, emosyonal at sa ilang mga lugar ay masyadong bastos at malupit. Ang mga ito ay isang uri ng pagsalungat sa cutesy at artificial theatrical na paraan ng pagbuo at pagpapatunog ng mga anyong patula na nabuo noong panahong iyon sa panitikan.

Si Salvator Rosa ay nanatili sa Florence hanggang 1654. Ang kanyang bahay, ayon sa mga alaala ng kanyang mga kontemporaryo, ay ang lugar kung saan ang pinakatanyag na mga tao ay patuloy na nagtitipon: ang makata na si R. Giambatisti, ang pintor at manunulat na si F. Baldinucci, ang siyentipiko na si E. Torricelli, propesor sa Unibersidad ng Pisa G.B. Ricciardi.

Ang isa sa mga pangunahing ideya sa sining ng pang-araw-araw na buhay ng Baroque ay "ang turuan ang manonood o mambabasa nang hindi nakakagambala, magturo sa pamamagitan ng kagandahan." Kasunod ng hindi binibigkas na panuntunang ito, ang mga artista ay lumikha ng mga canvases, kapag tinitingnan kung saan ang manonood ay may napaka-tiyak na mga asosasyon, na nagbubunga ng mga larawan ng mga bayaning pampanitikan. At kabaligtaran, ayon sa mga manunulat ng panahon ng Baroque, ang isang patula na gawa ay dapat na, pagkatapos basahin ito, ang mga kaakit-akit, maliwanag at makulay na mga larawan ay lilitaw sa harap ng mga mata ng mambabasa.

Halos lahat ng masining at biswal na gawa ni Rosa ay base sa mga gawa na kanyang nilikha. mga larawang pampanitikan. Ito ay eksakto kung gaano karaming mga kuwadro na may mga fairy-tale plot at mga eksena sa labanan na lumitaw pagkatapos ng paglikha ng mga satire na "The Witch" at "War" ay ipininta.

Ang canvas na tinatawag na "Kasinungalingan" ay isang magandang paglalarawan para sa tula na "Tinatanggal ko ang aking pamumula at mga pintura sa aking mukha." Mapapansin dito ang pagkakatulad ng pangunahing tauhan ng larawan at mismong may-akda. Si Salvator Rosa ay nagpapakita ng mahusay na kasanayan sa pagpipinta ng pamamaraan sa paghahatid ng mga ekspresyon ng mukha at kilos. Ang balangkas ay batay sa isang episode kung saan ang dalawang aktor ay may pag-uusap sa likod ng mga eksena ng isang teatro pagkatapos ng isang pagtatanghal. Ang tono para sa buong trabaho ay itinakda ng hindi pangkaraniwang mga paglipat ng liwanag sa anino at ang paggamit ng mga pintura ng isang tiyak na kulay (ang background ay madilim na kayumanggi, ang madilaw na damit ng aktor ay sumisimbolo sa mga kasinungalingan at panlilinlang). Ang partikular na kahalagahan ay ang tingin ng isa sa mga aktor, hindi nakadirekta sa kausap, ngunit sa isang lugar sa gilid. Para bang pilit tinatago ng tao ang iniisip niya sa kaibigan.

Ang pangunahing ideya ng canvas ay maaaring tukuyin ng mga salita ni W. Shakespeare, na naging isang uri ng motto para sa Baroque art, nang sabihin niya na ang mga tao ay mga aktor sa entablado ng buhay. Ang pangunahing pamamaraan masining na imahe katotohanan at tao sa produksyon ng teatro ay isang panlilinlang. Dito nagmumula ang koneksyon sa pagitan ng konsepto ng pagsisinungaling at ng imahe ng isang dramatikong aktor na naglalagay ng maskara sa isang pagtatanghal sa pagpipinta ni Rosa.

Ang ideya ng posibilidad ng pagkakaroon ng isang superman na pinagkalooban ng maraming mga kakayahan ay malinaw na ipinakita sa mga larawan ni Salvator Rosa. Ganyan ang "Portrait of a Man" ("Portrait of a Bandit"), kung saan ang isang lalaki ay lumilitaw sa harap natin na may matalim, matalas, matalim na titig at isang mapait na ngiti sa kanyang mga labi. Ang imaheng ito ay hindi matatawag na tiyak na hindi malabo. May isang bagay na nakababahala sa mga mata ng padyak at nagbabala sa amin, ang madla, tungkol sa malakas, determinado at mapagmataas na katangian ng taong ito, na ang mga emosyon ay maaaring masira at lumabas anumang sandali. Ang larawan ng isang bandido ay lumalabas na mas kumplikado kaysa sa bukas at medyo romantikong hilig na binata mula sa canvas na "Self-Portrait". Ang kalabuan sa interpretasyon ng imahe ay lumitaw dahil sa espesyal na kumbinasyon at pag-aayos ng liwanag at anino sa canvas. Ang hindi pangkaraniwang maliwanag na pagpapahayag ng larawan ay nakamit sa pamamagitan ng mahusay na paggamit ng mga diskarte sa pagpipinta at ang paggamit ng magkakaibang mga kulay (madilim na sumbrero at liwanag na background, puting kamiseta at itim na fur coat).

Sinasabi ng mga kritiko ng sining na ang "Portrait of a Man" ay ang parehong self-portrait. Dito sinusubukan ng may-akda, bilang isang propesyonal na aktor, ang kanyang sarili sa papel ng isang tulisan, na handa bawat segundo upang labanan ang kanyang mga kaaway. Isinulat ng mga kontemporaryo na dito (tulad ng sa "Self-Portrait") ang karakter ng artist mismo ay higit na ipinakita - isang rebelde na may mapagpasyang at matibay na pagkatao. Ang bayani ng larawan ay hindi na isang abstract na karakter, ngunit isang tunay. umiiral na tao, kung kaninong kaluluwa ay kumukulo ang mabagyo na pagnanasa.

Ang gawain ni Salvator Rosa ay ang unang yugto ng pagbuo at pagbuo ng isang bagong pictorial form - ang landscape painting. Pinagsasama-sama ng mga gawang ginawa sa ganitong paraan ang mga elementong aktwal na umiiral sa pang-araw-araw na buhay at yaong kathang-isip lamang.

Partikular na kawili-wili at kapansin-pansin ang gawa ni Rosa na pinamagatang "Landscape with a Bridge," na kasalukuyang nakatago sa Pitti Gallery sa Florence. Ang canvas ay nagpapakita ng isang maliit na tanawin na may tulay at isang mataas na bato na agad na tumataas sa likod nito sa anyo ng isang arko. Dalawang manlalakbay ang naglalakbay sa kalsada. Naligaw yata sila sa lugar na hindi pamilyar sa kanila. Nagtatanong sila ng isang basag-basag lalaki para sa direksyon. Sa di kalayuan, dalawang pigura ang nakatago sa likod ng isang bato. Ang araw ay pumunta sa likod ng ulap. Madilim malapit sa tulay; mula sa likod ng bawat palumpong o bato, ang isang dumadaan ay maaaring salakayin ng mga magnanakaw, nagtatago mula sa hustisya at naghahanap ng katotohanan nang mag-isa.

Marahil ito ang interpretasyon ng balangkas ng larawan. Ang impresyon ng pagkabalisa at isang tiyak na kalabuan ay nilikha sa loob nito salamat sa mahusay na paggamit ng artist ng pamamaraan ng pagsasama-sama ng mga light spot at mga anino. Sikat ng araw, malinaw na nakikita sa malayo, sa background ng komposisyon, ay unti-unting pinalitan sa canvas ng anino at kadiliman, na nagdudulot ng masakit na sensasyon sa manonood at isang premonisyon ng panganib.

Ang tulay na inilalarawan sa larawan, pati na rin ang rock arch na umaakyat, ang pagbabago ng liwanag at anino - lahat ay nagbibigay sa landscape ng pambihirang dynamism, paghinga ng buhay dito.

Ang mga kontemporaryo ng artista ay paulit-ulit na nagsalita tungkol sa pagkakaroon at pamamayani ng mga romantikong elemento sa akda ni Rosa. Ang mga ito ay naroroon din sa "Landscape na may Tulay": isang maliwanag na lambak na nalunod sa sinag ng araw at madilim, madilim na mga bato malapit sa tulay, puno ng sabik na pag-asa.

Kadalasan ang kalikasan ay lumilitaw na nangingibabaw sa kabuuang komposisyon. Bukod dito, ang elementong ito ay makabuluhan para sa pagpapasigla ng larawan at paglikha ng isang tiyak na mood at mga asosasyon para sa manonood. Sa pagpipinta na "Fright", ang espesyal na pagpapahayag ay nakamit sa pamamagitan ng pagsasama ng mga pigura ng tao at kalikasan sa isang solong kabuuan. Ang mga tao ay kumikilos dito bilang isang mahalagang bahagi ng buhay na mundo.

Ang isang espesyal na mood sa landscape ay nilikha sa pamamagitan ng kaibahan ng liwanag at anino, bilang isang resulta kung saan ang mga lugar ay lilitaw sa larawan, na parang inagaw mula sa kadiliman ng isang sinag ng liwanag. Ang pakiramdam ng pagkabalisa ay sanhi din ng isang tiyak na posisyon ng mga figure. Ang pagliko ng mga katawan, ekspresyon ng mukha at kilos ng mga taong ginamit ng artista, nagpapahayag, makapal na mga kulay ay pumukaw sa manonood ng isang pakiramdam ng pagkabalisa at paparating na panganib.

Ang pagpipinta na ito ay kasalukuyang nakatago sa Pitti Gallery sa Florence.

Si Salvator Rosa ang lumikha ng ganitong uri ng tanawin bilang pilosopiko. Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang sikat na “Forest Landscape with Three Philosophers.” Ang kalikasan dito ay hindi lamang nagtatakda ng tono para sa kabuuang komposisyon, ngunit nagpapahayag din ng mga damdamin, emosyon, at estado ng pag-iisip ng tatlong lalaki, na nagtatalo, marahil, tungkol sa kahulugan ng buhay sa lupa at araw-araw na walang kabuluhan ng tao. Ang pambihirang ekspresyon ay ipinahayag sa pamamagitan ng malalaking puno na yumuyuko sa hangin, mabilis na gumagalaw na mga ulap na halos ganap na natatakpan ang maaliwalas na kalangitan, at pag-gestika sa mga tao na sinusubukang patunayan ang isang bagay sa isa't isa. Ang dinamika at espesyal na emosyonalidad ay ibinibigay sa larawan sa pamamagitan ng isang matalim na pagbabago sa liwanag at madilim na mga spot.

Ang matapang, minsan kahit medyo malupit, estilo ng pagpipinta ni Rose na nakakaganyak sa manonood (contrast ng liwanag at anino, mga detalye ng landscape, matingkad na pagpapahayag ng kabuuang komposisyon) ay ipinagpatuloy sa sining ng mga romantikong artista.

Halos lahat ng still lifes na nilikha ni Rosa ay nakikilala ng parehong balisa at suwail na karakter. Sa Italya noong panahong iyon, sikat na sikat ang mga still life painting nina Paolo Porpora at Giuseppe Recco. Ang kanilang mga canvases ay umaakit sa mga manonood sa halos nasasalat na katotohanan ng mga itinatanghal na larawan. Tila ang mga bulaklak, isda, prutas ay hindi iginuhit, ngunit inilipat lamang sa dingding, nakadikit dito, tila buhay na buhay.

Kasunod ng prinsipyo ng Baroque art (panitikan ng mga gawa ng pinong sining), lumikha si Salvator Rosa ng mga buhay pa rin na puno ng pilosopikal na nilalaman. Ang palagiang pinagtutuunan ng pansin niya ay ang mga sinaunang aklat sa sira-sira na mga binding, iba't iba mga Instrumentong pangmusika, mga koleksyon ng musika, mga instrumento para sa pagmamasid sa mga bituin at halos palaging - isang bungo, na sumasagisag sa walang kabuluhan ng buhay sa lupa - Vanitas (mula sa Latin na "vanity of vanities").

Si Salvator Rosa ay itinuturing na isang dalubhasa sa paglalarawan ng mga eksena sa labanan. Natuto siyang magpinta ng mga laban sa pagawaan ng Agnello Falcone (1607-1656). Sa mga canvases ni Falcone, imposibleng makahanap ng mga pangunahing at pangalawang karakter. Ang lahat ng mga imahe ay bumubuo ng isang solong kabuuan at napapailalim sa isang gawain: paglikha ng isang tunay na larawan na nagbibigay ng likas na katangian ng isang partikular na labanan nang walang anumang pagmamalabis.

Ang parehong paraan ay katangian ng Rose. Ang kanyang apela sa tema ng mga eksena ng labanan ay nauugnay sa pag-uugali ng mga bansa sa Kanlurang Europa sa Digmaan, na kalaunan ay tinawag na Tatlumpung Taon na Digmaan.

Ang teatro ng mga operasyong militar ni Salvator Rosa ay hindi kapani-paniwalang nagpapahayag at, bilang isang patakaran, ay matatagpuan hanggang sa abot-tanaw laban sa backdrop ng nawasak, tahimik na mga gusali ng arkitektura (mga tore, palasyo, templo) at isang transparent na asul na kalangitan, sa ilang mga lugar na natatakpan ng puti. mga ulap na halos hindi nakikita ng mata. Ang kaibahan ng maaliwalas na kalangitan at ang larangan kung saan ang mga dramatikong kaganapan ay naganap sa partisipasyon ng mga tao na nadaig ng pagkamuhi sa isa't isa na may mga mukha na binaluktot ng sakit o galit, higit pang nagbibigay-diin at nagpapatalas sa walang hanggang tema ng kawalang-kahulugan at trahedya ng digmaan para sa sangkatauhan.

At dito gumaganap ang artist bilang isang kahanga-hangang master, matatas sa sining ng pagsasama-sama ng liwanag at anino. Ang mga sinag ng liwanag, pag-agaw ng mga indibidwal na pigura at mukha ng tao mula sa kadiliman, ay ginagawang nagpapahayag, hindi kapani-paniwalang emosyonal at pabago-bago ang kabuuang komposisyon.

Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mga pintura ay ang "Labanan", na naglalarawan sa labanan sa pagitan ng mga detatsment ng mga rebelde at ng regular na hukbong Espanyol sa panahon ng pag-aalsa na pinamunuan ni T. Masaniello. Ito ay pinaniniwalaan na si Salvator Rosa ay lumahok sa pag-aalsa na ito. Ang palagay ay lumitaw dahil sa ang katunayan na ang artist mismo ay inilalarawan sa canvas, sa kaliwang sulok. Ang hula, bilang karagdagan sa visual na paghahambing, ay nakumpirma din ng inskripsyon sa sandata ng mandirigmang ito: "Saro" (Salvator Rosa).

Gayunpaman, hindi pa rin tiyak na mapagtibay ng mga art historian ang partisipasyon ni Rosa sa pag-aalsa. Ayon sa mga biographer, wala si Salvator Rosa sa Naples sa oras na ito. Siya ay nasa Florence at mula roon ay sinundan niya ang mga kakila-kilabot na pangyayaring nagaganap sa malaking lungsod. Dapat ding tandaan na ganap na ibinahagi ng artista ang mga pananaw ng mga rebelde. At para kahit papaano ay maipahayag ko ang aking saloobin sa mga kaganapan at sa mga rebelde, nagpasya akong ilarawan ang aking sarili sa isang eksena ng labanan.

Noong 1649, umalis si Salvator Rosa sa Florence at pumunta sa Roma, kung saan siya nanirahan sa Monte Pincio, na matatagpuan sa Piazza della Trinita del Monte. Mula sa mga bintana ng bahay ay may magandang tanawin ng St. Peter's Cathedral at ng Quirinal Hill. Sa tabi ng pinto ni Rose ay nakatira ang mga sikat na artista noong mga panahong iyon, sina Nicolas Poussin at Claude Lorrain, at hindi kalayuan sa bahay ng pintor ay ang Villa Medici.

Mula nang lumitaw si Salvator Rosa sa Florence, ang mga residente ng Monte Pincio Street ay nahati sa dalawang kampo. Ang isang grupo ay pinamunuan ng isang mukhang asetiko na binata, si Nicolas Poussin. Ang isa pa, na kinabibilangan ng mga sikat na musikero, mang-aawit at makata, ay pinangunahan ni Rosa.

Ginawang pagawaan ni Salvator Rosa ang isa sa mga silid ng kanyang bahay. Ang mga dingding nito ay pinalamutian ng mga orihinal na gawa ng artist. Ang master ay patuloy na nagtrabaho, na lumilikha ng mga canvases ng iba't ibang mga nilalaman: sa relihiyon, mitolohiya at makasaysayang mga tema. Ang kanyang kredo ay patuloy na trabaho, pagpapabuti ng teknolohiya. Sinabi niya sa lahat na ang "star fever" (tulad ng sasabihin ng ating mga kontemporaryo ngayon) ay maaaring sirain kahit na ang pinakamalakas at pinakamaliwanag na talento. Samakatuwid, kahit na matapos ang katanyagan at unibersal na pagkilala ay dumating sa master, kinakailangan na patuloy na magtrabaho sa sarili at sa mga gawa ng isa.

Sa huling bahagi ng kanyang trabaho, madalas na bumaling si Salvator Rosa sa mga paksang bibliya at sinaunang. Para sa artist dito ito ay lumiliko na ang pinakamahalagang ihatid ang mismong diwa ng panahong iyon at ang mga tampok nito. Ang panginoon ay nagsisikap, kumbaga, na buhayin, na buhayin ang lahat ng bagay na umiral nang matagal bago ang mga buhay na nagsilbing mapagkukunan ng mga kamangha-manghang maganda at nakapagtuturo na mga kuwento.

Ito ang medyo kilalang mga kuwadro na "Justice Descending to the Shepherds" (1651), "Odysseus and Nausicaa", "Democritus and Protagoras" (1664), "The Prodigal Son".

Ang pagpipinta na "Justice Descending to the Shepherds" ay ipininta batay sa sikat na balangkas ng "Metamorphoses" ni Ovid. Sa canvas, nakikita ng manonood ang diyosang Hustisya, na nagbibigay sa mga pastol ng espada at kaliskis ng hustisya. Ang pangunahing ideya ng pagpipinta ay maaaring tukuyin tulad ng sumusunod: ang tunay na hustisya ay posible lamang sa mga ordinaryong tao.

Ang "Odysseus at Nausicaa", "Democritus at Protagoras" ay isinulat ni Salvator Rosa pagkatapos ng pagdating mula sa Venice, kung saan nakilala niya ang mga pagpipinta ng mga pintor ng Venetian (kabilang si Paolo Veronese, kung saan ang pinakamahusay na mga tradisyon ay nilikha ang mga gawa sa itaas).

Sa pelikulang "The Prodigal Son," ang balangkas, kung ihahambing sa parabula ng Ebanghelyo, ay lumalabas na medyo pinasimple at makamundo. Kaya, ang bayani ay ipinakita bilang isang simpleng Neapolitan na magsasaka. Wala ring kahanga-hangang kapaligiran dito: ang alibughang anak ay bumaling sa Diyos na napapaligiran ng mga tupa at baka. Ang malaking sukat ng canvas na naglalarawan ng bahagyang binagong eksena ay nagdudulot ng panunuya at panunuya tungkol sa kung ano ang itinuturing na magandang panlasa sa lipunan. Lumilitaw dito si Rosa bilang kahalili ng mga ideya ng realismo, na ang pagbuo nito ay nagsisimula sa gawa ni Michelangelo da Caravaggio.

Noong 1656, nagsimulang magtrabaho si Salvator Rosa sa isang cycle na binubuo ng 72 ukit, na tinatawag na "Capricci". Ang mga larawang inilalarawan sa mga sheet na ito ay mga magsasaka, magnanakaw, tramp, sundalo. Ang ilang mga detalye ng mga ukit ay katangian ng maagang gawain ni Rosa. Iminumungkahi nito na, malamang, kasama sa cycle ang mga sketch na ginawa noong pagkabata, pati na rin sa isang paglalakbay sa Abruzzi Mountains at Calabria.

Ang mahusay na master ng pagpipinta, makata, kahanga-hangang aktor at direktor ng mga dramatikong pagtatanghal ay namatay noong 1673.

Isang kilalang kinatawan ng romantikong kilusan sa pagpipinta ng Italyano noong ika-17 siglo. naroon si Alessandro Magnasco, na nagtrabaho sa Milan at Florence. Nagpinta siya ng mga larawan at komposisyon sa mga paksang mitolohiya at relihiyon, ngunit ang kanyang mga paboritong genre ay mga tanawin at pang-araw-araw na eksena.

Ang artista ay naaakit sa mga larawan ng mga gumagala na musikero, sundalo, gypsies, at komedyante. Ang malaking interes ay ang pag-ikot ng mga kuwadro na gawa sa tema ng buhay monastic ("Nuns' Meal", "Funeral of a Monk"). Ginawang madilim na komedya ng Magnasco ang karaniwan at hindi kapansin-pansing buhay ng monasteryo. Ang mga kakaibang pigura ng mga monghe at madre ay may labis na pinahabang sukat, deformed, at ang kanilang mga kilos at pose ay labis na nagpapahayag. Ang kawalan ng laman ng kulay abong monastikong katotohanan ay binibigyang-diin ng pangkulay, na pinananatili sa madilim na kayumanggi at maberde na lilim.

Sinasakop ng landscape ang isang malaking lugar sa mga painting ng master. Inilalarawan ng artista ang madilim na mga guho, madilim na mga mangkok sa kagubatan at mga bagyo sa dagat. Ang mga kakaibang pigura ng tao ay tila natutunaw sa mga natural na elemento, na nagbibigay sa mga landscape ng kamangha-manghang hitsura ("Landscape with washerwomen"; "Mountain landscape", 1720s; "Sermon of St. Anthony of Brescia"; "Seascape", 1730s). Sa kabila ng kabalintunaan na naroroon sa mga larawan ng mga tao, na tumitingin sa mga kuwadro na gawa, ang manonood ay nakakaramdam ng pagkahabag sa mga monghe, musikero, at padyak na naninirahan sa kakaibang mundo ng pagpipinta ni Magnasco.