Walang muwang na sining (naive art) ay isa sa mga direksyon ng primitivism, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng walang muwang na pagiging simple ng pamamaraan, isang anti-akademikong diskarte sa pagpipinta, pagiging bago ng view at pagka-orihinal ng paraan ng pagpapatupad ng mga guhit. Hindi nakilala at sa una ay inuusig dahil sa kanyang "barbaric" na saloobin sa mga canon ng pagpipinta, ang walang muwang na sining sa kalaunan ay nakaligtas at kinuha ang nararapat na lugar nito sa kasaysayan ng kultura ng mundo. Ang mga gawa ng mga artista na nagtatrabaho sa genre na ito ay madalas na naglalaman ng mga pang-araw-araw na eksena na may kaugnayan sa pagkain, na, natural, ay hindi maaaring maging interesado sa aming pampakay na site.

Dapat sabihin na ang mga ugat ng genre " walang muwang na sining "bumalik sa malayo sa kalaliman ng mga siglo. Ang mga unang halimbawa ng walang muwang sining biswal ay maaaring ituring na mga rock painting na matatagpuan sa mga kuweba sa South Africa. (Kami ay sigurado na ang mga guhit ng sinaunang mangangaso ay mas malamang na nakita ng iba bilang isang menu, sa halip na pagpipinta :)).

Nang maglaon, ang mga Greeks, na natuklasan ang mga estatwa ng Scythian ng "mga babaeng bato" sa hilaga ng Black Sea, ay itinuturing din silang primitive na "barbarismo" dahil sa paglabag sa mga proporsyon ng katawan, na sa sinaunang kultura ng Greek ay nailalarawan ang pagkakaisa at kagandahan. Tandaan mo lang" gintong ratio» Polykleitos.
Gayunpaman, ang "katumpakan" ng klasikal na sining ay patuloy na napapailalim sa mga partisan na pag-atake. katutubong sining. At sa gayon, pagkatapos ng pagbagsak ng pamamahala ng Roma sa karamihan ng mga bansa sa Europa, ang pinong sining, na gumawa ng isang taktika, ay nagbago ng kurso mula sa pagiging perpekto patungo sa paghahanap para sa pagpapahayag. Ang pagka-orihinal at pagka-orihinal ng dating outcast at tagalabas, na itinuturing na walang muwang na sining, ay angkop na angkop bilang isang paraan upang makamit ang layuning ito.
Kasabay nito, hindi maaaring balewalain ng isang tao ang katotohanan na ang mga namumukod-tanging "art naive" na mga artista ay hindi kailanman makakatanggap ng pagkilala sa mundo kung ang mga European artist tulad nina Pablo Picasso, Henri Matisse, Joan Miró, Max Ernst at iba pa ay hindi naging interesado sa kanilang mga ideya at istilo. Sinuportahan nila ito rebelyon laban sa romansa ng klasiko».
Sa paghahanap ng "ikalimang elemento" ng pinong sining, sila, tulad ng mga medyebal na alchemist, ay sinubukang gumana nang hindi makatwiran na may himala at misteryo, paghahalo sa kanilang mga pagpipinta na avant-gardeism at ligaw na likas na pristineness, na lumago mula sa kailaliman ng nawawalang "primitive" mundo ng Africa, gayundin ang Central at South America.
Kilalang-kilala na pinag-aralan ni Pablo Picasso nang detalyado ang istilo ng Africa ng "primitive art", pinag-aralan ang mga tunay na maskara at eskultura na dinala mula doon upang maunawaan ang malikhaing hindi malay na simula ng "madilim na kontinente" at isama ito sa kanyang mga gawa. Na higit na tinutukoy ang kanyang signature asymmetrical style. Kahit na, gumagamit siya ng mga diskarte sa disproportion.
Ang larawan ng pioneer na Espanyol na pintor na ito ay katangi-tanging ginawa ng isang Colombian artist na tinawag na "" Picasso ng South America«.

Dating ilustrador Fernando Botero Angulo (ipinanganak 1932) ay sumikat matapos manalo ng unang premyo sa "Exhibition of Colombian Artists" noong 1959. Binuksan nito ang pinto para sa kanya sa Europa, kung saan nagsimula ang matarik na karera ng orihinal na artista at iskultor na ito, na ang gawain ay naimpluwensyahan ang maraming apologist ng walang muwang na sining. Upang makita ito, maaari mong ihambing ang kanyang mga kuwadro na gawa sa mga gawa ng ilan sa kanyang mga kontemporaryong kasamahan sa walang muwang na sining. Upang hindi makagambala sa paksang "pagkain", kunin natin ang isa sa mga paboritong paksa ni Botero - mga piknik.

Isa sa mga pinakalumang primitivist artist, ang pinuno ng Croatian naive art ay si Ivan Generalich (1914-1992). Ang kakulangan ng propesyonal na pagsasanay, pinagmulan ng magsasaka at mga tema sa kanayunan ng kanyang mga pagpipinta ay hindi naging hadlang sa kanya na magkaroon ng pagkilala sa buong Europa mula noong 1953. Lumilitaw ang buhay magsasaka sa kanyang mga gawa na parang nakikita mula sa loob, na nagbibigay sa kanila ng kamangha-manghang pagpapahayag, pagiging bago at spontaneity.

Ang larawan kung saan ang isang Croatian na lolo ay nagpapastol ng mga baka sa ilalim ng Eiffel Tower ay maaaring ituring na isang lihim na ngiti sa mga piling tao sa Paris, tingnan lamang ang larawan ng may-akda: isang katamtamang pampagana ng sausage, tinapay at mga sibuyas na inilatag sa isang dumi; isang pitaka sa sahig na tabla, nakasuot ng basag na amerikana ng tupa... Ang heneral ay hindi mapagpanggap at matalino sa buhay. Pranses na nobelista Isinulat ni Marcel Arlen ang tungkol sa kanya: “Siya ay isinilang sa lupa. Siya ay may karunungan at alindog. Hindi niya kailangan ng mga guro."

Maraming mga artista ng modernong "murang sining" ang tila hindi nakaligtas sa kagandahan ng mga gawa ng kanilang mga nauna. Ngunit, sa parehong oras, ipinakilala nila ang mga elemento ng "kultong panlipunan" na hindi alam ng mga Kanlurang Europeo sa spontaneity ng artistikong pagpapahayag na likas sa art-naive. Bilang halimbawa, narito ang ilang pandekorasyon na genre ng mga eksena ng Belarusian artist Elena Narkevich , na lumipat sa Espanya maraming taon na ang nakalilipas. Ang kanyang mga pintura ay isang balintuna na muling pagtatayo ng isang idealized na mundo, isang hindi malilimutang karaniwang nakaraan, na kilala ng lahat ng mga residente ng dating CIS. Ang mga ito ay puno ng nostalgic vibes ng naglalaho na panahon ng sosyalistang realismo na may mga amoy ng kusina, kung saan inihahanda si Olivier at ang mga maybahay ay abala sa paghihintay ng mga bisita, kung saan pinapalitan ng mga dacha ang mga country house, at ang mga picnic ay tinatawag na forays into nature.

At kahit na ang mga gawa ni Elena Narkevich ay naglalaman ng karamihan sa mga pormal na palatandaan ng genre na "naive art", tulad ng mga pagbaluktot sa mga geometric na aspeto, hindi nilinis na kulay sa mga komposisyon na plano, pinalaking proporsyon ng mga figure at iba pang mga marker ng art naive, ang mga eksperto ay nag-uuri ng mga naturang gawa bilang pseudo-naive na sining o" artipisyal na walang muwang" - kapag ang artista ay gumagawa sa paraang gayahin. (Ang isa pang tampok ng walang muwang na sining - ang sinasadyang "pagkabata" ng imahe - ay dinala sa komersyal na pagiging perpekto ng artist Evgenia Gapcinskaya ).

Sa paraang katulad ni Elena Narkevich, ang pintor, na nagmula sa Donetsk, ay nagpinta ng kanyang mga kuwadro na gawa. Angela Jerich . Napag-usapan na namin ang tungkol sa trabaho niya.

Ang panloob na mundo ng mga guhit ni Angela Jerich ay minsan ay inihahambing sa mahika ng paglalarawan ng mga karakter sa mga pelikula ni Fellini. Ang artista ay nagtagumpay sa kabalintunaan at, sa parehong oras, napaka mapagmahal na "mga paglalarawan ng isang nakalipas na panahon" ng sosyalistang realismo. Bilang karagdagan dito, si Angela ay may matikas na imahinasyon at maaaring makuha ang "magandang sandali" ng buhay tulad ni Pushkin.

Tungkol sa kanyang kasamahan sa "naive art workshop", isang artista sa Moscow Vladimir Lyubarov, sinabi rin namin sa iyo. Isang serye ng kanyang mga gawa na pinamagatang " Mga kumakain”, bagama't nakalulugod siya sa mata na may nakakain na buhay pa rin, hindi niya itinatampok ang "gastronomic reality" na ito sa sarili nitong. Ito ay isang dahilan lamang upang ipakita ang buhay ng iyong mga karakter, ang kanilang mga karakter at damdamin. . Doon mo rin makikita ang kanyang nakakatawa at makabagbag-damdamin na mga painting. (O sa kanyang personal na website www.lubarov.ru).

Kung si Lyubarov ay tumakas mula sa sibilisasyon patungo sa nayon upang ipinta ang kanyang mga larawan at makisali sa subsistence farming, kung gayon siya ay isang "naive artist" Valentin Gubarev mula sa Nizhny Novgorod lumipat sa Minsk. (Para bang makabawi sa pagkawala ni Elena Narkevich mula sa pangingibang-bansa 🙂).

Mga pintura ni Valentin Gubarev, na may hindi kapani-paniwalang kaakit-akit na kapangyarihan at kagandahan. Kahit na ang mga taong malayo sa sining ay tumutugon sa kanila nang emosyonal at positibo. Ang kanyang mga gawa ay naglalaman ng isang tiyak na pagiging simple at kabalintunaan, kalokohan at kalungkutan, malalim na pilosopiya at katatawanan. Sa kanyang mga painting ay marami mga karakter, mga detalye at bagay, tulad ng sa balkonahe ng isang limang palapag na gusali ng panel, na puno ng mga ari-arian ng ilang henerasyon ng mga residente. Ngunit, tulad ng tumpak na napapansin ng mga connoisseurs ng kanyang mga pagpipinta: "maraming lahat, ngunit walang labis." Para sa kanyang pagkahilig sa mga pinong detalyadong pagpipinta, tinawag siyang " Belarusian Bruegel" Ihambing para sa iyong sarili - sa kaliwa ay Bruegel sa orihinal, at sa kanan ay isa sa daan-daang katulad na mga pagpipinta ni Gubarev. (Sa pamamagitan ng paraan, gamit ang mga miniature na napakatalino, inilarawan ni Bruegel ang 118 kawikaan mula sa Scandinavian folklore sa kanyang pagpipinta).

Sa pangkalahatan, ang paglitaw ng primitivism ay sanhi, sa isang banda, sa pamamagitan ng pagtanggi sa modernong urbanisadong buhay at pagtaas ng sikat na kultura, at sa kabilang banda, isang hamon sa sopistikadong piling sining. Ang mga primitivist ay naghangad na mapalapit sa kadalisayan, emosyonalidad at walang ulap na kalinawan ng kamalayan ng mga tao o mga bata. Ang mga trend na ito ay nakaapekto sa maraming artist sa Europe, America at Russia.

Imposibleng hindi banggitin ang isang maliwanag na kinatawan ng sining ng walang muwang at primitivism sa pagliko ng XIX-XX mga siglo, Pranses na artista Henri Rousseau . Ang kanyang mga kuwadro ay karaniwang mahirap ilarawan sa mga salita dahil sa kaguluhan ng imahinasyon at hindi maihahambing na paraan ng pagguhit. Nagsimula siyang makisali sa pagpipinta sa pagtanda, nang hindi nagkakaroon ng naaangkop na edukasyon. Madalas akong gumuhit ng mga kakaibang gubat na hindi ko pa nakikita sa aking buhay. Hindi pinapansin ang maraming paninisi na "kahit isang bata ay maaaring gumuhit ng ganoon," si Rousseau ay sumunod sa landas ng kanyang tungkulin. Bilang isang resulta, ang kanyang pagpupursige ay naging Archimedean lever na nagpabaligtad sa mundo ng fine art: kinilala ang henyo ni Henri Rousseau, at isang bagong henerasyon ng mga artista ang kumuha ng baton mula sa kanya.

Ang mga katangian ng primitivism ay likas din sa mga gawa ng dakila Pranses na pintor, Paul Gauguin At Henri Matisse. Tingnan lamang ang "Tahitian Women with Mangoes" ni Gauguin o ang mabagyong "Joy of Life" ni Matisse: isang pagpasok sa kalikasan sa puspusan. (Ito ay hindi para sa wala na Matisse ay isang Fauvist).

Ang Russia ay may sariling mga grupo ng mga tagasunod ng walang muwang na istilo ng sining. Kabilang sa mga ito ang mga miyembro ng mga malikhaing komunidad na "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov), "Donkey's Tail" (M. F. Larionov, N. S. Goncharova, M. Z. Chagall) at iba pa.

Ang isa sa mga henyo ng primitivism ay nararapat Niko Pirosmani . Ang self-taught na artist na ito mula sa isang maliit na nayon sa Georgia ay kumikita ng kaunti sa pagbebenta ng gatas. Madalas niyang iregalo ang kanyang mga painting sa mga bumibili o ibinibigay sa mga reseller sa pag-asang kumita ng pera. Maligayang kapistahan, mga eksena buhay magsasaka, kalikasan - ito ang mga tema na nagbigay inspirasyon kay Pirosmani. Ang lahat ng mga piknik at pista opisyal sa kanyang mga kuwadro na gawa ay may katangian pambansang katangian. Ang kalungkutan at pagkalito ng isang henyong artista sa pagmamadali at pagmamadali ng urban philistinism ay nagiging pilosopikal na pagmumuni-muni sa kanyang mga canvases tungkol sa lugar ng tao (at mga buhay na nilalang sa pangkalahatan) sa mundo, at ang kanyang mga kapistahan at kapistahan ay nagsasalita ng mga sandali ng kagalakan sa pag-iral sa lupa.

Maaari tayong magpatuloy sa pagbibigay ng mga halimbawa, ngunit kahit na mula sa isang maliit na iskursiyon ang multikultural na kababalaghan ng walang muwang na sining ay nagiging halata. Ito ay maaaring kumpirmahin ng daan-daang museo at gallery kung saan naka-imbak ang mga painting ng mga "naive artist". O ang mga benta ng walang muwang na mga gawang sining ay umaabot sa daan-daang milyong dolyar.

Ang genre ng primitivism ay naging matatag at madaling ibagay, tulad ng lahat ng pinakasimpleng bagay sa kalikasan. Ang walang muwang na sining ay binuo hindi salamat sa mga akademikong "artipisyal" na agham (ang mga sining-naive na artista ay madalas na walang edukasyon), ngunit sa kabila nito, dahil ang kapaligiran para sa pagsilang at tirahan ng walang muwang na sining ay malalim na natural na mga phenomena, hindi naa-access ng mga siyentipiko at kritiko. , kung saan naghahari ang makapangyarihang henyo ng Tao.

Sa kaso ng mga gawa ng genre walang muwang na sining, lubos kaming sumasang-ayon sa pagpapahayag ni Louis Aragon: “ Ito ay walang muwang na isaalang-alang ang mga kuwadro na ito.»

Marahil ay nakita mo na ang mga painting ng mga artistang ito. Para silang iginuhit ng isang bata. Sa katunayan, ang kanilang mga may-akda ay nasa hustong gulang - hindi lamang mga propesyonal. Sa pagpipinta, ang walang muwang na sining ay nagmula sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Sa una ay hindi ito sineseryoso, at hindi itinuturing na sining. Ngunit sa paglipas ng panahon, ang saloobin sa istilong ito ay nagbago nang malaki.

Kilalanin ang "walang muwang"

Kaya, ano ang karaniwang tinatawag na walang muwang na sining? Sa pagpipinta, ang terminong ito ay tumutukoy sa isang espesyal na istilo ng artistikong, ang pagkamalikhain ng mga katutubong artista at mga taong nagtuturo sa sarili, na pinapanatili ang pagiging bago at spontaneity na parang bata sa pagtingin sa mundo sa kanilang paligid. Ang kahulugan na ito ay ibinigay ng Encyclopedia of Arts. Gayunpaman, naroroon din ito sa iskultura, arkitektura, at mga graphic.

Ang walang muwang na sining (o "naive", gaya ng madalas na tawag dito) ay hindi isang bagong direksyon. Noong ika-17 siglo sa Europa, nilikha ng mga hindi propesyonal na artista ang kanilang "primitive" na mga obra maestra. Gayunpaman, walang sinuman ang seryosong isinasaalang-alang ang mga kuwadro na ito. Ang walang muwang na sining ay lumitaw bilang isang independiyenteng artistikong istilo lamang sa simula ng ikadalawampu siglo.

Ang mga ugat ng "walang muwang" ay karaniwang hinahanap sa pagpipinta ng icon. Malamang na nakakita ka na ng gayong mga icon sa ilang rural na simbahang panlalawigan: ang mga ito ay hindi katimbang, primitive, hindi mahalata, ngunit hindi kapani-paniwalang taos-puso. Ang mga tampok ng walang muwang na sining ay maaari ding matagpuan sa tinatawag na mga figure - sculptural images sa mga relihiyosong tema. Nakaugalian na mag-install ng gayong mga estatwa malapit sa mga simbahang Katoliko (tingnan ang larawan).

Pareho ba ang walang muwang na sining at primitivism? Ang mga kritiko ng sining ay may tatlong magkakaibang opinyon sa bagay na ito:

1. Oo, ito ay magkaparehong mga konsepto.
2. Ang walang muwang na sining ay isa sa mga direksyon ng primitivism.
3. Ito ay iba't ibang mga konsepto. Kung ang "walang muwang" ay ang pagkamalikhain ng mga hindi propesyonal at mga baguhan, kung gayon ang primitivism ay ang pinasimple, inilarawang pagkamalikhain ng mga propesyonal na manggagawa.

Mga pangunahing tampok ng estilo

Ang walang muwang na sining ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa masining na kultura ng maraming mga bansa at mga tao. Subukan nating i-highlight ang pinakamahalagang katangian nito artistikong istilo. Una sa lahat, kabilang dito ang:

• kakulangan ng propesyonal (akademikong) kasanayan sa pagguhit;
• liwanag ng mga kulay at mga imahe;
• kawalan linear na pananaw;
• flatness ng imahe;
• pinasimple na ritmo;
• malinaw na tinukoy na mga contour ng mga bagay;
• pangkalahatan ng mga anyo;
• pagiging simple ng mga teknikal na pamamaraan.

Kapansin-pansin na ang mga gawa ng walang muwang na sining ay magkakaiba sa kanilang indibidwal na istilo. Gayunpaman, halos lahat sa kanila ay maasahin sa mabuti at nagpapatibay sa buhay sa espiritu.

Heograpiya ng walang muwang na sining

Ang karamihan sa mga sikat na artista ay mga ordinaryong tao na naninirahan sa mga nayon o maliliit na bayan. Bilang isang tuntunin, kumikita sila ng kanilang pamumuhay sa pamamagitan ng pisikal na paggawa, at lumilikha sa kanilang libreng oras. Kadalasan ang hilig sa pagguhit ay gumising sa pagtanda o katandaan.

Ang walang muwang na sining ay nagmula sa France, ngunit pagkatapos ay nakakuha ng hindi pa naganap na katanyagan sa ibang bansa - sa USA. Nasa huli XIX mga siglo, ang mga kuwadro na gawa ng mga naivista sa bansang ito ay nakolekta para sa museo at pribadong koleksyon. Sa Russia, ang direksyon na ito ay nagsimulang umunlad nang seryoso lamang noong 80-90s ng huling siglo.

Kung pinag-uusapan ang walang muwang na sining, hindi mabibigo ang isa na banggitin ang tinatawag na Khlebin School. Ito ay isang karaniwang pangalan para sa ilang henerasyon ng mga artistang magsasaka mula sa nayon ng Hlebine, sa hilagang Croatia. Sa pinagmulan ng paaralang Hlebinsky (Podravsky) ay nakatayo, kakaiba, ang akademikong artista na si Krsto Hegedusic (1901-1975). Naperpekto ng mga masters nito ang pamamaraan ng pagpipinta sa salamin. Ang pagpipinta ng Khlebinsky ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga motif mula sa pang-araw-araw na buhay. buhay nayon.

Ang mga pangunahing museo ng "Naiva"

"Ang walang muwang ay isang estado ng pag-iisip" (Alexander Fomin).

Sa lahat ng museo ng walang muwang na sining sa mundo, tatlo ang nararapat na espesyal na banggitin: Paris, Moscow at Zagreb.

Mula noong 1985, sa paanan ng burol ng Montmarte, sa gusali ng isang dating merkado ng tela, ang Paris Museum of Primitivism ay tumatakbo. Utang nito ang paglitaw at pag-iral nito sa Pranses na publisher na si Max Fourny. Salamat sa mga pagsisikap ng huli, ang core ng kasalukuyang koleksyon ay binuo, na ngayon ay may bilang ng higit sa 600 mga kuwadro na gawa.

Ang Moscow Museum of Naive Art ay umiral mula noong 1998. Ito ay matatagpuan sa isang lumang batong mansyon sa address: Soyuzny Avenue, 15 a. Ngayon ang museo ay may mga 1,500 na gawa. Dahil may maliit na espasyo sa maliit na gusali, ang mga eksibisyon ay nagbabago halos buwan-buwan.

Ang kabisera ng Croatian, ang Zagreb, ay mayroon ding sariling museo ng walang muwang at primitivism. Ito ay matatagpuan sa Upper Town, sa Mark's Square. Itinatampok sa mga eksibisyon nito ang mga gawa ng dalawampung Croatian artist, lalo na sina Ivan Generalić at Ivan Rabuzin.

Ang isa pang natatanging halimbawa ng "naiva" ay matatagpuan sa hilagang Romania. Ito ang tinaguriang “Merry Cemetery” sa nayon ng Sepyntsa. Dito makikita ang daan-daang makukulay na lapida na may mga tekstong patula at orihinal na mga guhit.

Walang muwang na sining: mga kuwadro na gawa at mga artista

Sa heograpiya, ang tatlong rehiyon ay maaaring makilala sa pagbuo ng "walang muwang" at primitivism: ang USA, Kanlurang Europa at ang Balkan. Karamihan mga sikat na kinatawan walang muwang na sining sa pagpipinta - mga artista ng ikalawang kalahati ng ika-19 - ika-20 siglo, kabilang ang:

• Henri Rousseau (France).
• Ivan Lackovic-Kroata (Croatia).
• Ivan Rabuzin (Croatia).
• Maria Primachenko (Ukraine).
• Lola Moses (USA).
• Norval Morisseau (Canada).
• Ekaterina Medvedeva (Russia).
• Valery Eremenko (Russia).
• Mihai Dascalu (Romania).
• Para sa kapakanan ng Nedelchev (Bulgaria).
• Stacey Lovejoy (USA).
• Sasha Putrya (Ukraine).

Tingnan natin ang gawain ng mga nabanggit na naive masters.

Ang nagtatag ng walang muwang na sining sa pagpipinta ay itinuturing na si Henri Rousseau, isang empleyado ng customs na, pagkatapos ng pagreretiro, nagpasya na italaga ang kanyang sarili sa sining. Pinalamutian niya ang kanyang mga canvases ng mga malamya na pigura ng tao at mga nakakatawang hayop, nang hindi partikular na nababahala tungkol sa pananaw. Ang unang nagpahalaga sa gawa ni Rousseau ay ang kanyang kontemporaryong Picasso. At si Paul Gauguin, nang makita ang mga pintura ni Henri, ay bumulalas: "Ito ang katotohanan at ang hinaharap, ito ang tunay na pagpipinta!»

Ivan Lackovich-Croata

Si Lackovic-Croata ay isa sa mga estudyante ni Hegedusic. Bukod sa pagpipinta, kasali rin siya sa panlipunan at aktibidad sa pulitika, naging aktibong bahagi sa pakikibaka ng Croatia para sa kasarinlan noong unang bahagi ng dekada 90, at dalawang beses na nahalal bilang kinatawan sa parliyamento ng Croatian. Sa kanyang mga canvases, madalas na inilalarawan ni Ivan Lackovich ang mga still life, mga eksena mula sa buhay nayon, at mga detalyadong landscape.

Si Ivan Rabuzin ay isa pang Croatian artist, at isa pang kilalang kinatawan ng musmos na sining sa pagpipinta. Ang kanyang mga pintura ay madalas na tinatawag na makalangit. Ang kritiko ng sining na si Anatoly Yakovsky ay iginawad kay Rabuzin mismo ang pamagat ng "pinakamahusay walang muwang na artista sa lahat ng panahon at mga tao." Ang mga tanawin ni Ivan Rabuzin ay naglalaman ng kadalisayan, kagandahan ng extraterrestrial at pagkakaisa. Halos lahat ng kanyang mga painting ay pinalamutian ng kakaibang mga puno at kamangha-manghang mga bulaklak. Bukod dito, ang lahat ng mga bagay sa mga canvases ni Rabuzin, maging mga burol, kagubatan o ulap, ay may posibilidad na magkaroon ng ilang uri ng sphericity.

Maria Primachenko

Ang napakatalino na Ukrainian artist na si Maria Primachenko ay ipinanganak at nanirahan sa buong buhay niya sa maliit na nayon ng Bolotnya malapit sa Kiev. Nagsimula siyang gumuhit sa edad na 17, nagpinta ng mga bahay ng mga kapitbahay. Napansin ang talento ni Maria noong late 30s. Ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa Paris, Montreal, Prague, Warsaw at iba pang mga lungsod. Sa buong buhay niya, ang artista ay lumikha ng hindi bababa sa 650 mga kuwadro na gawa. Ang batayan ng pagkamalikhain ni Maria Primachenko ay mga mahiwagang bulaklak at hindi totoong mga hayop na inimbento niya.

Moses Anna Mary

Si Lola Moses ay isang sikat na Amerikanong artista, isang kinikilalang internasyonal na icon ng walang muwang na sining. Nabuhay siya ng 101 taon, nag-iwan ng daan-daang maliwanag, makulay at masasayang mga painting. Ang kakaiba ni Lola Moses ay nagsimula siyang gumuhit sa edad na 76. Ang artista ay naging sikat lamang noong huling bahagi ng 1930s, nang aksidenteng nakita ng isang kilalang kolektor mula sa New York ang isa sa kanyang mga guhit sa isang window ng parmasya.

Ang mga pangunahing paksa sa mga pintura ni Anna Mary Moses ay mga pastoral sa kanayunan, araw-araw na mga eksena mula sa buhay ng mga magsasaka, at mga tanawin ng taglamig. Isa sa mga kritiko ang pinakasimpleng inilarawan ang gawa ng artist sa sumusunod na parirala:

"Ang apela ng kanyang mga kuwadro na gawa ay ang mga ito ay naglalarawan ng isang pamumuhay na gustong paniwalaan ng mga Amerikano na umiiral ngunit hindi na umiiral."

Norval Morisseau

Si Norval Morisseau ay isang Canadian primitive artist na may lahing Indian. Ipinanganak sa tribong Ojibwa malapit sa Ontario. Sumulat siya tungkol sa kanyang sarili: "Ako ay likas na artista. Lumaki ako sa mga kwento at alamat ng aking mga tao - at ipininta ko ang mga alamat na ito." At iyon, sa pangkalahatan, ay nagsasabi ng lahat.

Isang kawili-wiling katotohanan mula sa talambuhay ng artista: noong 1972, sa panahon ng sunog sa isang hotel sa Vancouver, si Norval Morisseau ay nakatanggap ng malubhang pagkasunog. Sa sandaling iyon, ayon mismo kay Norval, nagpakita sa kanya si Hesukristo. Kasunod nito, siya ay naging isang bagong gabay na bituin para sa kanya sa kanyang trabaho. Ang artist ay nagsimulang aktibong gumuhit ng mga karakter sa Bibliya, kamangha-mangha na hinabi ang mga ito sa tela ng tradisyonal na mga motif ng India.

Ekaterina Medvedeva

Si Ekaterina Medvedeva ay isang self-taught artist na nagmula sa nayon ng Golubino, rehiyon ng Belgorod, isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng modernong "naive" ng Russia. Una niyang kinuha ang isang brush noong 1976, at noong unang bahagi ng 80s, ang mga tala tungkol sa isang "bagong talento ng katutubong" ay nagsimulang lumitaw sa Moscow press. Sa oras na iyon, nagtrabaho si Katya Medvedeva bilang isang ordinaryong nars sa isang nursing home. Noong 1984, ang mga gawa ng artist ay nagpunta sa isang eksibisyon sa Nice, kung saan lumikha sila ng isang tunay na sensasyon.

Valery Eremenko

Ang isa pang mahuhusay na primitivist artist mula sa Russia ay si Valery Eremenko. Ipinanganak sa Semipalatinsk (Kazakhstan), nag-aral sa Tashkent, ngayon ay nakatira at nagtatrabaho sa Kaluga. Ang artist ay may higit sa isang dosenang iba't ibang mga eksibisyon sa kanyang pangalan; ang kanyang mga gawa ay ipinakita sa Kaluga Museum of Fine Arts, ang Moscow Museum of Naive Art, at naka-imbak din sa maraming pribadong koleksyon. Ang mga pintura ni Valery Eremenko ay maliwanag, tumbalik at hindi kapani-paniwalang masigla.

Mihai Dascalu

Lifelike, simple-minded at napaka-makatas na mga paksa - ito ang mga pangunahing tampok sa gawain ng Romanian naive artist na si Mihai Dascalu. Ang mga pangunahing tauhan ng kanyang mga pagpipinta ay mga tao. Dito sila sumasayaw, kumakanta, naglalaro ng baraha, pumitas ng kabute, nag-aaway at umiibig... Sa pangkalahatan, namumuhay sila ng buong makamundong buhay. Sa pamamagitan ng kanyang mga canvases, tila sinusubukan ng artist na ito na ihatid sa amin ang isang kaisipan: ang lahat ng kagandahan ay nasa buhay mismo.

Ang mga puno ay pinagkalooban ng espesyal na simbolismo sa mga gawa ni Mihai Dascalu. Naroroon sila sa halos lahat ng kanyang mga painting. Alinman sa anyo ng pangunahing mga numero ng balangkas, o bilang isang background. Ang puno sa gawa ni Daskalu, sa katunayan, ay sumisimbolo buhay ng tao.

Para sa kapakanan ni Nedelchev

Ang pangunahing bagay sa gawain ng Bulgarian artist na si Radi Nedelchev ay ang kalsada. Alinman ito ay isang ordinaryong rural na dumi na kalsada na tinutubuan ng knotweed, o ang batong simento ng isang sinaunang lungsod, o isang halos hindi kapansin-pansing landas kung saan ang mga mangangaso ay pumunta sa mala-niyebe na distansya.

Para sa kapakanan ni Nedelchev, siya ay isang pangkalahatang kinikilalang master sa mundo ng walang muwang na sining. Ang kanyang mga pagpipinta ay malawak na kilala sa kabila ng mga hangganan ng katamtamang Bulgaria. Nag-aral si Nedelchev sa isang paaralan ng pagpipinta sa lungsod ng Ruse, at pagkatapos ay nagpunta sa Switzerland para sa pagkilala sa Europa, kung saan ginugol niya ang kanyang personal na eksibisyon. Para sa kapakanan ni Nedelchev, siya ang naging unang Bulgarian artist na ang mga kuwadro ay natapos sa Paris Museum of Primitive Art. Ang mga gawa ng may-akda ay bumisita sa dose-dosenang mga pangunahing lungsod sa Europa at sa mundo.

Stacey Lovejoy

Ang kontemporaryong Amerikanong artista na si Stacey Lovejoy ay nakakuha ng pagkilala para sa kanyang natatanging istilo, kung saan ang mga tampok ng "naive", abstractionism at futurism ay pinaghalo sa isang maliwanag at nakamamanghang cocktail. Ang lahat ng kanyang trabaho ay, sa katunayan, isang pagmuni-muni tunay na mundo sa ilang abstract na salamin.

Sasha Putrya

Si Alexandra Putrya ay isang natatanging artista mula sa Poltava. Nagsimula siyang gumuhit sa edad na tatlo, na parang inaasahan ang kanyang maagang pagkamatay. Namatay si Sasha sa edad na labing-isang mula sa leukemia, nag-iwan ng 46 na album na may mga lapis at mga guhit ng watercolor, sketch, cartoons. Ang kanyang maraming mga gawa ay nagtatampok ng mga anthropomorphic na hayop, mga tauhan sa fairy tale, pati na rin ang mga bayani ng sikat Mga pelikulang Indian.

Sa wakas…

Ang sining na ito ay karaniwang tinatawag na walang muwang. Ngunit kung maingat mong pag-aralan ang mga gawa ng mga kilalang kinatawan ng istilo, isang lohikal na tanong ang lumitaw: ang kanilang mga may-akda ba ay walang muwang? Pagkatapos ng lahat, ang "walang muwang" sa kasong ito ay hindi nangangahulugang "hangal" o "mangmang." Ang mga artistang ito ay hindi lang alam kung paano, at ayaw nilang magpinta ayon sa karaniwang tinatanggap na mga canon. Inilalarawan nila ang mundo ayon sa kanilang nararamdaman. Dito nakasalalay ang lahat ng kagandahan at halaga ng kanilang mga ipininta.

Nakaupo ako sa isang cafe. Isang matandang babae ang nakaupo sa aking mesa - malinaw na wala siyang gaanong kita. Kumuha siya ng A3 sheet at karbon. “Gusto mo bang iguhit kita?” Hindi ako sumasang-ayon, ngunit hindi rin ako tumatanggi - ito ay kawili-wili. Bumubulong ng kung ano-ano, literal na iginuhit ng babae ang aking larawan sa loob ng 5 minuto at inalok akong kunin ito - siyempre, hindi libre. Makalipas ang ilang minuto, naglalakad na ako papunta sa subway, hawak-hawak ko ang isang sheet ng papel na may napaka primitive na imahe ko. Nagbayad ako ng limampung rubles para dito.

Ang babaeng ito ang nagpaalala sa akin ng walang muwang na sining. Ang Encyclopedia of Art ay nagbibigay ng sumusunod na kahulugan ng genre na ito: "tradisyonal na sining ng mga katutubong craftsmen, pati na rin ang mga self-taught na artist, pinapanatili ang pagiging bago at spontaneity ng paningin ng mundo". Marahil ay nakatagpo ka ng mga kuwadro na ito - simple, taos-puso, tila sila ay ipininta ng isang bata, ngunit sa katunayan ang may-akda ay pag-aari ng isang may sapat na gulang. Kadalasan ang mga ito ay kahit na mga matatanda. Mayroon silang sariling propesyon - nagtatrabaho, bilang isang patakaran. Nakatira sila sa mga nayon at pumapasok sa trabaho araw-araw. Ang walang muwang na sining ay isang medyo lumang kilusan. Noong ika-17 siglo, ang mga di-propesyonal na artista ay lumikha ng kanilang sariling "walang awa na makatotohanan" na mga larawan, at noong ika-20 siglo, ang walang muwang na sining ay lumitaw bilang isang hiwalay na direksyon, malaya sa mga tuntunin at pamantayang pang-akademiko.

Ang ninuno ng walang muwang na pagpipinta ay itinuturing na iconography. Kapag nakita mo ang gayong mga icon, malamang na madali mong makilala ang mga ito mula sa mga tradisyonal. Ang mga ito ay hindi katimbang, primitive, na parang palpak pa. Ang lahat ng mga katangiang ito ay maaaring ilapat sa anumang pagpipinta ng walang muwang na sining, hindi lamang sa mga icon.

Isa sa mga pinaka-kilalang kinatawan ng walang muwang -. Siya rin ay itinuturing na tagapagtatag ng walang muwang na sining. Isinulat ni Rousseau ang kanyang unang trabaho sa edad na 42 - nagtrabaho siya bilang isang opisyal ng customs, at nagsimulang magsulat lamang noong siya ay nagretiro. Ang mga artistang ito ay walang oras upang maging malikhain nang propesyonal, at ayaw nila. Minsan lang naman libreng oras iginuhit nila ang kanilang nakikita. "Pamili ng mansanas", "Threshing", "Stormy river", "White canvases" - ito ang mga pangalan ng mga kuwadro na gawa ng mga musmos na artista.

Ang gawain ni Rousseau ay madalas na kinutya at malupit na pinupuna, lalo na noong una. At ang artist ay nakakuha ng malawak na katanyagan pagkatapos na dalhin si Camille Pissarro sa isa sa kanyang mga kuwadro na gawa - nais nilang pasayahin siya, at ang master ay nagsimulang humanga sa estilo ng artist at purihin ang pagpipinta. Ito ay "Carnival Evening", 1886.

Ang mga detalye ng tanawin ay masyadong maingat na iginuhit, at ang pagtatayo ng mga plano ay nagpasaya sa madla, ngunit ito mismo ang ikinatuwa ni Pissaro.

Ang isa pa, hindi gaanong sikat na walang muwang na artista ay ang Georgian na si Niko Pirosmani. Sa simula ng ikadalawampu siglo, nang magsimulang aktibong makisali si Pirosmani sa sining, nagpinta siya ng mga gawang bahay na pintura sa mga oilcloth - puti o itim. Kung saan kinakailangan na ilarawan ang mga kulay na ito, iniwan lamang ng artist ang mga oilcloth na hindi pininturahan - at ito ay kung paano niya binuo ang isa sa kanyang mga pangunahing pamamaraan.

Gustung-gusto ni Pirosmani na ilarawan ang mga hayop, at sinabi ng kanyang mga kaibigan na sa mga hayop na ito ay iginuhit niya ang kanyang sarili. At sa katunayan, ang "mga mukha" ng lahat ng mga hayop ng Pirosmani ay may kaunting pagkakahawig sa mga totoong mukha ng hayop, at lahat sila ay may parehong hitsura: malungkot at walang pagtatanggol, maging "Giraffe" (1905) o "Bear on a Moonlit Night" (1905). ).

Namatay si Niko Pirosmani sa walang tirahan na kahirapan dahil sa gutom at kawalan. At ito sa kabila ng katotohanan na paminsan-minsan ay mayroon siyang trabaho sa pagdidisenyo ng mga palatandaan para sa mga pampublikong catering establishments.

Karamihan sa mga kinatawan ay walang muwang sa kanilang masining na pagkamalikhain at huwag kumita ng anumang pera, na nag-iiwan sa pinakamainam na ilang oras sa isang araw para dito, bilang isang libangan. Hindi ka nito gagawing propesyon - ito ang dahilan kung bakit ang mga walang muwang na artista ay isang hiwalay na kasta. Ito ay napaka-tapat na sining, mula sa kaibuturan ng aking puso - walang presyon ng mga order sa artist, walang pag-asa sa pananalapi sa pagkamalikhain. Siya ay gumuhit lamang dahil mahal niya ito - ang pag-aani, at mga ritwal sa paggawa ng mga posporo, at ang kanyang katutubong ilog sa kagubatan. Siya ay nagmamahal at nagpupuri sa abot ng kanyang makakaya.

Magagawa ito ng Romanian naive artist sa napakaespesyal na paraan. Ang kanyang mga gawa ay katulad ng mga guhit mula sa mga aklat ng mga bata - ang mga ito ay makulay, mabait at hindi kapani-paniwala. Naiiba si Daskalu sa maraming artista ng walang muwang na sining dahil inilalarawan niya ang mga paksang pantasya kaysa sa pang-araw-araw na paksa. mga sitwasyon sa buhay. May isang bahay na gawa sa isang sapatos, at mga Lilliputians na may mga higante, at lumilipad na mga unicorn. Kasabay nito, ang kanyang mga pagpipinta ay hindi tumitigil sa pagiging simple - kapwa sa anyo at nilalaman. Sa pagtingin sa kanila, gusto mong muling basahin ang iyong mga paboritong fairy tale at mangarap ng kaunti.

Kasama sa walang muwang ang pagkamalikhain sa sarili at sining ng amateur. Ang "walang muwang" ay hindi nangangahulugang "tanga" o "makitid ang pag-iisip." Ito ay sa halip isang kaibahan sa propesyonal na sining. Ang mga artista ng walang muwang na sining ay walang mga propesyonal na kasanayan sa sining. Ito ang kanilang pagkakaiba sa mga artista ng primitivism: yaong mga, bilang mga propesyonal, ay nag-istilo sa kanilang mga gawa bilang "inept" at simple. At ang pinakamahalaga, ang mga walang muwang na artista ay hindi nagsusumikap na magpinta ayon sa mga canon, nang propesyonal. Ayaw nilang paunlarin ang kanilang sining at gawin itong kanilang propesyon. Ang mga walang muwang na artista ay nagpinta ng mundo hindi sa kanilang itinuturo, ngunit sa kanilang nararamdaman.

Sa una ay tila sa akin na ang walang muwang na sining ay parang ditties. Tuwang-tuwa ako sa paghahambing na ito - naging napakakulay at maliwanag. Ngunit pagkatapos kong malaman ito, napagtanto ko na mali ako. Napakagaan ng walang muwang na sining, ngunit "seryoso sa cast-iron." Sa loob nito, hindi tulad ng mga caustic ditties, walang katatawanan, katarantaduhan, o karikatura - bagaman sa unang sulyap ay tila ganap na naiiba. Sa kawalang-muwang, ang may-akda ay laging may masigasig na pang-unawa sa kanyang inilalarawan. At kung saan walang kasiyahan, walang walang muwang na sining - hindi nila ipinapakita ang mga lugar na ito ng buhay. Ang kawalang muwang ay taos-pusong paghanga.

Mayroong Museo ng Naive Art sa Moscow - ang mga manggagawa nito ay nagsasagawa ng seryosong gawain sa pagkolekta ng mga exhibit at nakikipag-usap sa mga may-akda. Ngayon ang museo ay may humigit-kumulang 1,500 na gawa, ngunit walang gaanong espasyo para sa pagpapakita, kaya ang mga eksibisyon ay nagbabago halos bawat buwan.

Hindi sasabihin ng tekstong ito ang lahat tungkol sa mga artista ng walang muwang na sining, ngunit hayaan itong maging interesado at magbigay ng inspirasyon sa iyo na pumunta sa museo o tingnan ang mga walang muwang na larawang ito sa isang search engine. Ang mga adult na artist-dreamers na ito ay nararapat sa simpleng atensyon - kahit na walang paghanga at pagkilala sa mundo, ngunit subukan nating kilalanin sila.

"Ang pagnanais na magpinta ay ipinanganak sa akin mga pintura ng langis. Hindi ko pa sila pininturahan noon: at pagkatapos ay nagpasya akong mag-eksperimento sa kanila at gumuhit ng isang larawan ng aking sarili sa canvas," isinulat ng maharlikang Tula na si Andrei Bolotov sa kanyang talaarawan noong taglagas ng 1763. Mahigit dalawa't kalahating siglo na ang lumipas, at ang "paghanap ng pagpipinta" ay patuloy na nagtagumpay sa ating mga kontemporaryo. Ang mga taong hindi pa nakapulot ng lapis at brush ay biglang dinaig ng hindi mapaglabanan na pagkahilig sa sining.

Ang paglitaw ng isang bagong direksyon

Walang muwang na sining XX - simula ng XXI Ang siglo ay kapansin-pansing naiiba sa pagiging primitive ng mga nakaraang siglo. Ang mga dahilan para dito, kakaiba, ay nakasalalay sa pag-unlad ng "pang-agham" na sining. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang mga nangungunang European masters ay lubos na nakakaalam ng "pagkapagod" ng kanilang kontemporaryong kultura. Hinahangad nilang makamit sigla mula sa isang ganid, primitive na mundo na umiral sa nakaraan o nananatili pa rin sa malalayong sulok ng planeta. Si Paul Gauguin ay isa sa mga unang sumunod sa landas na ito. Ang pagtanggi sa mga pakinabang ng hulma na sibilisasyong European, sinubukan ng artista na itumbas ang "primitive" na buhay sa "primitive" na pagkamalikhain, nais na pakiramdam na parang isang tao na may dugo ng isang ganid na dumadaloy sa kanyang mga ugat. "Dito, malapit sa aking kubo, sa kumpletong katahimikan, nangangarap ako ng malago na pagkakatugma sa mga nakalalasing na amoy ng kalikasan," isinulat ni Gauguin tungkol sa kanyang pananatili sa Tahiti.

Maraming mga masters ng simula ng huling siglo ang dumaan sa isang pagkahumaling sa primitive: Nakolekta ni Henri Matisse ang eskultura ng Africa, nakuha ni Pablo Picasso at nag-hang sa isang kilalang lugar sa kanyang studio ng isang larawan ni Henri Rousseau, Mikhail Larionov sa eksibisyon na "Target" ay nagpakita ang mga pampublikong craft sign, gawa ni Niko Pirosmanashvili at mga guhit ng mga bata.

Mula noong 1910s, nagkaroon ng pagkakataon ang mga primitive artist na ipakita ang kanilang mga gawa kasama ng mga gawa ng mga propesyonal na artista. Bilang isang resulta, isang dramatikong pagbabago ang naganap sa primitive: natanto nito ang sarili nitong artistikong halaga at tumigil na maging isang phenomenon ng peripheral na kultura. Ang pagiging simple ng primitive ay nagiging higit at higit na haka-haka. Di-nagtagal bago siya namatay, inamin ni Rousseau: "Napanatili ko ang aking kawalang-muwang... Ngayon ay hindi ko na mababago ang aking istilo ng pagsulat, na nakuha sa pamamagitan ng pagsusumikap."

Sa sandaling ito, ang walang muwang na sining ay lumalabas bilang isang espesyal na artistikong kababalaghan, naiiba sa primitive na sining. Kadalasan ang gawain ng mga walang muwang na artista ay tinukoy bilang hindi propesyonal na sining, na itinatampok ang kakulangan ng akademikong pagsasanay sa sining. Ngunit ito ay malinaw na hindi sapat upang maunawaan ang pagkakaiba nito mula sa amateurism at handicraft. Inilipat ng "walang muwang" ang diin mula sa resulta patungo sa mga panloob na dahilan. Ito ay hindi lamang "hindi pinag-aralan", kundi pati na rin ang "simple-minded", "unsophisticated" - isang direktang, walang pagkakaiba, hindi reflective na kahulugan ng katotohanan.

Mga natatanging tampok

Ang self-taught artist, sa paghahanap ng self-expression, ay hindi sinasadya na lumiliko sa mga anyo ng pagkamalikhain ng mga bata - sa mga contour, flattened space, decorativeness bilang pangunahing elemento ng bagong mundo na kanyang nilikha. Ang isang may sapat na gulang ay hindi maaaring gumuhit tulad ng isang bata, ngunit maaari niyang direktang madama ang kanyang kapaligiran tulad ng isang bata. Natatanging katangian ang walang muwang na sining ay hindi nakasalalay sa mga likha ng artista, ngunit sa kanyang kamalayan. Ang pagpipinta at ang mundong inilalarawan dito ay nararamdaman ng may-akda bilang isang katotohanan kung saan siya mismo ay umiiral. Ngunit ang kanyang mga pangitain ay hindi gaanong totoo para sa artista: "Ang gusto kong isulat ay palaging kasama ko. Nakita ko kaagad ang lahat ng ito sa canvas. Ang mga bagay ay agad na humihiling na ilagay sa canvas, handa na sa parehong kulay at hugis. Kapag nagtatrabaho ako, tinatapos ko ang lahat ng mga bagay hanggang sa ilalim ng brush naramdaman ko na sila ay buhay at gumagalaw: mga hayop, mga pigura, tubig, halaman, prutas at lahat ng kalikasan" (E. A. Volkova).

Ang mga prototype ng mga itinatanghal na bagay ay umiiral sa imahinasyon ng may-akda sa anyo ng materialized ngunit walang buhay na mga multo. At sa proseso lamang ng pagkumpleto ng larawan sila ay nagiging animated. Ang buhay na ito na nilikha sa canvas ay ang pagsilang ng isang bagong alamat.

// pichugin2

Ang isang walang muwang na artista ay naglalarawan hindi kung ano ang kanyang nakikita, ngunit kung ano ang kanyang nalalaman. Ang pagnanais na ihatid ang iyong mga ideya tungkol sa mga bagay, tao, sa mundo, upang ipakita ang pinaka mahahalagang puntos sa daloy ng buhay nang hindi sinasadyang humahantong sa master sa schematization at kalinawan - isang estado kung kailan nagiging mas simple ang mga bagay, mas makabuluhan ang mga ito.

Isang lawa na may mga pato, nagtatrabaho sa mga bukid at hardin, paglalaba ng mga damit, isang pampulitikang demonstrasyon, isang piging sa kasal. Sa unang tingin, ang mundo ay ordinaryo, ordinaryo, kahit medyo boring. Ngunit tingnan natin ang mga simpleng eksenang ito. Sinasabi nila ang isang kuwento hindi tungkol sa pang-araw-araw na buhay kundi tungkol sa pagiging: tungkol sa buhay at kamatayan, mabuti at masama, pag-ibig at poot, trabaho at pagdiriwang. Ang paglalarawan ng isang partikular na episode ay nakikita dito hindi bilang isang pagsasaayos ng isang sandali, ngunit bilang isang nakapagpapatibay na kuwento para sa lahat ng panahon. Ang artista ay clumsily na nagsusulat ng mga detalye, hindi maaaring paghiwalayin ang pangunahing mula sa pangalawa, ngunit sa likod ng kawalan ng kakayahan na ito ay lumitaw ang isang sistema ng pananaw sa mundo na ganap na nagwawalis sa hindi sinasadya, ang panandalian. Ang kawalan ng karanasan ay nagiging insight: gustong sabihin ang tungkol sa pribado, ang walang muwang na artista ay nagsasalita tungkol sa hindi nababago, walang hanggang umiiral, hindi natitinag.

Kabalintunaang pinagsasama ng walang muwang na sining ang hindi inaasahan ng mga masining na solusyon at ang pagkahumaling sa isang limitadong hanay ng mga tema at paksa, na sumipi sa sandaling natagpuang mga diskarte. Ang sining na ito ay batay sa paulit-ulit na mga elemento na naaayon sa unibersal na mga ideya ng tao, tipikal na mga formula, archetypes: espasyo, simula at wakas, tinubuang-bayan (nawalang paraiso), kasaganaan, holiday, bayani, pag-ibig, dakilang hayop.

Batayan sa mitolohiya

Sa mitolohiyang pag-iisip, ang kakanyahan at pinagmulan ng isang kababalaghan ay magkapareho sa bawat isa. Sa kanyang paglalakbay sa kailaliman ng mito, ang walang muwang na artista ay dumating sa archetype ng simula. Pakiramdam niya ay malapit siya sa unang taong muling natuklasan ang mundo. Ang mga bagay, hayop at tao ay lumilitaw sa kanyang mga canvases sa isang bago, hindi nakikilalang anyo. Tulad ni Adan, na nagbibigay ng mga pangalan sa lahat ng bagay na umiiral, ang walang muwang na pintor ay nagbibigay ng bagong kahulugan sa karaniwan. Ang tema ng makalangit na kaligayahan ay malapit at naiintindihan sa kanya. Ang idyll ay nauunawaan ng artist bilang ang orihinal na estado na ibinigay sa isang tao mula sa kapanganakan. Ang walang muwang na sining ay tila nagbabalik sa atin sa pagkabata ng sangkatauhan, sa maligayang kamangmangan.

Ngunit ang tema ng Pagkahulog ay hindi gaanong laganap. Ang katanyagan ng balangkas ng "pagpapaalis mula sa paraiso" ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng isang tiyak koneksyon sa pamilya sa pagitan ng mitolohiya ng mga unang tao at ang kapalaran ng walang muwang na artista, ang kanyang pananaw sa mundo, ang kanyang espirituwal na kasaysayan. Ang mga itinapon, ang lumpen ng langit - sina Adan at Eba - ay lubos na nakadarama ng pagkawala ng kaligayahan at ang kanilang hindi pagkakasundo sa katotohanan. Malapit sila sa walang muwang na artista. Pagkatapos ng lahat, alam niya ang katahimikan ng pagkabata, ang euphoria ng paglikha, at ang pait ng pagkatapon. Ang walang muwang na sining ay malinaw na nagpapakita ng kontradiksyon sa pagitan ng pagnanais ng artist na maunawaan at ipaliwanag ang mundo at ang pagnanais na magdala ng pagkakaisa dito, upang mabuhay muli ang nawawalang integridad.

Ang pakiramdam ng "paraiso na nawala," kadalasang napakalakas sa walang muwang na sining, ay nagpapalala sa pakiramdam ng artist ng personal na kawalan ng kapanatagan. Bilang isang resulta, ang pigura ng isang proteksiyon na bayani ay madalas na lumilitaw sa mga canvases. Sa tradisyonal na alamat, ang imahe ng isang bayani ay nagpapakilala sa tagumpay ng maayos na prinsipyo sa kaguluhan.

Sa mga gawa ng mga walang muwang na artista, ang hitsura ng nagwagi, na kilala mula sa mga sikat na kopya - sina Ilya Muromets at Anika the Warrior, Suvorov at ang mananakop ng Caucasus, General Ermolov - ay tumatagal ng mga tampok ng isang bayani digmaang sibil Chapaev at Marshal Zhukov. Ang lahat ng mga ito ay isang interpretasyon ng imahe ng manlalaban ng ahas, na naka-imbak sa kailaliman ng genetic memory, at bumalik sa iconography ng St. George slaying ang dragon.

Ang kabaligtaran ng mandirigma-tagapagtanggol ay ang kultural na bayani-demiurge. Bukod dito, sa kasong ito, ang diin ay inililipat mula sa panlabas na pagkilos patungo sa panloob na pag-igting ng kalooban at espiritu. Ang papel ng demiurge ay maaaring gampanan ng isang mythological character, halimbawa Bacchus, na nagturo sa mga tao ng winemaking, o isang sikat na makasaysayang pigura- Ivan the Terrible, Peter I o Lenin, na nagpapakilala sa ideya ng isang autocrat, ang tagapagtatag ng isang estado o, na tumutukoy sa mga mythological overtones, isang ninuno.

Ngunit ang imahe ng makata ay lalong popular sa walang muwang na sining. Kadalasan, ang parehong pamamaraan ng komposisyon ay ginagamit: ang isang nakaupo na pigura ay inilalarawan na may isang piraso ng papel at isang panulat o isang libro ng tula sa kanyang mga kamay. Ang unibersal na pamamaraan na ito ay nagsisilbing isang pormula para sa inspirasyong patula, at ang isang sutana, lionfish, hussar mantik o blusa ay nagsisilbing "makasaysayang" mga detalye na nagpapatunay sa malalim na pagiging tunay ng nangyayari. Ang makata ay napapaligiran ng mga tauhan ng kanyang mga tula, ang espasyo ng mundong kanyang nilikha. Ang imaheng ito ay lalong malapit sa walang muwang na artista, dahil palagi niyang nakikita ang kanyang sarili sa uniberso ng larawan sa tabi ng kanyang mga bayani, na nararanasan ang inspirasyon ng lumikha nang paulit-ulit.

Ang ideolohiya ng Sobyet ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa gawain ng maraming walang muwang na mga artista. Itinayo sa mga mitolohikong modelo, ito ay bumuo ng mga larawan ng "simula bagong panahon"at "mga pinuno ng mga tao", pinalitan ang buhay katutubong holiday Mga ritwal ng Sobyet: mga opisyal na demonstrasyon, mga seremonyal na pagpupulong at mga seremonya, mga parangal para sa mga nangungunang manggagawa sa produksyon, at iba pa.

Ngunit sa ilalim ng brush ng isang walang muwang na artista, ang mga itinatanghal na eksena ay nagiging isang bagay na higit pa sa mga paglalarawan ng "paraan ng pamumuhay ng Sobyet." Mula sa maraming mga pagpipinta ay itinayo ang isang larawan ng isang "kolektibong" tao, kung saan ang personal ay malabo at itinulak sa background. Ang sukat ng mga figure at ang higpit ng mga poses ay binibigyang diin ang distansya sa pagitan ng mga pinuno at ng karamihan. Bilang isang resulta, ang pakiramdam ng kawalan ng kalayaan at artificiality ng kung ano ang nangyayari ay malinaw na lumilitaw sa pamamagitan ng panlabas na balangkas. Ang pakikipag-ugnay sa katapatan ng walang muwang na sining, mga ideolohikal na multo, laban sa kalooban ng mga may-akda, ay nagiging mga karakter sa teatro ng walang katotohanan.

// pichugin

Ang kakanyahan ng kawalang-muwang

Sa walang muwang na sining ay palaging may yugto ng pagkopya ng isang modelo. Ang pagkopya ay maaaring isang yugto sa proseso ng pagbuo ng indibidwal na istilo ng isang artist o isang nakakamalay na independiyenteng pamamaraan. Halimbawa, madalas itong nangyayari kapag lumilikha ng isang larawan mula sa isang larawan. Ang isang walang muwang na artista ay walang kahihiyan sa harap ng isang "mataas" na pamantayan. Sa pagtingin sa trabaho, siya ay nakuha ng karanasan, at ang pakiramdam na ito ay nagbabago sa kopya.

Hindi napahiya sa pagiging kumplikado ng gawain, si Alexey Pichugin ay gumaganap ng "The Last Day of Pompeii" at "The Morning of the Streltsy Execution" sa pininturahan na kahoy na relief. Medyo tumpak na sumusunod sa pangkalahatang mga balangkas ng komposisyon, ang Pichugin ay nagpapantasya nang detalyado. Sa The Last Day of Pompeii, ang matulis na helmet na Romano sa ulo ng isang mandirigma na may dalang matandang lalaki ay nagiging isang bilog na brimmed na sumbrero. Sa "The Morning of the Streltsy Execution," ang board para sa mga utos na malapit sa lugar ng pagpapatupad ay nagsisimulang maging katulad ng isang board ng paaralan - na may puting teksto sa isang itim na background (sa Surikov ito ay kulay ng hindi pininturahan na kahoy, ngunit walang teksto sa lahat. ). Ngunit ang pinakamahalaga, ang pangkalahatang lasa ng trabaho ay nagbabago nang malaki. Hindi na ito isang madilim na umaga ng taglagas sa Red Square o isang gabi sa timog na naliliwanagan ng mga kislap ng umaagos na lava. Ang mga kulay ay nagiging napakaliwanag at eleganteng na sumasalungat sila sa drama ng mga plot at binabago ang panloob na kahulugan ng mga gawa. Ang mga katutubong trahedya na isinalin ni Alexey Pichugin ay higit na nakapagpapaalaala sa mga patas na kasiyahan.

Ang "creative inferiority complex" ng master, na isa sa mga kaakit-akit na aspeto ng "lumang" primitive, ay maikli ang buhay sa mga araw na ito. Mabilis na nadiskubre ng mga artista na ang kanilang hindi gaanong mahusay na mga likha ay may sariling kagandahan. Ang hindi sinasadyang mga salarin para dito ay mga kritiko ng sining, kolektor, at media. Sa ganitong diwa, kabalintunaan, ang mga eksibisyon ng walang muwang na sining ay gumaganap ng isang mapanirang papel. Ilang tao ang namamahala, tulad ni Rousseau, na "panatilihin ang kanilang kawalang-muwang." Minsan ang mga walang muwang na tao kahapon - sinasadya man o hindi - nagsimula sa landas ng paglinang ng kanilang sariling pamamaraan, nagsisimulang mag-istilo sa kanilang sarili, ngunit mas madalas, na hinihila ng mga hindi maiiwasang elemento ng merkado ng sining, nahuhulog sila sa yakap ng kulturang masa, malawak. bilang mga tarangkahan.

Mga publikasyon sa seksyong Museo

Gabay sa Naive Art

Ang walang muwang na sining o ang sining ng mga di-propesyonal na artista ay bihirang makuha ang atensyon ng mga may-ari ng gallery at mga kritiko ng sining. Gayunpaman, ang mga gawa ng mga walang muwang na artista, simple at bukas, ay maaaring hindi gaanong kapansin-pansin at kahit na artistikong makabuluhan kaysa sa mga kuwadro na gawa ng mga kinikilalang masters. Basahin ang tungkol sa kung ano ang walang muwang na sining at kung bakit kawili-wiling sundin ito sa materyal ng portal na "Culture.RF".

Ang ibig sabihin ng Naive ay simple

Alexander Emelyanov. Self-portrait. 2000s. Pribadong koleksyon

Vladimir Melikhov. Pagbibirkasyon. 1989. Pribadong koleksyon

Ang walang muwang na sining ay gawa ng mga artistang wala bokasyonal na edukasyon na sistematiko at patuloy na nakikibahagi sa pagpipinta. Sa mismong walang muwang, maaaring makilala ng isa ang magkahiwalay na direksyon, halimbawa, art brut o outsider art - ang sining ng mga artista na may diagnosis ng psychiatric.

Ang isang napakahalagang tanong para sa mga kritiko ng sining ay kung paano makilala ang isang walang muwang na artista mula sa isang baguhan. Ang pamantayan para sa pagtatasa ng gawa ng naturang mga artista ay karaniwang ang pagka-orihinal at kalidad ng kanilang gawa. Ang personalidad ng may-akda mismo ay gumaganap din ng isang malaking papel: inilaan ba niya ang kanyang buhay sa sining, nagsusumikap ba siyang sabihin ang isang bagay sa kanyang mga gawa (pagpinta, graphic, sculptural).

Ang una ay walang muwang

Ang walang muwang na sining ay palaging umiiral. Rock painting, Paleolithic sculpture at kahit sinaunang kouroses at caryatids - lahat ng ito ay ginawa sa isang primitivist na paraan. Ang paglitaw ng walang muwang na sining bilang isang independiyenteng kilusan ng pinong sining ay hindi nangyari sa magdamag: ang prosesong ito ay tumagal ng higit sa isang siglo at natapos sa dulo. XIX na siglo. Ang pioneer ng makabagong kilusang ito ay si Henri Rousseau, isang self-taught French artist.

Naglingkod si Rousseau sa kaugalian sa loob ng mahabang panahon, na sa pagtanda ay iniwan niya ang kanyang propesyon at sineseryoso ang pagpipinta. Una niyang sinubukang ipakita ang ilan sa kanyang mga gawa noong 1886 sa Paris Exhibition of Independents, ngunit kinutya siya. At nang maglaon, sa simula ng ika-20 siglo, nakilala niya ang mga sikat na artista ng avant-garde, kabilang si Robert Delaunay, na pinahahalagahan ang matapang na istilo ni Rousseau. Ang mga avant-garde artist ay madalas na "hugot" tulad ng mga orihinal na pintor gaya ni Rousseau, tinulungan silang bumuo at kahit na nakakuha ng inspirasyon mula sa kanilang trabaho at sa kanilang pananaw para sa kanilang sariling masining na paghahanap. Di-nagtagal, ang mga gawa ni Rousseau ay nagsimulang maging demand; pinahahalagahan ng publiko ang pagka-orihinal ng kanyang mga paksa at lalo na ang kanyang gawa na may kulay.

Sa Russia, ang naive art ay lumitaw sa harap ng mass audience sa 1913 "Target" na eksibisyon na inorganisa ng artist na si Mikhail Larionov. Doon ipinakita ang mga gawa ni Niko Pirosmani, na dinala mula sa Georgia ng magkapatid na Kirill at Ilya Zdanevich, mga artista at istoryador ng sining, sa unang pagkakataon. Bago ang eksibisyong ito, walang ideya ang publiko na ang sining ng amateur ay maaaring higit pa sa mga tanyag na kopya at katutubong pagpipinta.

Mga walang muwang na katangian

Niko Pirosmani. Larawan ng Sozashvili. 1910s. Museo ng Modernong Sining ng Moscow

Niko Pirosmani. Babaeng may Mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay. 1910s Museo ng Modernong Sining ng Moscow

Ang mga gawa ng mga walang muwang na master ay madalas na nagkakaisa ng isang kapaligiran ng kagalakan at isang masigasig na pagtingin araw-araw na pamumuhay, maliliwanag na kulay at atensyon sa detalye, isang kumbinasyon ng fiction at katotohanan.

Maraming mga klasiko ng domestic naive art, maliban, marahil, sina Niko Pirosmani at Soslanbek Edziev, ay dumaan sa paaralan ng ZNUI - Correspondence People's University of Arts. Itinatag ito noong 1960 batay sa mga kurso sa sining na pinangalanang Nadezhda Krupskaya; Robert Falk, Ilya Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin at iba pang kagalang-galang na mga may-akda ay nagturo doon. Ang pagsasanay sa ZNUI ang nagbigay ng pagkakataon sa mga naivist na makakuha ng mga teknikal na kasanayan, pati na rin ang isang propesyonal na opinyon tungkol sa kanilang trabaho.

Ang bawat walang muwang na artist ay nabuo bilang isang artist sa isang tiyak na paghihiwalay, nananatiling sarado magpakailanman sa loob ng balangkas ng kanyang sariling mga ideya at kanyang sariling istilo, at maaaring gumana sa buong buhay niya na may hanay ng mga walang hanggang tema. Kaya, ang mga gawa ni Pavel Leonov noong 1980s at huling bahagi ng 1990s ay hindi gaanong naiiba: mga katulad na komposisyon, mga katulad na bayani, lahat ng parehong pang-unawa sa katotohanan, malapit sa isang bata. Maliban na ang mga pintura ay nagiging mas mahusay na kalidad at ang mga canvases ay nagiging mas malaki. Ganoon din ang masasabi tungkol sa karamihan ng mga naivista. Ang mga ito ay tumutugon lalo na sa mga makabuluhang kaganapan sa lipunan: hindi nila binabago ang istilo depende sa oras, ngunit nagdaragdag lamang ng mga bagong materyal na palatandaan ng panahon sa kanilang mga gawa. Tulad ng, halimbawa, ang klasikong walang muwang na si Vladimir Melikhov. Ang kanyang gawa na "Division" ay isang kahanga-hangang paglalarawan bahagi ng babae sa Unyong Sobyet. Inilalarawan nito ang isang babae na literal na nasa dalawang lugar nang sabay-sabay: nagtatrabaho sa isang pabrika gamit ang isang kamay, at nag-aalaga ng isang bata gamit ang isa pa.

Walang muwang na mga tema

Pavel Leonov. Self-portrait. 1960. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Pavel Leonov. Pag-ani. 1991. Moscow Museum of Modern Art

Ang mga Naivist ay bumaling sa mga unibersal na tema ng tao na malapit sa lahat: kapanganakan at kamatayan, pag-ibig at tahanan. Ang kanilang mga gawa ay palaging nauunawaan, dahil ang mga artista ay nagsisikap na ipahayag ang mga ideya na nakakaganyak sa kanila nang simple hangga't maaari, nang hindi sinasadya ang simbolismo at mga nakatagong kahulugan.

Isa sa mga unang malakas na impresyon ng isang walang muwang na artista ay ang kanyang paglabas sa lungsod, sa panlipunang kapaligiran. Ang mga Naivist, na, bilang panuntunan, ay nakatira sa kanayunan, ay may posibilidad na gawing ideyal ang lungsod; pinipinta nila ang mga kalye at mga parisukat bilang magaan, mahangin at kakaiba. Lalo na ang mga artista, tulad ng Elfriede Milts, ay inspirasyon ng mga makabagong teknolohiya - lalo na, ang Moscow metro.

Ang isa pang karaniwang tema para sa walang muwang na sining ay maaaring ituring na imahe ng isang tao - mga larawan at lalo na mga larawan sa sarili. Ang mga Naivist ay may paraan ng paggalugad sa mundo sa pamamagitan ng prisma ng kanilang personalidad, kanilang sariling hitsura at hitsura ng mga tao sa kanilang paligid. Interesado din sila sa paraan ng pagpapakita ng panloob na mundo ng isang tao sa kanyang hitsura. Samakatuwid, ang mga gawa sa portrait na genre ay nagbibigay ng pagkakataon sa manonood na makilala ang mga naivista nang halos personal, upang makilala sila ayon sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili. Ang paghihiwalay ng mga naivist sa kanilang sarili panloob na mundo inilalarawan, halimbawa, ang isang self-portrait ng kontemporaryong artista na si Alexander Emelyanov. Inilalarawan niya ang kanyang sarili bilang isang koleksyon ng mga imahe at tema kung saan siya mismo ang tumutugon.

Halos lahat ng mga klasiko ng walang muwang na sining ay binibigyang kahulugan ang tema ng pagkabata sa isang paraan o iba pa. Ang mga Naivists ay palaging nananatiling mga bata, kaya ang mga gawa na nauugnay sa ideyang ito - nakakaantig at kusang-loob - ay nagiging isang uri ng punto ng pakikipag-ugnay sa pagitan ng bata ng nakaraan at ng bata ng kasalukuyan, na nabubuhay pa rin sa kaluluwa ng artista. Kapansin-pansin na ang mga naiveist ay halos hindi nagpinta sa kanilang sarili sa imahe ng isang bata. Nakatuon sila sa mundo sa kanilang paligid, sa mga larawan ng ibang mga bata, sa mga larawan ng mga hayop - sa kung ano ang makikita sa alpabeto.

Svetlana Nikolskaya. Namatay si Stalin. 1997. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Alexander Lobanov. Self-portrait sa isang hugis-itlog na frame sa ilalim ng coat of arms ng USSR. 1980. Museo ng Makabagong Sining ng Moscow

Ang susunod na mahalagang tema sa walang muwang na sining ay ang tema ng kapistahan. Gustung-gusto ng mga artista na magpinta ng mga buhay, kapistahan, kasalan at kasiyahan - lalo na silang makikita sa mga pagpipinta nina Niko Pirosmani, Pavel Leonov at Vasily Grigoriev, kung kanino ang kapistahan ay may sagrado, Eucharistic na kahulugan. Isang kapistahan ng pag-ibig, isang kapistahan ng kasiyahan, isang kapistahan ng bilog ng pamilya - bawat artista ay nakakahanap ng isang bagay na napakapersonal at mahalaga sa temang ito. Tulad ng sa tema ng tahanan, apuyan ng pamilya, na sumisimbolo sa kapayapaan, kaginhawahan at kaligtasan. Sa mga gawa ni Pavel Leonov, ang katotohanan ng Sobyet ay palaging nauugnay sa kagalakan, pista opisyal at parada. Inilalarawan din ni Leonov ang kanyang trabaho bilang masaya at maliwanag.

Gayunpaman, ang walang muwang na sining ay hindi palaging idyllic. Halimbawa, ang panlabas na sining o art brut ay kadalasang nag-iiwan sa manonood ng malabo, hindi mapakali na pakiramdam. Walang magkatugma at kumpletong mundo sa mga gawang ito - ang mga artista ay madalas na tumutok sa isang motif o paksa at muling ginawa ito sa bawat gawa. Para sa klasikong sining ng tagalabas na si Alexander Lobanov, ang naturang bagay ay ang rifle ng Mosin. Si Lobanov mismo ay hindi nagpaputok ng riple, at ang kanyang mga gawa ay walang digmaan, walang kalupitan, walang sakit. Ang item na ito ay tulad ng isang artifact, isang sagisag ng kapangyarihan, tulad ng aktibong simbolismo ng Sobyet na naroroon sa karamihan ng kanyang mga gawa.

Susi mga tema ng pilosopikal para sa mga artista - kapanganakan at kamatayan. Itinuring ng mga Naivist ang kapanganakan ng tao, kapwa pisikal at personal, at inihambing ito sa banal na pinagmulan ng buhay sa pangkalahatan. At nakikita nila ang pag-alis ng isang tao mula sa punto ng view ng memorya at sakit na natitira tungkol sa kanya. Halimbawa, sa isang pagpipinta ni Svetlana Nikolskaya, ang mga taong nakasuot ng kulay abong kaibahan na may mayaman na pulang background; imposibleng basahin ang kanilang mga iniisip o nararamdaman - tila sila ay natakot.

Ang panahon ng klasikal na walang muwang ay unti-unting lumilipas. Sa ngayon, imposible ang gayong sarado at hiwalay na pag-iral ng mga naivista gaya ng dati. Dapat na aktibong kasangkot ang mga artista sa proseso ng sining at maunawaan kung ano ang nangyayari sa merkado ng sining. Ito ay hindi mabuti o masama - tanda lamang ng panahon. At ang mas mahalaga ay ang apela ng bawat manonood sa walang muwang na sining, hanggang sa tuluyan itong mawala.

Ang portal na "Culture.RF" ay nagpapasalamat sa senior researcher para sa kanyang tulong sa paghahanda ng materyal MMOMA, miyembro ng curatorial group ng exhibition na "NAIV...BUT" Nina Lavrishcheva at empleyado Museo ng sikat na pag-print at walang muwang na sining ng Russia Maria Artamonova.