KASAYSAYAN NG JAZZ DEVELOPMENT

Jazz

Hindi malamang na sinuman ang maglakas-loob na ipaliwanag kung ano ang jazz, dahil kahit na ang dakilang tao sa kasaysayan ng jazz, si Louis Armstrong, ay hindi ginawa ito, na nagsabi na kailangan lang itong maunawaan at iyon lang. Sa katunayan, ang jazz, ang kasaysayan nito, mga pinagmulan, pagbabago at mga sangay ay masyadong magkakaiba at multifaceted upang magbigay ng isang simpleng komprehensibong kahulugan. Ngunit may mga sandali na nagpapalinaw sa likas na direksyon ng musikal na ito.

Ang Jazz ay lumitaw bilang isang kumbinasyon ng ilang mga musikal na kultura at pambansang tradisyon. Sa una, ito ay dumating sa kanyang pagkabata mula sa mga lupain ng Africa, at sa ilalim ng impluwensya ng binuo na musikang Kanluranin at ang mga paggalaw nito (blues, reg-times) at ang kumbinasyon ng musikal na African folklore sa kanila, ang resulta ay isang istilo na hindi namatay dito. araw - jazz.

Si Jazz ay nabubuhay sa ritmo, sa hindi pagkakapare-pareho, sa mga intersection at sa hindi pagsunod sa mga susi at pitch. Ang lahat ng musika ay binuo sa paghaharap at kontradiksyon, ngunit sa isang piraso ng musika ang lahat ng ito ay magkakasuwato at humanga sa kanyang himig at espesyal na kaakit-akit.

Ang mga unang jazzmen, na may mga bihirang eksepsiyon, ay lumikha ng tradisyon ng isang jazz orchestra, kung saan mayroong mga improvisasyon na may tunog, bilis o tempo, posibleng palawakin ang bilang ng mga instrumento at performer, at may kinalaman sa mga symphonic na tradisyon. Maraming jazzmen ang nag-ambag ng kanilang sining sa pagpapaunlad ng tradisyon ng sining ng paglalaro ng jazz ensembles.

Matapos ang hitsura ng napakatalino na tagapalabas, na nabuhay sa buong buhay niya sa ritmo ng jazz, at nananatiling isang alamat - Louis Armstrong, ang sining ng pagganap ng jazz ay nakakita ng bago at hindi pangkaraniwang mga abot-tanaw: ang vocal o instrumental na solo na pagganap ay naging sentro ng buong pagganap, ganap na binabago ang ideya ng jazz.

At dito nagiging posible na ipaliwanag ang isa pang tampok ng istilong jazz: ito ang natatanging indibidwal na pagganap ng isang birtuoso jazzman, ito ang kanyang pagganap at ang kanyang at ang kasiyahan ng mga nakikinig sa musika sa ngayon. At ang susi sa walang hanggang kabataan ng jazz ay improvisasyon. May espiritu si Jazz, ngunit wala itong kalansay para suportahan ang lahat ng ito. Maaari mong palitan ang saxophone sa piano, o maaari mong ilagay ang upuan at kunin ang mikropono, at kung hindi iyon gumana, pagkatapos ay bumalik sa trumpeta at subukang tumugtog ng isang bagay na hindi nilalaro nina Armstrong at Bechet.

Ang jazz ay hindi lamang isang tiyak na uri ng musikal na pagtatanghal, ito rin ay isang kakaiba, masayang panahon.

Pinagmulan

Ang tanong ng lugar ng kapanganakan ng jazz ay kilala - ito ay America, ngunit saan ito nagmula?

Lumilitaw ang Jazz bilang isang natatanging pagsasanib. At isa sa mga bahagi nito, na nagsisiguro sa pinagmulan nito, ay itinuturing na pinanggalingan ng Africa. Dinala ng mga African settler ang kanilang kultura, na nabuo laban sa backdrop ng malakas na impluwensya ng Europa at Amerikano.

Ang pamayanan at ang mga alituntunin nito (mga pamantayan ng pag-uugali, mga tradisyon) ay nasa dugo ng mga dumating, kahit na ang koneksyon sa kanilang mga ninuno ay talagang naputol. At ang musika, bilang isang mahalagang pagpapakita ng orihinal na kultura, ay naging isa sa mga nag-uugnay na link ng katutubong kulturang iyon ng Aprika at isang bagong buhay sa ibang kontinente.

Ang vocal music ng mga African-American, na may lasa ng ritmo at sayaw, kaplastikan ng katawan, at pagpalakpak, ay naging isang bagong subculture ng musika. Ang musikang Aprikano ay ganap na naiiba sa mga sample ng Europa, wala itong kalawakan ng mga instrumento, higit na napanatili nito ang ritwalismo at isang koneksyon sa mga kaugalian.

Mga Pinagmulan / Kasaysayan ng Jazz

Ang alipin na musikang ito sa huli ay sinira ang totalitarian na mga rehimen kung saan ang mga klasikal na orkestra ay naghari, ganap na napapailalim sa kalooban ng baton ng konduktor. Ayon sa pananaliksik ng kasaysayan at propesor ng kulturang Amerikano na si Penny Van Eschen, sinubukan ng US State Department na gamitin ang jazz bilang isang ideolohikal na sandata laban sa USSR at ang pagpapalawak ng impluwensyang Sobyet sa mga ikatlong bansa sa mundo. Ang pinagmulan ng jazz ay konektado sa blues.

Ang Jazz ay bumangon sa pagtatapos ng ika-19 na siglo bilang isang pagsasanib ng mga ritmo ng Aprika at pagkakaisa ng Europa, ngunit ang mga pinagmulan nito ay dapat hanapin mula sa sandali ng pag-angkat ng mga alipin mula sa Africa hanggang sa teritoryo ng Bagong Mundo. Ang mga dinalang alipin ay hindi nagmula sa iisang pamilya at kadalasan ay hindi man lang nagkakaintindihan. Ang pangangailangan para sa pagsasama-sama ay humantong sa pagkakaisa ng maraming kultura at, bilang resulta, sa paglikha ng isang kultura (kabilang ang musikal) ng mga African American. Ang mga proseso ng paghahalo ng kulturang musikal ng Africa at European (na sumailalim din sa malubhang pagbabago sa New World) ay naganap simula noong ika-18 siglo at noong ika-19 na siglo ay humantong sa paglitaw ng "proto-jazz", at pagkatapos ay jazz sa pangkalahatang tinatanggap. kahulugan.

Ang improvisasyon ay gumaganap ng isang pangunahing papel sa tunay na jazz. Bilang karagdagan, ang jazz ay nakikilala sa pamamagitan ng syncopation (diin sa mahinang mga beats at hindi inaasahang mga accent) at isang espesyal na drive. Ang huling dalawang bahagi ay bumangon sa ragtime, at pagkatapos ay inilipat sa pagtugtog ng mga orkestra (mga banda), pagkatapos nito ay lilitaw ang salitang "jazz", na isinulat muna bilang "Jass", pagkatapos ay bilang "Jasz", at mula noong 1918 ito ay nakuha. modernong hitsura nito. Bilang karagdagan, maraming mga estilo ng jazz ang nakikilala sa pamamagitan ng isang espesyal na diskarte sa pagganap: "swinging" o swing. Ang duyan ng jazz ay ang American South at, higit sa lahat, New Orleans. Noong Pebrero 26, 1917, sa New York studio ng kumpanyang Victor, limang puting musikero mula sa New Orleans ang nagtala ng unang jazz record. Ang kahalagahan ng katotohanang ito ay mahirap na labis na tantiyahin: bago ang paglabas ng record na ito, ang jazz ay nanatiling marginal phenomenon, musical folklore, at pagkatapos nito ay nabigla ang buong America sa loob ng ilang linggo. Ang pag-record ay kabilang sa maalamat na "Original Dixieland Jazz Band".

Pinagmulan / Kapanganakan ng Jazz

Ang mga pinagmulan ng kilusang pangmusika na ito ay dapat hanapin sa isang pinaghalong kulturang Aprikano at Europa. Kakatwa, ngunit nagsimula ang jazz kay Christopher Columbus mismo. Siyempre, ang mahusay na manlalakbay at tumuklas ay hindi ang unang jazz performer. Sa pamamagitan ng pagbubukas ng America sa Europa, minarkahan ni Columbus ang mahusay na simula ng interpenetration ng African at European musical traditions.

Habang ginalugad ang kontinente ng Amerika, dinala ng mga Europeo dito ang isang malaking bilang ng mga itim na kaaway, na ang bilang ng mga ito noong 1700 ay lumampas sa daan-daang libo. Ang mga alipin ay dinala mula sa kanlurang baybayin ng Africa sa kabila ng Atlantiko.

Hindi man lang mahulaan ng mga Europeo na, kasama ng mga alipin, dinala nila ang kulturang musikal ng Aprika, na nailalarawan sa pamamagitan ng nakamamanghang ritmo ng musika, sa Amerika. Sa Africa, ang musika ay isang kailangang-kailangan na bahagi ng iba't ibang mga ritwal mula pa noong una. Malaking papel ang ginampanan dito ng musical rhythm.

Ipinakilala ng kulturang Europeo ang harmony, minor at major standards, melody, pati na rin ang solong melodic na prinsipyo sa jazz.

Kumanta sa jazz

Ang pag-awit ng jazz ay hindi maitutumbas sa pagkanta sa pangkalahatang kahulugan ng salita. Sa una, walang solong boses sa jazz, mayroon lamang isang instrumento, at mula nang ang mga pagtatanghal ni Louis Armstrong (ibig sabihin ay ang kanyang huling trabaho) na mga vocal ay naging bahagi ng "toolkit" ng mga jazzmen. Ngunit muli - jazz vocals, at ito ay iba pa.

Ang mga vocal ng jazz ay dapat may ilang mga espesyal na tampok, ibig sabihin ang boses ng tagapalabas. Isinasaalang-alang ang batayan ng jazz - improvisasyon, ang kawalan ng mga patakaran, dapat na maunawaan ng isa na ang parehong naaangkop sa boses ng tagapalabas: ang kakayahang palawakin ang saklaw ng isang "regular" na kanta, maglaro gamit ang boses, madaling mag-improvise, magkaroon ng isang mahusay na hanay. . Ang performer ay dapat sumunod sa jazz style ng performance: phrasing at "attack".

"Scat singing" - ang terminong ito ay lumitaw noong nasa entablado si Louis Armstrong, na kumanta pati na rin tumugtog: ang mga tunog na ginawa ng kanyang boses ay halos kapareho ng mga tunog na ginawa ng kanyang trumpeta. Ang mga vocal ng jazz ay magsisimulang magbago at magiging mas kumplikado sa ibang pagkakataon, kapag ang estilo ng bop ay naging uso. Dumating ang oras para sa "bop" sket," at ang "first lady of jazz" - Ella Fitzgerald - ang naging bituin.

Kung ang koneksyon sa pagitan ng jazz at blues ay hindi masyadong malakas, kung gayon ang koneksyon sa pagitan ng mga vocal ay may mas malinaw na koneksyon. Ang mga posibilidad ng pagkuha ng mga tunog (ang gawain ng larynx, wheezing at whispering, falsetto, atbp.) Ng blues ay malugod na tinanggap ng mga tradisyon ng jazz.

Ang mga pangalan ng mga bokalista na naging tanyag sa kasaysayan ng jazz para sa kanilang pag-awit: siyempre, ang tagapagtatag ay si Louis Armstrong, sinundan ni Bing Crosby, sinundan niya, binansagan lang na "ang boses," Frank Sinatra, Nat King Cole. Ang mga kababaihan ay gumawa ng kanilang kontribusyon, at isang malaking kontribusyon: Bessie Smith, na binansagang "Empress of the Blues," na sinundan ng mga pangalan nina Billie Holliday, Ella Fitzgerald, at ang natatanging mang-aawit na si Sarah Voen.

ANG PINAGMULAN NG JAZZ AT MGA ESTILO NITO.

Panimula

Minsan, sa isang panayam, ang editor-in-chief ng pinakasikat na American jazz magazine, "Down Beat," na ipinamamahagi sa 124 na bansa, ay tinanong ng isang reporter: "Ano ang jazz?" "Hindi ka pa nakakita ng isang tao nang napakabilis na nahuli sa akto sa pamamagitan ng isang simpleng tanong!", sinabi ng editor na ito sa kalaunan. Sa kabaligtaran, maaaring sagutin ng ibang jazz figure ang parehong tanong sa pamamagitan ng pakikipag-usap sa iyo tungkol sa musikang ito sa loob ng dalawang oras o higit pa, nang hindi nagpapaliwanag ng anumang partikular na bagay, dahil sa katotohanan ay wala pa ring tumpak, maigsi at pagkatapos Sa parehong oras, oras na. para sa isang kumpletong at layunin na kahulugan ng salita at ang mismong konsepto ng "jazz".

Ngunit may malaking pagkakaiba sa pagitan ng musika nina King Oliver at Miles Davis, Benny Goodman at ng Modern Jazz Quartet, Stan Kenton at John Coltrane, Charlie Parker at Dave Brubeck. Marami sa mga bahagi at ang patuloy na pag-unlad ng jazz sa loob ng 100 taon ay humantong sa katotohanan na kahit ang kahapon na hanay ng mga eksaktong katangian nito ay hindi maaaring ganap na mailapat ngayon, at ang mga formulation bukas ay maaaring magkasalungat sa dyametro (halimbawa, para sa Dixieland at bebop, swing big banda at combo jazz-rock).

Ang mga kahirapan sa pagtukoy ng jazz ay nasa... Ang punto ay palagi nilang sinusubukang lutasin ang problemang ito nang direkta at marami silang pinag-uusapan tungkol sa jazz na may kaunting mga resulta. Malinaw, ito ay maaaring malutas nang hindi direkta sa pamamagitan ng pagtukoy sa lahat ng mga katangian na pumapalibot sa musikal na mundo sa lipunan at pagkatapos ay mas madaling maunawaan kung ano ang nasa gitna. Bukod dito, ang tanong na "Ano ang jazz?" ay pinalitan ng "What do you mean by jazz?" At dito natin natuklasan na ang salitang ito ay may ibang kahulugan para sa iba't ibang tao. Pinupuno ng bawat tao ang lexical neologism na ito ng isang tiyak na kahulugan sa kanyang sariling paghuhusga.

Mayroong dalawang kategorya ng mga taong gumagamit ng salitang ito. Ang ilang mga tao ay mahilig sa jazz, habang ang iba ay hindi interesado dito. Karamihan sa mga mahilig sa jazz ay may napakalawak na paggamit ng salitang ito, ngunit wala sa kanila ang maaaring matukoy kung saan nagsisimula at nagtatapos ang jazz, dahil ang bawat isa ay may sariling opinyon sa bagay na ito. Maaari silang makahanap ng isang karaniwang wika sa isa't isa, ngunit ang bawat isa ay kumbinsido na siya ay tama at alam kung ano ang jazz, nang hindi naglalagay ng mga detalye. Maging ang mga propesyonal na musikero mismo, na nakatira sa jazz at regular na gumaganap nito, ay nagbibigay ng ibang-iba at malabong kahulugan ng musikang ito.

Ang walang katapusang pagkakaiba-iba ng mga interpretasyon ay hindi nagbibigay sa amin ng anumang pagkakataon na makarating sa isang solong at hindi mapag-aalinlanganan na konklusyon tungkol sa kung ano ang jazz mula sa isang purong musikal na pananaw. Gayunpaman, posible ang ibang diskarte dito, na noong ika-2 kalahati ng 50s ay iminungkahi ng sikat na musicologist sa mundo, presidente at direktor ng New York Institute of Jazz Research Marshall Stearns (1908-1966), na palaging nagtatamasa ng walang hanggan na paggalang sa jazz circles ng lahat ng mga bansa ng Luma at Bagong Mundo. Sa kanyang mahusay na aklat-aralin na The History of Jazz, unang inilathala noong 1956, tinukoy niya ang musikang ito mula sa isang makasaysayang punto ng view.

Sumulat si Stearns: "Una sa lahat, kahit saan mo marinig ang jazz, palaging mas madaling makilala kaysa ilarawan sa mga salita. Ngunit bilang pinakaunang pagtataya, maaari nating tukuyin ang jazz bilang isang semi-improvisational na musika na lumitaw bilang resulta ng 300 taon ng paghahalo sa lupain ng Hilagang Amerika ng dalawang magagandang tradisyon sa musika - Kanlurang Europa at Kanlurang Aprika - iyon ay, ang aktwal na pagsasanib ng puti at itim na kultura... At bagaman sa musika ang tradisyong Europeo ay may pangunahing papel dito, ang mga maindayog na katangiang iyon jazz tulad ng isang katangian, hindi pangkaraniwan at madaling makikilala musika walang alinlangan na humahantong "mga pinagmulan nito ay mula sa Africa. Samakatuwid, ang mga pangunahing bahagi ng musikang ito ay European harmony, Euro-African melody at African ritmo."

Ngunit bakit nagmula ang jazz sa Hilagang Amerika, at hindi sa Timog o Gitnang Amerika, kung saan mayroon ding sapat na mga puti at itim? Pagkatapos ng lahat, kapag pinag-uusapan nila ang lugar ng kapanganakan ng jazz, ang America ay palaging tinatawag na duyan nito, ngunit karaniwang ang ibig sabihin nito ay ang modernong teritoryo ng Estados Unidos. Ang katotohanan ay kung ang hilagang kalahati ng kontinente ng Amerika ay makasaysayang tinitirhan ng mga Protestante (ang British at Pranses), kung saan mayroong maraming mga misyonerong relihiyon na naghahangad na i-convert ang mga itim sa pananampalatayang Kristiyano, pagkatapos ay sa timog at gitnang bahagi ng malaking kontinenteng ito, nanaig ang mga Katoliko (Mga Espanyol at Portuges), na tumitingin sa mga itim na alipin na parang mga hayop na panday, nang walang pakialam sa kaligtasan ng kanilang mga kaluluwa. Samakatuwid, hindi maaaring magkaroon ng isang makabuluhan at sapat na malalim na interpenetration ng mga lahi at kultura, na kung saan ay may direktang epekto sa antas ng pangangalaga ng katutubong musika ng mga alipin ng Africa, pangunahin sa lugar ng kanilang ritmo. Hanggang ngayon, ang mga paganong kulto ay umiiral sa mga bansa sa Timog at Gitnang Amerika, ang mga lihim na ritwal at laganap na mga karnabal ay ginaganap na sinamahan ng mga ritmo ng Afro-Cuban (o Latin American). Ito ay hindi nakakagulat na ito ay tiyak sa ito maindayog relasyon Timog bahagi Ang Bagong Mundo sa ating panahon ay kapansin-pansing naimpluwensyahan ang lahat ng tanyag na musika sa mundo, habang ang North ay nagbigay ng iba pa sa kabang-yaman ng modernong musikal na sining, halimbawa, mga espiritwal at asul.

Dahil dito, nagpapatuloy si Stearns, sa makasaysayang aspeto, ang jazz ay isang synthesis na nakuha sa orihinal mula sa 6 na pangunahing mapagkukunan. Kabilang dito ang:

1. Mga ritmo ng Kanlurang Aprika;

2. Mga kanta sa trabaho (mga kanta sa trabaho, mga holler sa field);

3. Negro relihiyosong mga awit (espirituwal);

4. Negro sekular na mga kanta (blues);

5. American folk music ng nakalipas na mga siglo;

6. Musika ng mga minstrel at street brass band.

1. Ang pinagmulan ng jazz

Ang mga unang kuta ng mga puting tao sa Gulpo ng Guinea sa baybayin ng Kanlurang Aprika ay bumangon na noong 1482. Eksakto pagkalipas ng 10 taon, isang makabuluhang kaganapan ang naganap - ang pagtuklas ng Amerika ni Columbus. Noong 1620, lumitaw ang mga unang itim na alipin sa modernong teritoryo ng Estados Unidos, na maginhawang dinala sa pamamagitan ng barko sa Karagatang Atlantiko mula sa Kanlurang Aprika. Sa susunod na daang taon, ang kanilang bilang ay lumago doon sa isang daang libo, at noong 1790 ang bilang na ito ay tumaas ng 10 beses.

Kung sasabihin natin ang "ritmo ng Africa", dapat nating tandaan, siyempre, na ang mga itim sa Kanlurang Aprika ay hindi kailanman naglaro ng "jazz" nang ganoon - pinag-uusapan natin tungkol lamang sa ritmo bilang isang mahalagang bahagi ng kanilang pag-iral sa kanilang tinubuang-bayan, kung saan ito ay kinakatawan ng ritwal na "choir of drums" na may mga kumplikadong polyrhythms at marami pa. Ngunit ang mga alipin ay hindi maaaring magdala ng anumang bagay sa kanila sa Bagong Mundo. mga Instrumentong pangmusika, at noong una sa Amerika ay ipinagbawal pa nga silang gumawa ng mga gawang bahay na tambol, ang mga halimbawa nito ay makikita lamang sa ibang pagkakataon sa mga museong etnograpiko. Bilang karagdagan, walang sinuman sa anumang kulay ng balat ang ipinanganak na may handa na kahulugan ng ritmo, ito ay tungkol sa mga tradisyon, i.e. sa pagpapatuloy ng mga henerasyon at kapaligiran, samakatuwid, ang mga kaugalian at ritwal ng Negro ay napanatili at ipinadala sa buong Estados Unidos nang eksklusibo sa bibig at mula sa memorya mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon ng mga African-American Blacks. Gaya ng sinabi ni Dizzy Gillespie: "Sa palagay ko ay hindi kayang ibigay ng Diyos ang sinuman ng higit sa iba kung masusumpungan nila ang kanilang mga sarili sa parehong mga kondisyon. Maaari mong kunin ang sinumang tao, at kung ilalagay mo siya sa parehong kapaligiran, kung gayon ang kanyang landas sa buhay ay tiyak na magiging katulad ng sa atin."

Bumangon ang jazz sa Estados Unidos bilang resulta ng synthesis ng maraming elemento ng resettled musical culture ng mga mamamayan ng Europe, sa isang banda, at African folklore, sa kabilang banda. Ang mga kulturang ito ay may iba't ibang katangian. Ang musikang Aprikano ay likas na improvisasyon; ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kolektibong anyo ng paggawa ng musika na may malakas na ipinahayag na polyrhythm, polymetry at linearity. Ang pinakamahalagang pag-andar dito ay ang ritmikong simula, ritmikong polyphony, kung saan lumitaw ang epekto ng cross-rhythm. Ang melodic, at higit pa kaya ang harmonic na prinsipyo, ay binuo sa isang mas maliit na lawak sa African music-making kaysa sa European music. Ang musika para sa mga Aprikano ay may mas praktikal na kahalagahan kaysa sa mga Europeo. Madalas itong nauugnay sa aktibidad sa trabaho, sa mga ritwal, kabilang ang pagsamba. Sinkretismo iba't ibang uri Ang sining ay nakakaapekto sa likas na katangian ng paggawa ng musika - hindi ito kumikilos nang nakapag-iisa, ngunit kasama ng sayaw, plastik na sining, panalangin, at pagbigkas. Sa nasasabik na estado ng mga Aprikano, ang kanilang intonasyon ay higit na libre kaysa sa mga European na nakadena sa isang standardized na sukat. Sa African music, ang question-answer form of singing (call & response) ay malawakang binuo.

Sa bahagi nito, ang musikang European ay gumawa ng mayamang kontribusyon nito sa hinaharap na synthesis: melodic constructions na may nangungunang boses, modal major-minor standards, harmonic na posibilidad at marami pang iba. Sa pangkalahatan, medyo nagsasalita, ang emosyonalidad ng Africa, ang intuitive na prinsipyo, ay bumangga sa rasyonalismo ng Europa, lalo na ipinakita sa patakarang musikal ng Protestantismo.

2. "Ikatlong Kasalukuyan"

Ang terminong "ikatlong batis" ay nilikha ng kritikong si John Wilson. Binalangkas niya ang isang alternatibo, o mas tiyak, mga opsyon para sa synthesis ng una at pangalawang uso, i.e. akademikong musika at jazz. Ang trend na ito ay nabuo noong 50s at hindi nauugnay sa isang partikular na istilo. Ang mga eksperimentong gawa ng iba't ibang musikero ay nakakuha ng symphonic jazz, jazz rock, at mga paggalaw ng avant-garde.

Ang Jazz, bilang isa sa mga pinaka-natatanging uri ng musikal na sining noong ika-20 siglo, ay unti-unting nagsimulang sakupin ang buong mundo at, sa wakas, ay nakakuha ng isang pang-internasyonal na karakter. Nangyari ito lalo na dahil sa ang katunayan na ang mga kompositor at performer nito sa kanilang trabaho ay madalas na bumaling sa musika ng ibang mga bansa at mga tao - Indian, South American, Arabic at, siyempre, ang kanilang sariling alamat. Ang pinakamahalagang mapagkukunan ng inspirasyon para sa mga jazzman sa paghahanap ng mga bagong direksyon sa ebolusyon ng kanilang genre ay ang pinakamahusay na mga halimbawa ng European classical na musika at ang ilang mas sikat na mga uri nito.

Ang mga makasaysayang kontak ng mga klasikal na kompositor na may jazz ay kilala, at dose-dosenang sikat na pangalan ang maaaring banggitin dito bilang mga halimbawa (Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Kshenek, pati na rin ang Copland, Gershwin at Bernstein), ngunit ang kanilang ang mga pagtatangka ay ginabayan ng pagnanais na ipakilala lamang ang ilang mga elemento ng jazz sa akademikong musika. Sa kabaligtaran, mayroong maraming eksperimentong gawain sa bahagi ng mga interesadong jazzmen na sinubukang maglapat ng ilang mga prinsipyo ng symphonic development at gumamit ng orihinal na mga prinsipyo ng klasikal na musika sa kanilang mga marka ng jazz.

Sa iba't ibang mga dekada, ang gayong mga eksperimento kung minsan ay humantong sa paglitaw ng mga bago, kung hindi mga istilo, kung gayon, sa anumang kaso, mga independiyenteng sanga sa puno ng pamilya ng kasaysayan ng jazz - halimbawa, noong 20s ito ay "symphonic jazz" ( Paul Whiteman, na gustong "gumawa ng isang babae sa jazz"), noong 40s - "progresibo" (Stan Kenton), at noong 60s - "ikatlong kilusan".

Ang "ikatlong kilusan" ay partikular na binanggit sa kasaysayan ng jazz, dahil ang mga jazzman, hindi mga klasiko, ay dumating dito noon. Isa itong pang-eksperimentong direksyon ng modernong jazz, na sinubukan ng mga kinatawan na lumikha ng malawak na mga gawa para sa mga halo-halong orkestra, kabilang ang parehong mga akademikong performer at jazz improvisers.

Ang mga komposisyon ng "ikatlong kilusan" ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mas organikong pagsasanib ng mga European compositional technique na may mga tradisyon ng jazz. Ang pinakatanyag na kinatawan ng kalakaran na ito sa USA ay ang mga musikero at kompositor na sina Gunther Schuller, John Lewis (pinuno ng Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffre at iba pa.

Halimbawa, kilala ang mga pinagsamang pagtatanghal (at mga pag-record) ni Duke Ellington kasama ang mga orkestra ng La Scala at London Symphony. Sa kumbinasyong ito, lumitaw ang mga bagong harmonic at instrumental shade; ang resulta, wika nga, modernong "intelektuwal na musika." Mayroon itong klasikong diskarte sa tema, ngunit nananatiling napaka jazzy sa kaibuturan nito. Posibleng i-synthesize ang dalawang sangkap na ito sa isang uri ng musika, malapit sa parehong jazz (kalayaan ng improvisasyon, pakiramdam ng pag-indayog, pagiging bago ng mga bagong timbre) at ang pamamaraan ng "seryosong" komposisyon (mga diskarte mula sa larangan ng 12 -tone music, polyphony, polytonality, polyrhythm, pangkalahatang thematic evolution, atbp.).

Gumawa ng malaking kontribusyon si Dave Brubeck sa ikatlong kilusan sa kanyang mga gawa para sa jazz quartet at symphony orchestra. Ang tradisyon ng pagsasama ng isang symphony orchestra at isang jazz ensemble o kahit isang orkestra ay ipinagpatuloy ni Wynton Marsalis at ng kanyang Lincoln Center Orchestra.

3. Modern blues. Mga malalaking banda ng post-swing era

Sa kasaysayan, ang mga asul ay unti-unting nakapasok sa malalaking sentrong pang-industriya at mabilis na nakakuha ng katanyagan doon. Itinatag nito ang mga katangiang katangian na minana mula sa musika ng mga African American, at malinaw na tinukoy ang 12-bar form (bilang ang pinakakaraniwang) at tinukoy ang harmonic accompaniment batay sa blues scale. Kabilang sa mga pinakasikat na jazz blues performer noong 50s at 60s. nariyan sina Jimmy Rushing (1903-1972) at Joe Williams (1918-1999).

Sa huling bahagi ng 40s at unang bahagi ng 50s, lumitaw ang isang bagong uri - "ritmo at asul" - ito ay isang pagbabago sa lunsod ng mga klasikong blues, na naging laganap sa mga itim na lugar ng pinakamalaking lungsod sa US. Gamit ang pangunahing melodic-harmonic na paraan ng blues, ang "r&b" ay nakikilala sa pamamagitan ng isang makabuluhang pagtaas sa instrumental accompaniment, isang nagpapahayag na paraan ng pagganap, mas mabilis na tempo, isang malinaw na tinukoy na ritmo at isang masiglang beat, na nakamit sa anyo ng alternating massive at booming beats sa 1 at 3 beats ng measure na may tuyo at biglang impit sa beats 2 at 4. Ang pagganap ay nailalarawan sa pamamagitan ng walang humpay na emosyonal na pag-igting, malakas na tunog, binibigyang-diin ang "mga blues na tala", madalas na paglipat ng bokalista sa falsetto, maximum na intensity (pressure, "drive") ng tunog at itinayo sa antifon ng maikling "riffs" ng ang mang-aawit at accompaniment.

Hanggang sa katapusan ng 40s. Ang "R&B" sa "live" na tunog at sa mga rekord (sa isang serye ng tinatawag na "mga rekord ng lahi") ay kilala lamang sa mga itim na populasyon sa malalaking pang-industriyang lungsod. Ang mga paborito ng trend na ito noong mga taong iyon ay ang mga saxophonist na sina Louis Jordan at Earl Bostic, mga gitarista na "T-Bone" Walker at Muddy Waters, mga pianista na si Jay McShann at, kalaunan, sina Ray Charles at bokalista na si Big Joe Turner.

Gayunpaman, noong unang bahagi ng 50s, ang interes sa maindayog na musikang ito ay lumitaw din sa mga puti. Unti-unti, dumarami ang pangangailangan para sa mga dulang R&B mula sa mga puting kabataan, at maraming musikero ang bumaling sa direksyong ito, at naging aktibong tagapagtaguyod sila ng R&B sa mga taong iyon, na pagkatapos ay nagbago ng tanyag na musika at humantong sa pag-usbong ng rock and roll. Nang i-record ng puting gitarista na si Bill Haley ang sikat na ritmo at blues na numero na "Rock Around the Clock" kasama ang kanyang banda noong Abril 12, 1954, ang petsa ng paglabas nito ay itinuturing na ang kaarawan ng "rock and roll" at ang mismong tema. awit.

Sa mga taong iyon, isang puting disc jockey, si Alan Freed (1922-1965), ay lumitaw sa isang istasyon ng radyo sa Cleveland at nagsimulang regular na magpalabas ng mga pag-record ng mga "rhythm and blues" na mga artist, at ngayon ay masasabing si Freed ay halos nag-iisang responsable para sa binabago ang buong kurso ng sikat na musikang Amerikano. Siya ang naglabas ng itim na ritmo at blues na mga manunulat at artista mula sa likod ng kurtina ng lahi at ipinakilala sila sa malawak na madla ng mga puting tinedyer. Dahil sa inspirasyon, tinawag niya ang mga recording na ito na "rock and roll" at pinasikat ang termino sa mga kabataan sa buong mundo.

Ang inangkop na bersyon na ito ng "r&b" ay bumagsak sa tatlong pangunahing chord, ilang simpleng electric guitar na "riffs" at isang mabigat, monotonous na beat na may malalakas na accent sa 2nd at 4th beats ng measure (i.e. ang "off-beat"). Gayunpaman, ang pagkakatugma ng "rock and roll" ay nakabatay pa rin sa 12-bar blues scheme, kaya ang pangunahing merito nito ay itinatag nito ang pangunahing konsepto ng blues sa mass musical consciousness ng mga puting Amerikano, at pagkatapos ng mga ito ay mga European , na mayroong napakalaking potensyal para sa pagbuo ng ritmo, himig at pagkakatugma. Ang blues ay hindi lamang nagpasigla sa sikat na musika sa kabuuan, ngunit binago din ang dati nitong "puting" European na oryentasyon at nagbukas ng pinto sa malawak na daloy ng mga inobasyon at paghiram mula sa mga kulturang pangmusika sa ibang mga lugar sa mundo, tulad ng Latin American music.

Ang mahihirap na kalagayang pang-ekonomiya pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig at mga pagbabago sa interes ng publiko at mga tagapamahala ay lubhang nakaapekto sa maraming malalaking banda ng panahon ng swing. Karamihan sa kanila ay nawala ng tuluyan. Gayunpaman, noong unang bahagi ng 50s, nagsimula ang muling pagbabangon ng genre. Sa kahirapan, ngunit ang mga orkestra ni Benny Goodman, Count Basie, at ilang sandali pa ang orkestra ng Duke Ellington ay naibalik. Nais muli ng publiko na makinig sa mga hit bago ang digmaan. Sa kabila ng makabuluhang pag-renew ng mga lineup at pagdating ng mga batang musikero, ang mga pinuno, na pinasasalamatan ang mga kagustuhan ng mga tagapakinig, ay naibalik ang lumang repertoire. Sa tatlong haliging ito ng panahon ng swing, tanging si Duke Ellington ang nasa landas ng pagbabago. Nababahala ito sa kanyang malawakang paggamit ng suite form, na nagsimula noong mga taon ng digmaan. Ang mga malalaking suite na may programmatic na nilalaman ay lumabas sa kanyang repertoire. Ang isang makabuluhang yugto ay ang paglikha ng "Concerts of Sacred Music" (1965-66) para sa orkestra, koro, soloista at mananayaw. Nagpatuloy ang masiglang pagtatanghal ng malaking banda ng vibraphonist na si Lionel Hampton, na pangunahing nakatuon sa musika at kagandahan ng kanilang pinuno.

Unti-unti, ang ilang orkestra ay naging mga pormasyong pang-alaala na sumusuporta sa mga naitatag na tradisyon. Dahil dito, maaari nating pangalanan ang Glenn Miller Orchestra, na namatay noong 1944, ang Count Basie Orchestra, na umiiral sa ilalim ng parehong pangalan pagkatapos ng pagkamatay ng pinuno noong 1984, na pinamumunuan ni Mercer Ellington (anak ni Duke), at pagkatapos ng kanyang apo na si Paul Mercer Ellington, ang Duke Ellington Orchestra (d. . 1974).

Ang mga progresibong orkestra ay unti-unting nawala ang kanilang diwa ng pag-eeksperimento at nakakuha ng medyo karaniwang repertoire. Ang mga orkestra nina Woody Herman at Stan Kenton, na gumawa ng ilang mga kawili-wiling soloista, ay ipinasa ang baton sa mga nakababatang kasamahan. Kabilang sa mga ito, kinakailangang tandaan ang mga banda na lumikha ng isang bagong tunog batay sa maliwanag na kaayusan, polystylistics, at isang bagong paggamit ng tunog ng mga instrumentong tanso, lalo na ang mga trumpeta. Ang nasabing mga sentro ng pag-unlad sa tunog ng orkestra noong dekada 60 ay ang mga banda ng mga trumpeter na sina Maynard Fergusson at Don Ellis. Ang patuloy na paggalaw sa napiling direksyon ay naganap sa creative laboratory ng isa sa mga founder ng grupo, si Gil Evans. Ang kanyang sariling mga pagtatanghal, mga pag-record kasama si Miles Davis sa pagliko ng 50s at 60s, at karagdagang mga eksperimento sa modal na musika at mga elemento ng jazz rock noong 70s ay isang mahalagang indibidwal na trend sa kasaysayan ng jazz.

Noong dekada 70, isang malakas na impetus sa kilusan ng banda ang ibinigay ng isang orkestra na pinagsama-sama mula sa mga bata at napakalakas na musikero ng New York jazz scene ni trumpeter Thad Jones, isang dating miyembro ng Basie band, at drummer na si Mel Lewis, na tumugtog sa ang orkestra na si Stan Kenton. Sa loob ng isang dekada, ang banda na ito ay itinuturing na pinakamahusay, salamat sa napakagandang modernong kaayusan at mataas na antas ng mga instrumentalista. Na-disband ang orkestra dahil sa paglipat ni Jones sa Denmark, ngunit sinubukan itong suportahan ni Mel Louis sa mahabang panahon sa pakikipagtulungan ng trombonist at arranger na si Bob Brookmyer. Noong dekada 80, ang unang lugar sa hierarchy ng mundo ay inookupahan ng isang banda na nilikha ng Japanese pianist at arranger na si Toshiko Akiyoshi kasama ang kanyang asawa, ang saxophonist na si Lew Tabakin. Ang orkestra na ito ay hindi pangkaraniwan dahil ito ay nilikha ng isang babae; ito ay pangunahing gumaganap ng kanyang mga gawa, ngunit patuloy na sumusunod sa mga tradisyon ng orkestra ng Amerika. Noong 1985, ang orkestra ay binuwag, at si Akiyoshi ay nag-organisa ng isang bagong banda na tinatawag na "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra."

Noong 90s, ang genre ng malaking banda ay hindi natuyo, ngunit, marahil, pinalakas. Kasabay nito, ang hanay ng mga estilista ng orkestra ay lumawak. Ang konserbatibong pakpak, bilang karagdagan sa mga pang-alaala na orkestra, ay kinakatawan ng Lincoln Center Orchestra, na pinamumunuan ng isa sa mga pinakapaboritong musikero ng jazz ng opisyal, ang mahuhusay na trumpeter at kompositor na si Wynton Marsalis. Sinusubukan ng orkestra na ito na sundin ang linya ni Duke Ellington sa paglikha ng mga gawa na may malaking anyo at likas na programmatic. Higit na magkakaibang ang gawain ng napakalakas at mas modernong orkestra na pinangalanang Charles Mingus (The Mingus Big Band). Ang banda na ito ay umaakit sa mga musikero na may malikhaing pag-iisip. Higit pang mga radikal na ideya ang ipinapahayag ng iba't ibang "workshop" na pansamantala ang kalikasan, at ng magkakaibang mga banda na nagpapakilala ng higit pang mga ideyang avant-garde. Kabilang sa gayong mga orkestra ay ang mga banda ni Sam Rivers, George Gruntz, at maraming European conglomerates.

4. Hardbop. Nakakatuwa

Sa kaibahan sa refinement at coolness ng cool na istilo, ang katwiran ng progresibo sa East Coast ng Estados Unidos, ang mga batang musikero noong unang bahagi ng 50s ay nagpatuloy sa pagbuo ng tila naubos na estilo ng bebop. Ang paglago ng kamalayan sa sarili ng mga African American, na katangian ng 50s, ay may mahalagang papel sa kalakaran na ito. Nagkaroon ng panibagong pagtuon sa pananatiling tapat sa mga tradisyong improvisasyon ng African-American. Kasabay nito, ang lahat ng mga nagawa ng bebop ay napanatili, ngunit maraming mga pag-unlad ng cool ang idinagdag sa kanila kapwa sa larangan ng pagkakaisa at sa larangan ng mga ritmikong istruktura. Ang bagong henerasyon ng mga musikero, bilang panuntunan, ay may magandang edukasyon sa musika. Ang trend na ito, na tinatawag na "hardbop", ay naging napakarami. Kabilang dito ang mga trumpeter na sina Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianists na Thelonious Monk, Horace Silver, drummer na si Art Blakey, saxophonists na si Sonny Rollins, Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, double bassist na si Paul Chambers at marami pang iba.

Ang isa pang teknikal na pagbabago ay naging makabuluhan para sa pagbuo ng bagong istilo: ang hitsura ng mga talaan na matagal nang naglalaro. Naging posible na mag-record ng mahabang solos. Para sa mga musikero, ito ay naging isang tukso at isang mahirap na pagsubok, dahil hindi lahat ay nakakapagsalita nang buo at maikli sa mahabang panahon. Ang mga trumpeta ang unang nagsamantala sa mga kalamangan na ito, na binago ang istilo ni Dizzy Gillespie sa isang mas kalmado ngunit mas malalim na pagtugtog. Ang pinaka-maimpluwensyang ay sina Fats Navarro at Clifford Brown (pareho silang binigyan ng masyadong maikli sa buhay). Ang mga musikero na ito ay nagbigay ng pangunahing pansin hindi sa virtuosic high-speed na mga sipi sa itaas na rehistro, ngunit sa maalalahanin at lohikal na melodic na mga linya.

Ang pagiging kumplikado ng musikal na nakamit, halimbawa, ni Art Blakey, na gumamit ng mga kumplikadong ritmikong istruktura, ay hindi humantong sa pagkawala ng jazz, emosyonal na espirituwalidad. Ang parehong naaangkop sa mga bagong anyo sa mga improvisasyon ng Horace Silver o sa polyrhythmic figurations sa mga solo ni Sonny Rollins. Ang musika ay nagkaroon ng isang gilid, acerbity at isang bagong dimensyon ng swing. Isang espesyal na papel sa pagbuo ng hardbop ang ginampanan ni Art Blakey, na lumikha ng Jazz Messengers ensemble noong 1955. Ginampanan ng komposisyong ito ang papel ng isang paaralan kung saan nakilala at umunlad ang talento ng maraming kinatawan ng direksyong ito. Kabilang dito ang mga pianista na sina Bobby Timmons at Horace Silver, mga saxophonist na sina Benny Golson, Hank Mobley, mga trumpeter na sina Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis at marami pang iba. Ang "Jazz Messengers" ay umiiral pa rin sa isang anyo o iba pa, na nalampasan ang kanilang pinuno (1993).

Sinakop ng tenor saxophonist na si Sonny Rollins ang isang espesyal na lugar sa kalawakan ng mga hard bop musician. Ang kanyang istilo ay binubuo ng mga linya ni Parker at ang malawak na tono ni Coleman Hawkins, at ang kanyang pagbabago ay nauugnay sa kanyang ugali at spontaneity bilang isang improviser. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na kalayaan sa paggamit ng maharmonya na materyal. Noong kalagitnaan ng 50s, naakit ni Rollins ang atensyon sa mga kakaiba ng kanyang pagbigkas, na kumakatawan sa mga magagandang polyrhythmic figure na pumupunit sa harmonic na materyal na nagmumula sa tema. Sa kanyang melodic improvisations, lumalabas ang harshness ng sound at musical sarcasm.

Ang ilan sa mga musikang lumitaw sa panahon ng "hardbop" ay natural na sumisipsip ng mga asul, na ginagamit sa isang mabagal o katamtamang tempo na may espesyal na pagpapahayag, batay sa isang binibigkas na beat. Ang istilong ito ay tinatawag na "funky". Ang salita ay balbal at nangangahulugang isang tumitinding kahulugan ng isang masangsang, masangsang na amoy o lasa. Sa jazz, ito ay kasingkahulugan ng down-to-earth, "tunay" na musika. Ang hitsura ng sangay na ito ay hindi sinasadya. Noong 50s, nagsimulang lumayo ang jazz mula sa lumang Negro na kakanyahan ng jazz, at naging kapansin-pansin ang paghina ng jazz idiom. Ito ay naging lalong mahirap upang matukoy kung anong uri ng musika ang dapat na makita bilang jazz. Ang mga musikero ng jazz ay nag-eksperimento sa alamat ng iba't ibang mga bansa, naakit sila ng impresyonismo at atonalismo, at nagsimula silang makisali sa sinaunang musika. Hindi lahat ay natagpuan na ang mga prosesong ito ay sapat na nakakumbinsi. Ang ilang mga musikero ay bumaling sa mga komposisyon na may matinding lasa sa tunog ng mga tradisyonal na blues at mga relihiyosong awit. Sa una, ang elementong panrelihiyon ay may pandekorasyon sa halip na functional na layunin. Minsan ang mga makalumang hiyawan ng mga cotton field ay gumaganap ng papel ng isang pagpapakilala sa medyo tradisyonal na bebop figure. Si Sonny Rollins ay nagpapakita ng mga palatandaan ng istilong ito, ngunit ang pinakadakilang ekspresyon nito ay makikita sa pianist na si Horace Silver, na lumikha ng mga funky blues. Ang katapatan ng kanyang musika ay pinalakas ng mga relihiyosong motibo na gumabay sa musikero.

Mula sa istilong funky ay lumago ang pigura ni Charles Mingus - double bassist, kompositor at bandleader, isang musikero na hindi umaangkop sa balangkas ng isang partikular na istilo. Itinakda ni Mingus sa kanyang sarili ang gawain na pukawin ang napaka tiyak na emosyonal na sensasyon sa nakikinig. Kasabay nito, ang pag-load ay ibinahagi sa pagitan ng komposisyon mismo at ng mga musikero, na kailangang mag-improvise, nakakaranas ng tiyak na mga emosyong ito. Ang Mingus ay madaling mauuri bilang isa sa napakakaunting kompositor ng jazz. Itinuring niya ang kanyang sarili na isang tagasunod ni Duke Ellington at bumaling sa parehong lugar ng African-American na kultura, relihiyoso, mistisismo - isang lugar na nangangailangan ng paggamit ng mga funky style techniques..

5. Libreng jazz

Noong unang bahagi ng 60s, ang susunod na pag-unlad ng mga istilo ng jazz ay higit sa lahat dahil sa pagpapalakas ng kamalayan sa sarili ng lahi ng mga itim na musikero. Sa mga kabataan noong panahong iyon, ang prosesong ito ay ipinahayag sa napaka-radikal na mga anyo, kabilang ang jazz, na palaging naging outlet sa kultura ng mga African American. Sa musika, muli itong nagpakita ng sarili sa pagnanais na iwanan ang bahagi ng Europa at bumalik sa mga pinagmumulan ng ugat ng jazz. Sa bagong jazz, ang mga itim na musikero ay bumaling sa mga di-Kristiyanong relihiyon, pangunahin ang Budismo at Hinduismo. Sa kabilang banda, ang oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglitaw ng mga alon ng protesta, kawalang-tatag ng lipunan, anuman ang kulay ng balat (hippie movement, anarchism, passion for Eastern mysticism). Ang "Libreng jazz" na lumitaw sa oras na ito ay tumalikod sa buong pangunahing landas ng pag-unlad ng jazz, mula sa mainstream. Ang kumbinasyon ng kapunuan ng espirituwal at aesthetic na mga karanasan na may panimulang bagong diskarte sa organisasyon ng musikal na materyal ay ganap na nabakuran ng bagong jazz mula sa globo ng sikat na sining. Ito ay isang matalim na acceleration ng proseso na sinimulan ng mga boppers.

Ang Dixieland at swing stylists ay lumikha ng melodic improvisation, bebop, cool at hardbop na musikero ang sumunod sa mga chord structure sa kanilang mga solo. Ang libreng jazz ay isang radikal na pag-alis mula sa mga nakaraang estilo, dahil sa istilong ito ang soloista ay hindi obligadong sundin ang isang naibigay na direksyon o bumuo ng isang form alinsunod sa mga kilalang canon, maaari siyang pumunta sa anumang hindi mahuhulaan na direksyon. Sa una, ang pangunahing hangarin ng mga pinuno ng libreng jazz ay isang mapanirang oryentasyon na may kaugnayan sa ritmo, istraktura, pagkakatugma, at himig. Ang pangunahing bagay para sa kanila ay ang matinding pagpapahayag, espirituwal na kahubaran, at lubos na kaligayahan. Ang mga unang eksperimento ng mga bagong musikero ng jazz na sina Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp, Albert Ayler ay hindi nasira ang mga ugnayan sa mga pamantayan ng mainstream. Ang unang libreng pag-record ng jazz ay umapela pa rin sa mga harmonic pattern. Gayunpaman, unti-unting umabot ang prosesong ito sa matinding punto ng pagsira sa tradisyon. Nang ganap na ipinakilala ni Ornette Coleman ang libreng jazz sa mga madla sa New York (sa kabila ng katotohanan na si Cecil Taylor ay kilala nang mas maaga at medyo mahusay), marami sa mga bebop na musikero at jazz connoisseurs ang dumating sa konklusyon na ang musikang ito ay hindi maituturing na hindi lamang jazz, ngunit din, sa totoo lang, musika. Kaya, ang mga dating radikal ay naging konserbatibo sa wala pang 15 taon.

Ang isa sa mga unang sumisira ng mga canon ay si Cecil Taylor, na sa panahon ng kanyang mayorya ay isang napaka-sinanay na musikero. Nagtapos siya sa konserbatoryo, alam ang jazz, at nag-iisip tungkol sa paglalapat ng mga prinsipyo ng musika ng kompositor sa proseso ng improvisasyon. Noong 1956, siya, kasama ang saxophonist na si Steve Lacy, ay nakapaglabas ng isang rekord na naglalaman ng ilang ideya ng bagong jazz. Ang maagang namatay na pianista at kompositor na si Herbie Nichols ay sumusunod sa humigit-kumulang sa parehong landas, na nagmumula sa Thelonious Monk. Sa kabila ng kahirapan sa pagdama ng musika na hindi naglalaman ng mga conventional reference point, si Cecil Taylor ay naging isang sikat na pigura noong 1958, na pinadali ng kanyang mga pagtatanghal sa Five Spot club.

Hindi tulad ni Taylor, isa pang tagapagtatag ng libreng jazz, si Ornette Coleman, ay nagkaroon ng malawak na karanasan sa pagganap bago at, sa parehong oras, ay hindi kailanman naglaro ng "tama." Marahil si Coleman, nang hindi namamalayan, ay naging isang master ng primitivism. Ito naman, ay nagbigay sa kanya ng batayan para sa isang madaling paglipat sa hindi karaniwang musika, na nagawa niya kasama ang trumpet player na tumugtog ng pocket trumpet - si Don Cherry. Masuwerte ang mga musikero; naging interesado sa kanila ang double bassist na si Red Mitchell at ang pianist na si John Lewis, na naging maimpluwensya sa komunidad ng musika. Noong 1959, inilabas ng mga musikero ang album na "Something Else!!" at nagkaroon ng engagement sa Five Spot. Isang milestone para sa bagong jazz ang double-team ni Ornette Coleman na "Free Jazz" noong 1960.

Ang libreng jazz ay madalas na sumasalubong sa iba pang mga avant-garde na paggalaw, na, halimbawa, ay maaaring gamitin ang paghubog at pagkakasunud-sunod ng mga ritmikong istruktura. Mula noong ito ay nagsimula, ang libreng jazz ay nanatiling domain ng isang maliit na bilang ng mga tao at kadalasang matatagpuan sa ilalim ng lupa, gayunpaman ay lubos na nakaimpluwensya sa modernong mainstream. Sa kabila ng kabuuang pagtanggi, ang libreng jazz ay nakabuo ng isang tiyak na normativity na nagpapahintulot na ito ay makilala mula sa iba pang mga bagong paggalaw ng jazz. Ang mga kombensyong ito ay nauugnay sa pangkalahatang plano ng piyesa, ang pakikipag-ugnayan ng mga musikero, ritmikong suporta at, siyempre, ang emosyonal na eroplano. Dapat pansinin na ang isang lumang anyo ng kolektibong improvisasyon ay muling lumitaw sa libreng jazz. Ang libreng jazz ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtatrabaho sa isang "bukas na anyo", hindi nakatali sa mga partikular na istruktura. Ang diskarte na ito ay nagsimula na ring lumitaw sa mga musikero na hindi puro libreng jazz - tulad ng, halimbawa, ang mga kusang improvisasyon ni Keith Jarrett sa kanyang mga solo na konsyerto.

Ang pagtanggi sa "bagong jazz" mula sa European musical norms ay humantong sa napakalaking interes sa mga kulturang hindi European, pangunahin sa Silangan. Si John Coltrane ay seryosong kasangkot sa musikang Indian, Don Cherry - Indonesian at Chinese, Farrow Sanders - Arabic. Bukod dito, ang oryentasyong ito ay hindi mababaw, pandekorasyon, ngunit napakalalim, na may pagnanais na maunawaan at maunawaan ang buong katangian ng hindi lamang ang kaukulang musika, kundi pati na rin ang aesthetic at espirituwal na kapaligiran nito.

Ang mga libreng jazz idiom ay madalas na naging mahalagang bahagi ng polystylistic na musika. Ang isa sa mga pinaka-kapansin-pansing pagpapakita ng diskarteng ito ay ang gawain ng isang grupo ng mga itim na musikero sa Chicago na nagsimulang magtanghal noong 60s sa ilalim ng tangkilik ng Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Nang maglaon, nilikha ng mga musikero na ito (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) ang "Chicago Art Ensemble", na nangaral ng iba't ibang istilo mula sa African ritual spells at gospel music hanggang sa libreng jazz. Ang isa pang bahagi ng parehong proseso ay ipinakita sa gawain ng clarinetist at saxophonist na si Anthony Braxton, na malapit na nauugnay sa Chicago Art Ensemble. Ang kanyang musika ay parehong libre at intelektwal. Minsan ay gumagamit si Braxton ng mga prinsipyo sa matematika sa kanyang mga komposisyon, tulad ng teorya ng grupo, ngunit hindi nito binabawasan ang emosyonal na epekto ng kanyang musika. Ang mga pagtatalo tungkol sa posibilidad ng ganitong uri ng musika ay hindi humupa hanggang ngayon. Kaya, ang opisyal na awtoridad ng American jazz establishment, si Wynton Marsalis, ay mapanlait na tinawag si Braxton na "isang mahusay na manlalaro ng chess," habang sa parehong oras, sa mga botohan ng American Association of Jazz Journalists, ang Marsalis ay sunod sa Braxton sa kategorya ng mga kompositor ng jazz.

Dapat pansinin na sa simula ng 70s, ang interes sa libreng jazz ay nagsimulang makakuha ng mga malikhaing pag-iisip na musikero sa Europa, na madalas na pinagsama ang mga prinsipyo nito ng "kalayaan" sa mga pag-unlad ng European musical practice noong ika-20 siglo - atonality, serial technique , aleatorics, sonoristics, atbp. Sa kabilang banda, ang ilang mga libreng lider ng jazz ay lumalayo sa matinding radikalismo at, noong dekada 80, patungo sa ilang kompromiso, kahit na orihinal na mga bersyon ng musika. Kabilang sa mga ito ay Ornette Coleman na may "Prime Time" na proyekto, Archie Shepp at iba pa.

6. Pagbuo ng pagsasanib: jazz-rock. Fusion ECM. World Jazz

Ang orihinal na kahulugan ng "jazz rock" ay ang pinakamalinaw: isang kumbinasyon ng jazz improvisation na may enerhiya at ritmo ng rock music. Hanggang 1967, halos magkahiwalay ang mundo ng jazz at rock. Ngunit sa oras na ito, ang rock ay nagiging mas malikhain at mas kumplikado, ang psychedelic rock at soul music ay lumalabas. Kasabay nito, ang ilang mga musikero ng jazz ay nagsimulang mapagod sa purong hardbop, ngunit hindi nila nais na tumugtog ng mahirap na avant-garde na musika. Dahil dito, nagsimulang magpalitan ng ideya ang dalawang magkaibang idyoma at magsanib-puwersa. Simula noong 1967, ang gitaristang si Larry Coryell, ang vibraphonist na si Gary Burton, at noong 1969 ang drummer na si Billy Cobham kasama ang grupong "Dreams", kung saan nilalaro ang Brecker Brothers, ay nagsimulang makabisado ang mga bagong expanses ng istilo. Sa pagtatapos ng 60s, si Miles Davis ay nagkaroon ng kinakailangang potensyal na lumipat sa jazz rock. Isa siya sa mga tagalikha ng modal jazz, batay sa kung saan, gamit ang 8/8 na ritmo at mga elektronikong instrumento, gumawa si Miles ng bagong hakbang sa pamamagitan ng pag-record ng mga album na "Bitches Brew", "In a Silent Way". Kasama niya sa oras na ito ang isang napakatalino na kalawakan ng mga musikero, na marami sa kanila ay naging mga pangunahing tauhan ng kilusang ito - sina John McLaughlin, Joe Zawinul, Herbie Hancock. Ang katangiang asetisismo, kaiklian, at pilosopikal na pagmumuni-muni ni Davis ay naging bagay lamang sa bagong istilo. Noong unang bahagi ng 1970s, ang jazz rock ay may sariling natatanging pagkakakilanlan bilang isang malikhaing istilo ng jazz, bagama't ito ay tinutuya ng maraming jazz purists. Ang mga pangunahing grupo ng bagong direksyon ay ang "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", at iba't ibang Miles Davis ensembles. Naglaro sila ng mataas na kalidad na jazz-rock na pinagsama ang isang malaking hanay ng mga diskarte mula sa parehong jazz at rock.

Fusion

Para sa karamihan mga kawili-wiling komposisyon Ang Jazz-rock ay nailalarawan sa pamamagitan ng improvisasyon, na sinamahan ng mga komposisyon na solusyon, ang paggamit ng mga harmonic at ritmikong prinsipyo ng rock music, ang aktibong sagisag ng melody at ritmo ng Silangan, ang malakas na pagpapakilala ng mga elektronikong paraan ng pagproseso ng tunog at synthesis sa musika. Sa istilong ito, lumawak ang hanay ng paggamit ng mga prinsipyo ng modal, at lumawak ang hanay ng iba't ibang mga mode, kabilang ang mga kakaiba. Noong dekada 70, naging sikat ang jazz-rock; sumali rito ang mga pinaka-aktibong musikero. Ang jazz-rock, na mas binuo sa mga tuntunin ng synthesis ng iba't ibang paraan ng musikal, ay tinatawag na "fusion" (fusion, merging). Ang isang karagdagang salpok para sa "fusion" ay isa pa (hindi ang una sa kasaysayan ng jazz) na yumuko patungo sa European akademikong musika. Sa katunayan, sa yugtong ito, ang pagsasanib ay nagpapatuloy sa linya ng "ikatlong kilusan" ng 50s.

Ang kumbinasyon ng iba't ibang mga impluwensya sa kultura ay makikita kahit na sa komposisyon ng mga pinaka-kagiliw-giliw na ensembles. Ang isang tipikal na halimbawa ay Weather Report, na pinangunahan noong una ng Americanized Austrian keyboardist na si Joseph Zawinul at ang American saxophonist na si Wayne Shorter, na bawat isa ay dumaan sa iba't ibang oras sa paaralan ng Miles Davis. Pinagsama-sama ng grupo ang mga musikero mula sa Brazil, Czechoslovakia, at Peru. Kasunod nito, nagsimulang makipagtulungan ang mga instrumentalist at vocalist mula sa halos buong mundo sa Zawinul. Sa kahalili ng "Weather Report", ang "Syndicat" na proyekto, ang heograpiya ng mga musikero ay umaabot mula Tuva hanggang South America.

Sa kasamaang palad, sa paglipas ng panahon, ang jazz rock ay higit na nakakakuha ng mga tampok ng komersyal na musika; sa kabilang banda, ang rock mismo ay umaabandona sa marami sa mga malikhaing pagtuklas na ginawa noong kalagitnaan ng 1970s. Sa maraming mga kaso, ang fusion ay talagang nagiging kumbinasyon ng jazz na may kumbensyonal na pop music at light rhythm at blues; crossover. Ang mga ambisyon ng Fusion music para sa lalim at pagpapalakas ng musika ay nananatiling hindi natutupad, bagama't sa mga bihirang kaso ay nagpapatuloy ang paghahanap, tulad ng sa mga grupo tulad ng Tribal Tech at Chick Corea's ensembles.

Electric Jazz

Ang paggamit ng mga electronic sound converter at synthesizer ay napatunayang lubhang kaakit-akit sa mga musikero na pangunahing nasa hangganan ng rock o komersyal na musika. Sa katotohanan, medyo kakaunti ang mga mabungang halimbawa sa pangkalahatang masa ng electric music. Halimbawa, nakamit ni Joe Zawinul ang isang napakaepektibong pagsasanib ng mga elemento ng etniko at tonal sa proyekto ng Ulat sa Panahon. Si Herbie Hancock sa loob ng mahabang panahon ay naging isang idolo hindi gaanong karami sa publiko bilang ng mga musikero, gamit ang mga synthesizer, maraming mga keyboard at iba't ibang mga elektronikong trick noong 70s at 80s. Noong 90s, ang lugar na ito ng musika ay lalong lumipat sa non-jazz sphere. Ito ay pinadali ng pinalawak na mga kakayahan ng paglikha ng musika sa computer, na, na may ilang mga pakinabang at kakayahan, ay nawawalan ng koneksyon sa pangunahing kalidad ng jazz - improvisasyon.

Mula noong unang bahagi ng 70s, ang isang hiwalay na angkop na lugar sa komunidad ng mga istilo ng jazz ay inookupahan ng kumpanyang Aleman na ECM (Edition of Contemporary Music), na unti-unting naging sentro ng isang asosasyon ng mga musikero na nagpahayag ng hindi gaanong kalakip sa African-American. pinagmulan ng jazz, ngunit sa halip ang kakayahang malutas ang isang malawak na iba't ibang mga gawaing masining, nang hindi nililimitahan ang sarili sa isang tiyak na istilo, ngunit naaayon sa proseso ng malikhaing improvisasyon. Sa paglipas ng panahon, ang isang tiyak na personalidad ng kumpanya ay nabuo pa rin, na humantong sa paghihiwalay ng mga artista ng label na ito sa isang malakihan at malinaw na tinukoy na direksyon ng istilo. Ang pokus ng tagapagtatag ng label na si Manfred Eicher sa pagsasama-sama ng iba't ibang jazz idioms, world folklore at bagong akademikong musika sa isang solong impresyonistikong tunog ay naging posible na gamitin ang mga paraan upang maangkin ang lalim at pilosopikal na pag-unawa sa mga halaga ng buhay.

Ang pangunahing recording studio ng kumpanya, na matatagpuan sa Oslo, ay malinaw na nauugnay sa nangingibabaw na papel sa catalog ng mga musikero ng Scandinavian. Una sa lahat, ito ang mga Norwegian na sina Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer, Jon Christensen. Gayunpaman, ang heograpiya ng ECM ay sumasaklaw sa buong mundo. Narito ang mga European na sina John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin at mga kinatawan ng mga kulturang hindi European Egberto Giismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem at marami pang iba . Ang American Legion ay hindi gaanong kinatawan - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie (John Abercrombie), Leo Smith. Ang unang rebolusyonaryong salpok ng mga publikasyon ng kumpanya ay naging isang meditative at hiwalay na tunog ng mga bukas na anyo na may maingat na pinakintab na mga layer ng tunog. Naturally, tumawid si Eicher sa di-nakikitang linya na naghihiwalay sa maraming pagtatangka na pagsamahin ang jazz at akademikong European music. Hindi na ito pangatlong agos, ngunit isang agos lamang na dumadaloy nang maayos sa "Bagong Serye" ng ECM na may pang-akademikong musika, napakalapit sa diwa ng mga paglabas ng jazz. Ang direksyon ng patakaran ng label na lampas sa mga hangganan ng kultura ng masa, gayunpaman, ay humantong sa pagtaas ng katanyagan ng ganitong uri ng musika, na makikita bilang isang uri ng kabalintunaan. Itinatanggi ng ilang mga pangunahing tagasunod ang landas na pinili ng mga musikero ng kalakaran na ito; gayunpaman, tulad ng jazz Kultura ng daigdig, ay umuunlad sa kabila ng mga pagtutol na ito, at gumagawa ng napakakahanga-hangang mga resulta.

World Jazz

"World Jazz" (World Jazz) - isang kakaibang tunog na termino sa Russian, ay tumutukoy sa pagsasanib ng Third World na musika, o "World Music", na may jazz. Ang napaka branched na direksyon na ito ay maaaring nahahati sa ilang uri.

Ethnic na musika na may kasamang jazz improvisation, gaya ng Latin jazz. Sa kasong ito, kung minsan ang solo lamang ang improvised. Ang saliw at komposisyon ay mahalagang kapareho ng sa musikang etniko mismo;

Jazz, na nagsama ng mga limitadong aspeto ng non-Western na musika. Kasama sa mga halimbawa ang lumang recording na "A Night in Tunisia" ni Dizzy Gillespie, at ang musika sa ilan sa mga quartet at quintet record ni Keith Jarrett na inilabas noong 1970s sa label na Impulse!, gamit ang bahagyang binagong mga instrumento sa Middle Eastern at mga katulad na harmonic technique. Kabilang dito ang ilan sa mga musika ni Sun Ra mula 50s hanggang 90s, na kinabibilangan ng African rhythms, ang ilan sa mga recording ni Yusef Lateef gamit ang tradisyonal na mga instrumento at pamamaraan ng Islam;

Ang mga bagong istilo ng musikal na umuusbong sa pamamagitan ng mga organikong paraan ng pagsasama-sama ng jazz improvisation sa mga orihinal na ideya at instrumento, harmonies, komposisyonal na pamamaraan at ritmo ng isang umiiral na etnikong tradisyon. Lumalabas na orihinal ang resulta, at malinaw na sinasalamin nito ang mahahalagang aspeto ng etnisidad. Ang mga halimbawa ng diskarte na ito ay marami at kasama ang mga ensembles ng Don Cherry, Codona at Nu; ilan sa mga musika ni John McLaughlin mula 70s hanggang 90s, batay sa mga tradisyon ng Indian; ilan sa mga musika ni Don Ellis mula sa 70s, na humiram ng mga ideya mula sa musika ng India at Bulgaria; ang gawa ni Andy Narell noong dekada 90, na pinaghalo ang musika at mga instrumento ng Trinidad sa mga jazz at funk improvisation.

Hindi ito ang unang pagkakataon na sinundan ng "World Fusion Jazz" ang landas na ito sa kasaysayan ng jazz, at ang trend na ito mismo ay hindi nalalapat ng eksklusibo sa American jazz. Halimbawa, ang musikang Polynesian ay hinaluan ng mga istilong pop sa Kanluran noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo, at ang tunog nito ay lumitaw mula sa ilan sa mga pinakaunang musikero ng jazz. Ang mga ritmo ng sayaw sa Caribbean ay naging isang mahalagang bahagi ng kulturang popular ng Amerika sa buong ikadalawampu siglo, at dahil ang mga musikero ng jazz ay madalas na nag-improvised sa mga tema ng pop music, halos tuluy-tuloy na pinaghalo ang mga ito. Pinagsama ni Django Reinhardt ang mga tradisyon ng gypsy music, French impressionism at jazz improvisation noong 30s sa France. Ang listahan ng mga musikero na aktibo sa rehiyon ng hangganan ay maaaring magsama ng daan-daan at libu-libong mga pangalan. Kabilang sa mga ito, halimbawa, ang iba't ibang mga tao tulad ng Al DiMeola, ang grupong "Dead Can Dance", Joe Zawinul, ang grupong "Shakti", Lakshminarayana Shankar, Paul Winter, Trilok Gurtu at marami pang iba.

7. Pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

Ang modernong funk ay tumutukoy sa mga sikat na istilo ng jazz mula 70s at 80s kung saan tumutugtog ang mga accompanist sa istilo ng black pop-soul at funk na musika, habang ang malawak na solo improvisation ay mas malikhain at jazzy sa kalikasan. Sa halip na gamitin ang magkakaibang, naipon na repertoire ng jazz idioms na makikita sa modernong jazz saxophonists (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), karamihan sa mga saxophonist sa ganitong istilo ay gumagamit ng sarili nilang hanay ng mga simpleng parirala na binubuo ng mga blues na sigaw at daing. Bumuo sila sa isang tradisyon na dinala mula sa mga saxophone solo sa ritmo at mga blues na vocal recording ng mga tulad ni King Curtis kasama ang Coasters, Junior Walker kasama ang Motown vocal group, David Sanborn Sanborn) kasama ang "Blues Band" ni Paul Butterfield. Ang isang kilalang tao sa genre na ito ay si Grover Washington, Jr., na kadalasang naglalaro ng mga solo sa istilo ni Hank Crawford gamit ang mala-funk na saliw. Ito ay kung paano siya lumilitaw sa kanyang pinakatanyag na mga pag-record, bagaman ang Washington ay may kakayahang tumugtog ng musika sa iba pang mga estilo ng jazz. Nakamit ng mga miyembro ng The Jazz Crusaders Felder Wilton at Joe Sample ang malawakang katanyagan sa pamamagitan ng makabuluhang pagbabago sa kanilang repertoire noong dekada 70 at pag-alis ng salitang "jazz" sa pangalan ng grupo. Karamihan sa musika nina Michael Brecker, Tom Scott at kanilang mga mag-aaral ay gumagamit ng pamamaraang ito, bagama't madali silang tumugtog sa mga istilo ni John Coltrane o Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott at ang kanilang mga kontemporaryo ay gumagana din sa estilo ng "modernong funk". Sa pagitan ng 1971 at 1992, pinangunahan ni Miles Davis ang mga ensemble na gumaganap ng isang sopistikadong pagkakaiba-iba ng estilo, bagaman ang mga saxophonist sa kanyang mga grupo ay naimpluwensyahan ni John Coltrane at ang kanyang mga gitarista ay nagpakita ng modernong jazz mindset na isinama sa impluwensya ni Jimi Hendrix. Karamihan sa modernong funk ay maaari ding uriin bilang "crossover".

Acid jazz

Itinuturing ng marami na ang mga huling komposisyon ni Miles Davis ang nagtatag ng kalakaran na ito. Ang terminong "acid jazz" ay itinalaga sa isa sa mga uri ng light jazz na musika, pangunahin sa isang genre ng sayaw, na pinag-isa ng katotohanang ito ay bahagyang nilalaro ng "live" na mga musikero, at ang iba ay kinuha alinman sa sample na anyo o sa ang anyo ng mga tunog, para sa Ang produksyon nito ay gumagamit ng mga tala, kadalasang luma, vinyl apatnapu't lima, na ginawa para sa mga disco. Ang resulta ng musika ay maaaring maging anumang istilo, gayunpaman, na may binagong tunog. Ang radikal na "punk jazz", "soul", "fusion" ay higit na kanais-nais para sa mga layuning ito. Ang acid jazz ay mayroon ding mas radikal na avant-garde wing - isang halimbawa ay ang gawa ng British guitarist na si Derek Bailey. Ang pinagkaiba ng acid jazz sa disco version ay ang malaking kontribusyon ng "live" na pagtugtog ng mga musikero. Tila, ang direksyong ito ay may hinaharap na nagpapahintulot na ito ay umunlad.

Сrossover

Sa unti-unting pagbaba sa aktibidad ng rock music (mula sa artistikong pananaw), simula sa unang bahagi ng 70s, na may pagbaba sa daloy ng mga ideya mula sa mundo ng rock, fusion music (isang kumbinasyon ng jazz improvisation na may rock rhythms ) naging mas prangka. Kasabay nito, marami ang nagsimulang mapagtanto na ang electric jazz ay maaaring maging mas komersyal, ang mga producer at ilang mga musikero ay nagsimulang maghanap ng gayong mga kumbinasyon ng mga estilo upang madagdagan ang mga benta. Talagang matagumpay silang nakagawa ng isang uri ng jazz na mas naa-access sa karaniwang tagapakinig. Sa nakalipas na dalawang dekada, maraming iba't ibang kumbinasyon ang lumitaw kung saan gustong gamitin ng mga promoter at publicist ang pariralang "Modern Jazz", na ginamit upang ilarawan ang "mga pagsasanib" ng jazz na may mga elemento ng pop, rhythm at blues at "world music". Gayunpaman, ang salitang "crossover" ay mas tumpak na naglalarawan sa kakanyahan ng bagay. Nakamit ng crossover at fusion ang kanilang layunin na pataasin ang audience para sa jazz, lalo na sa mga sawa na sa ibang mga istilo. Sa ilang mga kaso, ang musikang ito ay karapat-dapat ng pansin, bagaman sa karamihan ng mga kaso ang nilalaman ng jazz dito ay nabawasan sa zero. Para sa isang estilo na mahalagang pop music na may kaunting improvisasyon na tumatagal ng musika sa kabila ng mga hangganan ng jazz, ang terminong "instrumental pop" ay mas angkop kaysa sa iba. Ang mga halimbawa ng crossover style ay mula sa Al Jarreau at George Benson's vocal recording hanggang Kenny G, Spyro Gyra at ang Rippingtons. Mayroong impluwensyang jazz sa lahat ng ito, ngunit, gayunpaman, ang musikang ito ay umaangkop sa larangan ng pop art, na kinakatawan ni Gerald Albright, David Benoit, Michael Brecker, Randy Brecker, "The Crusaders", George Duke, saxophonist Bill Evans , Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione Mangione), Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Makinis

Ang "Smooth jazz" ay isang produkto ng fusion style, na nagbibigay-diin sa malambot at makinis na bahagi ng musika. Sa pangkalahatan, mas umaasa ang makinis na jazz sa mga ritmo at melodic na linya sa halip na improvisasyon. Gumagamit ito ng mga sound layer ng mga synthesizer, funk rhythms, funk bass, nababanat na linya ng gitara at trumpeta, alto o soprano saxophone. Ang musika ay hindi cerebral tulad ng hardbop, ngunit hindi ito masyadong masigla tulad ng funky o soul jazz. Ang mga makinis na komposisyon ng jazz ay mukhang simplistic, mababaw, at makintab, na ang pangkalahatang tunog ay mas mahalaga kaysa sa mga indibidwal na bahagi. Ang mga karaniwang kinatawan ng makinis na istilo ay sina George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

Ang Jazz ay ang musika ng kaluluwa, at mayroon pa ring walang katapusang dami ng debate tungkol sa kasaysayan ng direksyong pangmusika na ito. Maraming naniniwala na ang jazz ay nagmula sa New Orleans, habang ang iba ay naniniwala na ang jazz ay unang ginawa sa Africa, na binabanggit ang mga kumplikadong ritmo at lahat ng uri ng pagsasayaw, pagtapak at pagpalakpak. Ngunit hinahamon kita na mas kilalanin ang buhay na buhay, masigla, at patuloy na nagbabagong jazz.

Ang pinagmulan ng jazz ay dahil sa maraming dahilan. Ang simula nito ay pambihira, pabago-bago, at sa ilang sukat ay nakatulong dito ang mga mahimalang pangyayari. Sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, naganap ang pagbuo ng musikang jazz; ito ay naging utak ng mga kultura ng Europa at Africa, isang uri ng pagsasanib ng mga anyo at uso ng dalawang kontinente.

Karaniwang tinatanggap na ang pagsilang ng jazz ay nagsimula sa isang paraan o iba pa sa pag-angkat ng mga alipin mula sa Africa patungo sa teritoryo ng Bagong Mundo. Ang mga taong dinala sa isang lugar ay madalas na hindi nagkakaintindihan at, kung kinakailangan, isang pag-iisa ng maraming kultura ang naganap, kasama na ito dahil sa pagsasama ng mga kulturang musikal. Ganito ipinanganak si jazz.

Ang timog ng Amerika ay itinuturing na sentro ng pag-unlad ng kultura ng jazz, at upang maging mas tumpak, ito ay New Orleans. Kasunod nito, ang maindayog na melodies ng jazz ay maayos na dumadaloy sa isa pang kabisera ng musika, na matatagpuan sa hilaga - Chicago. Doon, ang mga pagtatanghal sa gabi ay partikular na hinihiling, ang hindi kapani-paniwalang pag-aayos ay nagbigay ng espesyal na pampalasa sa mga gumaganap, ngunit ang pinakamahalagang tuntunin ng jazz ay palaging improvisasyon. Ang isang natatanging kinatawan ng panahong iyon ay ang walang katulad na Louis Armstrong.

Panahon 1900-1917 Sa New Orleans, ang kilusang jazz ay aktibong umuunlad, at ang konsepto ng isang "New Orleans" na musikero, pati na rin ang panahon ng 20s, ay ginagamit. Ang ika-20 siglo ay karaniwang tinatawag na "panahon ng jazz." Ngayon na nalaman namin kung saan at paano lumitaw ang jazz, ito ay nagkakahalaga ng pag-unawa sa mga natatanging tampok ng direksyon ng musikal na ito. Una sa lahat, ang jazz ay batay sa isang partikular na polyrhythm, na umaasa sa mga syncopated na ritmo. Ang Syncopation ay isang paglipat ng diin mula sa isang malakas na beat patungo sa isang mahina, iyon ay, isang sadyang paglabag sa maindayog na accent.

Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng jazz at iba pang mga paggalaw ay ang ritmo, o sa halip ang arbitrary na pagpapatupad nito. Ang kalayaang ito ang nagbibigay sa mga musikero ng pakiramdam ng libre at nakakarelaks na pagganap. Sa mga propesyonal na bilog ito ay tinatawag na swing. Ang lahat ay sinusuportahan ng isang maliwanag at makulay na hanay ng musika at, siyempre, hindi mo dapat kalimutan ang tungkol sa pangunahing tampok - improvisasyon. Ang lahat ng ito, na sinamahan ng talento at pagnanais, ay nagreresulta sa isang sensual at ritmikong komposisyon na tinatawag na jazz.

Ang karagdagang pag-unlad ng jazz ay hindi gaanong kawili-wili kaysa sa mga pinagmulan nito. Kasunod nito, lumitaw ang mga bagong direksyon: swing (1930s), bebop (1940s), cool jazz, hard pop, soul jazz at jazz-funk (1940s-1960s). Sa panahon ng swing, ang kolektibong improvisasyon ay nawala sa background; ang isang soloista lamang ang makakaya ng gayong karangyaan; ang iba pang mga musikero ay kailangang sumunod sa inihandang komposisyon ng musikal. Noong 1930s Nagkaroon ng galit na galit na paglaki ng gayong mga grupo, na kalaunan ay nakilala bilang malalaking banda. Ang pinakakilalang kinatawan ng panahong ito ay itinuturing na Duke Ellington, Benny Goodman, at Glen Miller.

Pagkalipas ng sampung taon, muling naganap ang isang rebolusyon sa kasaysayan ng jazz. Hindi na sila bumalik sa uso malalaking grupo, na karamihan ay binubuo ng mga itim na performer, kung saan lahat ng kalahok ay kayang bayaran ang improvisasyon. Ang mga bituin sa turning point ay sina Charlie Parker at Dizzy Gillespie. Hinangad ng mga musikero na ibalik ang jazz sa dati nitong kagaanan at kadalian, at lumayo sa komersyalismo hangga't maaari. Dumating sa maliliit na orkestra ang malalaking banda na pagod na sa maingay na pagtatanghal at malalaking bulwagan na gusto lang mag-enjoy sa musika.

Musika 1940-1960s ay sumailalim sa isang malaking pagbabago. Hinati si Jazz sa dalawang grupo. Ang isa ay katabi ng klasikal na pagganap; ang cool na jazz ay sikat sa kanyang pagpigil at mapanglaw. Ang mga pangunahing kinatawan ay sina Chet Baker, Dave Brubeck, Miles Davis. Ngunit binuo ng pangalawang grupo ang mga ideya ng bebop, kung saan ang mga pangunahing ay maliwanag at agresibong ritmo, paputok na soloing at, siyempre, improvisasyon. Sa ganitong istilo, ang tuktok ng pedestal ay kinuha nina John Coltrane, Sonny Rollins at Art Blakey.

Ang huling punto sa pag-unlad ng jazz ay noong 1950, nang ang jazz ay sumanib sa iba pang mga estilo ng musika. Kasunod nito, lumitaw ang mga bagong anyo, at nabuo ang jazz sa USSR at CIS. Ang mga kilalang kinatawan ng Russia ay sina Valentin Parnakh, na lumikha ng unang orkestra sa bansa, sina Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan at Alexander Varlamov. Ngayon sa modernong mundo Mayroon ding masinsinang pag-unlad ng jazz, ang mga musikero ay nagpapatupad ng mga bagong anyo, subukan, pagsamahin at makamit ang tagumpay.

Ngayon alam mo na ang higit pa tungkol sa musika, at partikular na tungkol sa jazz. Ang jazz ay hindi musika para sa lahat, ngunit kahit na hindi ka ang pinakamalaking tagahanga ng genre na ito, tiyak na sulit itong pakinggan upang mapunta sa kasaysayan. Maligayang pakikinig.

Victoria Lyzhova

Ang nilalaman ng artikulo

JAZZ(English jazz), isang generic na konsepto na tumutukoy sa ilang uri ng musikal na sining, na naiiba sa bawat isa sa istilo at sa mga gawaing masining, at sa pamamagitan ng papel sa pampublikong buhay. Ang terminong jazz (orihinal na jass) ay hindi lumitaw hanggang sa pagliko ng ika-19–20 na siglo; maaari itong magmula sa French jaser (na may kahulugang "to chat", na napanatili sa American slang: jazz - "lies", " walang kapararakan"), at mula sa kung saan - isang salita sa isa sa mga wikang Aprikano na may tiyak na erotikong kahulugan, lalo na dahil sa natural na pariralang jazz dance ("jazz dance") ang parehong kahulugan ay dinala ng salitang sayaw mula noong Mga panahon ng Shakespearean. Sa pinakamataas na bilog ng Bago at Lumang Mundo, ang salita, na kalaunan ay naging dalisay terminong pangmusika, ay nauugnay sa isang bagay na maingay, bastos, marumi. Ang manunulat ng Ingles na si Richard Aldington sa paunang salita sa nobela Kamatayan ng isang Bayani, na naglalarawan sa "katotohanan ng mga trenches" at ang pagkawala ng moralidad ng personalidad pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, ay tinawag ang kanyang nobela na "jazz."

Pinagmulan.

Ang Jazz ay lumitaw bilang isang resulta ng isang mahabang pakikipag-ugnayan sa pagitan ng iba't ibang mga layer ng musikal na kultura sa buong North America, saanman ang mga itim na alipin mula sa Africa (pangunahin sa Kanluran) ay kailangang makabisado ang kultura ng kanilang mga puting amo. Kabilang dito ang mga relihiyosong himno - mga espirituwal, at ang pinakakaraniwang anyo ng pang-araw-araw na musika (brass band), at rural folklore (sa mga itim - skiffle), at higit sa lahat - salon piano music ragtime - ragtime (literal na "ragged rhythm").

palabas ng Minstrel.

Ang musikang ito ay ipinalaganap sa pamamagitan ng paglalakbay sa mga “minstrel theaters” (hindi dapat ipagkamali sa medieval European term) - mga palabas sa minstrel, makulay na inilarawan ni Mark Twain sa Ang Mga Pakikipagsapalaran ng Huckleberry Finn at ang musikal ni Jerome Kern Showboat. Ang mga tropa ng minstrel show, na naglarawan sa buhay ng mga Negro, ay binubuo ng parehong mga puti (ang unang sound film ay kabilang din sa genre na ito. mang-aawit ng jazz, kung saan ang papel ng isang itim na tao ay ginampanan ng Lithuanian Jew Al Jolson, at ang pelikula mismo ay walang kinalaman sa jazz bilang isang sining), at mula sa mga itim na musikero, sa kasong ito ay pinilit na parody ang kanilang mga sarili.

Ragtime.

Salamat sa palabas na minstrel, nalaman ng publiko na nagmula sa Europa ang tungkol sa kung ano ang magiging jazz sa kalaunan, at tinanggap nila ang piano ragtime bilang kanilang sariling sining. Hindi nagkataon lang na ang manunulat na si E. Doctorow at ang direktor ng pelikula na si M. Forman ay ginawang "punit na oras" ang aktwal na konsepto ng musika ng "punit na ritmo" - isang simbolo ng mga pagbabagong iyon na sa Lumang Mundo ay itinalaga bilang "katapusan ng siglo.” Sa pamamagitan ng paraan, ang mala-drum na katangian ng ragtime (nagmula sa tipikal na European late-romantic pianism) ay labis na pinalaki dahil sa katotohanan na ang pangunahing paraan ng pamamahagi nito ay ang mekanikal na piano, na hindi naghatid ng mga subtleties ng piano technique. Sa mga itim na ragtime na mang-aawit-songwriter ay mayroon ding mga seryosong kompositor, tulad ni Scott Joplin. Ngunit sila ay naging interesado lamang makalipas ang pitumpung taon, pagkatapos ng tagumpay ng aksyon na pelikula Masakit(1973), ang soundtrack na kung saan ay batay sa mga komposisyon ng Joplin.

Mga asul.

Sa wakas, walang jazz kung wala ang blues (ang blues ay orihinal na isang collective plural, na nagsasaad ng isang estado ng kalungkutan, mapanglaw, kawalan ng pag-asa; ang konsepto ng "pagdurusa" ay nakakakuha ng parehong dobleng kahulugan sa ating bansa, bagaman ito ay nagpapahiwatig ng isang ganap na naiibang musikal. genre sa kalikasan). Ang Blues ay isang solo (bihirang isang duet) na kanta, ang kakaiba nito ay hindi lamang sa partikular na anyo ng musikal, kundi pati na rin sa vocal at instrumental na karakter nito. Ang pormatibong prinsipyo na minana mula sa Africa ay mabilis na tanong soloista at ang parehong maikling tugon mula sa koro (tawag at tugon, sa anyo ng koro ay lumilitaw sa espirituwal na mga himno: ang "tanong" ng mangangaral - ang "sagot" ng mga parokyano) - sa mga asul ito ay naging isang vocal-instrumental prinsipyo: nagtatanong ang may-akda-tagaganap (at inuulit ito sa pangalawang linya) at sinasagot ang kanyang sarili, kadalasan sa gitara (mas madalas sa banjo o piano). Blues – Bato ng pundasyon at modernong pop music, mula sa black rhythm at blues hanggang sa rock music.

Archaic na jazz.

Sa jazz, ang mga pinagmulan nito ay pinagsama sa iisang channel, na nangyari sa ikalawang kalahati ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Kadalasan, ang magkahiwalay na mga sapa ay arbitraryong konektado sa isa't isa: halimbawa, ayon sa isa sa mga tradisyon ng Aprika, ang mga bandang tanso ay naglalaro ng mga martsa ng libing sa daan patungo sa sementeryo, at mga masasayang sayaw sa pagbabalik. Sa maliliit na pub, kumakanta ang mga wandering blues na mang-aawit-songwriter sa saliw ng piano (ang paraan ng pagganap ng mga blues sa piano noong huling bahagi ng 1920s ay magiging isang independiyenteng genre ng musika, boogie-woogie), ang mga tipikal na European salon orchestra ay may kasamang mga kanta at sayaw mula sa kanilang mga minstrel na palabas sa kanilang repertoire, cakewalk (o cakewalk, cake-walk - sayaw sa ragtime na musika). Natutunan ng Europa ang ragtime nang tumpak bilang isang saliw sa huli (ang sikat Puppet cakewalk Claude Debussy). At ang katangiang African-American na plastic na sining ay ginawa sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo. walang mas kaunti, kung hindi higit pa, kahanga-hanga kaysa sa syncopated salon music). Sa pamamagitan ng paraan, ang mga rekord ng isang brass band ng isa sa mga Russian imperial regiment na may cakewalk ay napanatili. Pangarap ni Negro. Ang lahat ng mga kumbinasyong ito ay karaniwang tinatawag na archaic jazz.

Kung kinakailangan, sinamahan ng mga ragtime pianist, kasama ang mga brass band, ang mga mang-aawit at bokalista ng blues, at sila naman ay nagsama ng entertainment at salon repertoire sa kanilang mga programa. Ang ganitong musika ay maaari nang ituring na jazz, kahit na tinawag ng mga unang banda ang kanilang sarili, tulad ng sa sikat na kanta, at pagkatapos ay ang pelikulang musikal ni Irvine Berlin - "ragtime orchestras".

New Orleans.

Ito ay pinaniniwalaan na ang pinaka-kanais-nais na mga pangyayari ay sinamahan ng pagbuo ng jazz sa daungan ng lungsod ng New Orleans. Ngunit dapat nating tandaan na ang jazz ay ipinanganak saanman nagkaroon ng interpenetration ng African-American at European na mga kultura.

Sa New Orleans, dalawang kulturang Aprikano-Amerikano ang magkakasamang nabuhay: ang mga Creole (mga itim na nagsasalita ng Pranses, karaniwang mga Katoliko) na nagtamasa ng kamag-anak na kalayaan at ang mga aliping Protestante ng Anglo-Saxon na pinalaya pagkatapos ng Digmaang Sibil ng Amerika. Bagama't ang mga kalayaang sibil ng mga Creole na nagsasalita ng Pranses ay kamag-anak din, mayroon pa rin silang access sa klasikal na kulturang pinagmulan ng Europa, na, sabi nga, sa Puritan New England kahit na ang mga imigrante mula sa Europa ay pinagkaitan. Ang opera house, halimbawa, ay nagbukas sa New Orleans nang mas maaga kaysa sa mga lungsod ng Puritan sa Northern United States. Sa New Orleans, pinapayagan ang pampublikong libangan sa mga pista opisyal - sayawan, mga karnabal. Hindi gaanong mahalagang papel ang ginampanan ng presensya sa New Orleans ng distrito ng "mga pulang ilaw", Storyville, na obligado para sa isang daungan.

Ang mga brass band sa New Orleans, tulad ng sa Europa, ay naging mahalagang bahagi ng buhay sa lungsod. Ngunit sa komunidad ng African-American, ang brass band ay sumailalim sa isang radikal na pagbabago. Mula sa isang maindayog na pananaw, ang kanilang musika ay kasing primitive ng mga sayaw at martsa sa Europa, at walang pagkakatulad sa jazz sa hinaharap. Ang pangunahing melodic na materyal ay makatwiran at compact na ipinamahagi sa pagitan ng tatlong mga instrumento: lahat ng tatlo ay tumugtog ng parehong tema - ang cornet (trumpeta) ay dinadala ito nang higit pa o mas malapit sa orihinal, ang mobile clarinet ay tila lumiliko sa paligid ng pangunahing melodic na linya, at ang trombone sumingit paminsan-minsan na bihira ngunit nakakahimok na mga pangungusap. Ang mga pinuno ng pinakasikat na ensembles hindi lamang sa New Orleans, ngunit sa buong estado ng Louisiana ay sina Bunk Johnson, Freddie Keppard at Charles "Buddy" Bolden. Gayunpaman, ang mga orihinal na talaan ng panahong iyon ay hindi nakaligtas, at hindi na posible na i-verify ang pagiging tunay ng mga nostalhik na alaala ng mga beterano ng New Orleans (kabilang si Louis Armstrong).

Bago pa man sumiklab ang Unang Digmaang Pandaigdig, lumitaw ang mga ensemble ng "puting" musikero na tinawag ang kanilang musika na "jass" ("ss" ay agad na pinalitan ng "zz", dahil ang salitang "jass" ay madaling naging hindi masyadong disente, ito ay sapat na upang burahin ang unang titik na "j"). Ang katotohanan na ang New Orleans ay nasiyahan sa katanyagan bilang isang sentro ng "resort" na libangan ay napatunayan ng katotohanan na ang New Orleans Rhythm Kings ensemble kasama ang sikat na pianist-composer na si Elmer Shebel ay sikat sa Chicago, ngunit wala ni isang New Orleanian dito. . Sa paglipas ng panahon, ang "mga puting orkestra" ay nagsimulang tumawag sa kanilang sarili - sa kaibahan sa mga itim - Dixieland, i.e. simpleng "timog". Isa sa gayong grupo, ang Orihinal na Dixieland Jass Band, ay natagpuan ang sarili sa New York sa simula ng 1917 at gumawa ng mga unang pag-record ng kung ano ang tiyak na maituturing na jazz hindi lamang sa pangalan. Isang rekord ang inilabas na may dalawang bagay: Livery Stable Blues At Dixieland Jass Band One-Step.

Chicago.

Kasabay nito, nabuo ang isang jazz environment sa Chicago, kung saan maraming New Orleanians ang nanirahan pagkatapos pumasok ang United States sa World War I noong 1917 at ipinakilala ang martial law sa New Orleans. Ang Creole Jazz Band ng Trumpeter na si Joe "King" Oliver ay lalong sikat (bagaman mayroon lamang isang tunay na Creole sa mga miyembro nito). Ang Creole Jazz Band ay sumikat dahil sa coordinated performance ng dalawang cornet nang sabay-sabay - si Oliver mismo at ang kanyang batang estudyante na si Louis Armstrong. Ang mga unang tala ni Oliver-Armstrong, na naitala noong 1923 kasama ang sikat na "break" ng dalawang cornet, ay naging jazz classics.

"Ang Edad ng Jazz".

Noong 1920s, nagsimula ang "Jazz Age". Iginiit ni Louis Armstrong ang priyoridad ng improvising soloist sa kanyang mga ensemble na "Hot Five" at "Hot Seven"; Ang pianist-composer na si Jelly Roll Morton ay nakakuha ng katanyagan sa New Orleans; Ang isa pang New Orleanian, Creole clarinetist-saxophonist na si Sidney Bechet, ang nagpakalat ng katanyagan ng jazz sa Lumang Mundo (siya ay naglibot, kasama ang Soviet Russia, noong 1926). Ang sikat na Swiss conductor na si Ernest Ansermet ay humanga kay Bechet sa mismong katangiang "French" na panginginig ng boses na sa kalaunan ay makikilala ng buong mundo sa boses ni Edith Piaf. Marahil hindi nagkataon na ang unang jazzman mula sa Old World na nakaimpluwensya sa mga Amerikano ay ang Belgian gypsy na si Django Reinhardt, isang gitarista na nakatira sa France.

Nagsisimula nang ipagmalaki ang New York sa sarili nitong mga jazz forces - ang Harlem orchestras nina Fletcher Henderson, Louis Russell (Si Armstrong mismo ay nagtrabaho sa kanilang dalawa) at Duke Ellington, na lumipat dito noong 1926 mula sa Washington at mabilis na nakakuha ng nangungunang posisyon sa sikat na Cotton Club.

Improvisasyon.

Noong 1920s na ang pangunahing prinsipyo ng jazz ay unti-unting nabuo - hindi dogma, hindi anyo, ngunit improvisasyon. Sa New Orleans jazz/Dixieland ito ay pinaniniwalaan na kolektibo sa kalikasan, bagama't hindi ito ganap na tumpak, dahil sa katunayan ang pinagmulang materyal (ang tema) ay hindi pa hiwalay sa pag-unlad nito. Sa esensya, ang mga musikero ng New Orleans ay inuulit sa pamamagitan ng tainga ang pinakasimpleng anyo ng mga European na kanta, sayaw at itim na blues.

Sa mga ensemble ni Armstrong, na may partisipasyon, una sa lahat, ng natitirang pianista na si Earl Hines, nagsimula ang pagbuo ng jazz form ng tema na may mga pagkakaiba-iba (tema - solo improvisations - tema), kung saan ang "yunit ng improvisasyon" ay ang koro. (sa terminolohiya ng Ruso na "parisukat"), na parang isang variant ng orihinal na mga tema ng eksaktong pareho (o sa hinaharap - nauugnay) harmonic construction. Sinamantala ng buong paaralan ng mga itim at puti na musikero ang mga natuklasan ni Armstrong noong panahon ng Chicago; Ang puting Bix Beiderbeck ay binubuo ng mga komposisyon sa diwa ng Armstrong, ngunit sila ay naging nakakagulat na malapit sa musikal na impresyonismo (at may mga katangiang pangalan tulad ng Sa Isang Ulap – Sa isang maulap na ulap). Ang birtuoso na pianista na si Art Tatum ay higit na umasa sa harmonic scheme ng square kaysa sa melody ng orihinal na tema. Inilipat ng mga saxophonist na sina Columen Hawkins, Lester Young, Benny Carter ang kanilang mga tagumpay sa single-voice wind instruments.

Ang orkestra ni Fletcher Henderson ang unang bumuo ng isang sistema ng "suporta" para sa isang solo improviser: ang orkestra ay nahahati sa tatlong seksyon - ritmo (piano, gitara, double bass at drums), saxophone at brass (trumpets, trombones). Laban sa background ng patuloy na pagpintig ng seksyon ng ritmo, ang mga saxophone at trumpeta na may mga trombone ay nagpapalitan ng maikli, paulit-ulit na "mga formula" - mga riff na binuo sa pagsasagawa ng folk blues. Ang riff ay parehong maharmonya at maindayog sa kalikasan.

1930s.

Ang pormula na ito ay pinagtibay ng halos lahat ng malalaking grupo na nabuo na noong 1930s, pagkatapos ng krisis sa ekonomiya noong 1929. Sa totoo lang, ang karera ng "hari ng swing" - Benny Goodman - ay nagsimula sa ilang mga pagsasaayos ni Fletcher Henderson. Ngunit kahit na ang mga istoryador ng itim na jazz ay umamin na ang orkestra ni Goodman, na orihinal na binubuo ng mga puting musikero, ay mas mahusay na tumugtog kaysa sa sariling orkestra ni Henderson. Sa isang paraan o iba pa, ang pakikipag-ugnayan sa pagitan ng mga black swing orchestra nina Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington at mga puting orkestra ay bumubuti: Goodman ang tumugtog ng repertoire ni Count Basie, kinopya ni Charlie Barnett si Ellington, at ang banda ng clarinetist na si Woody Herman ay kahit na tinatawag na “isang orkestra na tumutugtog ng blues.” . Mayroon ding napakasikat na orkestra ng magkapatid na Dorsey (nagtrabaho doon ang itim na si Cy Oliver bilang isang arranger), Artie Shaw (una niyang ipinakilala ang ikaapat na grupo - mga string), Glenn Miller (na may sikat na "crystal chord" - crystal chorus, noong isang Ang klarinete ay tumutugtog kasama ng mga saxophone; halimbawa, sa sikat Lunar Serenade- ang leitmotif ng pangalawang pelikula kasama si Miller, Mga asawa ng miyembro ng orkestra). Unang pelikula - Sun Valley Serenade- ay kinunan bago pumasok ang Estados Unidos sa World War II at kabilang sa mga tropeo ng digmaan na nakuha ng Red Army sa Germany. Samakatuwid, ang musikal na komedya na ito ay nakalaan upang mailarawan ang halos buong sining ng jazz para sa dalawa o tatlong henerasyon ng mga kabataang Sobyet pagkatapos ng digmaan. Ang katotohanan na ang ganap na natural na kumbinasyon ng mga clarinet at saxophone ay tumutunog na rebolusyonaryo ay nagpapakita kung gaano ka-standardize ang mga produkto ng mga tagapag-ayos ng panahon ng swing. Hindi nagkataon na sa pagtatapos ng dekada bago ang digmaan, maging ang "King of Swing" na si Goodman mismo ay naging malinaw na ang pagkamalikhain sa malalaking orkestra - malalaking banda - ay nagbibigay daan sa isang standardized na gawain. Binawasan ni Goodman ang bilang ng kanyang mga musikero sa anim at nagsimulang regular na mag-imbita ng mga itim na musikero sa kanyang sextet - trumpeter na si Cootie Williams mula sa orkestra ni Ellington at batang electric guitarist na si Charlie Criscian, na isang napaka-bold na hakbang noong panahong iyon. Sapat na para sabihin na ang kasamahan ni Goodman, pianist at kompositor na si Raymond Scott, ay gumawa pa ng isang piyesa na tinatawag na Nang umalis si Kuti kay Duke.

Sa pormal na paraan, kahit na si Duke Ellington ay sumang-ayon sa pangkalahatang tinatanggap na dibisyon ng orkestra sa tatlong grupo, ngunit sa kanyang instrumento ay hindi siya nakabatay sa pamamaraan kundi sa mga kakayahan ng mga musikero mismo (sinabi nila tungkol sa kanya: sa isang marka ng jazz, sa halip na mga pangalan ng mga instrumento, may mga pangalan ng mga musikero; kahit na ang kanyang tatlong minutong birtuoso na mga piyesa ay tinawag ni Ellington Konsiyerto para kay Cootie, binanggit ni Cootie Williams). Ito ay sa trabaho ni Ellington na naging malinaw na ang improvisasyon ay isang masining na prinsipyo.

Ang 1930s ay din ang kasagsagan ng Broadway musical, na nagtustos ng jazz sa tinatawag na. evergreens (literal na "evergreen") - mga indibidwal na numero na naging karaniwang jazz repertoire. Sa pamamagitan ng paraan, ang konsepto ng "standard" sa jazz ay hindi naglalaman ng anumang kapintasan; ito ay ang pangalan ng alinman sa isang sikat na melody o isang espesyal na nakasulat na tema para sa improvisasyon. Ang pamantayan ay, kaya na magsalita, isang analogue ng philharmonic na konsepto ng "repertoire classics".

Bilang karagdagan, ang 1930s ay ang tanging panahon kung kailan karamihan sa lahat ng sikat na musika, kung hindi jazz (o swing, gaya ng sinabi nila noon), ay nilikha man lang sa ilalim ng impluwensya nito.

Natural lang yun malikhaing potensyal, na nabuo sa loob ng mga swing orchestra ng mga improvising na musikero, ayon sa kahulugan ay hindi maipatupad sa mga nakakaaliw na swing orchestra - gaya ng Cab Calloway's orchestra. Hindi nagkataon lang na ang mga jam session ay may malaking papel sa jazz—mga pagpupulong ng mga musikero sa isang maliit na bilog, kadalasan sa gabi, pagkatapos ng trabaho, lalo na sa okasyon ng mga paglilibot ng mga kasamahan mula sa ibang mga lugar.

Bebop - bop.

Sa naturang mga pagpupulong, ang mga batang soloista mula sa iba't ibang grupo - kabilang si Charlie Christian, gitarista mula sa sextet ni Benny Goodman, drummer na si Kenny Clark, pianist na Thelonious Monk, trumpeter na si Dizzy Gillespie - ay nagtipon sa isang Harlem club noong unang bahagi ng 1940s. Sa pagtatapos ng World War II naging malinaw na isang bagong istilo jazz From a purely musical point of view, wala itong pinagkaiba sa tinutugtog sa swing big bands. Ang panlabas na anyo ay ganap na bago - ito ay "musika para sa mga musikero"; walang "mga tagubilin" sa mga mananayaw sa anyo ng isang malinaw na ritmo, malakas na chord sa simula at wakas, o simple at nakikilalang mga melodies sa bagong musika. Ang mga musikero ay nagpatugtog ng mga sikat na Broadway na kanta at blues, ngunit sa halip na ang mga pamilyar na melodies ng mga kantang ito ay sinadya nilang gumamit ng mga improvisasyon. Pinaniniwalaan na si trumpeter Gillespie ang unang tumawag sa ginagawa nila ng kanyang mga kasamahan na "reebop" o "bebop", o "bop" sa madaling salita. Kasabay nito, ang jazzman ay nagsimulang magbago mula sa isang nakakaaliw na musikero sa isang pigura ng kahalagahan sa lipunan, na kasabay ng pagsilang ng kilusang beatnik. Gillespie dinala sa fashion baso na may napakalaking mga frame (sa una kahit na may baso na walang diopters), berets sa halip ng mga sumbrero, espesyal na hindi maintindihang pag-uusap, sa partikular ang pa rin sunod sa moda salita cool sa halip na mainit. Ngunit natanggap ng mga kabataang New Yorkers ang kanilang pangunahing impetus nang ang alto saxophonist na si Charlie Parker mula sa Kansas City (naglaro sa malaking banda ni Jay McShann) ay sumali sa kumpanya ng mga boppers. Mahusay na matalino, si Parker ay higit na lumayo kaysa sa kanyang mga kasamahan at kapanahon. Sa pagtatapos ng 1950s, kahit na ang mga innovator tulad ng Monk at Gillespie ay bumalik sa kanilang mga ugat - sa itim na musika, habang ang mga pagtuklas ni Parker at ilan sa kanyang mga kasama (drummer na si Max Roach, pianist na si Bud Powell, trumpeter na si Fats Navarro) ay nakakaakit pa rin ng pansin. ng mga musikero.

Malamig.

Noong 1940s sa Estados Unidos, dahil sa mga hindi pagkakaunawaan sa copyright, ipinagbawal ng unyon ng mga musikero ang mga instrumentalista na magrekord ng mga rekord; Sa katotohanan, ang mga pag-record lamang ng mga vocalist na sinamahan ng isang piano o isang vocal ensemble ang inilabas. Nang alisin ang pagbabawal (1944), naging malinaw na ang mang-aawit na "mikropono" (halimbawa, si Frank Sinatra) ay naging pangunahing pigura ng musikang pop. Naakit ang pansin ni Bebop bilang isang "club" na musika, ngunit sa lalong madaling panahon nawala ang mga tagapakinig nito. Ngunit sa isang pinalambot na anyo at nasa ilalim na ng pangalang "cool", ang bagong musika ay nag-ugat sa mga elite club. Ang mga boppers kahapon, halimbawa ang batang itim na trumpeter na si Miles Davis, ay tinulungan ng mga kagalang-galang na musikero, partikular na si Gil Evans, pianist at arranger ng swing orchestra ni Claude Thornhill. Sa Capitol-Nonet ni Miles Davis (pinangalanan sa kumpanya ng Kapitolyo na nagtala ng nonet, na kalaunan ay muling inilabas sa ilalim ng pamagat Kapanganakan ng Cool) parehong puti at itim na musikero ay "nagsasanay" nang magkasama - saxophonists Lee Konitz at Gerry Mulligan, pati na rin ang itim na pianist at kompositor na si John Lewis, na naglaro kasama si Charlie Parker at kalaunan ay nagtatag ng Modern Jazz Quartet.

Ang isa pang pianista na ang pangalan ay nauugnay sa cool, ang bulag na si Lenny Tristano ang unang gumamit ng mga kakayahan ng recording studio (nagpapabilis ng pelikula, nag-overdubbing ng isang recording sa isa pa). Si Tristano ang unang nagtala ng kanyang mga kusang improvisasyon, na hindi nakatali ng parisukat na hugis. Ang mga konsyerto ay gumagana para sa malalaking banda (iba't iba ang istilo - mula sa neoclassicism hanggang serialism) sa ilalim ng pangkalahatang pangalan na "progresibo" ay hindi maaaring pahabain ang paghihirap ng swing at walang pampublikong resonance (bagaman kabilang sa mga may-akda ay ang mga batang Amerikanong kompositor na sina Milton Babbitt, Pete Rugolo , Bob Graettinger). Hindi bababa sa isa sa mga "progresibong" orkestra - pinangunahan ng pianist na si Stan Kenton - ay tiyak na nabuhay sa oras nito at nasiyahan sa ilang kasikatan.

Kanlurang baybayin.

Marami sa mga miyembro ng orkestra ng Kenton ang nagsilbi sa Hollywood, kaya ang mas European na direksyon ng "cool" na istilo (na may mga akademikong instrumento - horn, oboe, bassoon at ang kaukulang paraan ng paggawa ng tunog, at sa isang tiyak na lawak ang paggamit ng polyphonic imitative forms) ay tinatawag na "West coast" (West coast). ). Ang Shorty Rogers Octet (kung saan mataas ang pagsasalita ni Igor Stravinsky), ang mga ensemble nina Shelley Mann at Bud Shank, ang quartets ni Dave Brubeck (kasama ang saxophonist na si Paul Desmond) at Gerry Mulligan (na may puting trumpeter na si Chet Baker at itim na trumpeter na Art Farmer).

Noong 1920s, nagkaroon ng epekto ang makasaysayang ugnayan ng populasyon ng Aprikano-Amerikano ng Estados Unidos na may itim na populasyon ng Latin America, ngunit pagkatapos lamang ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ang mga jazzmen (lalo na si Dizzy Gillespie) ay nagsimulang sinasadyang gumamit ng mga ritmo ng Latin American, at pinag-usapan pa ang tungkol sa isang independiyenteng direksyon - Afro-Cuban jazz.

Noong huling bahagi ng 1930s, sinubukang ibalik ang lumang New Orleans jazz sa ilalim ng mga pangalang New Orleans Renaissance at Dixieland Revival. Ang tradisyunal na jazz, dahil ang lahat ng uri ng estilo ng New Orleans at Dixieland (at maging ang swing) ay naging kilala sa kalaunan, ay naging laganap sa Europa at halos sumanib sa urban araw-araw na musika ng Old World - ang sikat na tatlong "B" sa Great Britain - Acker Bilk , Chris Barber at Kenny Ball (naging sikat ang huli para sa bersyon ng Dixieland gabi ng Moscow sa pinakadulo simula ng 1960s). Sa pagtatapos ng Dixieland revival sa Great Britain, lumitaw ang isang fashion para sa mga archaic ensembles ng mga homemade na instrumento - skiffles, kung saan nagsimula ang mga miyembro ng Beatles quartet ng kanilang mga karera.

Sa USA, ang mga negosyanteng si George Wayne (tagapag-ayos ng sikat na jazz festival noong 1950s sa Newport, Rhode Island) at Norman Grantz ay sumuporta (at aktwal na nabuo) ang ideya ng mainstream - klasikal na jazz, na binuo ayon sa isang napatunayang pamamaraan ( sama-samang nilalaro ang tema - solong improvisasyon - muling pagbabalik ng tema) at batay sa nagpapahayag na paraan ng 1930s na may indibidwal, maingat na piniling mga diskarte ng mga susunod na istilo. Sa ganitong diwa, kasama sa mainstream, halimbawa, ang mga musikero ng negosyo ni Granz na "Jazz at the Philharmonic". Sa isang mas malawak na kahulugan, ang mainstream ay halos lahat ng jazz bago ang unang bahagi ng 1960s, kabilang ang bebop at ang mga susunod na uri nito.

Huling bahagi ng 1950 - unang bahagi ng 1960s

– isa sa pinakamabungang panahon sa kasaysayan ng jazz. Sa pagdating ng rock and roll, ang instrumental na improvisasyon ay sa wakas ay itinulak sa mga gilid ng pop music, at ang jazz sa kabuuan ay nagsimulang mapagtanto ang lugar nito sa kultura: lumitaw ang mga club kung saan kaugalian na makinig nang higit kaysa sumayaw (isa sa kanila ay tinawag pa ngang "Birdland", binansagan na Charlie Parker), mga festival (madalas sa labas), ang mga kumpanya ng record ay lumikha ng mga espesyal na departamento para sa jazz - "mga label", at isang independiyenteng industriya ng pag-record ay lumitaw (halimbawa, ang kumpanya ng Riverside, na nagsimula sa isang napakatalino na pinagsama-sama antolohiya sa kasaysayan ng jazz). Kahit na mas maaga, noong 1930s, nagsimulang lumitaw ang mga espesyal na magasin ("Down Beat" sa USA, iba't ibang mga larawang buwanang buwan sa Sweden, France, at noong 1950s sa Poland). Ang Jazz ay tila nagbi-bifurcate sa magaan, club music, at seryoso, concert music. Ang pagpapatuloy ng "progresibong" kilusan ay ang "ikatlong kilusan," isang pagtatangka na pagsamahin ang jazz improvisation sa mga anyo at gumaganap na mga mapagkukunan ng symphonic at chamber music. Ang lahat ng mga uso ay nagtagpo sa "Modern Jazz Quartet," ang pangunahing eksperimental na laboratoryo para sa synthesis ng jazz at "classics." Gayunpaman, ang mga mahilig sa "ikatlong kilusan" ay nagmamadali; sila ay nagnanais na pag-iisip, naniniwala na ang isang henerasyon ng mga manlalaro ng symphony orchestra ay lumitaw na na sapat na pamilyar sa jazz practice. Ang "ikatlong kilusan," tulad ng anumang iba pang kilusan sa jazz, ay mayroon pa ring mga sumusunod, at sa ilang mga paaralan ng musika sa USA at Europa, ang mga gumaganap na grupo ay nilikha paminsan-minsan ("Orchestra USA", "American Philharmonic" "Jack Elliott) at magturo pa ng mga kaugnay na kurso (sa partikular, ng pianist na si Ran Blake). Ang "ikatlong kilusan" ay nakahanap ng mga apologist sa Europa, lalo na pagkatapos ng pagtatanghal ng "Modern Jazz Quartet" sa sentro ng world musical avant-garde sa Donaueschingen (Germany) noong 1954.

Sa kabilang banda, ang pinakamahusay na swing big band ay nakipagkumpitensya sa pop music sa larangan ng dance music. Lumitaw din ang mga bagong direksyon sa light jazz music. Kaya, ang Brazilian guitarist na si Lorindo Almeida, na lumipat sa Estados Unidos noong unang bahagi ng 1950s, ay sinubukang kumbinsihin ang kanyang mga kasamahan na posibleng mag-improvise batay sa ritmo ng Brazilian samba. Gayunpaman, pagkatapos lamang ng paglilibot sa Stan Getz Quartet sa Brazil ay lumitaw ang "jazz samba", na sa Brazil ay binigyan ng pangalang "bossa nova". Ang Bossa Nova ay talagang naging unang tanda ng hinaharap na musika ng New World.

Ang Bebop ay nanatiling mainstream sa jazz noong 1950s at 1960s - nasa ilalim na ng pangalang hard bop (heavy, energetic bop; minsan sinubukan nilang ipakilala ang konsepto ng "neo-bop"), na na-update ng improvisational at composing discoveries ng malamig. Sa parehong panahon, isang kaganapan ang naganap na may napakaseryosong aesthetic na kahihinatnan, kabilang ang para sa jazz. Ang singer-organist-saxophonist na si Ray Charles ang unang nag-uugnay sa hindi magkatugma - ang mga istruktura (sa vocal music din ng lyrical content) ng blues at ang question-and-answer microstructure na nauugnay lamang sa mga kalunos-lunos na mga pag-awit. Ang direksyon na ito ay tumatanggap ng pangalang "kaluluwa" sa itim na kultura (isang konsepto na noong radikal na 1960s ay naging magkasingkahulugan ng mga salitang "negro", "itim", "African-American", atbp.); ang puro nilalaman ng lahat ng African-American na katangian sa jazz at black pop music ay tinawag na "funky."

Noong panahong iyon, ang hard bop at jazz soul ay tutol sa isa't isa (kung minsan kahit sa loob ng parehong grupo, halimbawa, ang magkapatid na Adderley; ang isa, saxophonist na si Julian "Cannonball," ay itinuturing ang kanyang sarili na isang tagasunod ng hard bop, ang isa, cornetist na si Nat , isang tagasunod ng soul jazz). Ang gitnang grupo ng hard bop, ang akademyang ito ng modernong mainstream, ay (hanggang sa pagkamatay ng pinuno nito, drummer na si Art Blakey, noong 1990) ang Jazz Messengers quintet.

Ang serye ng mga rekord ng Gil Evans Orchestra, isang uri ng Miles Davis trumpet concerto na may orkestra, na lumabas noong huling bahagi ng 1950s at unang bahagi ng 1960s, ay ganap na tumutugma sa mga cool na aesthetics ng 1940s, at mga recording ni Miles Davis noong kalagitnaan ng 1960s (sa partikular, ang album Nakangiti si Miles), ibig sabihin. ang apotheosis ng na-update na bebop - hard bop, ay lumitaw noong ang jazz avant-garde - ang tinatawag na - ay nasa uso na. libreng jazz.

Libreng jazz.

Nasa trabaho na sa isa sa mga orkestra na album ng trumpeter na si Davis ( Porgy at Bess, 1960) arranger Evans iminungkahi na ang trumpeter improvise batay hindi sa isang harmonic sequence ng isang tiyak na tagal - isang parisukat, ngunit sa isang tiyak na sukat - isang mode, hindi rin random, ngunit kinuha mula sa parehong tema, ngunit hindi ang chord saliw, kundi ang himig mismo. Ang prinsipyo ng modality, na nawala ng musikang Europeo noong Renaissance, ngunit pinagbabatayan pa rin ang lahat ng propesyonal na musika sa Asia (mugam, raga, dastan, atbp.), ay nagbukas ng tunay na walang limitasyong mga pagkakataon para sa pagpapayaman ng jazz gamit ang karanasan ng kulturang pangmusika ng mundo. At hindi nabigo sina Davis at Evans na gamitin ito, at sa Espanyol (iyon ay, mahalagang Euro-Asian) na materyal na flamenco na perpektong angkop para sa layuning ito.

Ang kasamahan ni Davis, ang saxophonist na si John Coltrane, ay bumaling sa India; ang kasamahan ni Coltrane, ang yumao at napakahusay na saxophonist at flautist na si Eric Dolphy, ay bumaling sa European musical avant-garde (ang pamagat ng kanyang dula ay kapansin-pansin Gazzeloni- bilang parangal sa Italian flutist, tagapalabas ng musika na sina Luigi Nono at Pierre Boulez).

Kasabay nito, sa parehong 1960, dalawang quartets - sina Eric Dolphy at alto saxophonist na si Ornette Coleman (kasama ang mga trumpeter na sina Don Cherry at Freddie Hubbard, double bassist na sina Charlie Haden at Scott La Faro) - nag-record ng isang album Libreng jazz (Libreng Jazz), parang pinalamutian ng isang pagpaparami ng isang pagpipinta puting ilaw sikat na abstract artist na si Jackson Pollock. Ang humigit-kumulang 40 minutong stream ng collective consciousness ay isang spontaneous, demonstratively unrehearsed (bagama't dalawang bersyon ang naitala) na improvisasyon ng walong musikero, at sa gitna lamang ang lahat ay panandaliang nagtagpo sa pre-written unison ni Coleman. Pagkatapos ng "summing up" modal soul jazz at hard bop sa isang album na napakatagumpay sa lahat ng aspeto Isang Pag-ibig Supremo(kabilang ang komersyal - 250 libong mga rekord ang naibenta), gayunpaman, si John Coltrane, ay sumunod sa mga yapak ni Coleman sa pamamagitan ng pagtatala ng programa Pag-akyat sa langit (Pag-akyat sa langit) kasama ang isang pangkat ng itim na avant-garde (kabilang ang, sa pamamagitan ng paraan, ang itim na saxophonist mula sa Copenhagen na si John Chikai). Sa UK, ang itim na West Indian na alto saxophonist na si Joe Herriot ay naging tagataguyod din ng libreng jazz. Bilang karagdagan sa Great Britain, isang independiyenteng paaralan ng libreng jazz ang binuo sa Netherlands, Germany at Italy. Sa ibang mga bansa, ang kusang kolektibong improvisasyon ay naging pansamantalang libangan, isang fashion para sa avant-garde (1960s - ang huling panahon ng eksperimentong avant-garde sa akademikong musika); Kasabay nito, nagkaroon ng transisyon mula sa aesthetics ng inobasyon sa anumang halaga tungo sa postmodern na dialogue sa nakaraan. Masasabi natin na ang libreng jazz (kasama ang iba pang paggalaw ng jazz avant-garde) ay ang unang phenomenon sa world jazz kung saan ang Lumang Mundo ay hindi mas mababa sa Bago. Ito ay hindi nagkataon na maraming mga Amerikanong avant-garde na artista, partikular na si Sun Ra at ang kanyang malaking banda, ay "nakatago" sa Europa sa loob ng mahabang panahon (halos hanggang sa katapusan ng 1960s). Noong 1968, isang pangkat ng mga European avant-garde artist ang nag-record ng isang proyekto na nauna sa panahon nito. Machine Gun, ang "Spontaneous Music Ensemble" ay lumitaw sa UK at sa unang pagkakataon ang mga prinsipyo ng spontaneous improvisation ay theoretically formulated (ng gitarista at pinuno ng patuloy na proyekto kumpanya Derek Bailey). Ang asosasyon ng Instant Composers Pool ay nagpatakbo sa Netherlands, ang Alexander von Schlippenbach Globe Unity Orchestra ay nagpatakbo sa Germany, at ang unang jazz opera ay naitala sa pamamagitan ng mga internasyonal na pagsisikap. Escalator sa Ibabaw ng Burol Carla Bley.

Ngunit iilan lamang - kabilang sa kanila ang pianista na si Cecil Taylor, saxophonist at kompositor na si Anthony Braxton - ay nanatiling tapat sa mga prinsipyo ng "sturm und drang" sa pagpasok ng 1950s at 1960s.

Kasabay nito, ang mga itim na avant-garde artist - mga radikal sa pulitika at mga tagasunod ni John Coltrane (sa katunayan, si Coltrane mismo, na namatay noong 1967) - si Archie Shepp, ang magkapatid na Ayler, si Pharoah Sanders - ay bumalik sa katamtamang mga paraan ng improvisasyon, madalas. ng oriental na pinagmulan (halimbawa, Joseph Latif , Don Cherry). Sinundan sila ng mga radikal kahapon tulad nina Carla Bley, Don Ellis, Chick Corea, na madaling lumipat sa electrified jazz-rock.

Jazz rock.

Ang symbiosis ng "pinsan" ng jazz at rock na musika ay kailangang maghintay ng mahabang panahon. Ang mga unang pagtatangka sa rapprochement ay ginawa hindi kahit na ng mga jazzmen, ngunit ng mga rocker - mga musikero ng tinatawag na. brass rock - Mga grupong Amerikano na "Chicago", British bluesmen na pinamumunuan ng gitarista na si John McLaughlin. Malaya silang lumapit sa jazz rock sa labas ng mga bansang nagsasalita ng Ingles, halimbawa Zbigniew Namyslowsky sa Poland.

Ang lahat ng mga mata ay nasa trumpeter na si Miles Davis, na muling kinuha ang jazz sa isang mapanganib na landas. Sa ikalawang kalahati ng 1960s, unti-unting lumipat si Davis patungo sa electric guitar, keyboard synthesizer at rock rhythms. Noong 1970 inilabas niya ang album Bitches Brew kasama ang ilang keyboard player at McLaughlin sa electric guitar. Sa buong 1970s, ang pag-unlad ng jazz-rock (aka fusion) ay tinutukoy ng mga musikero na nakibahagi sa pag-record ng album na ito - ang keyboardist na si Joe Zawinul at Wayne Shorter ay lumikha ng grupong "Weather Report", John McLaughlin - ang quintet na "Mahavishnu Orchestra", pianist na si Chick Corea - ang Return to Forever ensemble, drummer na si Tony Williams at organist na si Larry Young - ang Lifetime quartet, pianist at keyboardist na si Herbie Hancock ay lumahok sa ilang mga proyekto. Ang Jazz muli, ngunit sa isang bagong antas, ay lumalapit sa kaluluwa at funky (Hancock at Corea, halimbawa, lumahok sa mga pag-record ng mang-aawit na si Stevie Wonder). Maging ang mahusay na pioneering tenor saxophonist noong 1950s, si Sonny Rollins, ay lumipat sa funky pop music nang ilang sandali.

Gayunpaman, sa pagtatapos ng 1970s, nagkaroon din ng "counter" na kilusan patungo sa pagpapanumbalik ng "acoustic" jazz - parehong avant-garde (sikat na "attic" festival ni Sam Rivers noong 1977) at hard bop - sa parehong taon , mga musikero ng Miles Davis ensemble Ang 1960s ay muling binuo, ngunit wala si Davis mismo, pinalitan ng trumpeter na si Freddie Hubbard.

Sa paglitaw ng tulad ng isang maimpluwensyang figure bilang Wynton Marsalis sa unang bahagi ng 1980s, neo-mainstream, o, bilang ito ay tinatawag din, neo-classicism, aktwal na inookupahan ng isang nangingibabaw na posisyon sa jazz.

Hindi ito nangangahulugan na ang lahat ay babalik sa unang kalahati ng 1960s. Sa kabaligtaran, noong kalagitnaan ng dekada 1980, ang mga pagtatangka na i-synthesize ang tila magkaparehong eksklusibong mga paggalaw ay naging mas kapansin-pansin - halimbawa, hard bop at electric funky sa asosasyon ng New York na "M-base", na kinabibilangan ng mang-aawit na si Cassandra Wilson, saxophonist Steve Coleman, pianist na si Jeri Ellen, o ang light electric fusion ng gitarista na si Pat Metheny, na nakikipagtulungan kay Ornette Coleman at sa kanyang British na kasamahan na si Derek Bailey. Si Coleman mismo ay hindi inaasahang nag-assemble ng isang "electric" ensemble kasama ang dalawang gitarista (kabilang ang mga kilalang funk musician - gitarista na si Vernon Reid at bass guitarist na si Jamaladin Takuma). Gayunpaman, sa parehong oras, hindi niya inabandona ang kanyang prinsipyo ng kolektibong improvisasyon ayon sa pamamaraang "harmonody" na kanyang binabalangkas.

Ang prinsipyo ng polystylistics ay sumasailalim sa New York Downtown school, na pinamumunuan ng saxophonist na si John Zorn.

Huling bahagi ng ika-20 siglo

Ang American-centrism ay nagbibigay daan sa isang bagong espasyo ng impormasyon, na nakakondisyon, bukod sa iba pang mga bagay, sa pamamagitan ng bagong paraan ng komunikasyong masa (kabilang ang Internet). Sa jazz, tulad ng sa bagong pop music, ang kaalaman sa mga musikal na wika ng "ikatlong mundo" at ang paghahanap para sa isang "common denominator" ay nagiging sapilitan. Ito ay Indo-European folklore sa Ned Rothenberg's Sync quartet o isang Russian-Carpathian mixture sa Moscow Art Trio.

Ang interes sa mga tradisyonal na kultura ng musika ay humahantong sa katotohanan na ang mga avant-garde artist ng New York ay nagsisimulang makabisado ang pang-araw-araw na musika ng Jewish diaspora, at ang French saxophonist na si Louis Sclavis ay nagsimulang makabisado ang Bulgarian folk music.

Kung dati ay posible na maging tanyag sa jazz lamang "sa pamamagitan ng Amerika" (tulad ng, halimbawa, ang Austrian na si Joe Zawinul, ang mga Czech na sina Miroslav Vitous at Jan Hammer, ang Pole na si Michal Urbaniak, ang Swede na si Sven Asmussen, ang Dane Niels Hennig Ørsted- Si Pedersen, na lumipat mula sa USSR hanggang 1973 na si Valery Ponomarev), ngayon ay nangunguna sa mga uso sa jazz sa Lumang Daigdig at sinasakop pa ang mga pinuno ng American jazz - tulad ng, halimbawa, ang mga artistikong prinsipyo ng kumpanya ng ESM (folklore, composerly polished at karaniwang European sa "sound" stream of consciousness), na binuo ng German producer na si Manfred Eicher gamit ang halimbawa ng musika ng Norwegian na si Jan Garbarek, ay ipinapahayag na ngayon ni Chick Corea, pianist na si Keith Jarrett, at saxophonist na si Charles Lloyd, kahit na. nang hindi nauugnay sa kumpanyang ito sa pamamagitan ng mga eksklusibong kontrata. Ang mga independiyenteng paaralan ng folk jazz (world jazz) at jazz avant-garde ay umuusbong din sa USSR (ang sikat na paaralan ng Vilnius, kabilang sa mga tagapagtatag kung saan, gayunpaman, walang isang Lithuanian: Vyacheslav Ganelin - mula sa rehiyon ng Moscow, Vladimir Chekasin - mula sa Sverdlovsk, Vladimir Tarasov - mula sa Arkhangelsk, ngunit kabilang sa kanilang mga mag-aaral ay, sa partikular, Petras Vishniauskas). Ang internasyonal na katangian ng mainstream at libreng jazz, ang pagiging bukas ng sibilisadong mundo ay humantong sa paglitaw ng, halimbawa, ang maimpluwensyang pangkat ng Polish-Finnish ng Tomasz Stańko - Edward Vesal o ang malakas na Estonian-Russian duet na si Lembit Saarsalu - Leonid Vinckevich "sa itaas ang mga hadlang" ng estado at nasyonalidad. Ang mga hangganan ng jazz ay lalong lumalawak sa paglahok ng pang-araw-araw na musika ng iba't ibang bansa - mula sa bansa hanggang sa chanson sa tinatawag na. jam-bands.

Panitikan:

Sargent W. Jazz. M., 1987
Sobyet na jazz. M., 1987
« Makinig ka sa sinasabi ko sayo» . Jazzmen tungkol sa kasaysayan ng jazz. M., 2000

Ang Jazz ay isang direksyon ng musika na lumitaw sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo sa USA. Ang mga katangian ng jazz ay improvisation, polyrhythm batay sa syncopated rhythms, at isang natatanging hanay ng mga diskarte para sa pagsasagawa ng rhythmic texture - swing.

Ang jazz ay isang uri ng musika na nagmula sa blues at spirituals ng mga African-American, gayundin ang mga African folk rhythms, na pinayaman ng mga elemento ng European harmony at melody. Ang mga katangian ng jazz ay:
-matalim at nababaluktot na ritmo, batay sa prinsipyo ng syncopation;
-malawak na paggamit ng mga instrumentong percussion;
-mataas na binuo improvisational kakayahan;
- isang nagpapahayag na paraan ng pagganap, na nailalarawan sa pamamagitan ng mahusay na pagpapahayag, pabago-bago at tunog na pag-igting, na umaabot sa punto ng ecstasy.

Pinagmulan ng pangalang jazz

Ang pinagmulan ng pangalan ay hindi lubos na malinaw. Ang modernong spelling nito - jazz - ay itinatag noong 1920s. Bago ito, ang iba pang mga pagpipilian ay kilala: chas, jasm, gism, jas, jass, jaz. Mayroong maraming mga bersyon ng pinagmulan ng salitang "jazz", kabilang ang mga sumusunod:
- mula sa French jaser (upang makipag-chat, magsalita nang mabilis);
- mula sa English chase (chase, pursue);
- mula sa African jaiza (ang pangalan ng isang tiyak na uri ng tunog ng tambol);
- mula sa Arabic jazib (seducer); mula sa mga pangalan ng maalamat na musikero ng jazz - chas (mula kay Charles), jas (mula kay Jasper);
- mula sa onomatopoeia jass, ginagaya ang tunog ng African copper cymbals, atbp.

May dahilan upang maniwala na ang salitang "jazz" ay ginamit noon pang kalagitnaan ng ika-19 na siglo bilang isang pangalan para sa isang kalugud-lugod, nakapagpapatibay na sigaw sa mga itim. Ayon sa ilang pinagmumulan, noong 1880s ito ay ginagamit sa mga New Orleans Creole, na ginamit ito upang nangangahulugang "pabilisin," "para maging mas mabilis," bilang pagtukoy sa mabilis, naka-sync na musika.

Ayon kay M. Stearns, noong 1910s ang salitang ito ay ginamit sa Chicago at nagkaroon ng "hindi isang disenteng kahulugan." Ang salitang jazz ay lumitaw sa print sa unang pagkakataon noong 1913 (sa isa sa mga pahayagan sa San Francisco). Noong 1915, naging bahagi ito ng pangalan ng jazz orchestra ni T. Brown - TORN BROWN'S DIXIELAND JASS BAND, na gumanap sa Chicago, at noong 1917 ay lumabas ito sa isang gramophone record na naitala ng sikat na New Orleans orchestra ORIGINAL DIXIELAND JAZZ (JASS) BAND .

Mga istilo ng jazz

Archaic jazz (maagang jazz, maagang jazz, German archaischer jazz)
Ang archaic jazz ay isang set ng pinakaluma, tradisyonal na mga uri ng jazz, na nilikha ng maliliit na grupo sa proseso ng kolektibong improvisasyon sa mga tema ng blues, ragtime, pati na rin ang mga European na kanta at sayaw.

Blues (blues, mula sa English blue devils)
Blues - isang uri ng itim na musika awiting bayan, na ang melody ay batay sa isang malinaw na 12-bar pattern.
Ang mga asul ay umaawit tungkol sa nalinlang na pag-ibig, tungkol sa pangangailangan, at ang mga asul ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang nakakaawa sa sarili na saloobin. Kasabay nito, ang mga lyrics ng blues ay puno ng stoicism, malumanay na pangungutya at katatawanan.
Sa jazz music, nabuo ang blues bilang instrumental dance piece.

Boogie-woogie (boogie-woogie)
Ang Boogie-woogie ay isang piano blues na istilo na nailalarawan sa pamamagitan ng isang umuulit na pigura ng bass na tumutukoy sa maindayog at melodic na mga posibilidad ng improvisasyon.

Gospels (mula sa English Gospel - Gospel)
Ang musika ng ebanghelyo ay ang mga relihiyosong himig ng mga itim sa North American na may mga lyrics na batay sa Bagong Tipan.

Ragtime
Ang Ragtime ay piano music na batay sa "pagbugbog" ng dalawang hindi magkasabay na ritmikong linya:
-parang napunit (sharply syncopated) melody;
- malinaw na saliw, pinananatili sa istilo ng mabilis na hakbang.

Kaluluwa
Ang Soul ay itim na musika na nauugnay sa tradisyon ng blues.
Ang Soul ay isang istilo ng vocal black music na lumitaw pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig batay sa ritmo at blues at mga tradisyon ng ebanghelyo.

Soul-jazz
Ang Soul jazz ay isang uri ng hard bop, na nailalarawan sa pamamagitan ng isang oryentasyon patungo sa mga tradisyon ng blues at African-American folklore.
Espirituwal
Espirituwal - isang archaic na espirituwal na genre ng choral na pag-awit ng mga itim sa North American; mga himig ng relihiyon na may mga liriko batay sa Lumang Tipan.

Sigaw sa kalye
Ang gilid ng kalye ay isang archaic folk genre; isang uri ng urban solo work song ng mga street peddler, na kinakatawan ng maraming uri.

Dixieland, dixie (dixieland, dixie)
Ang Dixieland ay isang modernisadong istilo ng New Orleans na nailalarawan sa pamamagitan ng kolektibong improvisasyon.
Ang Dixieland ay isang jazz group ng (white) na mga musikero na nagpatibay ng istilo ng pagtatanghal ng black jazz.

Zong (mula sa English song - kanta)
Zong - sa teatro ni B. Brecht - isang balad na ginanap sa anyo ng isang interlude o komentaryo ng isang may-akda (parody) na may kakaibang kalikasan na may tema ng plebeian vagabond, malapit sa isang jazz rhythm.

Improvisasyon
Ang improvisasyon - sa musika - ay ang sining ng kusang paglikha o pagbibigay kahulugan sa musika.

Cadenza (Italian cadenza, mula sa Latin na Cado - nagtatapos)
Ang Cadenza ay isang libreng improvisasyon ng likas na birtuoso, na ginanap sa isang instrumental na konsiyerto para sa isang soloista at orkestra. Kung minsan ang mga cadenza ay binubuo ng mga kompositor, ngunit kadalasan sila ay naiwan sa pagpapasya ng tagapalabas.

Scat
Scat - in jazz - isang uri ng vocal improvisation kung saan ang boses ay tinutumbas sa isang instrumento.
Scat - instrumental na pag-awit - isang pamamaraan ng syllabic (textless) na pag-awit, batay sa artikulasyon ng mga hindi magkakaugnay na pantig o kumbinasyon ng tunog.

Mainit
Mainit - sa jazz - isang katangian ng isang musikero na gumaganap ng improvisasyon na may pinakamataas na enerhiya.

Estilo ng jazz ng New Orleans
Ang estilo ng jazz ng New Orleans ay musikang nailalarawan sa pamamagitan ng malinaw na two-beat na ritmo; ang pagkakaroon ng tatlong independiyenteng melodic na linya, na sabay-sabay na ginaganap sa cornet (trumpeta), trombone at clarinet, na sinamahan ng isang rhythmic group: piano, banjo o gitara, double bass o tuba.
Sa mga gawa ng New Orleans jazz, ang pangunahing tema ng musika ay inuulit nang maraming beses sa iba't ibang mga pagkakaiba-iba.

Tunog
Ang tunog ay isang istilong kategorya ng jazz na nagpapakilala sa indibidwal na kalidad ng tunog ng isang instrumento o boses.
Natutukoy ang tunog sa pamamagitan ng paraan ng paggawa ng tunog, uri ng atake ng tunog, paraan ng intonasyon at interpretasyon ng timbre; Ang tunog ay isang indibidwal na anyo ng pagpapakita ng perpektong tunog sa jazz.

Swing, classic swing (swing; classic swing)
Ang swing ay jazz, na inayos para sa mga pinalawak na pop at dance orchestra (malalaking banda).
Ang swing ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang roll call ng tatlong grupo ng mga instrumento ng hangin: mga saxophone, trumpet at trombone, na lumilikha ng epekto ng rhythmic swing. Ang mga swing performer ay tumanggi sa kolektibong improvisasyon; sinasabayan ng mga musikero ang improvisasyon ng soloista na may paunang nakasulat na saliw.
Naabot ng swing ang rurok nito noong 1938-1942.

matamis
Ang Sweet ay isang katangian ng nakakaaliw at sumasayaw na komersyal na musika na may sentimental, malambing at liriko, gayundin ang mga kaugnay na anyo ng komersyalisadong jazz at "jazzed" na sikat na musika.

Symphonic jazz
Ang symphonic jazz ay isang estilo ng jazz na pinagsasama-sama ng mga tampok symphonic music na may mga elemento ng jazz.

Modernong jazz
Ang modernong jazz ay isang hanay ng mga istilo at uso ng jazz na lumitaw mula noong huling bahagi ng 1930s pagkatapos ng pagtatapos ng panahon ng klasikal na istilo at ang "panahon ng swing."

Afro-Cuban jazz (Aleman: afrokubanischer jazz)
Ang Afro-Cuban jazz ay isang istilo ng jazz na nabuo sa pagtatapos ng 1940s mula sa kumbinasyon ng mga elemento ng bebop na may mga ritmong Cuban.

Bebop, bop (bebop; bop)
Ang Bebop ay ang unang istilo ng modernong jazz na lumitaw noong unang bahagi ng 1930s.
Ang Bebop ay isang direksyon ng itim na jazz ng mga maliliit na ensemble, na nailalarawan sa pamamagitan ng:
-libreng solo improvisation batay sa isang kumplikadong pagkakasunud-sunod ng chord;
-paggamit ng instrumental na pag-awit;
-modernisasyon ng lumang mainit na jazz;
-isang spasmodic, hindi matatag na melody na may mga putol na pantig at isang feverishly nervous ritmo.

Combo
Ang Combo ay isang maliit na modernong jazz orchestra kung saan ang lahat ng instrumento ay mga soloista.

Cool jazz (cool na jazz; cool jazz)
Ang cool na jazz ay isang istilo ng modernong jazz na lumitaw noong unang bahagi ng 50s, na nag-a-update at nagpapakumplikado sa pagkakatugma ng bop;
Ang polyphony ay malawakang ginagamit sa cool na jazz.

Progressive
Ang Progressive ay isang istilong direksyon sa jazz na lumitaw noong unang bahagi ng 1940s batay sa mga tradisyon ng classical swing at bop, na nauugnay sa pagsasanay ng malalaking banda at malalaking symphonic orchestra. Malawakang gumagamit ng Latin American melodies at ritmo.

Libreng jazz
Ang libreng jazz ay isang istilo ng modernong jazz na nauugnay sa mga radikal na eksperimento sa larangan ng pagkakatugma, anyo, ritmo at mga diskarte sa improvisasyon.
Ang libreng jazz ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
-libreng indibidwal at pangkat na improvisasyon;
-paggamit ng polymetry at polyrhythm, polytonality at atonality, serial at dodecaphonic technique, libreng form, modal technique, atbp.

Hard bob
Ang hard bop ay isang istilo ng jazz na nag-evolve mula sa bebop noong unang bahagi ng 1950s. Iba ang hard bop:
- madilim, magaspang na kulay;
-nagpapahayag, mahigpit na ritmo;
-pagpapalakas ng mga elemento ng blues sa pagkakatugma.

Chicago style ng jazz (chicago-still)
Ang Chicago style of jazz ay isang variant ng New Orleans jazz style, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng:
-mas mahigpit na komposisyonal na organisasyon;
-pagpapalakas ng solo improvisation (virtuoso episodes na ginagampanan ng iba't ibang instrumento).

Iba't ibang orkestra
Ang pop orchestra ay isang uri ng jazz orchestra;
instrumental ensemble na gumaganap ng entertainment at dance music at mga piraso mula sa jazz repertoire,
kasamang mga performer ng mga sikat na kanta at iba pang masters ng pop genre.
Karaniwan, ang isang pop orchestra ay may kasamang grupo ng mga instrumentong reed at brass, piano, gitara, double bass at isang set ng mga drum.

Makasaysayang background sa jazz

Ito ay pinaniniwalaan na ang Jazz, bilang isang malayang kilusan, ay bumangon sa New Orleans sa pagitan ng 1900 at 1917. Sinasabi ng isang kilalang alamat na mula sa New Orleans, kumalat ang jazz sa kahabaan ng Mississippi hanggang Memphis, St. Louis at sa wakas sa Chicago. Ang bisa ng alamat na ito ay kinuwestiyon kamakailan ng ilang mga mananalaysay ng jazz, at ngayon ay pinaniniwalaan na ang jazz ay nagmula sa itim na subculture nang sabay-sabay sa iba't ibang lugar sa Amerika, pangunahin sa New York, Kansas City, Chicago at St. Gayunpaman, ang lumang alamat, tila, ay hindi malayo sa katotohanan.

Una, ito ay sinusuportahan ng mga patotoo ng mga matatandang musikero na nabuhay noong panahon kung kailan naabot ng jazz ang mga hangganan ng mga itim na ghettos. Lahat sila ay nagpapatunay na ang mga musikero ng New Orleans ay nagpatugtog ng napakaespesyal na musika, na madaling kinopya ng ibang mga performer. Ang katotohanan na ang New Orleans ay ang duyan ng jazz ay kinumpirma rin ng mga pag-record. Ang mga rekord ng jazz na naitala bago ang 1924 ay ginawa ng mga musikero mula sa New Orleans.

Ang klasikal na panahon ng jazz ay tumagal mula 1890 hanggang 1929 at nagtapos sa simula ng "panahon ng swing." Ang klasikal na jazz ay karaniwang kinabibilangan ng: New Orleans style (kinakatawan ng Negro at Creole style), New Orleans-Chicago style (na lumitaw sa Chicago pagkatapos ng 1917 kaugnay ng paglipat dito ng karamihan sa mga nangungunang Negro jazzmen ng New Orleans), Dixieland (sa nito New Orleans at Chicago varieties ), isang bilang ng mga uri ng piano jazz (barrel house, boogie-woogie, atbp.), pati na rin ang mga estilo ng jazz na nauugnay sa parehong panahon na lumitaw sa ilang iba pang mga lungsod sa Timog at Midwest ng Ang nagkakaisang estado. Ang classical jazz, kasama ang ilang mga archaic stylistic forms, ay minsang tinutukoy bilang tradisyonal na jazz.

Jazz sa Russia

Ang unang jazz orchestra sa Soviet Russia ay nilikha sa Moscow noong 1922 ng makata, tagapagsalin, mananayaw, at teatro na si Valentin Parnakh at tinawag na "The First Eccentric Orchestra of Jazz Bands of Valentin Parnakh sa RSFSR." Ang kaarawan ng Russian jazz ay tradisyonal na itinuturing na Oktubre 1, 1922, nang maganap ang unang konsiyerto ng grupong ito.

Ang saloobin ng mga awtoridad ng Sobyet sa jazz ay hindi maliwanag. Sa una, ang mga domestic jazz performers ay hindi ipinagbawal, ngunit ang malupit na pagpuna sa jazz at kultura ng Kanluran ay laganap. Sa huling bahagi ng 40s, sa panahon ng paglaban sa cosmopolitanism, ang mga grupong jazz na gumaganap ng "Western" na musika ay inuusig. Sa pagsisimula ng Thaw, ang mga panunupil laban sa mga musikero ay tumigil, ngunit nagpatuloy ang pagpuna.

Ang unang libro tungkol sa jazz sa USSR ay inilathala ng Leningrad publishing house Academia noong 1926. Ito ay pinagsama-sama ng musicologist na si Semyon Ginzburg mula sa mga pagsasalin ng mga artikulo ng mga Kanluraning kompositor at kritiko ng musika, pati na rin ang kanyang sariling mga materyales, at tinawag na "Jazz Band at kontemporaryong musika"Ang susunod na libro tungkol sa jazz ay nai-publish sa USSR noong unang bahagi ng 1960s. Ito ay isinulat nina Valery Mysovsky at Vladimir Feyertag, na tinatawag na "Jazz" at mahalagang isang compilation ng impormasyon na maaaring makuha mula sa iba't ibang mga mapagkukunan sa oras na iyon. Noong 2001, inilathala ng St. Petersburg publishing house na "Skifia" ang encyclopedia na "Jazz. XX siglo Encyclopedic reference book." Ang libro ay inihanda ng awtoritatibong kritiko ng jazz na si Vladimir Feyertag.

Jazz - nakatago sa salitang ito ay hindi lamang isang pagtatalaga ng isa pang istilo ng musika, ito rin ay nagtatago buong kwento bagong musika, na unang narinig sa simula ng ika-20 siglo. Ang mga ugat ng jazz ay matatagpuan nang mas maaga, ngunit ito ay nabuo bilang isang indibidwal na istilo na medyo kamakailan. Ito ay bumangon sa USA sa panahon na ang bansa ay nakararanas ng pang-aapi sa mga itim na tao, pag-uusig sa bahaging ito ng populasyon, na higit na ipinahayag sa mga komposisyon ng jazz.

Background sa paglitaw ng jazz

Bumalik sa malayong ika-17 siglo, ang mga unang alipin ay dinala sa Amerika mula sa Africa. Ang mga taong ito ay ginamit sa mga plantasyon para sa pinakamahirap na paggawa. Ang mga itim na alipin ay halos walang karapatan, na kontento sa kung ano ang mayroon sila. Natagpuan nila ang kanilang tanging pinagmumulan ng aliw at kagalakan sa musika.

Ang mga Aprikano ay may mahusay na pakiramdam ng ritmo, kung kaya't maaari silang kumanta sa beat. Sa mga oras na iyon na sila ay binigyan ng kaunting pahinga, ang mga aliping maitim ang balat ay umaawit, sinasabayan ang kanilang mga sarili sa pamamagitan ng paghampas ng mga bangko, lata, pagpalakpak ng kanilang mga kamay, atbp. Ito ay kung paano lumitaw ang mga unang motibo ng musika na sa hinaharap ay tatawaging jazz.

Kasaysayan ng pag-unlad ng jazz

Pag-unlad ng Jazz - New Orleans

Ang kosmopolitan na lungsod ng New Orleans ay nakakita ng pag-unlad ng iba't ibang kultura, na humantong sa pagbuo ng isang bagong anyo ng musikal na sining. Ang panahon mula 1900 hanggang 1917 ay karaniwang tinatawag na panahon ng tradisyonal o New Orleans jazz.

Sa oras na ito, ang estilo na ito ay nagiging lalong popular. Hindi lamang mga itim na lalaki, kundi pati na rin ang mga puting Amerikano ay naging kanyang mga tagahanga. Isa sa mga sikat na performer Ang jazz music ay naging Louis Armstrong, na ipinanganak sa New Orleans.

Ang swing ay isang paraan ng pagpapahayag sa jazz

Sa simula ng panahon ng Swing, maraming maliliit na ensemble ang nabago sa malalaking grupo. Salamat sa pag-unlad ng nagpapahayag na paraan, ang jazz music ngayon ay lumilikha ng impresyon ng napakalaking panloob na enerhiya na nasa isang estado ng hindi matatag na ekwilibriyo.

Bebop - modernong jazz

Isa pang istilo na unti-unting nabuo sa jazz music. Mayroon itong medyo mabilis na tempo, at nakikilala din sa pamamagitan ng mga kumplikadong improvisasyon, na nilikha sa pamamagitan ng hindi pagbabago ng melody, ngunit ang pagkakaisa mismo.

Libreng jazz

Ang huling bahagi ng 50s at unang bahagi ng 60s ay naging panahon ng libreng jazz, na kinasasangkutan ng pag-alis mula sa Western consonance at ritmo. Ang pangunahing diin mula ngayon ay ang paghahanap ng higit na kalayaan sa pagpapahayag.

Paghina ng jazz music

Sa pagtatapos ng 60s ng ika-20 siglo, ang istilo ng musikang ito ay nakaranas ng pagbaba ng katanyagan. Sa kabila ng katotohanan na sinubukan ng maraming mga performer na buhayin ang istilong ito, na nagpapakilala sa mga modernong tagapakinig sa jazz, nabigo sila. Ito ay para sa kadahilanang ito na ang mga musikero ng jazz ay naiwang walang trabaho, at isang malaking bilang ng mga jazz club ay sarado sa panahong ito.

Renaissance

Gayunpaman, lumipas ang oras, at unti-unting bumalik si jazz. Ngayon ito ay pumukaw ng interes sa mga tagapakinig mula sa buong mundo, anuman ang nasyonalidad mayroon ang isang tao. Ang mga tradisyon ng jazz ay muling binuhay, at ang istilo ay naging sikat muli.

Kapansin-pansin na sa jazz ay walang permanenteng komposisyon. Mayroong palaging isang grupo ng mga soloista, na nagpapakilala sa istilong ito mula sa lahat ng iba pa.

Umunlad din ang jazz sa ating bansa, na lumitaw noong 20s ng 20th century. Ang espesyal na orkestra ay inorganisa ni Valentin Parnakh. Pagkalipas ng sampung taon, ang jazz ay nagsimulang makakuha ng partikular na katanyagan sa mga residente ng USSR, higit sa lahat salamat sa mga pagtatanghal ng ensemble na pinamumunuan ni Leonid Utesov.

Ang Jazz bilang isang hiwalay na istilo ng musika ay nabubuhay pa rin ngayon. Marami siyang mga tagahanga na handang magbigay ng malaki para sa kanya upang umunlad at magpatuloy sa pag-iral sa maraming mga darating na taon.