Mga seksyon ng site
Pinili ng Editor:
- Mga pancake ng harina ng mais (walang mantika) - recipe ng aking Diets
- Choux pastry para sa eclairs - Pinakamahusay na mga recipe
- Ang nakapagpapagaling na oat cocktail ni Doctor Izotov Mga cocktail na may oatmeal sa isang blender
- Isda ng Brizol. Brizol mula sa pollock fillet. Para maghanda kailangan natin
- Kale: ano ito, paano ito kapaki-pakinabang at kung paano ito pinakamahusay na gamitin
- Smoothie na may raspberry at strawberry
- Isda brizol. Brizol mula sa pollock fillet. Para maghanda kailangan natin
- Fickle at charismatic Semyon: ang kahulugan ng pangalan
- Isda ng asp: mga larawan, mga recipe
- Bakit mo pinapangarap ang pagsasara? Isara mo ang pinto. Paano bigyang-kahulugan ang panaginip na "Baul"
Advertising
| Ang Mandolin ay isang instrumentong pangmusika mula sa Italya. Mga sayaw ng Italyano: kasaysayan at kanilang mga uri Saltarella: kasiyahan sa kasal |
|
Ang tagpi-tagping kultural na Italy ay nagbigay sa mundo ng mga hindi maunahang masters sa larangan ng sining. Ngunit ang mga Italian genius creator mismo ay naimpluwensyahan ng katutubong kultura, kasama. melodic na mga kanta ng Italyano. Halos lahat sa kanila ay may mga may-akda, na, gayunpaman, ay hindi pumipigil sa kanila na tawaging folk. Ito ay marahil dahil sa likas na pagmamahal ng mga Italyano sa pagtugtog ng musika. Nalalapat ang pahayag na ito sa lahat ng rehiyon ng Italya mula sa timog Naples hanggang sa hilagang Venice, na kinumpirma ng maraming pagdiriwang ng kanta na ginanap sa buong bansa. Ang kantang Italyano ay kilala at minamahal sa buong mundo: naaalala pa rin ng aming mga magulang ang "Bella Ciao" at "On the Road" - mga katutubong kanta ng Italyano na kinanta ni Muslim Magomayev, na kinikilala bilang pinakamahusay na tagapalabas ng mga kanta sa bansang ito. Italian folk songs mula pa noong unaKung wikang Italyano nabuo noong ika-10 siglo, iniuugnay ng mga mananaliksik ang hitsura ng mga katutubong awit ng Italyano sa simula pa lamang ng ika-13 siglo. Ito ay mga kantang inaawit ng mga naglalakbay na juggler at minstrel sa mga plaza ng lungsod tuwing holiday. Ang paksa para sa kanila ay mga kwento ng pag-ibig o pamilya. Ang kanilang estilo ay medyo magaspang, na medyo natural para sa Middle Ages. Ang pinakatanyag na kanta na napunta sa atin ay tinatawag na "Contrasto" (“Pag-aawayan ng Pag-ibig”) ng Sicilian Ciullo d’Alcamo. Ito ay tungkol sa isang dialogue sa pagitan ng isang batang babae at isang batang lalaki na umiibig sa kanya. Bilang karagdagan, kilala ang mga katulad na kanta ng diyalogo: "Ang pagtatalo sa pagitan ng kaluluwa at katawan", "Ang pagtatalo sa pagitan ng morena at blonde", "Ang pagtatalo sa pagitan ng walang kabuluhan at matalino", "Ang pagtatalo sa pagitan ng taglamig at tag-araw" . Sa panahon ng Renaissance, ang fashion ng pagtugtog ng musika sa bahay ay kumalat sa mga naninirahan sa Italya. Ang mga ordinaryong taong-bayan ay nagtipon sa mga lupon ng mga mahilig sa musika, kung saan sila ay tumugtog ng iba't ibang mga instrumento at binubuo ng mga salita at melodies. Simula noon, ang mga kanta ay naging laganap sa lahat ng mga bahagi ng populasyon at narinig sa lahat ng dako sa Italya. Mga instrumentong pangmusika at mga katutubong awit ng Italyano
Italian folk song "Santa Lucia" - ang kapanganakan ng Neapolitan musicAng Naples ay ang kabisera ng rehiyon ng Campania, ang pinakatanyag na lungsod sa katimugang Italya at tahanan ng nakamamanghang liriko na Neapolitan folk song, ang magandang "Santa Lucia". Ang pambihirang kagandahan ng kalikasan, banayad na klima at maginhawang lokasyon sa baybayin ng bay na may parehong pangalan ay naging dahilan upang maging lubhang kaakit-akit ang lungsod na ito at ang nakapalibot na lugar sa maraming mananakop at simpleng mga naninirahan. Sa loob ng higit sa 2,500 taon, tinanggap at muling binibigyang kahulugan ng lungsod na ito ang maraming kultura, na hindi makakaapekto sa mga tradisyong pangmusika ng rehiyon.
Sa siglo XIV-XV. Sa mga tao, ang mga nakakatawang couplet ay popular, na binubuo sa paksa ng araw. Sa ikalawang kalahati ng ika-15 siglo, ang villanelle (Italian village song) ay bumangon sa Naples - ang mga couplet ay gumanap sa ilang mga tinig sa saliw ng isang lute. Gayunpaman, ang kasagsagan ng Neapolitan folk song na alam natin ay itinayo noong ika-19 na siglo. Sa panahong ito na ang pinakasikat na awiting Italyano na "Santa Lucia" ay inilathala ni Teodoro Cottrau. Ito ay nakasulat sa genre ng barcarolle (mula sa salitang barka), na ang ibig sabihin ay "awit ng bangka" o "awit sa tubig." Ang kanta ay kinanta sa Neapolitan dialect at nakatuon sa kagandahan ng baybaying bayan ng Santa Lucia. Ito ang unang akdang Neapolitan na isinalin mula sa isang diyalekto sa Italyano. Ito ay ginanap nina Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti at marami pang iba pang sikat na artista sa mundo. Orihinal na Neapolitan na tekstoComme se fr?cceca la luna chiena… II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare… Santa Lucia! Santa Lucia! Klasikong Italyano na teksto (Enrico Cossovic, 1849)Sul mare luccica l'astro d'argento. Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia! Su passegieri, venite via! Santa Lucia! E va gridando con allegaria, Tu sei l'impero dell'armonia, Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! tekstong RusoMedyo humihinga ang dagat Binubuo niya ang mga gintong pangarap, Magandang kanta Oh aking Naples Kanais-nais na hangin Sa likod ng mga kurtina Santa Lucia, Mga kasiyahan sa kaluluwa Ah, huwag mawala ito Kalmado ang dagat Santa Lucia, Santa Lucia, Makinig sa Italian folk song na Santa Lucia na ginanap ni Anastasia Kozhukhova:
Bilang karagdagan, ang isa pang Neapolitan na kanta na "Dicitenello vuie" ay sikat din sa ating bansa; sa ating bansa ito ay mas kilala bilang "Tell the girls to your girlfriend." Ang kanta ay isinulat noong 1930 ng kompositor na si Rodolfo Falvo na may lyrics ni Enzo Fusco. Ang bersyon sa wikang Ruso ay ginanap ng karamihan sa mga domestic artist mula Sergei Lemeshev hanggang Valery Leontyev. Bilang karagdagan sa Russian, ang kantang ito ay isinalin sa maraming iba pang mga wika. Ang mga kanta ng Neapolitan ay hindi pa nagagawang kilala at minamahal sa buong mundo. Ito ay pinatunayan ng isang insidente na naganap sa Olympic Games sa Antwerp noong 1920. Sa panahon ng seremonya ng paggawad para sa koponan ng Italyano, lumabas na ang Belgian orchestra ay walang mga nota ng Italian anthem. At pagkatapos ay ang orkestra ay sumambulat ng "O aking araw" ("O sole mio"). Sa pinakaunang tunog ng himig, nagsimulang kumanta ang mga naroroon sa istadyum sa mga salita ng kanta. Sa pagsasalita tungkol sa mga tradisyon ng kanta ng Naples at sa paligid nito, hindi mabibigo ang isa na banggitin ang Piedigrotta festival, na ginaganap taun-taon sa unang bahagi ng Setyembre. Ang Piedigrotta ay isang grotto na matatagpuan malapit sa Naples na minsan ay nagsilbing isang paganong santuwaryo. Noong 1200, upang italaga ang lugar na ito, ang Simbahan ni St. Mary ay itinayo dito, na naging kilala bilang Piedigrotta, na nangangahulugang "sa paanan ng grotto." Sa paglipas ng panahon, ang relihiyosong pagsamba sa Birheng Maria at ang mga kasiyahan sa kanyang karangalan ay naging isang kompetisyon-festival ng kanta. Sa panahon nito pagdiriwang ng musika Ang pinakamahusay na katutubong makata at mang-aawit ng Naples ay nakikipagkumpitensya. Minsan nangyayari na ang dalawang kanta ay nakakuha ng parehong bilang ng mga puntos. At pagkatapos ay nahahati ang madla sa dalawang kampo, na ang bawat isa ay handang ipagtanggol ang kanilang paboritong himig gamit ang kanilang mga kamao. Kung ang parehong mga kanta ay talagang mahusay, ang pagkakaibigan ay nanalo at ang buong lungsod ay humuhuni ng mga paboritong himig na ito. Italian folk song na "Masaya"Ang akda ay nauugnay sa mga liriko ng pag-ibig, ngunit ang mga salita ng teksto ay nagpapakita ng kataksilan at kawalang-interes ng kabataan. Ang pagsasalaysay ay isinalaysay mula sa pananaw ng isang batang babae na tila bumaling sa kanyang kaibigan, nagtatanong: alam ba niya kung ano ang nakatago sa likod ng mga malandi na sulyap ng mga dilag sa mga bola? Ang batang babae mismo ay hindi pa umiibig sa sinuman at samakatuwid ay itinuturing ang kanyang sarili na pinakamasaya at "mas kaakit-akit kaysa sa lahat ng mga reyna." Isang batang babaeng Italyano ang naglalakad sa gitna ng mga daisies at violets, nakikinig sa huni ng mga ibon at umaawit sa kanila tungkol sa kung gaano siya kasaya at na gusto niyang sila lang ang mahalin magpakailanman. Tunay na tumpak na nabanggit na hangga't ang iyong pag-ibig sa ibang tao ay hindi nagiging isang masakit na kalakip, may oras upang tamasahin ang buhay, kalikasan at lahat ng nakapaligid sa iyo. Saan mo mapapansin ang lahat ng ito kung ikaw ay nag-aapoy sa paninibugho at pagkabalisa? Makinig sa Italian folk song na "Happy" sa Russian na ginanap ni Anastasia Teplyakova:
Katatawanan sa mga katutubong kanta ng Italyano: kumakanta kami tungkol sa "Pasta"
Ang magaan at masayahin na karakter na Italyano ay nag-ambag sa malawakang pagpapakalat ng mga nakakatawang kanta. Kabilang sa mga naturang gawa, nararapat na tandaan ang kantang "Pasta," na nakatuon sa tunay na pagkaing Italyano. Sa pag-awit ng kantang ito, ang mga ulila at mga bata mula sa mahihirap na pamilya ay kumikita sa pamamagitan ng paghingi ng limos sa mga dumadaan. Depende sa kasarian ng gumaganap, may mga lalaki at babae na bersyon ng teksto. Ang kanta ay nilikha sa isang tarantella ritmo. Ang Tarantella ay isang katutubong sayaw na ginanap mula noong ika-15 siglo. Bilang isang tuntunin, ang tarantella ay batay sa isang rhythmically repeating motif. Kapansin-pansin, ang pagsasayaw sa himig na ito ay itinuturing na isang nakapagpapagaling na lunas para sa mga taong nakagat ng tarantula. Mula noong sinaunang panahon, ang mga musikero ay gumagala sa mga kalsada ng Italya na gumaganap ng himig na ito lalo na para sa mga dumaranas ng "tarantismo". Pasta (bersyon ng lalaki) Pagsasalin ni M. Ulitsky1. Nakatira ako sa mga guho. 2. Ang masarap na ulam na ito ay mabuting kaibigan ng mga karaniwang tao. 3. Gusto mo bang malaman kung paano nakaligtas ang naghihingalong pulang payaso? 4. Ang ating Tarantella ay kinakanta, sino ang dapat kong kasama sa hapunan? Pasta (babaeng bersyon)Mas maitim ako sa olive Kaibigan ko si Pulcinello Inipon ko ang aking kapatid para sa paglalakad, Kung medyo malungkot ka, Maccheroni1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto. 2. Pulcinella mezzo spento vole a fare il testimento. 3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente. 4. Tarantella si e cantata, Makinig sa Italian folk song na "Pasta" sa Russian na ginanap ni Anna Zhikhalenko:
Mga kanta ng Venetian sa tubigBilang karagdagan sa katimugang Naples, ang hilagang perlas ng Italya, ang Venice, ay may kahanga-hanga at kamangha-manghang mga tradisyon ng kanta. Ito ay tungkol, una sa lahat, tungkol sa mga kanta ng mga gondolier. Ang mga motif ng pag-ibig na ito ay kabilang sa genre ng barcarole. Ang mga ito ay napaka melodic at nakakalibang. Ang malakas at magandang boses ng gondolier ay tila umaalingawngaw sa mabagal na paghampas ng mga sagwan sa tubig. Kakaiba, ngunit hanggang sa ika-18 siglo ang barcarolle ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga propesyonal na musikero. Gayunpaman, sa susunod na siglo ang pagkukulang na ito ay higit pa sa ginawa. Ang Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka ay isang maliit na bilang ng mga henyo sa musika na nabighani ng Venetian folk song at isinama ang mga motif nito sa kanilang walang kamatayang mga gawa. Sa kasamaang palad, ang modernity ay may negatibong epekto sa mga tradisyon ng Venetian, kabilang ang barcarolle. Halimbawa, sa kahilingan ng mga turista, ang mga gondoliers ay madalas na kumanta ng Neapolitan na kanta na "O Sole Mio", bagaman ang Gondoliers Association ay laban sa pagganap nito, dahil hindi ito Venetian. Awit ng mga Italian partisan na "Bella Ciao"
Ang mga liriko ay pinaniniwalaang isinulat ng isang paramedic o doktor. At ang himig ay malinaw na kinuha mula sa lumang kanta ng mga bata na "Sleeping Potion." Bagaman, ayon kay Luciano Granozzi, propesor ng modernong kasaysayan sa Unibersidad ng Catania, ang "Bella Ciao" ay ginanap lamang ng ilang grupo ng mga partisan sa paligid ng Bologna hanggang 1945. E picchia picchia Bella Ciao (isa sa mga opsyon)Kaninang umaga nagising ako Makinig sa kanta ng mga Italian partisan na "Bella, Ciao" na ginanap ng Pyatnitsky Choir:
Ang paboritong partisan na kanta ng lahat ay ang "Fischia il vento" ("The wind blows"), ito ay may binibigkas na karakter na komunista. Samakatuwid, pagkatapos ng pagtatapos ng digmaan, para sa mga layuning pang-ideolohiya, sinimulan ng gobyerno ng Italya na isulong ang kantang "Bella Ciao". Dahil doon ay kailangan lang nating magpasalamat sa kanya. Sa anumang kaso, ang kanta ay nakakuha ng katanyagan sa buong mundo noong huling bahagi ng apatnapu't, pagkatapos ng ika-1 International Festival kabataan at estudyante, na naganap sa Prague noong tag-araw ng 1947. Pagkatapos nito, maraming beses itong sinakop ng mga sikat at hindi gaanong sikat na mang-aawit sa buong mundo. Ang paksa ng Italian folk music ay napakalaki na imposibleng ihatid ito sa isang artikulo. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang buong kasaysayan ng Italya ay makikita sa mga katutubong kanta. Ang isang hindi kapani-paniwalang melodic na wika, marangyang kalikasan at ang magulong kasaysayan ng pag-unlad ng bansa ay nagbigay sa mundo ng isang kultural na kababalaghan tulad ng Italian folk song. ← ←Gusto mo bang marinig ang iyong mga kaibigan na salamat sa pagbabahagi ng mga kawili-wili at mahalagang materyal sa kanila?? Pagkatapos ay i-click ang isa sa mga button ng social media sa kaliwa ngayon din! Ang mga pinagmulan ng musikang Italyano ay bumalik sa musikal na kultura ng Sinaunang Roma (tingnan ang Sinaunang Romanong musika). Mga nilalang na nilalaro ng musika. papel sa lipunan, estado buhay ng Roman Empire, sa pang-araw-araw na buhay iba't-ibang. mga layer ng populasyon; ang musika ay mayaman at iba-iba. mga kasangkapan. Ang mga sample ng sinaunang Romanong musika ay hindi nakarating sa amin, ngunit dep. ang mga elemento nito ay nakaligtas hanggang sa Middle Ages. Kristo mga himno at bayan musika mga tradisyon. Noong ika-4 na siglo, nang ideklarang estado ang Kristiyanismo. relihiyon, ang Roma, kasama ang Byzantium, ay naging isa sa mga sentro ng liturgical development. kumanta muna ang batayan nito ay ang salmo, na nagmula sa Syria at Palestine. Pinagsama-sama ng Arsobispo ng Milan na si Ambrose ang pagsasanay ng antiphonal na pag-awit ng mga himno (tingnan ang Antipona), na inilalapit ang kanilang himig sa pagsasalaysay. pinanggalingan. Ang isang espesyal na tradisyong Kristiyano sa Kanluran ay nauugnay sa kanyang pangalan. simbahan pag-awit, na tinatawag na Ambrosian (tingnan ang Ambrosian singing). Sa con. Ika-6 na siglo, sa ilalim ni Pope Gregory I, nabuo ang mga solidong anyo ni Kristo. liturhiya at ang musika nito ay iniutos. gilid. Ang mang-aawit ay nilikha sa parehong oras sa Roma. ang paaralan (“schola cantorum”) ay naging isang uri ng akademya para sa pag-awit sa simbahan. mga demanda at mas matataas na mambabatas. awtoridad sa lugar na ito. Si Gregory I ay kinilala sa pag-iisa at pag-aayos ng mga pangunahing prinsipyo. liturgical chants. Gayunpaman, ang pananaliksik sa ibang pagkakataon ay itinatag na ang malambing. istilo at anyo ng tinatawag na Sa wakas ay nabuo lamang ang Gregorian chant noong ika-8-9 na siglo. Romano Katoliko. ang simbahan, na nagsusumikap para sa pagkakapareho ng pagsamba, ay nagpalaganap ng ganitong istilo ng mga monogol. koro umaawit sa lahat ng mga bansa na nagbalik-loob kay Kristo. pananampalataya. Nakumpleto ang prosesong ito sa pagtatapos. Ika-11 siglo, kapag ang Gregorian liturhiya na may katumbas na awit. ang mga regulasyon ay itinatag sa mga bansa sa Gitnang at Kanluran. at Yuzh. Europa. Kasabay nito, tumigil din ang karagdagang pag-unlad ng Gregorian chant, na nagyelo sa immutability. mga form. Mula sa dulo 1st milenyo AD bilang isang resulta ng madalas na pagsalakay ng kaaway sa teritoryo ng Italya, pati na rin ang pagtaas ng pang-aapi ng kapapahan, na nakagambala sa malayang pagpapahayag ng pagkamalikhain. inisyatiba, sa I. m. darating ang mahabang panahon. pagwawalang-kilos, ito ay tumigil sa paglalaro ng isang kapansin-pansing papel sa pangkalahatang musika. Pag-unlad ng Europa mga bansa Ang pinakamahalagang pagbabago na naganap sa Europa. ang musika sa pagliko ng 1st at 2nd millennia ay mahina at kadalasang nahuhuli sa makasaysayang musika.Habang ang mga iskolar-musikero ng Kanluran. at Hilagang Kanluran Europe nasa ika-9 na siglo na. nagbigay ng katwiran para sa mga unang anyo ng polyphony, ang pinakakilalang Italyano. musika binigyang-pansin ng medieval theorist na si Guido d'Arezzo (ika-11 siglo) ang single-headed Gregorian chant, panandalian lamang ang pagpindot sa organum. Noong ika-12 siglo, ang polyphonic na pag-awit ay pumasok sa liturgical practice ng ilang mga simbahang Italyano, ngunit kakaunti ang kilala nito. hindi ipinahihiwatig ng mga halimbawa ang tungkol sa independiyenteng kontribusyon ng Italya sa pag-unlad ng mga polyphonic genre ng panahong iyon. Ang bagong pag-usbong ng makasaysayang musika sa huling bahagi ng ika-13-14 na siglo ay nauugnay sa Maagang Renaissance, na sumasalamin sa paglago ng mga humanistic tendencies, ang simula pagpapalaya ng pagkatao ng tao mula sa pang-aapi ng mga relihiyosong dogma, isang mas malaya at direktang pang-unawa sa mundo sa panahon ng paghina ng kapangyarihan ng mga panginoong pyudal at pagbuo ng mga unang relasyong kapitalista. Ang konsepto ng Early Renaissance ay tumutugma sa kahulugan ng Ars nova na tinanggap sa kasaysayan ng musika. Ang mga pangunahing sentro ng kilusang ito ay ang mga lungsod ng Central at Northern Italy - Florence, Venice, Padua - mas maunlad sa kanilang sistemang panlipunan at kultura kaysa sa mga rehiyon sa timog, kung saan ang mga relasyong pyudal ay nananatili pa rin. matatag na napanatili, ang mga lungsod na ito ay nakakaakit ng mga pinaka mahuhusay na kompositor at gumaganap na musikero. Lumitaw dito ang mga bagong genre at istilong uso. Ang pagnanais para sa mas mataas na pagpapahayag ay ipinakita mismo sa mga liriko. mga himno sa relihiyon na malayang binibigyang kahulugan. Ang tema ay laudah, na inaawit sa pang-araw-araw na buhay at sa panahon ng mga relihiyon. mga prusisyon. Nasa dulo na. ika-12 siglo "Laudist brotherhoods" lumitaw, ang bilang ng mga ito ay tumaas noong ika-13 at lalo na ika-14 na siglo. Ang Laudas ay nilinang sa mga monghe ng orden ng Pransiskano, na sumasalungat sa opisyal. Ang simbahang Romano, kung minsan ay nagpapakita sila ng mga motibo ng panlipunang protesta. Ang himig ng laud ay nauugnay sa nar. pinagmulan, iba ang ritmo. kalinawan, kalinawan ng istraktura, nangingibabaw na pangunahing pangkulay. Ilan sa kanila ay malapit ang ugali sa sayaw. mga kanta. Sa Florence, lumitaw ang mga bagong genre ng sekular na polygon. wok musika na inilaan para sa home amateur performance: madrigal, caccia, ballata. Ito ay 2- o 3-goal. strophic mga kanta na may melodic primacy. itaas na boses, na nakikilala sa pamamagitan ng ritmo. kadaliang kumilos, kasaganaan ng mga sipi na may kulay. Madrigal - maharlika. isang genre na nailalarawan sa pagiging sopistikado ng poetics at musika. gusali. Ito ay pinangungunahan ng banayad na erotismo. mga tema, na naglalaman din ng satirical. motibo, kung minsan ay may kinalaman sa pulitika. Ang nilalaman ng caccia sa una ay binubuo ng mga larawan ng pangangaso (kaya ang pangalan mismo: caccia - pangangaso), ngunit pagkatapos ay lumawak ang mga tema nito at sumasakop sa iba't ibang mga eksena sa genre. Ang pinakasikat sa mga sekular na genre ng Ars nova ay ballata (isang kantang sayaw na katulad ng nilalaman ng isang madrigal). Laganap na pag-unlad noong ika-14 na siglo ng Italya. tumatanggap ng instr. musika. Basic Ang mga instrumento noon ay ang lute, alpa, fidel, flute, oboe, trumpeta, at iba't ibang organ. uri (positibo, portable). Sila ay ginagamit upang sumabay sa pag-awit at para sa solo o ensemble playing. Ang pagtaas ng Italy. Ang Ars nova ay nangyayari sa kalagitnaan. ika-14 na siglo Noong 40s lumaganap ang pagkamalikhain. ang mga aktibidad ng mga pinakakilalang masters nito - Giovanni mula sa Florence at Jacopo mula sa Bologna. Lalo na sumikat ang bulag na birtuoso na organista at kompositor. Si F. Landino ay isang multi-talented na tao, makata, musikero at siyentipiko, na iginagalang sa mga lupon ng Italyano. mga humanista. Sa kanyang trabaho, tumindi ang koneksyon sa mga tao. pinagmulan, ang himig ay nakakuha ng higit na kalayaan sa pagpapahayag, kung minsan ay katangi-tanging pagiging sopistikado, floridity at ritmo. pagkakaiba-iba. Sa panahon ng High Renaissance (ika-16 na siglo), ang sining ng kasaysayan ay nakakuha ng nangungunang posisyon sa mga Europeo. musika mga pananim Sa isang kapaligiran ng pangkalahatang pagtaas ng sining. kultura, musika-paggawa ng masinsinang binuo sa iba't-ibang mga layer ng lipunan. Ang mga sentro nito ay, kasama ang simbahan. mga kapilya ng sining. mga asosasyon ng guild, mga lupon ng napaliwanagan na mga mahilig sa panitikan at sining, kung minsan ay tinatawag ang kanilang sarili pagkatapos ng unang panahon. itinulad sa mga akademya. Sa maramihan ang mga paaralan ay nilikha sa mga lungsod na nag-ambag sa kalayaan. kontribusyon sa pag-unlad ng sining pangkasaysayan.Ang pinakamalaki at pinakamaimpluwensya sa kanila ay ang mga paaralang Romano at Venetian. Sa gitna ng Katolisismo - Roma, ang mga bagong artistikong anyo na binuhay ng kilusang Renaissance ay madalas na nakatagpo ng pagtutol mula sa simbahan. mga awtoridad. Ngunit, sa kabila ng mga pagbabawal at pagtuligsa, sa buong ika-15 siglo. sa Romano Katoliko polygoal ay matatag na itinatag sa pagsamba. pagkanta. Ito ay pinadali ng mga aktibidad ng mga kinatawan ng Franco-Flemish na paaralan na sina G. Dufay, Josquin Despres at iba pang mga kompositor, na nagsilbi sa iba't ibang oras sa kapilya ng papa. SA Sistine Chapel(itinatag 1473) at koro. kapilya ng Cathedral of St. Peter, ang pinakamahusay na mga masters ng simbahan puro. pag-awit hindi lamang mula sa Italya, kundi pati na rin mula sa ibang mga bansa. Mga isyu sa simbahan ang pagkanta ay binigyan ng espesyal na atensyon. pansin sa Konseho ng Trent (1545-63), na ang mga desisyon ay hinatulan ang labis na pagkahilig para sa "matalinghagang" polyphonic. musika, na nagpapahirap sa pag-unawa sa "sagradong mga salita", at ang kahilingan para sa pagiging simple at kalinawan ay iniharap; ang pagpapakilala ng mga sekular na melodies sa liturgical ay ipinagbabawal. musika. Ngunit, taliwas sa hangarin ng simbahan. awtoridad na paalisin ang lahat ng mga pagbabago mula sa pag-awit ng kulto at, kung maaari, ibalik ito sa mga tradisyon ng Gregorian chant, ang mga kompositor ng Roman school ay lumikha ng isang mataas na binuo polyphonic. isang sining kung saan ang pinakamahusay na mga nagawa ng Franco-Flemish polyphony ay ipinatupad at muling binibigyang kahulugan sa diwa ng Renaissance aesthetics. Sa produksyon kumplikadong imitasyon ang mga kompositor ng paaralang ito. ang pamamaraan ay pinagsama sa chord-harmonic. bodega, maraming ulo nakuha ng texture ang katangian ng maayos na euphony, ang melodic na simula ay naging mas independyente, ang itaas na boses ay madalas na nauuna. Ang pinakadakilang kinatawan ng paaralang Romano ay ang Palestrina. Ang kanyang perpektong balanse, napaliwanagan sa mood, maayos na sining ay minsan inihahambing sa gawa ni Raphael. Ang pagiging sumikat ng koro. polyphony ng isang mahigpit na istilo, ang musika ng Palestrina ay naglalaman din ng mga nabuong elemento ng homophonic na pag-iisip. Ang pagnanais para sa balanse sa pagitan ng pahalang at patayong mga prinsipyo ay katangian din ng iba pang mga kompositor ng parehong paaralan: C. Festa, G. Animucci (na tumayo sa pinuno ng Chapel of St. Peter noong 1555-71), Clemens the Papa, mga mag-aaral at tagasunod ng Palestrina - J. Nanino, F. Anerio at iba pa.Sumali rin ang mga Espanyol sa paaralang Romano. mga kompositor na nagtrabaho sa kapilya ng papa: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (natanggap ang palayaw na "Spanish Palestrina"). Ang nagtatag ng paaralang Venetian ay si A. Willaert (Dutch na pinanggalingan), na noong 1527 ay namuno sa kapilya ng Katedral ng St. Mark at naging pinuno nito sa loob ng 35 taon. Ang kanyang mga kahalili ay sina C. de Pope at ang Kastila na si C. Merulo. Naabot ng paaralang ito ang pinakadakilang pamumulaklak nito sa gawain ni A. Gabrieli at ng kanyang pamangkin na si G. Gabrieli. Sa kaibahan sa mahigpit at pinigilan na istilo ng pagsulat ng Palestrina at iba pang mga kompositor ng paaralang Romano, ang sining ng mga Venetian ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malago na paleta ng tunog at isang kasaganaan ng maliliwanag na kulay. epekto. Ang prinsipyo ng polychoricity ay partikular na kahalagahan sa kanila. Contrasting two choirs, arranged. sa iba't ibang panig ng simbahan, nagsilbing batayan para sa dinamika. at makukulay na kaibahan. Ang patuloy na nag-iiba-ibang bilang ng mga tinig ay umabot sa 20 para kay G. Gabrieli. Contrasts choir. Ang mga sonoridad ay kinumpleto ng mga pagbabago sa mga instrumento. timbres, at ang mga instrumento ay hindi lamang nadoble ang mga tinig ng koro, ngunit nag-iisa ring gumanap. at pag-uugnay ng mga episode. Harmonic ang wika ay puspos ng maraming, madalas na naka-bold para sa oras na iyon, mga chromatism, na nagbigay dito ng mga tampok ng mas mataas na pagpapahayag. Ang pagkamalikhain ng mga masters ng Venetian school ay may malaking papel sa pagbuo ng mga bagong anyo ng mga instrumento. musika. Noong ika-16 na siglo Ang komposisyon ng mga instrumento mismo ay makabuluhang pinayaman, ang kanilang pagpapahayag ay lumawak. mga posibilidad. Ang kahalagahan ng mga nakayukong instrumento sa kanilang malambing, mainit na tunog ay tumaas. Sa panahong ito nabuo ang klasiko. uri ng viola; biyolin, dati nang laganap. sa sikat na buhay, nagiging prof. musika kasangkapan. Bilang solong mga instrumento, ang lute at organ ay patuloy na sumasakop sa isang nangungunang posisyon. Noong 1507-09, inilathala ng publisher ng musika na si O. Petrucci. 3 koleksyon ng mga piraso para sa lute, napanatili pa rin. mga palatandaan ng pagkagumon sa wok. uri ng motet polyphony. Sa hinaharap, ang pag-asa na ito ay humina, ang mga partikular na tool ay binuo. mga diskarte sa pagtatanghal. Katangian ng ika-16 na siglo. mga genre ng solong instrumento Musika - ricercar, fantasia, canzone, capriccio. Noong 1549 may lumitaw na org. Richercars Villarta. Kasunod niya, ang genre na ito ay binuo ni G. Gabrieli, ilang ricercars na ang presentasyon ay malapit sa isang fugue. Sa org. Ang toccatas ng mga Venetian masters ay sumasalamin sa virtuosity at tendency sa libreng imahinasyon. Noong 1551 isang koleksyon ng mga libro ang nai-publish sa Venice. mga piraso ng sayaw sa keyboard karakter. Ang paglitaw ng mga unang independiyenteng estado ay nauugnay sa mga pangalan ng A. at J. Gabrieli. mga sample ng chamber ensemble at orchestra. musika. Ang kanilang mga komposisyon para sa iba't ibang mga instrumento. ang mga komposisyon (mula 3 hanggang 22 partido) ay pinagsama sa isang koleksyon. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", na inilathala noong 1615 pagkatapos ng pagkamatay ng mga kompositor). Ang mga dulang ito ay batay sa prinsipyo ng contrasting different. instr. mga grupo (parehong homogenous - yumuko, woodwind, tanso, at halo-halong), na pagkatapos ay nakatanggap ng sunud-sunod. embodiment sa genre ng konsiyerto. Ang pinakakumpleto at matingkad na pagpapahayag ng mga ideya ng Renaissance sa musika ay ang madrigal, isang bagong pamumulaklak na dumating noong ika-16 na siglo. Maraming tao ang nagbigay-pansin sa pinakamahalagang genre na ito ng sekular na paggawa ng musika noong Renaissance. mga kompositor. Ang mga Madrigal ay isinulat ng mga Venetian na sina A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli, at ang mga master ng Romanong paaralan na C. Festa at Palestrina. Ang mga paaralan ng mga madrigalist ay umiral sa Milan, Florence, Ferrara, Bologna, at Naples. Madrigal ika-16 na siglo naiiba sa madrigal ng panahon ng Ars nova sa higit na kayamanan at pagiging sopistikado nito. nilalaman, ngunit basic ang kanyang globo ay nanatiling pag-ibig lyrics, madalas pastorally kulay, na sinamahan ng masigasig na pagdiriwang ng mga beauties ng kalikasan. Malaking impluwensya Ang pag-unlad ng madrigal ay naimpluwensyahan ng tula ni F. Petrarch (marami sa kanyang mga tula ay itinakda sa musika ng iba't ibang mga may-akda). Ang mga kompositor ng Madrigalist ay bumaling sa mga akda nina L. Ariosto, T. Tasso at iba pang pangunahing makata ng Renaissance. Sa mga madrigal noong ika-16 na siglo. 4- o 5-goal score ang nanaig. isang bodega na nag-uugnay sa mga elemento ng polyphony at homophony. Nangungunang melodic player Ang tinig ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging banayad ng pagpapahayag nito. shades, flexible transmission ng poetic details. text. Ang kabuuang komposisyon ay libre at hindi sumunod sa mga strophic na linya. prinsipyo. Kabilang sa mga madrigal masters ng ika-16 na siglo. Ang Olandes na si J. Arkadelt, na nagtrabaho sa Roma at Florence, ay namumukod-tangi. Ang kanyang mga madrigal, na inilathala noong 1538-44 (6 na aklat), ay muling inilimbag nang maraming beses at muling ginawa sa iba't ibang edisyon. nakalimbag at sulat-kamay mga pagpupulong. Ang pinakamataas na pamumulaklak ng genre na ito ay nauugnay sa pagkamalikhain. mga aktibidad ni L. Marenzio, C. Monteverdi at C. Gesualdo di Venosa sa huli. 16 - simula ika-17 siglo Kung si Marenzio ay nailalarawan sa pamamagitan ng sphere of refinement. liriko mga imahe, pagkatapos ay sa Gesualdo di Venosa at Monteverdi ang madrigal ay isinadula at pinagkalooban ng malalim na sikolohikal. expression, gumamit sila ng bago, hindi pangkaraniwang paraan ng magkatugma. wika, matalas na intonasyon. pagpapahayag ng wok. melodica. Ang mayamang layer ng I. m. ay mga tao. mga kanta at sayaw, na nakikilala sa pamamagitan ng melodiousness ng melodies, kasiglahan, at nagniningas na ritmo. Para sa Italyano Ang mga sayaw ay nailalarawan sa pamamagitan ng 6/8, 12/8 na mga pirma ng oras at isang mabilis, kadalasang mabilis, tempo: saltarello (mga rekord mula sa ika-13-14 na siglo ay napanatili), kaugnay na lombarda (sayaw ng Lombardy) at forlana (Venetian, sayaw ng Friulian ), tarantella (southern Italian dance , na naging pambansa). Kasama ng tarantella, sikat ang siciliana (pareho ang laki, ngunit katamtaman ang tempo, iba ang katangian ng melody - pastoral). Ang mga Sicilian ay malapit sa barcarolle (awit ng mga Venetian gondoliers) at Tuscan rispetto (awit ng papuri, pag-amin ng pag-ibig). Ang mga kanta ng Lamento (isang uri ng panaghoy) ay malawak na kilala. Ang kaplastikan at melodiousness ng melody, maliwanag na liriko, at madalas na binibigyang-diin ang pagiging sensitibo ay tipikal ng mga Neapolitan na kanta na laganap sa Italy. Nar. naimpluwensyahan din ng musika ang prof. musika paglikha. Ang pinakadakilang pagiging simple at pagiging malapit sa mga tao. Ang mga genre ng frottola at villanelle ay naiiba sa kanilang pinagmulan. Ang Renaissance ay nagbigay ng impetus sa pag-unlad ng teorya ng musika. mga saloobin sa Italya. Ang pundasyon ay moderno. ang doktrina ng pagkakaisa ay inilatag ni G. Zarlino. Middle-century Inihambing niya ang doktrina ng mga mode sa isang bagong sistema ng tonal na may 2 batayan. modal moods - major at minor. Sa kanyang mga paghatol, si Zarlino ay pangunahing umasa sa direktang auditory perception, at hindi sa abstract scholastic calculations at numerical operations. Ang pinakamalaking kaganapan sa I. m. sa pagliko ng ika-16-17 siglo. nagkaroon ng paglitaw ng opera. Ang pagkakaroon ng lumitaw na sa pagtatapos ng Renaissance, ang opera ay gayunpaman ay ganap na konektado sa mga ideya at kultura nito. Opera bilang isang standalone. Ang genre ay lumago, sa isang banda, mula sa teatro. mga pagtatanghal ng ika-16 na siglo, na sinamahan ng musika, sa kabilang banda - mula sa isang madrigal. Maraming tao ang lumikha ng musika para sa TV. mga sikat na kompositor noong ika-16 na siglo. Kaya, sumulat si A. Gabrieli ng mga koro para sa trahedya ni Sophocles na "Oedipus" (1585, Vicenza). Ang isa sa mga nauna sa opera ay ang dula ni A. Poliziano na "The Tale of Orpheus" (1480, Mantua). Ang madrigal ay bumuo ng paraan ng nababaluktot na pagpapahayag. mga sagisag ng patula teksto sa musika. Ang karaniwang kasanayan ng pagganap ng mga madrigal ng isang mang-aawit na may mga instrumento. paglaban inilapit sila sa uri ng wok. monody, na naging batayan ng unang Italyano. oper. Sa con. ika-16 na siglo ang genre ng madrigal comedy ay lumitaw, kung saan ang mimich. ang pag-arte ay sinamahan ng isang wok. mga episode sa madrigal style. Ang isang tipikal na halimbawa ng genre na ito ay ang "Amphiparnassus" ni O. Vecchi (1594). Noong 1581 lumitaw ang isang polemicist. Ang treatise ni V. Galilei na “Conversation on Ancient and Modern Music” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”), kung saan ang boses na umaawit. ang declamation (sumusunod sa sinaunang modelo) ay tutol sa "barbarismo" ng Middle Ages. polyphony. Ang sipi mula sa "Divine Comedy" ni Dante na itinakda niya sa musika ay dapat na magsilbing isang paglalarawan ng konseptong ito. istilo. Nakatagpo ng suporta ang mga iniisip ni Galilee sa isang grupo ng mga makata, musikero at humanist na siyentipiko na nagkaisa noong 1580 sa inisyatiba ng naliwanagang Florentine Count G. Bardi (ang tinatawag na Florentine Camerata). Ang mga pigura ng bilog na ito ay lumikha ng mga unang opera - "Daphne" (1597-98) at "Eurydice" (1600) ni J. Peri sa teksto ni O. Rinuccini. Solo wok. mga bahagi ng mga opera na ito na may op. Ang basso continuo ay nananatili sa declamation. paraan, ang istraktura ng madrigal ay napanatili sa mga koro. ilan pagkaraan ng mga taon, ang musika para sa "Eurydice" ay independyenteng binubuo ng mang-aawit at kompositor. G. Caccini, na siya ring may-akda ng koleksyon. solo chamber songs na may saliw "Bagong Musika" ("Le nuove musiche", 1601), pangunahing. sa parehong estilista. mga prinsipyo. Ang istilo ng pagsulat na ito ay tinawag na "bagong istilo" (Stile nuovo), o "matalinghagang istilo" (Stile rарpresentativo). Prod. Ang mga Florentine ay sa isang tiyak na lawak ay makatuwiran, ang kanilang kahulugan ay higit sa lahat eksperimental. Ang henyo ng musika ay nagbigay ng totoong buhay sa opera. playwright, artist ng makapangyarihang trahedya talento C. Monteverdi. Bumaling siya sa genre ng opera sa pagtanda, na naging may-akda ng maraming mga gawa. espirituwal na op. at mga sekular na madrigal. Ang kanyang unang mga opera na "Orpheus" (1607) at "Ariadne" (1608) ay post. sa Mantua. Matapos ang mahabang pahinga, muling gumanap si Monteverdi bilang isang kompositor ng opera sa Venice. Ang tuktok nito operatikong pagkamalikhain- "The Coronation of Poppea" (1642), prod. tunay na kapangyarihan ng Shakespearean, na nakikilala sa lalim ng drama. mga ekspresyon, mahusay na pag-sculpting ng karakter, talas at tindi ng mga sitwasyon ng salungatan. Sa Venice, ang opera ay lumampas sa makitid na aristokratiko. bilog ng mga connoisseurs at naging isang pampublikong panoorin. Ang unang pampublikong gusali ay binuksan dito noong 1637. opera t-r"San Cassiano" (sa panahon ng 1637-1800 hindi bababa sa 16 tulad ng t-trovs ay nilikha). Mas demokratiko. Naimpluwensyahan din ng komposisyon ng mga manonood ang katangian ng mga akda. Mitolohiko ang paksa ay nagbigay daan sa nangingibabaw na lugar ng kasaysayan. mga kwentong may totoong aksyon. mga mukha, mga drama at kabayanihan. ang simula ay kaakibat ng komedyante at kahit minsan ay katawa-tawa. Wok. ang himig ay nakakuha ng higit na melodiousness, sa loob ng mga recitative na eksena, lumitaw ang mga seksyon. mga episode ng iba't ibang uri. Ang mga tampok na ito, na katangian ng mga huling opera ni Monteverdi, ay higit na binuo sa gawain ni F. Cavalli, ang may-akda ng 42 opera, kung saan ang opera na si Jason (1649) ay nanalo ng pinakamalaking katanyagan. Ang Opera sa Roma ay nakakuha ng kakaibang kulay sa ilalim ng impluwensya ng mga Katoliko na nangingibabaw dito. uso. Kasama ang antigo mitolohiko mga balangkas ("The Death of Orpheus" - "La morte d"Orfeo" ni S. Landi, 1619; "The Chain of Adonis" - "La Caténa d"Adone" ni D. Mazzocchi, 1626) kasama sa opera ang relihiyon. mga tema na binibigyang kahulugan kay Kristo. plano sa moralisasyon. Karamihan ay nangangahulugan. prod. Roman school - ang opera na "Saint Alexei" ni Landi (1632), na nakikilala sa pamamagitan ng melodic nito. ang kayamanan at drama ng musika, ang kasaganaan ng mga nabuong texture ng koro. mga episode. Ang mga unang halimbawa ng mga komiks ay lumitaw sa Roma. genre ng opera: “Let the sufferer hope” (“Che sofre, speri”, 1639) nina V. Mazzocchi at M. Marazzoli at “Every cloud has a silver lining” (“Dal male il bene”, 1653) ni A. M. Abbatini at Marazzoli. K ser. ika-17 siglo Ang opera ay halos ganap na umalis sa mga prinsipyo ng Renaissance aesthetics na itinaguyod ng Florentine Camerata. Ito ay pinatunayan ng gawain ni M. A. Chesti, na nauugnay sa paaralan ng opera ng Venetian. Sa kanyang mga akda ay may mga agitated drama. Ang recitative ay ikinukumpara sa isang malambot na malambing na himig, at ang papel ng mga bilugan na wok ay tumaas. mga numero (madalas na nakakapinsala sa dramatikong pagbibigay-katwiran ng aksyon). Ang opera ng Honor na "The Golden Apple" ("Il porno d"oro", 1667), na itinanghal na may karangyaan sa Vienna sa okasyon ng kasal ni Emperor Leopold I, ay naging prototype ng mga seremonyal na pagtatanghal sa korte, na mula noon ay naging laganap. sa Europa. "Ito ay "hindi na isang purong Italyano na opera," ang isinulat ni R. Rolland, "ito ay isang uri ng internasyonal na opera ng korte." Mula sa dulo ika-17 siglo pangunahing papel sa pag-unlad ng Italya. ang opera ay napunta sa Naples. Ang unang pangunahing kinatawan ng Neapolitan opera school ay si F. Provenzale, ngunit ang tunay na pinuno nito ay si A. Scarlatti. Ang may-akda ng maraming operatic works (higit sa 100), itinatag niya ang tipikal na istraktura ng Italyano. opera seria, napreserba nang walang mga nilalang. nagbabago hanggang sa huli Ika-18 siglo Hepe ang lugar sa isang opera ng ganitong uri ay kabilang sa aria, karaniwang isang 3-bahagi na da capo; Ang recitative ay binibigyan ng tungkulin sa serbisyo, ang kahalagahan ng mga koro at ensemble ay nabawasan sa isang minimum. Ngunit maliwanag na melodic. Ang regalo ni Scarlatti, polyphonic skill. mga titik, walang alinlangan na dramatiko. pinahintulutan ng instinct ang kompositor, sa kabila ng lahat ng limitasyon, na makamit ang isang malakas, kahanga-hangang epekto. Si Scarlatti ay binuo at pinayaman ang parehong vocal at instrumental. mga porma ng opera. Gumawa siya ng isang tipikal na istraktura ng Italyano. isang operatic overture (o symphony, ayon sa terminolohiya na tinanggap noong panahong iyon) na may mabilis na panlabas na mga seksyon at isang mabagal na gitnang yugto, na naging prototype ng isang symphony bilang isang independent. conc. gumagana. Sa malapit na koneksyon sa opera, nabuo ang isang bagong non-liturgical genre. relihiyoso demanda - oratorio. Umuusbong mula sa mga relihiyon. mga pagbasa na sinasabayan ng pag-awit ng mga polygon. laud, nakuha niya ang kalayaan. tapos na anyo sa mga akda ni G. Carissimi. Sa kanyang mga oratorio, na karamihan ay isinulat sa mga tema ng Bibliya, pinayaman niya ang mga operatikong anyo na nabuo sa gitna. Ika-17 siglo, mga tagumpay ng koro. conc. istilo. Kabilang sa mga kompositor na bumuo ng genre na ito pagkatapos ng Carissimi, si A. Stradella ay namumukod-tangi (ang kanyang personalidad ay naging maalamat dahil sa kanyang adventurous na talambuhay). Ipinakilala niya ang mga elemento ng dula sa oratorio. kalunos-lunos at katangian. Halos lahat ng mga kompositor ng paaralang Neapolitan ay nagbigay-pansin sa genre ng oratorio, bagaman kumpara sa opera, ang oratorio ay sumakop sa isang pangalawang lugar sa kanilang trabaho. Ang isang genre na nauugnay sa oratorio ay ang chamber cantata para sa isa, minsan 2 o 3 boses na may saliw. basso tuloy. Hindi tulad ng oratorio, nangingibabaw dito ang mga sekular na teksto. Ang pinakatanyag na mga master ng genre na ito ay sina Carissimi at L. Rossi (isa sa mga kinatawan ng Roman opera school). Tulad ng oratorio, ang ibig sabihin ng cantata ay nilalaro. papel sa pagbuo ng wok. mga form na naging tipikal ng Neapolitan opera. Sa larangan ng musikang panrelihiyon noong ika-17 siglo. pinangungunahan ng pagnanais para sa panlabas, pakitang-tao na kadakilaan, nakamit ch. arr. dahil sa dami. epekto. Ang prinsipyo ng polychoricity, na binuo ng mga masters ng Venetian school, ay nakakuha ng hyperbolic. sukat. Sa ilang mga produksyon. hanggang labindalawang 4-goal ang ginamit. mga koro Napakalaking koro. ang mga komposisyon ay dinagdagan ng marami. at magkakaibang grupo ng mga instrumento. Ang istilong ito ng luntiang Baroque ay lalo na binuo sa Roma, na pinapalitan ang mahigpit, pinigilan na istilo ng Palestrina at ng kanyang mga tagasunod. Ang pinakatanyag na kinatawan ng huli na paaralang Romano ay si G. Allegri (may-akda ng sikat na "Miserere", na naitala sa pamamagitan ng tainga ni W. A. Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Kasabay nito, ang tinatawag na “concert style”, malapit sa arioso-recitative singing ng early Italo. mga opera, ang mga halimbawa nito ay ang mga espirituwal na konsiyerto nina A. Banchieri (1595) at L. Viadana (1602). (Na-kredito ang Viadana, tulad ng nangyari sa ibang pagkakataon, nang walang sapat na batayan, sa pag-imbento ng digital bass.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi at iba pang mga kompositor ay sumulat sa parehong paraan, na inilipat sa ang simbahan. mga elemento ng musika ng opera o chamber cantata. Masinsinang paghahanap para sa mga bagong anyo at paraan ng musika. pagpapahayag, idinidikta ng pagnanais na isama ang isang mayaman at maraming nalalaman na humanistic. nilalaman, na isinasagawa sa larangan ng mga kasangkapan. musika. Isa sa mga pinakadakilang master ng org. at keyboard music ng pre-Bach period ay si G. Frescobaldi, isang kompositor ng namumukod-tanging pagkamalikhain. sariling katangian, isang makinang na birtuoso sa organ at harpsichord, sikat sa kanyang tinubuang-bayan at sa ibang Europa. mga bansa. Dinala niya sa tradisyon. ricercar forms, fantasies, toccatas, mga tampok ng matinding pagpapahayag at kalayaan ng pakiramdam, enriched na may melodicism. at magkakasuwato wika, binuo polyphony. invoice. Sa kanyang prod. klasikong crystallized. isang uri ng fugue na may malinaw na natukoy na mga relasyon sa tono at pagkakumpleto ng pangkalahatang plano. Ang pagkamalikhain ni Frescobaldi ay ang rurok ng Italya. org. kaso Ang kanyang mga makabagong tagumpay ay hindi nakahanap ng mga natatanging tagasunod sa Italya mismo; sila ay ipinagpatuloy at binuo ng mga kompositor mula sa ibang mga bansa. Sa italyano instr. musika mula sa 2nd half. ika-17 siglo Ang nangungunang papel ay ipinasa sa mga nakayukong instrumento at, higit sa lahat, sa biyolin. Ito ay dahil sa pagyabong ng violin performing arts at ang pagpapabuti ng mismong instrumento. Noong ika-17-18 siglo. Sa Italya, lumitaw ang mga dinastiya ng mga sikat na gumagawa ng biyolin (ang mga pamilyang Amati, Stradivari, Guarneri), na ang mga instrumento ay nanatiling hindi maunahan hanggang ngayon. Ang mga natitirang virtuoso ng violin ay, sa karamihan, ay mga kompositor din; sa kanilang trabaho, pinagsama-sama ang mga bagong pamamaraan para sa pagganap ng solong violin, at nabuo ang mga bagong muse. mga form. Sa pagliko ng ika-16-17 siglo. Sa Venice, nabuo ang genre ng trio sonata - isang multi-part work. para sa 2 solong instrumento (karaniwan ay isang violin, ngunit maaari silang palitan ng iba pang mga instrumento ng kaukulang tessitura) at isang bass. Mayroong 2 uri ng genre na ito (parehong kabilang sa larangan ng sekular na chamber music): "church sonata" ("sonata da chiesa") - isang 4-part cycle, kung saan ang mabagal at mabilis na mga bahagi ay nagpalit-palit, at "chamber sonata" ("sonata da camera"), na binubuo ng ilan. tumutugtog ng sayaw character, malapit sa suite. Ito ay lalong mahalaga sa karagdagang pag-unlad ng mga genre na ito. Ang paaralang Bolognese ay gumanap ng isang papel, na naglalagay ng isang napakatalino na kalawakan ng mga masters ng violin art. Kabilang sa mga nakatataas na kinatawan nito ay sina M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. Ang isang panahon sa kasaysayan ng violin at chamber ensemble music ay minarkahan ng gawa ni A. Corelli (isang estudyante ng Bassani). Ang mature na panahon ng kanyang aktibidad ay nauugnay sa Roma, kung saan nilikha niya ang kanyang sariling paaralan, na kinakatawan ng mga pangalan tulad ng P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Nakumpleto ng trabaho ni Corelli ang pagbuo ng trio sonata. Pinalawak at pinayaman niya ang katuparan. mga kakayahan ng mga nakayukong instrumento. Nagmamay-ari din siya ng cycle ng sonata para sa solo violin na may op. harpsichord. Ang bagong genre, na lumitaw sa huli Ika-17 siglo, minarkahan ang pagtatapos. pag-apruba monodich. prinsipyo sa instr. musika. Si Corelli, kasama ang kanyang kontemporaryong G. Torelli, ay lumikha ng concerto grosso - ang pinakamahalagang anyo ng paggawa ng chamber-orchestral music hanggang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. K con. 17 - simula ika-18 siglo tumaas na internasyonal kaluwalhatian at awtoridad I. m. Mn. dayuhan dumagsa ang mga musikero sa Italya upang tapusin ang kanilang pag-aaral at makakuha ng sertipikasyon, na nagsisiguro ng pagkilala sa kanilang sariling bayan. Bilang isang guro, lalo siyang sikat sa isang musikero ng napakalaking katalinuhan, comp. at theorist na si J.B. Martini (kilala bilang Padre Martini). Ang kanyang payo ay ginamit ni K. V. Gluck, W. A. Mozart, A. Gretry. Salamat sa kanya, ang Bologna Philharmonic. Ang akademya ay naging isa sa pinakamalaking sentro ng musika sa Europa. edukasyon. Italyano mga kompositor noong ika-18 siglo basic binigyang pansin ang opera. Iilan lang sa kanila ang lumayo teatro ng opera, na umakit ng malawak na madla mula sa lahat ng antas ng pamumuhay. Ang operatic production ng siglong ito, napakalaki sa dami, ay nilikha ng mga kompositor ng iba't ibang uri. laki ng talento, kung saan mayroong maraming mahuhusay na artista. Ang katanyagan ng opera ay pinadali ng mataas na lebel vok.-perform. kultura. Naghahanda na ang mga mang-aawit. arr. sa mga conservatories - mga orphanage na bumangon noong ika-16 na siglo. Sa Naples at Venice - ang mga pangunahing sentro ng Italya. buhay opera noong ika-18 siglo. mayroong 4 na conservatories, kung saan mayroong mga muse. ang edukasyon ay pinamunuan ng mga pangunahing kompositor. Singer at comp. Nagtatag si F. Pistocchi ng isang espesyal na kumpanya sa Bologna (c. 1700). mang-aawit paaralan. Natitirang wok. ang guro ay si N. Porpora, isa sa pinaka-prolific mga kompositor ng opera Neapolitan na paaralan. Kabilang sa mga sikat na masters ng bel canto art noong ika-18 siglo. - mga performer ng pangunahing asawa. mga papel sa opera seria ay castrati mang-aawit A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (palayaw Senesino), Farinelli, G. Crescentini, na nagtataglay ng isang birtuoso vocal kasanayan. diskarteng pinagsama sa isang malambot at magaan na timbre ng boses; mang-aawit F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi. Italyano ang opera ay nagtamasa ng mga pribilehiyo. sitwasyon sa karamihan ng Europa. mga kapital Maaakit siya. ang lakas ay ipinakita rin sa katotohanan na marami Ang mga kompositor mula sa ibang mga bansa ay lumikha ng mga opera sa wikang Italyano. mga teksto sa diwa at tradisyon ng paaralang Neapolitan. Sinalihan ito ng mga Kastila na sina D. Perez at D. Terradellas, ang Aleman na si I. A. Hasse, at ang Czech na si J. Myslivecek. Nangangahulugan ito na dumaloy ito sa linya ng parehong paaralan. bahagi ng mga gawain nina G. F. Handel at K. W. Gluck. Para sa Italyano Ang mga eksena sa Opera ay isinulat ng mga Ruso. mga kompositor - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky. Gayunpaman, sa panahon ng buhay ng pinuno ng paaralan ng Neapolitan opera, si A. Scarlatti, ang tagalikha ng opera seria, ang mga likas na artistikong katangian nito ay ipinahayag. mga kontradiksyon, na nagsilbing dahilan ng malupit na pagpuna. nagsasalita laban sa kanya. Sa simula. 20s Ika-18 siglo isang satirist ang lumitaw. pamplet ng musika theorist na si B. Marcello, kung saan kinukutya ang mga walang katotohanan na mga kumbensiyon ng mga opera librarian at ang paghamak ng mga kompositor ng drama. ang kahulugan ng aksyon, ang mapagmataas na kamangmangan ng mga prima donna at castrati na mang-aawit. Para sa kakulangan ng malalim na etika nilalaman at pang-aabuso sa mga panlabas na epekto ay pinuna ng makabago. opera ital ako. tagapagturo na si F. Algarotti sa kanyang “Essay on Opera” (“Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) at encyclopedist na si E. Arteaga sa kanyang akdang “Revolution of the Italian teatro sa musika"("Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86). Ang mga makatang Librettista na sina A. Zeno at P. Metastasio ay bumuo ng isang matatag na istruktura ng historikal at mitolohiko. opera seria, kung saan ang kalikasan ng mga drama ay mahigpit na kinokontrol. intriga, dami at relasyon mga karakter, mga uri ng solo woks. mga numero at ang kanilang lokasyon sa entablado. aksyon. Kasunod ng mga batas ng classicist drama, binigyan nila ang opera ng pagkakaisa at pagkakaisa ng komposisyon, na pinalaya ito mula sa kalituhan ng trahedya. mga elementong may komedya at komedya. Kasabay nito, ang mga teksto ng opera ng mga manunulat ng dulang ito ay minarkahan ng mga aristokratikong katangian. katapangan, nakasulat sa artipisyal, magalang, pinong wika. Opera Seria, Espanyol ang hiwa ay madalas na nag-time na kasabay ng pagdating. ang mga pagdiriwang, ay kailangang magtapos sa isang obligadong matagumpay na pagtatapos, ang mga damdamin ng mga bayani nito ay may kondisyon at hindi kapani-paniwala. Lahat ng R. Ika-18 siglo Nagkaroon ng tendensya sa pagtagumpayan ang mga naitatag na cliches ng opera seria at isang mas malapit na koneksyon sa pagitan ng musika at drama. aksyon. Ito ay humantong sa isang pagtaas ng papel ng sinamahan ng recitative at isang pagpapayaman ng orc. kulay, pagpapalawak at pagsasadula ng koro. mga eksena Ang mga makabagong tendensiyang ito ay nakatanggap ng pinakamatingkad na pagpapahayag sa gawain nina N. Jommelli at T. Traetta, na bahagyang naghanda ng reporma sa operasyon ni Gluck. Sa opera na "Iphigenia in Tauris," pinamahalaan ni Traetta, ayon kay G. Abert, "upang sumulong sa mismong pintuan ng musikal na drama ni Gluck." Parehong landas ang tinahak ng mga tinatawag na kompositor. "Bagong paaralan ng Neapolitan" G. Sarti, P. Guglielmi at iba pa. Si A. Sacchini at A. Salieri ay matibay na mga tagasunod at tagasunod ng reporma ni Gluck. Ang pinakamalakas na oposisyon ay may kondisyon na kabayanihan. Ang Opera Seria ay pinagsama-sama ng isang bagong demokratiko genre ng opera buffa. Sa 17 at simula ika-18 siglo komiks ang opera ay kinakatawan lamang ng ilang mga halimbawa. Kung paano sila nagsasarili. nagsimulang magkaroon ng hugis ang genre kasama ang mga senior masters ng Neapolitan school na sina L. Vinci at L. Leo. Ang unang classic. isang halimbawa ng isang opera buffa ay ang "The Servant-Mistress" ni Pergolesi (orihinal na ginamit bilang interlude sa pagitan ng mga gawa ng kanyang opera-seria na "The Proud Captive", 1733). Ang pagiging totoo ng mga imahe, ang kasiglahan at kabagsikan ng musika. ang mga katangian ay nag-ambag sa pinakamalawak na katanyagan ng pagsali ni G.B. Pergolesi sa marami. mga bansa, lalo na sa France, kung nasaan ang kanyang post. noong 1752 ay nagsilbing impetus para sa paglitaw ng isang mabangis na aesthetic. polemics (tingnan ang "Digmaan ng mga Buffon") at nag-ambag sa pagbuo ng Pranses. pambansa uri ng komiks mga opera. Nang hindi nawawalan ng ugnayan sa mga tao. ugat, Italyano Ang opera buffa ay nakabuo ng mas maunlad na mga anyo. Hindi tulad ng opera seria, nangingibabaw ang solo vocal. simula, sa komiks Ang mga ensemble ay naging napakahalaga sa opera. Ang pinaka-binuo na mga ensemble ay inilagay sa masigla, mabilis na paglalahad ng mga finale, na isang uri ng node ng comedic intrigue. N. Logroshino ay itinuturing na lumikha ng ganitong uri ng epektibong panghuling ensemble. Si C. Goldoni, isang pangunahing Italyano, ay nagkaroon ng mabungang impluwensya sa pag-unlad ng opera buffa. komedyante noong ika-18 siglo, na sumasalamin sa mga ideya ng realismong pang-edukasyon sa kanyang gawain. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga opera librarian, karamihan sa mga ito ay may musika na isinulat ng isa sa mga natitirang Italyano masters. komiks opera ng Venetian B. Galuppi. Noong dekada 60 Ika-18 siglo sa opera buffa lumilitaw ang mga sentimentalist na tendensya (halimbawa, ang opera ni N. Piccinni batay sa teksto ni Goldoni na "Cecchina, or the Good Daughter", 1760, Rome). Ang opera buffa ay lumalapit sa uri ng "philitine drama" o "nakakaiyak na komedya" na sumasalamin sa moral. ideals ng ikatlong estate sa bisperas ng Great French. rebolusyon. Ang gawain ni N. Piccinni, G. Paisiello at D. Cimarosa ay ang pinakahuli, pinakamataas na yugto sa pagbuo ng opera buffa noong ika-18 siglo. Pinagsasama ng kanilang mga produksyon ang mga elemento ng komedya na may mga sensibilidad. nakakaawa, melodic. kayamanan na may iba't ibang anyo, kasiglahan, kagandahan at kadaliang kumilos ng musika ay napanatili sa operatic repertoire. Sa maraming paraan, ang mga kompositor na ito ay lumapit kay Mozart at inihanda ang gawain ng isa sa mga pinakadakilang Italyano. mga kompositor ng opera ng susunod na siglo G. Rossini. Ang ilang mga tampok ng opera buffa ay pinagtibay ng mas huling opera seria, na nagresulta sa higit na kakayahang umangkop ng mga anyo nito, pagiging simple at spontaneity ng mga melodies. mga ekspresyon. ibig sabihin. Ang kontribusyon ay ginawa ng Italyano. mga kompositor noong ika-18 siglo sa pag-unlad ng iba't-ibang mga genre ng instrumento musika. Sa larangan ng paggawa ng violin, ang pinakadakilang master pagkatapos ng Corelli ay si G. Tartini. Sa pagpapatuloy, kasunod ng kanyang mga nauna, upang linangin ang mga genre ng solo violin sonata at trio sonata, pinunan niya ang mga ito ng bagong maliwanag na pagpapahayag, pinayaman ang mga diskarte ng pagganap ng violin, at pinalawak ang karaniwang hanay ng tunog nito sa oras na iyon. Lumikha si Tartini ng kanyang sariling paaralan, na tinatawag na Padua (pinangalanan sa lungsod ng Padua, kung saan ginugol niya ang halos buong buhay niya). Ang kanyang mga estudyante ay sina P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. Sa 2nd half. Ika-18 siglo mahusay na nagbukas at gumanap. at malikhain mga aktibidad ni G. Pugnani, ang pinakamalaking Italyano. klasikal na biyolinista kapanahunan. Kabilang sa marami nito. mga mag-aaral, si J.B. Viotti ay naging lalong sikat, kung saan ang trabaho ay minsan ay may pakiramdam ng romantikismo. uso. Sa genre ng orc. concerto grosso bilang matapang at orihinal. ang makabagong pintor ay si A. Vivaldi. Isinadula niya ang form na ito, ipinakilala kasama ng dinamiko. pag-iiba ng malalaki at maliliit na grupo ng mga instrumento (tutti at concertino) ayon sa tema. mga kaibahan sa loob ng departamento mga bahagi, nagtatag ng 3-bahaging istraktura ng cycle, na napanatili sa klasiko. instr. konsiyerto. (Ang mga violin concerto ni Vivaldi ay lubos na pinahahalagahan ni J. S. Bach, na nag-ayos ng ilan sa mga ito para sa clavier at gayundin para sa organ.) Sa trio sonatas ng G.B. Pergolesi, kapansin-pansin ang mga pre-classical na tampok. "gallant" style. Ang kanilang magaan, transparent na texture ay halos ganap na homophonic, ang melody ay nakikilala sa pamamagitan ng malambot na melodiousness at biyaya. Isa sa mga kompositor na direktang naghanda ng pamumulaklak ng klasikal na musika. instr. musika, ay si G. Sammartini (may-akda ng 78 symphony, maraming sonata at konsiyerto para sa iba't ibang instrumento), na ang likas na pagkamalikhain ay malapit sa mga kinatawan ng Mannheim at mga maagang paaralan ng Viennese. Pinagsama ni L. Boccherini sa kanyang trabaho ang mga elemento ng galanteng sensitivity sa pre-romanticism. nasasabik sa kalunos-lunos at pagiging malapit sa mga tao. pinagmumulan. Mapapansin nila. cellist, pinayaman niya ang solo cello literature, ay isa sa mga lumikha ng classical music. uri ng bow quartet. Ang artista ay buhay at mayamang malikhain. fantasy, D. Scarlatti ay pinalawak at na-update ang matalinghagang istraktura at paraan ng pagpapahayag ng clavier music. Ang kanyang sonata para sa harpsichord (tinawag sila ng may-akda na "mga ehersisyo" - "Essercizi per gravicembalo"), na kapansin-pansin sa kanilang pagkakaiba-iba ng karakter at mga diskarte sa pagtatanghal, ay isang uri ng encyclopedia ng clavier art ng panahong iyon. Ang mga sonata ni Scarlatti, malinaw at maigsi ang anyo, ay nakatuon sa mga paksang isyu. malinaw na tinukoy ang mga kaibahan. mga seksyon ng sonata exposition. Pagkatapos ng Scarlatti, ang keyboard sonata ay binuo sa mga gawa ni B. Galuppi, D. Alberti (na ang pangalan ay nauugnay sa kahulugan ng Albertian basses), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa. Si M. Clementi, na pinagkadalubhasaan ang ilang mga aspeto ng paraan ni D. Scarlatti (na ipinahayag, sa partikular, sa kanyang paglikha ng 12 sonata "sa estilo ng Scarlatti"), pagkatapos ay naging malapit sa mga masters ng binuo na klasikal na musika. estilo, at kung minsan ay dumating sa mga pinagmulan ng romantiko. virtuosity. Isang bagong panahon sa kasaysayan ng paggawa ng biyolin ang binuksan ni N. Paganini. Bilang isang performer at kompositor, siya ay isang karaniwang romantikong artista. bodega Ang kanyang paglalaro ay gumawa ng isang hindi mapaglabanan na impresyon sa kumbinasyon nito ng napakalaking birtuosidad na may nagniningas na imahinasyon at pagnanasa. Mn. prod. Ang Paganini ("24 Caprices" para sa solong biyolin, mga konsiyerto para sa biyolin at orkestra, atbp.) ay nananatiling hindi maunahang mga halimbawa ng panitikang birtuoso na biyolin. Naimpluwensyahan nila hindi lamang ang buong kasunod na pag-unlad ng musika ng violin noong ika-19 na siglo, kundi pati na rin ang gawain ng pinakamalaking kinatawan ng kilusang Romantiko. pianismo - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt. Si Paganini ang huli sa mga dakilang Italyano. mga masters na nagtatrabaho sa larangan ng mga tool. musika. Noong ika-19 na siglo ang atensyon ng mga kompositor at ng publiko ay halos nakatutok sa opera. Sa pagliko ng ika-18-19 na siglo. Ang Opera sa Italya ay dumaan sa isang panahon ng kilalang pagwawalang-kilos. Tradisyonal ang mga uri ng opera seria at opera buffa ay naubos na ang kanilang mga kakayahan noong panahong iyon at hindi na umuunlad. Pagkamalikhain ng pinakamalaking Italyano. opera kompositor ng oras na ito G. Spontini naganap sa labas ng Italya (sa France at Germany). Ang mga pagtatangka ni S. Mayr (German ayon sa nasyonalidad) na suportahan ang mga tradisyon ng opera seria (sa pamamagitan ng paghugpong ng ilang mga hiram na elemento) ay naging eclectic. Si F. Paer, na nahilig sa opera buffa, ay hindi nag-ambag ng anumang makabuluhang bago sa genre na ito kumpara sa gawa nina Paisiello at Cimarosa. (Sa kasaysayan ng musika, ang pangalan ni Paer ay napanatili bilang may-akda ng opera batay sa teksto ni J. Bouilly "Leonora, o Conjugal Love", na nagsilbing source para sa libr. "Fidelio" ni Beethoven .) Mataas na pag-unlad ng Italya. mga opera noong ika-19 na siglo ay nauugnay sa mga aktibidad ni G. Rossini, isang kompositor na may likas na kakayahan ng hindi mauubos na melodicism. katalinuhan, masigla, masiglang ugali at hindi mapag-aalinlanganang dramaturhiya. instinct. Ang kanyang trabaho ay sumasalamin sa pangkalahatang pagtaas ng Italya. kulturang dulot ng pag-unlad ng makabayan. pambansang pagpapalaya mithiin. Malalim na demokratiko, mga tao. Ayon sa mga pinagmulan nito, ang operatikong gawa ni Rossini ay hinarap sa malawak na hanay ng mga tagapakinig. Binuhay niya ang pambansa uri ng opera buffa at binigyan ito ng bagong buhay, pinatalas at pinalalim ang mga katangian ng aksyon. tao, na naglalapit sa kanila sa katotohanan. Ang kanyang "The Barber of Seville" (1816) ay ang tugatog ng Italyano. komiks mga opera. Pinagsasama ni Rossini ang komedya simula sa satirical, libre. Ang ilan sa kanyang mga opera ay naglalaman ng mga direktang alusyon sa mga lipunan. at pampulitika ang sitwasyon ng panahong iyon. Sa mga opera may mga heroic drama. karakter, nalampasan niya ang mga nakapirming cliches ng opera seria, sa partikular, na naglalagay ng espesyal na kahalagahan sa koro. ang simula. Ang mga salaysay ay malawakang binuo. mga eksena sa huling opera ni Rossini na "William Tell" (1829) sa pambansang pagpapalaya. ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa isang romantikong paraan. plano. Ang romantikismo ay nakakakuha ng matingkad na pagpapahayag. mga uso sa gawain ni V. Bellini at G. Donizetti, na ang mga aktibidad ay nagsimula noong 30s. Ika-19 na siglo, nang ang pambansang kilusan Ang Renaissance (Risorgimento) sa Italya ay pumasok sa isang mapagpasyang yugto ng pakikibaka para sa pagkakaisa at pampulitika. kalayaan ng bansa. Sa mga opera ni Bellini na "Norma" (1831) at "The Puritans" (1835), malinaw na maririnig ang pambansang pagpapalaya. motibo, bagaman ang pangunahing diin ay inilagay ng kompositor sa personal na drama ng mga tauhan. Si Bellini ay isang dalubhasa sa pagpapahayag. romantiko cantilena, na pumukaw sa paghanga nina M. I. Glinka at F. Chopin. May pagnanais si Donizetti para sa malalakas na drama. Ang mga epekto at talamak na sitwasyon kung minsan ay nagresulta sa stilted melodrama. Samakatuwid, ang kanyang dakilang romanticism. ang mga opera ("Lucretia Borgia", ayon kay V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", ayon kay V. Scott, 1835) ay naging hindi gaanong mabubuhay kaysa sa produksyon. genre ng komedya ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843), kung saan ang mga tradisyon. Uri ng Italyano Ang opera buffa ay nakakuha ng mga bagong tampok: ang kahalagahan ng background ng genre ay tumaas, ang himig ay pinayaman sa mga intonasyon ng pang-araw-araw na romansa at kanta. Ang akda nina J. S. Mercadante, G. Pacini at ilang iba pang kompositor ng parehong panahon ay hindi magkaiba. indibidwal na mga katangian, ngunit sumasalamin sa pangkalahatang ugali patungo sa pagsasadula ng operatikong anyo at pagpapayaman ng musikal na pagpapahayag. pondo. Sa bagay na ito sila ay direkta. mga predecessors ng G. Verdi - isa sa mga pinakadakilang operatic playwrights hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa mundo ng musika. t-ra. Ang mga unang opera ni Verdi, na lumabas sa entablado noong 40s. Ika-19 na siglo, hindi pa ganap na independiyenteng istilo ("Nabucco", "Lombards in the First Crusade", "Ernani"), ay pumukaw sa masigasig na sigasig ng madla sa kanilang makabayan. nakakalungkot, romantiko kagalakan ng damdamin, diwa ng kabayanihan at pagmamahal sa kalayaan. Sa produksyon 50s ("Rigoletto", "Il Trovatore", "La Traviata") nakamit niya ang magagandang sikolohikal na resulta. lalim ng mga imahe, lakas at katotohanan ng sagisag ng talamak, matinding salungatan sa isip. Wok. Ang pagsulat ni Verdi ay napalaya mula sa panlabas na birtuosidad, dekorasyon ng mga sipi, na nagiging isang organikong mahalagang elemento ng melodic. linya, nakuha ay ipahayag. ibig sabihin. Sa mga opera noong 60-70s. (“Don Carlos”, “Aida”) ay sinisikap niyang higit pang matukoy ang malawak na layer ng drama. mga aksyon sa musika, pagpapalakas ng papel ng orkestra, pagpapayaman sa mga muse. wika. Sa isa sa kanyang mga huling opera, "Othello" (1886), dumating si Verdi sa konklusyon. musika mga drama, kung saan ang musika ay inextricably na nauugnay sa aksyon at nababaluktot na naghahatid ng lahat ng sikolohikal na aspeto nito. shades. Mga tagasunod ni Verdi, kasama. Si A. Ponchielli, ang may-akda ng sikat na opera na La Gioconda (1876), ay hindi nagawang pagyamanin ang kanyang mga prinsipyo sa opera sa mga bagong nilalang. mga nagawa. Kasabay nito, ang gawain ni Verdi ay nakatagpo ng pagsalungat mula sa mga tagasunod ng Wagnerian music-drama. mga reporma. Gayunpaman, ang Wagnerismo ay walang malalim na ugat sa Italya; ang impluwensya ni Wagner ay naramdaman sa ilang mga kompositor hindi gaanong sa mga prinsipyo ng operatic drama, ngunit sa mga pamamaraan ng harmonika. at orc. mga titik. Ang mga hilig ng Wagnerian ay makikita sa opera na "Mephistopheles" ni Boito (1868), na kasunod ay lumayo sa sukdulan ng kanyang pagkahilig kay Wagner. Sa con. ika-19 na siglo Ang Verism ay naging laganap sa Italya. Ang napakalaking tagumpay ng mga opera ni Mascagni na "Honor Rusticana" (1890) at "Pagliacci" ni Leoncavallo (1892) ay nag-ambag sa pagtatatag ng kilusang ito bilang nangingibabaw sa Italya. operatikong pagkamalikhain. Ang Verism ay suportado ni U. Giordano (kabilang sa kanyang mga gawa ang pinakasikat ay ang opera André Chénier, 1896) at F. Cilea. Ang gawain ng pinakamalaking Italyano ay konektado din sa kalakaran na ito. kompositor ng opera pagkatapos ng Verdi - G. Puccini. Ang kanyang prod. karaniwang nakatuon drama ng mga ordinaryong tao, na ipinapakita laban sa isang makulay na pang-araw-araw na background. Kasabay nito, ang mga opera ni Puccini ay malaya sa likas na katangiang likas sa verism. mga tampok, sila ay nakikilala sa pamamagitan ng higit na sikolohikal na kapitaganan. pagsusuri, madamdaming liriko at gilas ng pagsulat. Ang pagiging totoo sa pinakamahusay na mga tradisyon ng Italyano. bel canto, pinatalas ni Puccini ang declamation. pagpapahayag ng wok. melodics, nagsusumikap para sa isang mas detalyadong pagpaparami ng mga nuances ng pagsasalita sa pag-awit. Makulay na magkakasuwato at orc. ang wika ng kanyang mga opera ay naglalaman ng ilang elemento ng impresyonismo. Sa kanilang unang mature productions. ("La Boheme", 1896; "Tosca", 1900) Ang Puccini ay nauugnay din sa Italya. tradisyon ng opera noong ika-19 na siglo, nang maglaon ay naging mas kumplikado ang kanyang estilo, ang kanyang paraan ng pagpapahayag ay nakakuha ng higit na talas at konsentrasyon. Isang kakaibang kababalaghan sa Italya. opera art - ang gawa ni E. Wolf-Ferrari, na sinubukang gawing makabago ang klasiko. uri ng opera buffa, pinagsasama ang mga tradisyon nito. mga anyo na may istilo gamit ang paraan ng late romanticism ("Curious Women", 1903; "Four Tyrants", 1906, base sa mga kwento ni Goldoni). Si R. Zandonai, na pangunahing sumusunod sa landas ng verism, ay naging malapit sa ilan sa mga bagong muse. agos ng ika-20 siglo. Mataas na tagumpay sa Italya. opera sa 19 - maaga ika-20 siglo ay nauugnay sa makikinang na pamumulaklak ng mga vocal performers. kultura. Mga tradisyon ng Italyano Ang Bel canto, na binuo noong ika-19 na siglo, ay higit na binuo sa sining ng ilan. mga henerasyon ng mga mang-aawit na nasiyahan sa katanyagan sa buong mundo. Kasabay nito, ang kanilang pagganap ay nakakakuha ng mga bagong tampok, nagiging mas liriko at kapansin-pansing nagpapahayag. Ang huling natatanging kinatawan ng isang purong birtuoso na istilo na nagsakripisyo ng drama. nilalaman para sa kapakanan ng tunog na kagandahan at teknikalidad. voice mobility, ay si A. Catalani. Kabilang sa mga master ay Italyano. wok mga paaralan sa 1st half Ika-19 na siglo, na nabuo batay sa gawaing opera nina Rossini, Bellini at Donizetti - mga mang-aawit na sina Giudita at Giulia Grisi, G. Pasta, mga mang-aawit na sina G. Mario, G. B. Rubini. Sa 2nd half. ika-19 na siglo isang kalawakan ng mga mang-aawit na "Verdi" ay umuusbong, kabilang ang mga mang-aawit na sina A. Bosio, B. at C. Marchisio, A. Patti, mga mang-aawit na M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik at iba pa Sa ang ika-20 siglo kaluwalhatian sa Italya ang opera ay suportado ng mga mang-aawit na sina A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. at L. Tetrazzini, mga mang-aawit na sina G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo at iba pa. Mula sa dulo ika-19 na siglo ang kahalagahan ng opera sa pagkamalikhain ng Italyano. humihina ang mga kompositor at may posibilidad na ilipat ang sentro ng atensyon sa larangan ng mga instrumento. mga genre. Ang muling pagkabuhay ng aktibong pagkamalikhain. interes sa mga kasangkapan ang musika ay itinaguyod ng mga aktibidad nina G. Sgambati (nakatanggap ng pagkilala sa Europa bilang isang pianista at konduktor) at G. Martucci. Ngunit ang gawain ng parehong mga kompositor, na binuo sa ilalim ng impluwensya ni F. Liszt at R. Wagner, ay hindi sapat na independyente. Bilang harbinger ng mga bagong aesthetics. malaki ang impluwensya ng mga ideya at mga prinsipyong estilista sa pag-unlad ng buong Europa. musika noong ika-20 siglo isinalin ni F. Busoni, isa sa mga pinakadakilang pianista sa kanyang panahon, isang pangunahing kompositor at teorista ng sining. Iniharap niya ang konsepto ng "bagong klasisismo", na inihambing niya, sa isang banda, sa impresyonistiko. ang pagkalikido ng mga imahe, ang pagiging mailap ng mga shade, sa kabilang banda, ang "anarchy" at "arbitrariness" ng atonalism ni Schoenberg. Ang iyong pagkamalikhain Ipinatupad ni Busoni ang mga prinsipyo sa mga gawa tulad ng "Contrapuntal Fantasy" (1921), "Improvisation on a Bach Chorale Theme" sa loob ng 2 fp. (1916), pati na rin ang mga opera na "Harlequin, o Window", "Turandot" (parehong post. 1917), kung saan inabandona niya ang binuo na wok. estilo ng kanilang mga Italyano. mga nauna at naghangad na mapalapit sa uri ng mga sinaunang tao. komedya o komedya. Ang pagkamalikhain ng Italyano ay nabuo alinsunod sa neoclassicism. mga kompositor, minsan nagkakaisa sa ilalim ng pangalan. "mga grupo ng 1880s" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Sinikap nilang buhayin ang mga tradisyon ng dakilang pambansa. musika nakaraan, nagiging anyo at estilista. Mga diskarte sa Italyano Baroque at melodic Gregorian chant. Promoter at researcher ng sinaunang musika, Malipiero publ. koleksyon gawa ni C. Monteverdi, instr. prod. A. Vivaldi at ang nakalimutang pamana ng marami. Italyano mga kompositor noong ika-17-18 siglo. Sa kanyang trabaho, ginagamit niya ang mga anyo ng sinaunang Baroque sonata, ricercar, atbp. Ang kanyang mga opera, pangunahing. sa express. wok declamation at maramot na paraan ng orc. con., sumasalamin sa kung ano ang dumating sa 20s. reaksyon laban sa verism. Ang mga neoclassical na tendensya ng gawa ni Casella ay ipinakita sa "Partita" para sa fp. kasama ang orkestra (1925), suite na "Scarlattiana" (1926), ilang teatro ng musika. prod. (halimbawa, chamber opera "The Tale of Orpheus", 1932). Sabay turo niya sa Italian. alamat (rhapsody para sa orkestra "Italy", 1909). Ang makulay nitong orc. ang liham ay binuo sa isang malaking lawak sa ilalim ng impluwensya ng Russian. at Pranses mga paaralan (isang pagkilala sa pagkahilig para sa musikang Ruso ay ang orkestrasyon ng "Islamey" ni Balakirev). Ipinakilala ni Pizzetti ang mga elementong relihiyoso at moral sa kanyang mga opera at napuspos ang mga muse. wika na may mga intonasyon ng Gregorian chant, nang hindi kasabay nito ang paglabag sa mga tradisyon ng Italo. paaralan ng opera noong ika-19 na siglo ilan Ang isang espesyal na lugar sa grupong ito ng mga kompositor ay inookupahan ng gawain ni O. Respighi, master ng orc. sound recording (ang pagbuo ng kanyang pagkamalikhain ay naiimpluwensyahan ng mga klase kasama si N. A. Rimsky-Korsakov). Sa symphony Ang mga tula ni Respighi ("Roman Fountains", 1916; "Pineas of Rome", 1924) ay nagbibigay ng matingkad na larawan ng mga tao. buhay at kalikasan. Ang mga neoclassical tendencies ay bahagyang naipakita sa kanyang trabaho sa ibang pagkakataon. Isang kapansin-pansing papel sa I. m. 1st half. ika-20 siglo ginampanan ni F. Alfano, ang pinakakilalang kinatawan ng veristic na kilusan (ang opera na "Resurrection" batay sa nobela ni L.N. Tolstoy, 1904), na pagkatapos ay umunlad sa impresyonismo; M. Castelnuovo-Tedesco at V. Rieti, na sa simula. 2nd World War 1939-45 ayon sa pulitika ang mga dahilan ay umalis sa kanilang tinubuang-bayan at nanirahan sa Estados Unidos. Sa pagliko ng 40s. ika-20 siglo kapansin-pansing mga pagbabago sa estilista ay nagaganap sa I. m. Ang mga uso ng neoclassicism ay pinalitan ng mga paggalaw na umuunlad sa isang anyo o iba pang mga prinsipyo ng bagong paaralan ng Viennese. Ang malikhaing pagkamalikhain ay nagpapahiwatig sa bagay na ito. ebolusyon ni G. Petrassi, na, na nakaranas ng impluwensya nina A. Casella at I. F. Stravinsky, ay lumipat muna sa posisyon ng libreng atonality, at pagkatapos ay sa mahigpit na dodecaphony. Ang pinakamalaking kompositor ng panahong ito na I.M. ay si L. Dallapiccola, na ang gawain ay nakakuha ng malawak na atensyon pagkatapos ng 2nd World War. Sa kanyang prod. 40's at 50's lumilitaw ang mga katangian ng ekspresyonismo at pagkakamag-anak. pagkamalikhain ni A. Berg. Ang pinakamahusay sa kanila ay naglalaman ng humanismo. protesta laban sa paniniil at kalupitan (choral triptych "Songs of Prisoners", 1938-1941; opera "Prisoner", 1944-48), na nagbigay sa kanila ng isang tiyak na oryentasyong anti-pasista. Sa mga kompositor ng nakababatang henerasyon na umusbong pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, sumikat si L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero at iba pa.Nauugnay ang kanilang akda sa iba't-ibang. mga agos ng avant-gardeism - post-Weberian serialism, sonorism (tingnan ang Serial music, Sonorism), aleatorism, at isang pagpupugay sa pormal na paghahanap para sa mga bagong sound means. Berio at Maderna base. noong 1954 sa Milan ang "Studio of Phonology", na nagsagawa ng mga eksperimento sa larangan ng electronic music. Kasabay nito, ang ilan sa mga kompositor na ito ay nagsisikap na pagsamahin ang tinatawag na. bagong paraan ng pagpapahayag para sa musika. avant-garde na may mga anyo ng genre at mga diskarte ng musika noong ika-16-17 siglo. Isang espesyal na lugar sa modernong panahon. I. m. ay kabilang sa komunistang kompositor at aktibong manlalaban para sa kapayapaan na si L. Nono. Sa kanyang trabaho, tinutugunan niya ang mga pinakapinipilit na paksa sa ating panahon, sinusubukang isama ang mga ideya ng internasyonal. kapatiran at pagkakaisa ng mga manggagawa, protesta laban sa imperyalismo. pang-aapi at pananalakay. Ngunit ang mga paraan ng avant-garde art, na ginagamit ni Nono, ay madalas na sumasalungat sa kanyang pagnanais para sa kamadalian. propaganda epekto sa malawak na masa ng mga tagapakinig. Bukod sa avant-garde tendencies ay G.C. Menotti - Italian. kompositor na naninirahan at nagtatrabaho sa USA. Sa kanyang trabaho, na nauugnay lalo na sa opera, ang mga elemento ng verism ay nakakakuha ng isang tiyak na pangkulay ng ekspresyonista, habang ang paghahanap para sa matapat na tono ng pagsasalita ay humahantong sa kanya sa isang bahagyang rapprochement kay M. P. Mussorgsky. Sa musika Ang Opera ay patuloy na gumaganap ng mahalagang papel sa buhay ng Italya. Ang isa sa mga namumukod-tanging kumpanya ng opera sa mundo ay ang La Scala sa Milan, na umiral mula noong 1778. Kasama rin sa mga pinakalumang opera house sa Italya ang San Carlo sa Naples (itinatag noong 1737), Fenice sa Venice (na itinatag noong 1792). Malaking sining. Nagkamit ng kahalagahan ang Roman Opera Theater (binuksan noong 1880 sa ilalim ng pangalang Costanzi Theater; mula noong 1946 - ang Roman Opera). Kabilang sa mga pinakatanyag na modernong Italyano mga artista ng opera - mga mang-aawit na sina G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; mang-aawit na sina G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano. Malaking impluwensya sa pag-unlad ng opera at symphony. ang kultura sa Italya ay naimpluwensyahan ng mga aktibidad ni A. Toscanini, isa sa pinakadakilang konduktor noong ika-20 siglo. Mga kilalang kinatawan ng pagtatanghal ng musika Ang mga artista ay mga konduktor na P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; pianista A. Benedetti Michelangeli; biyolinista na si J. DeVito; cellist E. Mainardi. Mula sa simula ika-20 siglo Ang pananaliksik sa musika ay nakatanggap ng masinsinang pag-unlad sa Italya. at mapanuri naisip. ibig sabihin. kontribusyon sa pag-aaral ng musika. ang pamana ay iniambag ng mga musicologist na si G. Barblan (presidente ng Italian Society of Musicology), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca at iba pa M. Zafred at M. Mila ang pangunahing nagtatrabaho. sa larangan ng musika. mga kritiko. Ang isang bilang ng mga muse ay nai-publish sa Italya. mga magazine, incl. "Rivista Musicale italiana" (Turin, Milan, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milan, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Turin, 1928-40 ; Roma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milan, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turin, 1964-), atbp. Ang isang bilang ng mga encyclopedia ay nai-publish, na nakatuon sa. musika at t-ru, kasama. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62). Kabilang sa mga espesyal musika uch. Ang pinakamalaking institusyon ay ang mga conservatories: "Santa Cecilia" sa Roma (itinatag noong 1876 bilang isang music lyceum, mula noong 1919 - isang conservatory); ang pangalan ni G. B. Martini sa Bologna (mula noong 1942; itinatag noong 1804 bilang isang musical lyceum, mula noong 1914 ay natanggap ang katayuan ng isang konserbatoryo); sila. Benedetto Marcello sa Venice (mula noong 1940, itinatag noong 1877 bilang isang music lyceum, mula noong 1916 na katumbas ng isang mas mataas na paaralan); Milanskaya (itinatag noong 1808, noong 1901 na pinangalanang G. Verdi); sila. L. Cherubini sa Florence (itinatag noong 1849 bilang isang music institute, pagkatapos ay isang music school, Academy of Music, at mula 1912 - isang conservatory). Sinabi ni Prof. ang mga musikero ay sinanay din ng mga institute ng kasaysayan ng musika sa mga unibersidad, ang Pontifical Ambrosian Institute of Sacred Music, atbp. Sa mga paaralang ito. mga institusyon, gayundin sa Institute para sa pag-aaral ng legacy ni Verdi, isinasagawa ang musicology. Trabaho. Ang International ay itinatag sa Venice. sentro ng propaganda ng Italya musika, na taunang nag-oorganisa ng mga kurso sa tag-init (“Musical Vacations”) sa pag-aaral ng sinaunang Italyano. musika. Ang Ambrosian Library at ang library ng Milan Conservatory ay may malawak na koleksyon ng sheet music at mga libro sa musika. Ang mga repositoryo ng mga sinaunang instrumento, sheet music at mga libro ay malawak na kilala (nakakonsentra sa library ng Bologna Philharmonic Academy, sa library ng G.B. Martini at sa Archives ng Chapel of San Petronio sa Bologna). Ang pinakamayamang materyales sa kasaysayan ng Italyano. may Pambansa ang musika. Marciana Library, D. Cini Foundation Library at ang Museo ng Musika. mga instrumento sa Conservatory sa Venice. Sa Italy ay marami. musika organisasyon at pagpapatupad. mga koponan. Mga regular na symphony ang mga konsyerto ay ibinibigay ng: orkestra ng La Scala at Fenice, Pambansa. Academy "Santa Cecilia", Italya. radyo at telebisyon sa Roma, ang orkestra ng "Pagpapatugtog ng Musika sa Hapon" ("Rommerigi musicali") na lipunan, na pangunahing gumaganap. mula sa Espanyol moderno musika, chamber orchestras "Angelicum" at "Virtuosi of Rome", ang "Ambrosian Polyphony" na lipunan, na nagtataguyod ng musika ng Middle Ages, Renaissance at Baroque, pati na rin ang orkestra ng Bologna theater na "Comunale", ang Bologna Chamber Orchestra at iba pang grupo. Maraming mga kaganapan ang gaganapin sa Italya. musika mga pagdiriwang at paligsahan: Int. modernong pagdiriwang musika (mula noong 1930, Venice), "Florentine Musical May" (mula noong 1933), "Festival of Two Worlds" sa Spoleto (mula noong 1958, itinatag ni G.C. Menotti), "Linggo ng Bagong Musika" (mula noong 1960, Palermo), piano kumpetisyon na pinangalanan F. Busoni sa Bolzano (mula noong 1949, taun-taon), kumpetisyon sa musika at sayaw na pinangalanan. G. B. Viotti sa Vercelli (mula noong 1950, taun-taon), kumpetisyon na pinangalanan. A. Casella sa Naples (mula noong 1952, bawat 2 taon, hanggang 1960 ay lumahok ang mga pianista, mula noong 1962 - mga kompositor din), kumpetisyon ng biyolin. N. Paganini sa Genoa (mula noong 1954, taun-taon), kumpetisyon sa orkestra. konduktor sa Roma (mula noong 1956, bawat 3 taon, itinatag ng National Academy "Santa Cecilia"), kumpetisyon sa piano. E. Pozzoli sa Seregno (mula noong 1959, bawat 2 taon), kumpetisyon para sa mga batang konduktor. G. Cantelli sa Novara (mula noong 1961, bawat 2 taon), vocal competition na "Verdi Voices" sa Busseto (mula noong 1961, taun-taon), choir competition. kolektibong pinangalanan Guido d'Arezzo sa Arezzo (itinatag noong 1952 bilang pambansa, mula noong 1953 - internasyonal; taun-taon, na kilala rin bilang "Polyfonico"), G. Casado cello competition sa Florence (mula noong 1969, bawat 2 taon). Sa mga Italyano musika lipunan - Corporation of New Music (seksyon ng International Society of Contemporary Music; itinatag noong 1917 bilang National Music Society, noong 1919 ay binago sa Italian Society of Contemporary Music, mula noong 1923 - Corporation), Music Association mga aklatan, Society of Musicology, atbp. Maraming gawain ang ginagawa sa Italy. musika publishing house at trading company na "Ricordi and Co." (itinatag noong 1808), na may mga sangay sa maraming lugar. mga bansa. Panitikan: Ivanov-Boretsky M.V., Musical-historical anthology, vol. 1-2, M., 1933-36; kanyang, Mga materyales at dokumento sa kasaysayan ng musika, tomo 2, M., 1934; Kuznetsov K. A., Mga larawan sa musika at makasaysayang, ser. 1, M., 1937; Livanova T., History of Western European music hanggang 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Pangkalahatang kasaysayan ng musika, unang bahagi, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Western European Opera. Ang katapusan ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sanaysay, M., 1962; Kasaysayan ng kasaysayan ng sining sa Europa: mula noong unang panahon hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo, M., 1963; Kasaysayan ng kasaysayan ng sining ng Europa. Unang kalahati ng ika-19 na siglo, M., 1965. Ang musika ng Italya ay kilala sa buong mundo. Walang isang bansa o kontinente kung saan walang narinig tungkol dito. Ang Italya ay itinuturing na duyan ng musikal na sining, ang bansang nagbigay sa mundo ng pinakadakilang genre - opera. Sa artikulong ito ibabahagi namin sa iyo ang ilang kawili-wiling impormasyon mula sa kasaysayan kultura ng musika ng maaraw na estadong ito. May hangganan ba ang pagiging perpekto? Ang Milan ay itinuturing na isa sa mga pangunahing simbolo ng Italya. Opera theater"La Scala". Bakit siya nanalo ng ganoong pagkilala at pagmamahal mula sa buong mundo? Ang lahat ay malayo sa simple - ang teatro ay perpekto sa lahat. Isang kamangha-manghang magandang gusali, na idinisenyo sa isang mahigpit na istilo, mahusay na acoustics, isang maingat na pinag-isipang pag-aayos ng mga upuan sa isang marangyang pinalamutian na auditorium, palaging ang pinaka mahuhusay na gumaganap at kumikilos na staff, makikinang na conductor at mas makikinang na musika... Well, at pinakamahalaga, pinaniniwalaan na ang teatro ay itinayo sa isang perpektong lokasyon para sa gayong silid. At lahat dahil sa paghuhukay ng teritoryo para sa pagtatayo nito, natuklasan ng mga tagapagtayo ang isang malaking piraso ng marmol kung saan ang pinaka sikat na artista sinaunang Roma- Mime Pylades. Ang nasabing paghahanap ay itinuturing na isang tunay na tanda mula sa itaas, na nagpapatunay sa kawastuhan ng pagpili ng lugar - ngunit paano ito magiging iba kung ito ay personal na ipinahiwatig ng isa sa mga pinakadakilang trahedya ng sinaunang panahon? Mga biktima ng magagandang pagkanta At ang maaraw na bansang ito ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng bel canto - isang virtuosic at eleganteng istilo ng pagkanta na sumakop sa buong mundo, isang istilo kung wala ito ay hindi maiisip. musikang barok Italya. At talaga, paano mananatiling walang malasakit kung ang lahat ng mga mang-aawit ng ganitong istilo ay may halos perpektong utos ng kanilang mga boses? Isang hindi pangkaraniwang malawak na hanay ng boses, na sumasaklaw sa napakataas na mga tunog, napakatalino na coloratura, kumplikadong mga sipi at simpleng hindi maisip na tagal ng paghinga. Magiging maayos ang lahat, ngunit higit sa lahat ay mga lalaki ang nakakabisado sa sining na ito.
Upang ituro ang sining ng magandang pagkanta, ang mga magagaling na batang lalaki ay pinili at ipinadala sa espesyal mga institusyong pang-edukasyon. Doon, ang mga batang mang-aawit ay tinuruan ng mga vocal araw-araw sa loob ng ilang taon. Kung ang isang bata ay napatunayang may natatanging kakayahan sa pag-awit, siya ay kinapon upang pagkatapos ng tinatawag na "pagsira" ng kanyang boses, ang kalidad ng kanyang pagkanta ay hindi magbago. Lumaki ang ganitong mga bata bilang mga mang-aawit na may kahanga-hangang boses. Isa sa pinakasikat na mang-aawit ng castrati ay si Carlo Broschi (Farinelli). Ngunit saan nagmula ang "fashion" na ito para sa pagsasagawa ng mga kakila-kilabot na operasyon sa mga bata? Mula sa kung saan, tulad ng sinasabi nila, hindi nila ito inaasahan. Ang mga mang-aawit ng Castrati ay sinanay mula noong ika-3 siglo upang kumanta sa mga serbisyo sa simbahan. Mahigpit na ipinagbabawal ang mga babae na lumahok sa pag-awit ng mga Katoliko, at kailangan ang mataas na boses. Ang sining ng bel canto ay umunlad sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Kapag obligado ang isang apelyido Ang isa sa mga pinakakaraniwang apelyido sa mga tagalikha ng sining noong huling bahagi ng ika-15-16 na siglo ay ang Allegri. Wala naman sigurong makakapansin dito kung hindi dahil sa direktang relasyon ng salitang ito sa terminong pangmusika. Ang Allegro sa musika ay ginagamit upang ipahiwatig ang tempo, karakter piraso ng musika, at maging ang mga bahagi nito. Samakatuwid, hindi nakakagulat na sa mga tagalikha ng ipinahayag na panahon, maraming mga kompositor ang may ganitong apelyido. Ngunit babalik tayo sa isa lamang, ang pinakasikat. Inialay ni Gregorio Allegri ang halos buong buhay niya sa pagtatrabaho sa Sistine Chapel sa Vatican, kung saan buong-buo niyang inilaan ang kanyang sarili sa musika ng simbahan. Ang kanyang pinakatanyag na gawa ay tinatawag na "Miserere". Ang pamagat ng akda ay ibinigay mula sa unang salita ng teksto nito - "Miserere" na isinalin mula sa Latin ay nangangahulugang "Maawa ka". Ito ay itinuturing na pamantayan ng panahon nito, ang pinakadakilang obra maestra ng musikang Italyano. At, marahil, ang paglikha na ito ay nakalimutan sa kasaysayan ng musika sa paglipas ng panahon, kung hindi para sa isang bagay. Mahigpit na ipinagbabawal ng Vatican ang pagkopya nito at alisin ito sa simbahan, at kung sakaling lumabag sa utos ay nagbabanta ito ng pagtitiwalag. Kaya hanggang isang araw ay narinig ni W. A. Mozart ang gawaing ito. Pagdating sa bahay, isinulat niya ito mula sa memorya. Ito ay kung paano nakita ng mundo ang trabaho ni Allegri, ngunit ang 14 na taong gulang na henyo ay hindi kailanman pinarusahan. Siyempre, maraming kawili-wiling bagay sa Italian early music na maaari pa nating pag-usapan. Ito ang pinakamalaki at pinakamahalagang layer ng kultura ng mundo, na nakaimpluwensya sa sining ng musika ng buong mundo. Ginampanan niya ang isang espesyal na papel para sa ating bansa. Hindi lamang ipinakilala ng mga Italyano ang mga Ruso sa genre ng opera, ngunit tinuruan din ang mga kompositor ng Russia kung paano ito isulat. Ngunit ito ay isang ganap na naiiba, ngunit hindi gaanong kawili-wiling kuwento. Video: makinig sa musika ng Italya
“Folk Art” - Alamin kung paano pinalaki sa iyong pamilya ang pagmamahal sa oral folk art. Kaya, ang interes sa Russian folk art ay tumaas. Pagpapatupad ng proyekto. 6 na oras. Layunin ng pananaliksik: Anong uri ng katutubong sining ang ginagamit mo sa iyong mga laro? Mga yugto ng trabaho: Nakatakda ang mga layunin at layunin. Ginagamit ba ang Russian? katutubong sining sa buhay mo, sa mga laro. "Russian folk costume" - Kung ang mga manggas ay ibinaba, kung gayon imposibleng gumawa ng anumang trabaho. Sa Rus', ang pangunahing damit para sa mga kababaihan ay isang sundress at isang burda na kamiseta. Ang kaluluwa ng mga tao ay makikita sa damit. Ang mga sundress ay maaaring may iba't ibang kulay: pula, asul, kayumanggi... Ang mga batang babae ay maaaring maglakad nang nakabuka ang kanilang mga ulo. Berde – kulitis. Sa pananamit ay matututuhan mo ang tungkol sa mga tradisyon at kaugalian ng iyong mga tao. "Mga Artist ng Italian Renaissance" - Kinatawan ng High Renaissance. Bumalik alibughang anak. Raphael. Madonna at Bata. Velazquez. Mga naliligo. Ang huling artist ng German Renaissance. Pagpipinta. Ang mga bunga ng selos. Gioconda. Leonardo da Vinci. Madonna Constabile. Maraming mga painting sa simbahan at mga imahe ng mga santo. Venus at Adonis. "Folk Music" - Pyatnitsky Russian Song Choir ng All-Union Radio. Ang lahat ng mga genre ng Russian folklore ay nararapat ng pantay na atensyon mula sa mga kolektor at mananaliksik. Vasily Tatishchev. Tunay na sikat. Ensemble "Golden Ring". Sinabi ni M. Gorky: "... Ang simula ng sining ng mga salita ay nasa alamat." Mga Katangian: Ang mga musikal na imahe ay konektado sa buhay ng mga tao. Mga siglo ng pagpapakintab ayon sa panahon. "Mga instrumentong katutubong Ruso" - Mga instrumentong pangmusika sa kindergarten. Balalaika Harmony. Mga tubo na pareho ang sungay! Mga unang instrumento. Ginawa ang mga butas sa katawan upang baguhin ang pitch. Siya ay lumaki sa kagubatan, umiiyak sa kanyang mga bisig, inilabas sa kagubatan, at tumalon sa sahig. Naglilok sila mula sa luwad. Mga instrumentong katutubong Ruso. Lumitaw noong 1870 sa Tula. Sa mga klase at sa bakasyon. "Orkestra ng mga Folk Instruments" - Komposisyon ng orkestra. Mayroong ilang mga uri ng Russian domra. Ang Domra ay ang nangungunang instrumento sa orkestra ng katutubong instrumento. Ang button accordion ay may utang sa hitsura nito sa Russian master na si Pyotr Sterligov. Mga hinihipang instrument. Ang Bayan ay umiral sa Rus' mula noong 1907. Bahagi sila ng orkestra ng katutubong instrumento. Ang unang impormasyon tungkol sa gusli ay nagsimula noong ika-6 na siglo. Mayroong maraming mga tao na magkakasamang nabubuhay sa mundo na nagsasalita ng iba't ibang mga wika. Ngunit ang mga tao sa buong kasaysayan ay hindi lamang nagsasalita ng mga salita. Noong sinaunang panahon, ang mga kanta at sayaw ay ginagamit upang gawing espiritwal ang damdamin at kaisipan ng isang tao. Sining ng sayaw laban sa backdrop ng pag-unlad ng kulturaAng kulturang Italyano ay may malaking kahalagahan laban sa backdrop ng mga tagumpay sa mundo. Ang simula ng mabilis na paglaki nito ay kasabay ng pagsilang ng isang bagong panahon - ang Renaissance. Sa totoo lang, ang Renaissance ay lumitaw nang eksakto sa Italya at umuunlad sa loob ng ilang panahon, nang hindi hinahawakan ang ibang mga bansa. Ang kanyang mga unang tagumpay ay naganap noong ika-14-15 siglo. Nang maglaon mula sa Italya ay kumalat sila sa buong Europa. Nagsisimula rin ang pagbuo ng alamat noong ika-14 na siglo. Ang sariwang diwa ng sining, isang kakaibang saloobin sa mundo at lipunan, isang pagbabago sa mga halaga ay direktang naipakita sa mga katutubong sayaw. Impluwensiya ng Renaissance: mga bagong hakbang at bolaSa Middle Ages, ang mga paggalaw ng Italyano sa musika ay ginanap sa mga hakbang, maayos, at may pag-indayog. Binago ng Renaissance ang mga saloobin sa Diyos, na makikita sa alamat. Ang mga sayaw ng Italyano ay nakakuha ng enerhiya at masiglang paggalaw. Kaya ang "full stop" na mga hakbang ay sumasagisag sa makalupang pinagmulan ng tao, ang kanyang koneksyon sa mga kaloob ng kalikasan. At ang paggalaw na "sa mga daliri ng paa" o "may pagtalon" ay tumutukoy sa pagnanais ng isang tao para sa Diyos at sa kanyang kaluwalhatian. Ang Italian dance heritage ay nakabatay sa kanila. Ang kanilang kumbinasyon ay tinatawag na "balli" o "ballo".
Italian folk musical instruments mula sa RenaissanceAng mga gawa ng alamat ay isinagawa sa saliw. Ang mga sumusunod na tool ay ginamit para dito:
Iba't ibang sayawAng mundo ng musikal na Italyano ay naging mas magkakaibang. Ang paglitaw ng mga bagong instrumento at melodies ay naghihikayat ng masiglang paggalaw sa beat. Ang mga pambansang sayaw na Italyano ay nagmula at umunlad. Ang kanilang mga pangalan ay nabuo, kadalasan ay batay sa prinsipyo ng teritoryo. Mayroong maraming mga uri ng mga ito. Ang mga pangunahing sayaw ng Italyano na kilala ngayon ay ang bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella at pizzica. Bergamasca: mga puntos na klasikoAng Bergamasca ay isang sikat na Italian folk dance noong ika-16-17 na siglo, na nawala sa uso pagkatapos, ngunit nag-iwan ng kaukulang musical heritage. Katutubong rehiyon: hilagang Italya, lalawigan ng Bergamo. Ang musika sa sayaw na ito ay masayahin at maindayog. Ang time meter ay isang kumplikadong four-beat meter. Ang mga paggalaw ay simple, makinis, ipinares, ang mga pagbabago sa pagitan ng mga pares ay posible sa panahon ng proseso. Sa una, ang katutubong sayaw ay minamahal sa korte noong Renaissance. Ang unang literary mention nito ay sa dula ni William Shakespeare na A Midsummer Night's Dream. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, maayos na lumipat ang Bergamasca mula sa dance folklore patungo sa kultural na pamana. Maraming kompositor ang gumamit ng istilong ito sa proseso ng pagsulat ng kanilang mga gawa: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach. Sa pagtatapos XIX na siglo lumitaw ang ibang interpretasyon ng bergamasca. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumplikadong halo-halong metro at isang mas mabilis na tempo (A. Piatti, C. Debussy). Ngayon, ang mga dayandang ng alamat na Bergamasque ay napanatili, na matagumpay nilang sinusubukang isama sa ballet at mga palabas sa teatro, gamit ang angkop na pang-istilong saliw ng musika. Galliard: masasayang sayawAng Galliarda ay isang sinaunang sayaw na Italyano, isa sa mga unang katutubong sayaw. Lumitaw noong ika-15 siglo. Isinalin ito ay nangangahulugang "masayahin." Actually, napakasayahin, energetic at rhythmic siya. Ito ay isang kumplikadong kumbinasyon ng limang hakbang at pagtalon. Ito ay isang ipinares na katutubong sayaw na nakakuha ng katanyagan sa mga maharlikang bola sa Italy, France, England, Spain, at Germany. SA XV-XVI siglo Ang galliard ay naging sunod sa moda salamat sa kanyang komiks na anyo at masayahin, kusang ritmo. Nawala ang kasikatan dahil sa ebolusyon at pagbabago sa karaniwang istilo ng sayaw ng prim court. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ganap siyang lumipat sa musika. Ang pangunahing galliard ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang katamtamang tempo, isang metro ang haba - isang simpleng tatlong-umbok. Sa mga susunod na panahon, ang mga ito ay ginaganap sa naaangkop na ritmo. Ang galliard na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumplikadong haba ng musical meter. Ang mga sikat na modernong gawa sa estilo na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas mabagal at mas kalmadong tempo. Mga kompositor na gumamit ng musikang galliard sa kanilang mga gawa: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird at iba pa.
Saltarella: kasal masayaAng Saltarella (saltarello) ay ang pinaka sinaunang sayaw ng Italyano. Ito ay medyo masayahin at maindayog. Sinamahan ng kumbinasyon ng mga hakbang, pagtalon, pag-ikot at busog. Pinagmulan: Mula sa Italian saltare - "tumalon". Ang unang pagbanggit ng ganitong uri ng katutubong sining ay nagsimula noong ika-12 siglo. Orihinal na ito ay isang sosyal na sayaw na sinasaliwan ng musika sa isang simpleng two- o three-beat meter. Mula noong ika-18 siglo, unti-unti itong naging isang ipinares na saltarella sa musika ng mga kumplikadong sukat. Ang istilo ay napanatili hanggang ngayon. Noong ika-19-20 siglo, ito ay naging isang mass Italian wedding dance, na isinasayaw sa mga pagdiriwang ng kasal. Sa pamamagitan ng paraan, sa oras na iyon sila ay madalas na nag-time na nag-tutugma sa pag-aani. Sa XXI - ginanap sa ilang mga karnabal. Ang musika sa istilong ito ay binuo sa mga komposisyon ng maraming mga may-akda: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.
Pavan: magandang solemnidadAng Pavana ay isang sinaunang Italian ballroom dance na eksklusibong ginanap sa korte. Ang isa pang pangalan ay kilala - padovana (mula sa pangalang Padova; mula sa Latin na pava - peacock). Ang sayaw na ito ay mabagal, kaaya-aya, solemne, gayak. Ang kumbinasyon ng mga paggalaw ay binubuo ng simple at dobleng hakbang, mga curtsi at panaka-nakang pagbabago sa lokasyon ng mga kasosyo na may kaugnayan sa isa't isa. Ito ay isinasayaw hindi lamang sa mga bola, kundi pati na rin sa simula ng mga prusisyon o mga seremonya. Ang Italian pavane, na pumasok sa court balls ng ibang mga bansa, ay nagbago. Ito ay naging isang uri ng sayaw na "diyalekto". Kaya, ang impluwensyang Espanyol ay humantong sa paglitaw ng "pavanilla", at impluwensyang Pranses sa "passamezzo". Ang musika kung saan ginawa ang mga hakbang ay mabagal, dalawang-beat. bigyang-diin ang ritmo at mahahalagang sandali ng komposisyon. Ang sayaw ay unti-unting nawala sa uso, na napanatili sa mga gawa ng musikal na pamana (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).
Tarantella: ang personipikasyon ng ugali ng ItalyanoAng Tarantella ay isang katutubong sayaw ng Italya na nakaligtas hanggang ngayon. Siya ay madamdamin, energetic, maindayog, masaya, walang kapaguran. Ang Italian dance tarantella ay business card lokal na residente. Binubuo ito ng kumbinasyon ng mga pagtalon (kabilang ang sa gilid) na may alternating leg throws pasulong at paatras. Ipinangalan ito sa lungsod ng Taranto. Mayroon ding ibang bersyon. Ang sabi nila, ang mga taong nakagat ay nalantad sa isang sakit - tarantismo. Ang sakit ay halos kapareho ng rabies, na sinubukan nilang pagalingin sa pamamagitan ng proseso ng walang tigil na mabilis na paggalaw. Ang musika ay ginaganap sa isang simpleng three-beat o kumplikadong time signature. Siya ay mabilis at masaya. Mga katangian:
Ang ritmo na likas sa mga paggalaw ay ginamit sa kanilang mga komposisyon ni F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky. Makulay pa rin ang Tarantella ngayon katutubong sayaw, ang mga pangunahing kaalaman na alam ng bawat makabayan. At sa ika-21 siglo, patuloy itong isinasayaw nang maramihan sa masasayang pagdiriwang ng pamilya at magagandang kasalan.
Pizzica: isang kaakit-akit na laban sa sayawAng Pizzica ay isang mabilis na sayaw ng Italyano na nagmula sa tarantella. Naging uso ito ng sayaw sa alamat ng Italyano dahil sa paglitaw ng sarili nitong mga natatanging katangian. Kung ang tarantella ay pangunahing sayaw ng masa, kung gayon ang pizzica ay naging eksklusibong sayaw ng mag-asawa. Mas masigla at masigla, nakatanggap ito ng ilang militanteng tala. Ang galaw ng dalawang mananayaw ay kahawig ng isang tunggalian kung saan naglalaban ang masasayang magkalaban. Ito ay madalas na ginagampanan ng mga kababaihan na may ilang mga ginoo. Kasabay nito, sa pamamagitan ng pagsasagawa ng masiglang paggalaw, ipinahayag ng dalaga ang kanyang pagka-orihinal, kalayaan, at masiglang pagkababae, bilang isang resulta, tinatanggihan ang bawat isa sa kanila. Ang mga ginoo ay sumuko sa panggigipit, na nagpapakita ng kanilang paghanga sa babae. Ang ganitong uri ng indibidwal, espesyal na karakter ay natatangi sa pizza. Sa ilang paraan, nailalarawan nito ang madamdaming katangian ng Italyano. Ang pagkakaroon ng katanyagan noong ika-18 siglo, ang pizzica ay hindi nawala hanggang ngayon. Patuloy itong itinatanghal sa mga perya at karnabal, pagdiriwang ng pamilya at mga pagtatanghal sa teatro at ballet. Ang paglitaw ng isang bagong bagay ay humantong sa paglikha ng angkop na saliw ng musika. Lumilitaw ang "Pizzicato" - isang paraan ng pagsasagawa ng mga gawa sa mga nakayukong instrumento, ngunit hindi sa mismong busog, ngunit sa pag-agaw ng mga daliri. Bilang resulta, lumilitaw ang ganap na magkakaibang mga tunog at melodies.
Mga sayaw ng Italyano sa kasaysayan ng koreograpia ng mundoNagmula bilang isang katutubong sining, tumagos sa mga aristokratikong ballroom, naging tanyag ang pagsasayaw sa lipunan. Nagkaroon ng pangangailangan na mag-systematize at tukuyin ang mga hakbang para sa layunin ng amateur at propesyonal na pagsasanay. Ang mga unang teoretikal na koreograpo ay mga Italyano: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Ang mga gawaing ito, kasama ang pagpapahusay ng mga paggalaw at ang kanilang stylization, ay nagsilbing batayan para sa pandaigdigang pag-unlad ng ballet. Samantala, sa pinanggalingan ay may mga masayahin, simpleng residente sa kanayunan at lungsod na sumasayaw ng saltarella o tarantella. Ang ugali ng mga Italyano ay madamdamin at masigla. Ang panahon ng Renaissance ay misteryoso at marilag. Ang mga tampok na ito ay nagpapakilala sa mga sayaw na Italyano. Ang kanilang pamana ay ang batayan para sa pag-unlad ng sining ng sayaw sa buong mundo. Ang kanilang mga tampok ay isang salamin ng kasaysayan, karakter, damdamin at sikolohiya ng isang buong tao sa maraming siglo. |
Ang kapanganakan ng Neapolitan folk song ay itinuturing na simula ng ika-13 siglo, nang ang kantang "The Sun is Rising" ay napakapopular. Ito ang bukang-liwayway ng Renaissance ng Italya. Ang oras ng mabilis na pag-unlad ng mga lungsod ng Italyano at ang simula ng paglitaw ng kamalayan ng tao mula sa madilim na edad. Sa panahong ito, ang mga tao ay tumigil sa pagsasayaw at pag-awit bilang makasalanan, at nagsimulang pahintulutan ang kanilang sarili na tamasahin ang buhay.
Ang sikat na partisan song na "Bella Ciao" ("Farewell Beauty") ay hindi kapani-paniwalang sikat din. Kinanta ito ng mga miyembro ng Resistance noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Totoo, hindi ito laganap sa buong Italya, ngunit sa hilaga lamang ng bansa, sa Apennines.
Sikat:
Bago
- Choux pastry para sa eclairs - Pinakamahusay na mga recipe
- Ang nakapagpapagaling na oat cocktail ni Doctor Izotov Mga cocktail na may oatmeal sa isang blender
- Isda ng Brizol. Brizol mula sa pollock fillet. Para maghanda kailangan natin
- Kale: ano ito, paano ito kapaki-pakinabang at kung paano ito pinakamahusay na gamitin
- Smoothie na may raspberry at strawberry
- Isda brizol. Brizol mula sa pollock fillet. Para maghanda kailangan natin
- Fickle at charismatic Semyon: ang kahulugan ng pangalan
- Isda ng asp: mga larawan, mga recipe
- Bakit mo pinapangarap ang pagsasara? Isara mo ang pinto. Paano bigyang-kahulugan ang panaginip na "Baul"
- Paano magluto ng asp sa bahay: mga recipe para sa masarap na pagkaing isda
