Sa pagpasok ng ika-18 at ika-19 na siglo sa karamihan ng mga bansa Kanlurang Europa nagkaroon ng bagong hakbang sa pag-unlad ng agham at teknolohiya. Ang kulturang pang-industriya ay nakagawa ng isang mahusay na trabaho ng pagpapalakas ng mga espirituwal na pundasyon ng lipunan, pagtagumpayan ang rasyonalistikong mga alituntunin at paglinang ng tao sa tao. Lubhang naramdaman niya ang pangangailangan para sa kagandahan, para sa pagpapatibay ng isang aesthetically binuo na personalidad, para sa pagpapalalim ng tunay na humanismo, paggawa ng mga praktikal na hakbang upang isama ang kalayaan, pagkakapantay-pantay, at pagkakatugma ng mga relasyon sa lipunan.

Sa panahong ito, ang France ay dumaranas ng mahihirap na panahon. Franco-Prussian War, maikling madugong pag-aalsa at pagkahulog Komyun sa Paris minarkahan ang pagtatapos ng Ikalawang Imperyo.

Matapos linisin ang mga guho na iniwan ng kakila-kilabot na pambobomba ng Prussian at galit na galit digmaang sibil, muling ipinahayag ng Paris ang sarili nitong sentro ng sining sa Europa.

Pagkatapos ng lahat, ito ay naging kabisera ng European artistikong buhay noong mga araw ni Haring Louis XIV, nang itinatag ang Academy at taunang mga eksibisyon ng sining, na tinawag na Mga Salon - mula sa tinatawag na Square Salon sa Louvre, kung saan ang mga bagong gawa ng Ang mga pintor at eskultor ay ipinakita taun-taon. Noong ika-19 na siglo, ang mga Salon, kung saan magbubukas ang matinding pakikibaka sa sining, na makikilala ang mga bagong uso sa sining.

Ang pagtanggap ng pagpipinta para sa eksibisyon at ang pag-apruba nito ng hurado ng Salon ay ang unang hakbang tungo sa pampublikong pagkilala sa artista. Mula noong 1850s, ang mga Salon ay lalong naging magagarang palabas ng mga gawa na pinili upang umangkop sa mga opisyal na panlasa, kaya naman lumitaw ang ekspresyong "sining ng salon". Ang mga larawan na hindi sa anumang paraan ay tumutugma sa walang tinukoy ngunit mahigpit na "pamantayan" ay tinanggihan lamang ng hurado. Tinalakay ng press sa lahat ng posibleng paraan kung sinong mga artista ang tinanggap sa Salon at alin ang hindi, na ginagawang isang pampublikong iskandalo ang halos bawat isa sa mga taunang eksibisyong ito.

Sa mga taong 1800-1830 sa Pranses pagpipinta ng tanawin at ang pinong sining sa pangkalahatan ay nagsimulang maimpluwensyahan ng Dutch at English na mga pintor ng landscape. Si Eugene Delacroix, isang kinatawan ng romantikismo, ay nagdala ng bagong ningning ng mga kulay at kagalingan ng pagsulat sa kanyang mga kuwadro na gawa. Siya ay isang tagahanga ng Constable, na nagsusumikap para sa isang bagong naturalismo. Ang radikal na diskarte ni Delacroix sa kulay at ang kanyang pamamaraan ng paglalagay ng malalaking stroke ng pintura upang pagandahin ang anyo ay binuo ng mga Impresyonista.

Ang partikular na interes kay Delacroix at sa kanyang mga kontemporaryo ay ang mga sketch ng Constable. Sinusubukang makuha ang walang katapusang variable na katangian ng liwanag at kulay, sinabi ni Delacroix na sa kalikasan sila ay "hindi kailanman nananatiling hindi gumagalaw." Samakatuwid, mas mabilis na nasanay ang mga romantikong Pranses na magpinta sa mga langis at watercolor, ngunit hindi nangangahulugang mababaw na sketch ng mga indibidwal na eksena.

Sa kalagitnaan ng siglo, ang pinaka makabuluhang kababalaghan sa pagpipinta ay naging mga realista, na pinamumunuan ni Gustave Courbet. Pagkatapos ng 1850 in sining ng Pranses Sa paglipas ng dekada, nagkaroon ng hindi pa naganap na pagkakapira-piraso ng mga istilo, bahagyang katanggap-tanggap, ngunit hindi naaprubahan ng mga awtoridad. Ang mga eksperimentong ito ay nagtulak sa mga batang artista sa isang landas na isang lohikal na pagpapatuloy ng mga umuusbong na uso, ngunit tila napakaganda ng rebolusyonaryo sa publiko at sa mga hukom ng Salon.

Ang sining na sumasakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa mga bulwagan ng Salon ay, bilang isang patakaran, na nakikilala sa pamamagitan ng panlabas na craft at teknikal na birtuosidad, interes sa anecdotal, nakakaaliw na sinabi sa mga paksa ng sentimental na pang-araw-araw na buhay, pekeng. makasaysayang kalikasan at isang kasaganaan ng mga paksang mitolohiya na nagbibigay-katwiran sa lahat ng uri ng mga larawan ng hubad na katawan. Ito ay eclectic at nakakaaliw na sining na walang ideya. Ang mga kaukulang tauhan ay sinanay sa ilalim ng pamamahala ng Academy ng School of Fine Arts, kung saan ang mga masters ng late academicism tulad ng Couture, Cabanel at iba pa ang namamahala sa buong negosyo. Ang sining ng salon ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang sigla nito, artistikong bulgarisasyon, espirituwal na pagkakaisa at pag-angkop sa antas ng burges ng publiko na nakatikim ng mga nakamit ng mga pangunahing malikhaing pakikipagsapalaran sa panahon nito.

Ang sining ng Salon ay tinutulan ng iba't ibang makatotohanang paggalaw. Ang kanilang mga kinatawan ay ang pinakamahusay na masters ng Pranses masining na kultura mga dekada na iyon. Nauugnay sa kanila ang gawain ng mga realistang artista na nagpapatuloy sa mga bagong kondisyon mga tradisyong pampakay pagiging totoo ng 40-50s. Ika-19 na siglo - Bastien-Lepage, Lhermitte at iba pa. Ang pinakamahalagang kahalagahan para sa kapalaran ng artistikong pag-unlad ng France at Kanlurang Europa sa kabuuan ay ang mga makabagong makatotohanang pakikipagsapalaran nina Edouard Manet at Auguste Rodin, ang talamak na nagpapahayag na sining ni Edgar Degas at, sa wakas, ang gawain ng isang pangkat ng mga artista na karamihan patuloy na isinasama ang mga prinsipyo ng sining ng impresyonismo: Claude Monet, Pissarro, Sisley at Renoir. Ang kanilang gawain ang nagmarka ng simula ng mabilis na pag-unlad ng panahon ng impresyonismo.

Impresyonismo (mula sa French impression-impression), isang direksyon sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na ang mga kinatawan ay hinahangad na pinaka natural at walang kinikilingan na makuha ang totoong mundo sa kanyang kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba, upang maihatid ang kanilang mga panandaliang impression .

Ang impresyonismo ang bumubuo sa ikalawang panahon sa sining ng Pranses kalahati ng ika-19 na siglo siglo at pagkatapos ay kumalat sa lahat ng mga bansa sa Europa. Binago niya ang artistikong panlasa, itinayong muli visual na pagdama. Mahalaga, ito ay isang natural na pagpapatuloy at pag-unlad ng makatotohanang pamamaraan. Ang sining ng mga Impresyonista ay kasing demokratiko ng sining ng kanilang mga direktang hinalinhan; hindi ito nakikilala sa pagitan ng "mataas" at "mababa" na kalikasan at ganap na nagtitiwala sa patotoo ng mata. Ang paraan ng "pagtingin" ay nagbabago - ito ay nagiging mas layunin at sa parehong oras ay mas liriko. Ang koneksyon sa romantikismo ay nawawala - ang mga impresyonista, tulad ng mga realista ng mas matandang henerasyon, ay nais na makitungo lamang sa modernidad, na inihiwalay ang makasaysayang, mitolohikal at pampanitikan na mga tema. Para sa magagandang aesthetic na pagtuklas, ang pinakasimple, araw-araw na sinusunod na mga motif ay sapat na para sa kanila: Parisian cafe, kalye, katamtamang hardin, ang mga bangko ng Seine, nakapalibot na mga nayon.

Nabuhay ang mga Impresyonista sa panahon ng pakikibaka sa pagitan ng modernidad at tradisyon. Nakikita natin sa kanilang mga gawa ang isang radikal at nakamamanghang pahinga para sa panahong iyon na may tradisyonal na mga prinsipyo ng sining, ang paghantong, ngunit hindi ang pagkumpleto ng paghahanap para sa isang bagong hitsura. Ang abstractionism ng ika-20 siglo ay ipinanganak mula sa mga eksperimento sa sining na umiral noong panahong iyon, tulad ng paglaki ng mga inobasyon ng mga Impresyonista mula sa gawain ng Courbet, Corot, Delacroix, Constable, pati na rin ang mga matandang master na nauna sa kanila.

Tinalikuran ng mga Impresyonista ang tradisyonal na pagkakaiba sa pagitan ng sketch, sketch at pagpipinta. Sinimulan at tinapos nila ang kanilang trabaho mismo sa open air - sa open air. Kahit na kailangan nilang tapusin ang isang bagay sa workshop, sinubukan pa rin nilang panatilihin ang pakiramdam ng isang nakunan sandali at ihatid ang liwanag-hangin na kapaligiran na bumabalot sa mga bagay.

Ang plein air ay ang susi sa kanilang pamamaraan. Sa landas na ito nakamit nila ang pambihirang kahusayan ng pang-unawa; Nagawa nilang ipakita ang gayong kaakit-akit na mga epekto sa mga relasyon ng liwanag, hangin at kulay na hindi nila napansin noon at malamang na hindi mapapansin kung wala ang pagpipinta ng mga Impresyonista. Ito ay hindi walang dahilan na sinabi nila na ang London fogs ay naimbento ni Monet, bagaman ang mga Impresyonista ay hindi nag-imbento ng anuman, umaasa lamang sa mga pagbabasa ng mata, nang hindi hinahalo sa kanila ang naunang kaalaman sa kung ano ang inilalarawan.

Sa katunayan, pinahahalagahan ng mga impresyonista ang higit sa lahat ng pakikipag-ugnay ng kaluluwa sa kalikasan, na naglalagay ng malaking kahalagahan sa direktang mga impression at pagmamasid sa iba't ibang mga phenomena ng nakapaligid na katotohanan. Hindi kataka-taka na matiyaga silang naghintay para sa malinaw, mainit-init na mga araw upang magpinta sa labas sa bukas na hangin.

Ngunit ang mga tagalikha ng isang bagong uri ng kagandahan ay hindi kailanman hinangad na maingat na gayahin, kopyahin, o layunin na "larawan" ang kalikasan. Sa kanilang mga gawa ay hindi lamang isang birtuoso na pagmamanipula ng mundo ng mga kahanga-hangang anyo. Ang kakanyahan ng impresyonistikong aesthetics ay namamalagi sa kamangha-manghang kakayahan upang paikliin ang kagandahan, i-highlight ang lalim ng isang natatanging kababalaghan, katotohanan, at muling likhain ang mga poetics ng isang nabagong katotohanan, na pinainit ng init ng kaluluwa ng tao. Ito ay kung paano ang isang qualitatively naiiba, aesthetically kaakit-akit na mundo, puspos ng espirituwal na ningning, arises.

Bilang resulta ng impresyonistikong ugnayan sa mundo, ang lahat, sa unang sulyap, karaniwan, prosaic, walang kuwenta, panandalian ay nabago sa patula, kaakit-akit, maligaya, kapansin-pansin ang lahat ng may matalim na mahika ng liwanag, kayamanan ng mga kulay, nanginginig na mga highlight, panginginig ng boses ng hangin at mga mukha na nagniningning ng kadalisayan. Sa kaibahan sa akademikong sining, na batay sa mga canon ng klasisismo - ang obligadong paglalagay ng pangunahing mga karakter sa gitna ng larawan, ang tatlong-dimensionalidad ng espasyo, ang paggamit ng isang makasaysayang balangkas para sa layunin ng isang napaka tiyak na oryentasyong semantiko ng manonood - ang mga impresyonista ay tumigil sa paghahati ng mga bagay sa pangunahin at pangalawa, dakila at mababa. Mula ngayon, ang pagpipinta ay maaaring magsama ng maraming kulay na mga anino mula sa mga bagay, isang haystack, isang lilac bush, isang pulutong sa isang Parisian boulevard, ang makulay na buhay ng isang palengke, mga labandera, mga mananayaw, mga tindera, ang ilaw ng mga gas lamp, isang riles. linya, isang bullfight, seagull, bato, peonies.

Ang mga impresyonista ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalas na interes sa lahat ng mga phenomena ng pang-araw-araw na buhay. Ngunit hindi ito nangangahulugan ng ilang uri ng omnivorousness o promiscuity. Sa karaniwan, pang-araw-araw na phenomena, ang sandali ay pinili kung kailan ang pagkakaisa ng nakapaligid na mundo ay nagpakita ng sarili nitong pinaka-kahanga-hanga. Ang impresyonistikong pananaw sa mundo ay lubos na tumutugon sa mga pinaka banayad na lilim ng parehong kulay, estado ng isang bagay o kababalaghan.

Noong 1841, ang Amerikanong pintor ng portrait na si John Goffrand, na naninirahan sa London, ay unang gumawa ng isang tubo kung saan pinipiga ang pintura, at mabilis na kinuha ng mga dealer ng pintura na sina Winsor at Newton ang ideya. Si Pierre Auguste Renoir, ayon sa kaniyang anak, ay nagsabi: “Kung walang mga pintura sa mga tubo ay wala si Cezanne, o Monet, o Sisley, o Pissarro, o sinuman sa mga binansagan ng mga mamamahayag nang maglaon ay mga impresyonista.”

Ang pintura sa mga tubo ay may pare-parehong sariwang langis, mainam para sa paglalagay ng makapal, impasto stroke ng isang brush o kahit isang spatula sa canvas; Ang parehong mga pamamaraan ay ginamit ng mga Impresyonista.

Ang isang buong hanay ng maliwanag, permanenteng mga pintura ay nagsimulang lumitaw sa merkado sa mga bagong tubo. Ang mga pag-unlad sa kimika sa simula ng siglo ay nagdala ng mga bagong pintura, halimbawa, cobalt blue, artipisyal na ultramarine, chrome yellow na may orange, pula, berdeng tints, esmeralda berde, puting sink, matibay na puti ng tingga. Pagsapit ng 1850s, ang mga artista ay nagkaroon na ng palette ng mga kulay na maliwanag, maaasahan, at maginhawang gaya ng dati. .

Hindi pinansin ng mga impresyonista ang mga natuklasang siyentipiko noong kalagitnaan ng siglo tungkol sa optika at pagkabulok ng kulay. Ang mga pantulong na kulay ng spectrum (pula - berde, asul - orange, lila - dilaw) ay nagpapahusay sa isa't isa kapag inilagay sa tabi ng isa't isa, at kapag pinaghalo sila ay nagiging kupas. Kahit anong kulay ang ilagay Puting background, lumilitaw na napapalibutan ng bahagyang halo mula sa pantulong na kulay; doon at sa mga anino na inihagis ng mga bagay kapag sila ay naiilaw ng araw, isang kulay ang lilitaw na pantulong sa kulay ng bagay. Bahagyang intuitively, at bahagyang sinasadya, ginamit ng mga artist ang gayong mga siyentipikong obserbasyon. Sila ay naging lalong mahalaga para sa impresyonistikong pagpipinta. Isinasaalang-alang ng mga impresyonista ang mga batas ng pang-unawa ng kulay sa malayo at, kung maaari, pag-iwas sa paghahalo ng mga pintura sa palette, naglagay sila ng purong makulay na mga stroke upang sila ay magkahalo sa mata ng manonood. Ang mga magagaan na kulay ng solar spectrum ay isa sa mga utos ng impresyonismo. Tinanggihan nila ang mga itim at kayumanggi na tono, dahil ang solar spectrum ay wala sa kanila. Nagbigay sila ng mga anino na may kulay, hindi kadiliman, kaya ang malambot, maningning na pagkakatugma ng kanilang mga canvases .

Sa pangkalahatan, ang impresyonistikong uri ng kagandahan ay sumasalamin sa katotohanan ng paghaharap espirituwal na tao ang proseso ng urbanisasyon, pragmatismo, pagkaalipin ng mga damdamin, na humantong sa isang pagtaas ng pangangailangan para sa isang mas kumpletong pagsisiwalat ng emosyonal na prinsipyo, pagsasakatuparan ng mga espirituwal na katangian ng indibidwal at pinukaw ang isang pagnanais para sa isang mas matinding karanasan ng mga spatio-temporal na katangian ng pagkakaroon.

Ang impresyonismo ay isang masining na kilusan na umusbong noong dekada 70. XIX na siglo sa pagpipinta ng Pransya, at pagkatapos ay ipinakita ang sarili sa musika, panitikan, teatro.

Ang impresyonismo sa pagpipinta ay nagsimulang magkaroon ng hugis bago pa ang sikat na eksibisyon noong 1874. Si Edouard Manet ay tradisyonal na itinuturing na tagapagtatag ng mga Impresyonista. Siya ay napaka-inspirasyon ng mga klasikal na gawa ng Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Ipinahayag ni Manet ang kanyang pangitain sa mga larawan sa kanyang mga canvases, idinagdag ang "vibrating" na mga stroke na lumikha ng epekto ng hindi pagkakumpleto. Noong 1863, nilikha ni Manet ang Olympia, na nagdulot ng isang malaking iskandalo sa kultural na lipunan.

Sa unang sulyap, ang larawan ay ginawa alinsunod sa mga tradisyonal na canon, ngunit sa parehong oras ay nagdala na ito ng mga makabagong uso. Humigit-kumulang 87 review ang isinulat tungkol sa Olympia sa iba't ibang publikasyong Parisian. Siya ay tinamaan ng maraming negatibong kritisismo - ang artista ay inakusahan ng kahalayan. At ilang artikulo lamang ang matatawag na pabor.

Gumamit si Manet ng single-layer paint technique sa kanyang trabaho, na lumikha ng stained effect. Kasunod nito, ang pamamaraang ito ng paglalapat ng pintura ay pinagtibay ng mga impresyonistang artista bilang batayan para sa mga larawan sa mga pagpipinta.

Ang isang natatanging katangian ng impresyonismo ay ang pinakamadaling pag-record ng mga panandaliang impression, sa isang espesyal na paraan ng pagpaparami ng liwanag na kapaligiran sa tulong ng isang kumplikadong mosaic ng mga purong kulay at mga pandekorasyon na pandekorasyon na stroke.

Nakapagtataka na sa simula ng kanilang paghahanap, gumamit ang mga artista ng cyanometer - isang instrumento para sa pagtukoy ng bughaw ng kalangitan. Ang itim na kulay ay hindi kasama sa palette, pinalitan ito ng iba pang mga kulay na kulay, na naging posible na hindi masira ang maaraw na mood ng mga kuwadro na gawa.

Ang mga Impresyonista ay ginabayan ng mga pinakabagong natuklasang siyentipiko sa kanilang panahon. Ang teorya ng kulay ng Chevreul at Helmholtz ay bumaba sa mga sumusunod: Sinag ng araw ay nahahati sa mga kulay ng bahagi nito, at, nang naaayon, ang dalawang pintura na inilagay sa canvas ay nagpapahusay sa epekto ng larawan, ngunit kapag ang mga pintura ay pinaghalo, nawawalan sila ng intensity.

Ang mga estetika ng impresyonismo ay nabuo, sa bahagi, bilang isang pagtatangka na tiyak na palayain ang ating sarili mula sa mga kumbensyon ng klasisismo sa sining, gayundin mula sa patuloy na simbolismo at kalaliman ng huling romantikong pagpipinta, na nag-imbita sa lahat na makita ang mga naka-encrypt na plano na nangangailangan ng maingat na interpretasyon. Iginiit ng impresyonismo hindi lamang ang kagandahan ng pang-araw-araw na katotohanan, ngunit ang pagkuha ng isang makulay na kapaligiran, nang walang detalye o pagbibigay-kahulugan, na naglalarawan sa mundo bilang isang patuloy na nagbabagong optical phenomenon.

Ang mga impresyonistang artista ay bumuo ng isang kumpletong sistema ng plein air. Ang mga nauna nito tampok na istilo may mga pintor ng landscape na nagmula sa paaralan ng Barbizon, ang pangunahing kinatawan nito ay sina Camille Corot at John Constable.

Ang pagtatrabaho sa isang bukas na espasyo ay nagbigay ng mas maraming pagkakataon upang makuha ang pinakamaliit na pagbabago ng kulay sa iba't ibang oras ng araw.

Gumawa si Claude Monet ng ilang serye ng mga pagpipinta sa parehong paksa, halimbawa, "Rouen Cathedral" (isang serye ng 50 mga pagpipinta), "Haystacks" (isang serye ng 15 mga kuwadro na gawa), "Pond na may Water Lilies", atbp. Ang pangunahing tagapagpahiwatig ng mga seryeng ito ay nagkaroon ng pagbabago sa liwanag at kulay sa imahe ng parehong bagay na ipininta sa iba't ibang oras ng araw.

Ang isa pang tagumpay ng impresyonismo ay ang pagbuo ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, kung saan ang mga kumplikadong tono ay nabubulok sa mga dalisay na kulay na inihatid ng mga indibidwal na stroke. Ang mga artista ay hindi naghalo ng mga kulay sa palette, ngunit ginustong maglapat ng mga stroke nang direkta sa canvas. Ang pamamaraan na ito ay nagbigay sa mga kuwadro na gawa ng isang espesyal na pangamba, pagkakaiba-iba at kaluwagan. Napuno ng kulay at liwanag ang mga gawa ng mga artista.

Ang eksibisyon noong Abril 15, 1874 sa Paris ay ang resulta ng panahon ng pagbuo at pagtatanghal ng isang bagong kilusan sa pangkalahatang publiko. Ang eksibisyon ay naganap sa studio ng photographer na si Felix Nadar sa Boulevard des Capucines.

Ang pangalang "Impresyonismo" ay lumitaw pagkatapos ng isang eksibisyon kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Monet na "Impression". Pagsikat ng araw". Ang kritiko na si L. Leroy, sa kanyang pagsusuri sa publikasyong Charivari, ay nagbigay ng isang nakakatawang paglalarawan ng eksibisyon ng 1874, na binabanggit ang halimbawa ng gawa ni Monet. Tinutuligsa ng isa pang kritiko, si Maurice Denis, ang mga impresyonista dahil sa kanilang kawalan ng sariling katangian, damdamin, at tula.

Sa unang eksibisyon, humigit-kumulang 30 artista ang nagpakita ng kanilang mga gawa. Ito ang pinakamalaking bilang kumpara sa mga kasunod na eksibisyon hanggang 1886.

Imposibleng hindi sabihin mga positibong pagsusuri mula sa lipunang Ruso. Ang mga artista ng Russia at mga demokratikong kritiko, na palaging interesado sa artistikong buhay ng Pransya - I. V. Kramskoy, I. E. Repin at V. V. Stasov - lubos na pinahahalagahan ang mga nagawa ng mga Impresyonista mula sa pinakaunang eksibisyon.

Ang bagong yugto sa kasaysayan ng sining, na nagsimula sa eksibisyon noong 1874, ay hindi isang biglaang pagsabog ng mga rebolusyonaryong tendensya - ito ay ang paghantong ng isang mabagal at unti-unting pag-unlad.

Habang ang lahat ng mga dakilang masters ng nakaraan ay nag-ambag sa pagbuo ng mga prinsipyo ng impresyonismo, ang mga agarang ugat ng kilusan ay pinakamadaling matuklasan sa dalawampung taon bago ang makasaysayang eksibisyon.

Kaayon ng mga eksibisyon sa Salon, ang mga impresyonistang eksibisyon ay nakakakuha ng momentum. Ang kanilang mga gawa ay nagpakita ng mga bagong uso sa pagpipinta. Ito ay isang pagsisisi sa kultura ng salon at mga tradisyon ng eksibisyon. Kasunod nito, ang mga impresyonistang artista ay nagawang makaakit ng mga tagahanga ng mga bagong uso sa sining sa kanilang panig.

Ang teoretikal na kaalaman at mga pormulasyon ng impresyonismo ay nagsimulang umunlad nang huli. Mas gusto ng mga artista ang higit pang pagsasanay at ang kanilang sariling mga eksperimento na may liwanag at kulay. Sa impresyonismo, pangunahin sa larawan, ang legacy ng realismo ay maaaring masubaybayan; malinaw na ipinapahayag nito ang anti-akademiko, anti-salon na oryentasyon at pag-install ng naglalarawan sa nakapaligid na katotohanan ng panahong iyon. Napansin ng ilang mananaliksik na ang impresyonismo ay naging isang espesyal na sangay ng realismo.

Walang alinlangan, sa impresyonistikong sining, tulad ng sa bawat masining na kilusan na lumilitaw sa panahon ng pagliko at krisis ng mga lumang tradisyon, iba't iba at kahit na magkasalungat na mga uso ay magkakaugnay, para sa lahat ng panlabas na integridad nito.

Ang mga pangunahing tampok ay ang mga tema ng mga gawa ng mga artista at ang paraan ng masining na pagpapahayag. Ang aklat ni Irina Vladimirova tungkol sa mga impresyonista ay may kasamang ilang mga kabanata: "Landscape, kalikasan, mga impression", "Lungsod, mga lugar ng mga pagpupulong at paghihiwalay", "Mga libangan bilang isang paraan ng pamumuhay", "Mga tao at mga karakter", "Mga larawan at self-portraits" , “Buhay pa rin”. Inilalarawan din nito ang kasaysayan ng paglikha at lokasyon ng bawat gawa.

Sa panahon ng kasagsagan ng impresyonismo, natagpuan ng mga artista ang isang maayos na balanse sa pagitan ng layunin na katotohanan at ang pang-unawa nito. Sinubukan ng mga artista na kunin ang bawat sinag ng liwanag, ang paggalaw ng simoy ng hangin, at ang pagbabago ng kalikasan. Upang mapanatili ang pagiging bago ng kanilang mga kuwadro na gawa, ang mga Impresyonista ay lumikha ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, na kalaunan ay naging napakahalaga para sa karagdagang pag-unlad ng sining. Sa kabila ng mga pangkalahatang uso sa pagpipinta, natagpuan ng bawat artist ang kanyang sariling malikhaing landas at pangunahing mga genre sa pagpipinta.

Ang klasikal na impresyonismo ay kinakatawan ng mga artista tulad nina Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frédéric Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Isaalang-alang natin ang kontribusyon ng ilang mga artista sa pag-unlad ng impresyonismo.

Edouard Manet (1832-1883)

Natanggap ni Manet ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa T. Couture, salamat sa kung saan ang hinaharap na artist ay nakakuha ng maraming kinakailangang propesyonal na kasanayan. Dahil sa kakulangan ng tamang atensyon mula sa guro sa kanyang mga estudyante, iniwan ni Manet ang master's atelier at nakikibahagi sa self-education. Dumadalo siya sa mga eksibisyon sa mga museo; ang kanyang malikhaing pormasyon ay naimpluwensyahan ng mga matandang master, lalo na ng mga Espanyol.

Noong 1860s, sumulat si Manet ng dalawang gawa kung saan makikita ang mga pangunahing prinsipyo ng kanyang artistikong istilo. Ipinakita ni Lola ng Valencia (1862) at The Flutist (1866) si Manet bilang isang pintor na nagpapakita ng karakter ng kanyang paksa sa pamamagitan ng pagbibigay ng kulay.

Ang kanyang mga ideya sa brushstroke at ang kanyang diskarte sa kulay ay pinagtibay ng iba pang mga Impresyonistang artista. Noong 1870s, naging mas malapit si Manet sa kanyang mga tagasunod at nagtrabaho ng plein air na walang itim sa palette. Ang pagdating sa impresyonismo ay resulta ng malikhaing ebolusyon ni Manet mismo. Ang pinaka-impresyonistikong mga pagpipinta ni Manet ay ang “In a Boat” (1874) at “Claude Monet in a Boat” (1874).

Nagpinta rin si Manet ng maraming larawan ng iba't ibang kababaihan sa lipunan, artista, modelo, magagandang babae. Ang bawat larawan ay naghatid ng pagiging natatangi at sariling katangian ng modelo.

Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, pininturahan ni Manet ang isa sa kanyang mga obra maestra - "Bar Folies-Bergère" (1881-1882). Pinagsasama ng pagpipinta na ito ang ilang mga genre: portrait, still life, araw-araw na eksena.

Sumulat si N. N. Kalitina: "Ang salamangka ng sining ni Manet ay tulad na ang batang babae ay nakaharap sa kanyang kapaligiran, salamat sa kung saan ang kanyang kalooban ay malinaw na inihayag, at sa parehong oras ay isang bahagi, para sa buong background, malabo na nakikita, hindi malinaw, nag-aalala, ay nalutas din sa asul-itim , maasul na puti, dilaw na mga tono."

Claude Monet (1840-1926)

Si Claude Monet ay ang walang alinlangan na pinuno at tagapagtatag ng klasikal na impresyonismo. Ang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta ay landscape.

Sa kanyang kabataan, si Monet ay mahilig sa karikatura at karikatura. Ang mga unang modelo para sa kanyang mga gawa ay ang kanyang mga guro at kasama. Gumamit siya ng mga cartoon sa mga pahayagan at magasin bilang isang modelo. Kinopya niya ang mga guhit sa Gaulois ni E. Carge, isang makata at caricaturist, isang kaibigan ni Gustave Coubret.

Sa kolehiyo, ang pagpipinta ni Monet ay itinuro ni Jacques-François Hauchard. Ngunit makatarungang pansinin ang impluwensya kay Monet ng Boudin, na sumuporta sa artista, nagbigay sa kanya ng payo, at nag-udyok sa kanya na ipagpatuloy ang kanyang trabaho.

Noong Nobyembre 1862, ipinagpatuloy ni Monet ang kanyang pag-aaral sa Paris kasama si Gleyre. Dahil dito, nakilala ni Monet sina Basil, Renoir, at Sisley sa kanyang studio. Naghanda ang mga batang artista na pumasok sa School of Fine Arts, na iginagalang ang kanilang guro, na naniningil ng kaunti para sa kanyang mga aralin at nagbigay ng payo sa banayad na paraan.

Nilikha ni Monet ang kanyang mga kuwadro na gawa hindi bilang isang kuwento, hindi bilang isang paglalarawan ng isang ideya o tema. Ang kanyang pagpipinta, tulad ng buhay, ay walang malinaw na layunin. Nakita niya ang mundo nang hindi nakatuon sa mga detalye, sa ilang mga prinsipyo, pumunta siya sa isang "pangitain ng tanawin" (ang termino ng art historian na si A. A. Fedorov-Davydov). Nagsumikap si Monet para sa walang plot at isang pagsasanib ng mga genre sa canvas. Ang mga paraan ng pagpapatupad ng kanyang mga inobasyon ay mga sketch, na dapat ay maging mga natapos na pagpipinta. Ang lahat ng mga sketch ay iginuhit mula sa buhay.

Nagpinta siya ng mga parang, burol, bulaklak, bato, hardin, kalye ng nayon, dagat, dalampasigan at marami pang iba; bumaling siya sa paglalarawan ng kalikasan sa iba't ibang oras ng araw. Madalas niyang isinulat ang parehong lugar sa iba't ibang oras, sa gayon ay lumilikha ng buong mga siklo mula sa kanyang mga gawa. Ang prinsipyo ng kanyang trabaho ay hindi ang paglalarawan ng mga bagay sa larawan, ngunit ang tumpak na paghahatid ng liwanag.

Magbigay tayo ng ilang mga halimbawa ng mga gawa ng artist - "Field of Poppies at Argenteuil" (1873), "Splash Pool" (1869), "Pond with Water Lilies" (1899), "Wheat Stacks" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Si Renoir ay isa sa mga natatanging master ng sekular na portraiture; bilang karagdagan, nagtrabaho siya sa mga genre ng landscape, pang-araw-araw na eksena, at buhay pa rin.

Ang kakaiba ng kanyang trabaho ay ang kanyang interes sa personalidad ng isang tao, ang paghahayag ng kanyang pagkatao at kaluluwa. Sa kanyang mga canvases, sinubukan ni Renoir na bigyang-diin ang pakiramdam ng kapunuan ng pag-iral. Ang artista ay naaakit sa libangan at mga pagdiriwang; nagpinta siya ng mga bola, naglalakad sa kanilang paggalaw at iba't ibang karakter, at mga sayaw.

Ang pinaka mga tanyag na gawa artist - "Portrait ng aktres na si Jeanne Samary", "Umbrellas", "Bathing in the Seine", atbp.

Ito ay kagiliw-giliw na si Renoir ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang musika at bilang isang bata ay kumanta sa isang koro ng simbahan sa ilalim ng direksyon ng natitirang kompositor at guro na si Charles Gounod sa Paris sa Saint-Eustache Cathedral. Mahigpit na inirerekomenda ni C. Gounod na mag-aral ng musika ang bata. Ngunit kasabay nito, natuklasan ni Renoir ang kanyang artistikong talento - mula sa edad na 13 ay natuto na siyang magpinta ng mga pinggan na porselana.

Naimpluwensyahan ng mga aralin sa musika ang pag-unlad ng personalidad ng artist. Ang ilan sa kanyang mga gawa ay nauugnay sa mga tema ng musika. Sinasalamin nila ang pagtugtog ng piano, gitara, at mandolin. Ito ang mga painting na "Guitar Lesson", "Young Spanish Woman with a Guitar", "Young Lady at the Piano", "Woman Playing the Guitar", "Piano Lesson", atbp.

Jean Frédéric Bazille (1841-1870)

Ayon sa kanyang mga kaibigang artista, si Basil ang pinaka-promising at namumukod-tanging impresyonista.

Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maliliwanag na kulay at espirituwalidad ng mga imahe. Malaking impluwensya Naimpluwensyahan nina Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley at Claude Monet ang kanyang malikhaing landas. Ang apartment ni Jean Frederic ay isang uri ng studio at pabahay para sa mga naghahangad na pintor.

Pangunahing pininturahan ni Basil ang en plein air. Ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho ay ang imahe ng tao laban sa backdrop ng kalikasan. Ang kanyang mga unang bayani sa mga pagpipinta ay ang kanyang mga kaibigang artista; maraming mga impresyonista ang nahilig sa pagguhit sa isa't isa sa kanilang mga gawa.

Si Frédéric Bazille, sa kanyang malikhaing gawain, ay binalangkas ang kilusan ng makatotohanang impresyonismo. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta, Family Reunion (1867), ay autobiographical. Inilalarawan ng artista ang mga miyembro ng kanyang pamilya dito. Ang gawaing ito ay ipinakita sa Salon at nakatanggap ng pag-apruba mula sa publiko.

Noong 1870, namatay ang artista sa Prussian-French War. Matapos ang pagkamatay ng artista, ang kanyang mga kaibigan sa artista ay nag-organisa ng ikatlong eksibisyon ng mga impresyonista, kung saan ipinakita rin ang kanyang mga pagpipinta.

Camille Pissarro (1830-1903)

Si Camille Pissarro ay isa sa pinakamalaking kinatawan ng mga landscape artist pagkatapos ng C. Monet. Ang kanyang mga gawa ay patuloy na ipinakita sa mga impresyonistang eksibisyon. Sa kanyang mga gawa, ginusto ni Pissarro na ilarawan ang mga naararo na bukid, buhay magsasaka at paggawa. Ang kanyang mga pintura ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mga istrukturang anyo at kalinawan ng komposisyon.

Nang maglaon, nagsimulang magpinta ang artista ng mga kuwadro na gawa sa mga tema ng lunsod. Sinabi ni N. N. Kalitina sa kaniyang aklat: “Tinitingnan niya ang mga lansangan ng lungsod mula sa mga bintana sa itaas na palapag o mula sa mga balkonahe, nang hindi ipinapasok ang mga ito sa komposisyon.”

Sa ilalim ng impluwensya ni Georges-Pierre Seurat, kinuha ng artist ang pointillism. Ang pamamaraan na ito ay nagsasangkot ng paglalapat ng bawat stroke nang hiwalay, na parang naglalagay ng mga tuldok. Ngunit ang mga malikhaing prospect sa lugar na ito ay hindi natanto, at bumalik si Pissarro sa impresyonismo.

Ang pinakatanyag na mga pintura ni Pissarro ay ang “Boulevard Montmartre. Hapon, maaraw", "Opera Passage sa Paris", "French Theater Square sa Paris", "Hardin sa Pontoise", "Aani", "Haymaking", atbp.

Alfred Sisley (1839-1899)

Ang pangunahing genre ng pagpipinta ni Alfred Sisley ay landscape. Sa kanyang mga unang gawa ay makikita pangunahin ang impluwensya ni K. Corot. Unti-unti, sa proseso ng pakikipagtulungan sa C. Monet, J. F. Bazille, P. O. Renoir, ang mga ilaw na kulay ay nagsisimulang lumitaw sa kanyang mga gawa.

Ang artista ay naaakit sa paglalaro ng liwanag, ang pagbabago sa estado ng kapaligiran. Ilang beses lumingon si Sisley sa parehong tanawin, na kinukunan ito sa iba't ibang oras ng araw. Ang artist ay nagbigay ng priyoridad sa kanyang mga gawa sa mga larawan ng tubig at langit, na nagbabago bawat segundo. Nagawa ng artist na makamit ang pagiging perpekto sa tulong ng kulay; ang bawat lilim sa kanyang mga gawa ay nagdadala ng isang natatanging simbolismo.

Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa: "Rural Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "Bridge at Argenteuil" (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Si Edgar Degas ay isang artista na nagsimula sa kanyang malikhaing paglalakbay sa pamamagitan ng pag-aaral sa School of Fine Arts. Na-inspire siya sa mga artista Italian Renaissance, na nakaimpluwensya sa kanyang trabaho sa kabuuan. Sa simula ay sumulat si Degas mga makasaysayang pagpipinta, halimbawa, “Hinahamon ng mga babaeng Spartan ang mga lalaking Spartan sa isang kompetisyon. (1860). Ang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta ay portrait. Sa kanyang mga gawa, umaasa ang artista sa mga klasikal na tradisyon. Gumagawa siya ng mga gawang may marka matinding sensasyon ng panahon nito.

Hindi tulad ng kanyang mga kasamahan, hindi ibinabahagi ni Degas ang masaya, bukas na pananaw sa buhay at mga bagay na likas sa impresyonismo. Ang artista ay mas malapit sa kritikal na tradisyon ng sining: pakikiramay sa kapalaran karaniwang tao, ang kakayahang makita ang mga kaluluwa ng mga tao, ang kanilang panloob na mundo, hindi pagkakapare-pareho, trahedya.

Para kay Degas, ang mga bagay at panloob na nakapalibot sa isang tao ay may malaking papel sa paglikha ng isang larawan. Magbigay tayo ng ilang halimbawa ng mga gawa: "Désirée Dio with an orchestra" (1868-1869), "Portrait of a Woman" (1868), "The Morbilli Couple" (1867), atbp.

Ang prinsipyo ng portraiture sa mga gawa ni Degas ay maaaring masubaybayan sa kabuuan ng kanyang kabuuan malikhaing landas. Noong 1870s, inilarawan ng artista ang lipunan ng France, lalo na ang Paris, sa buong kaluwalhatian nito sa kanyang mga gawa. Kasama sa mga interes ng artist ang buhay urban na gumagalaw. "Para sa kanya, ang paggalaw ay isa sa pinakamahalagang pagpapakita ng buhay, at ang kakayahan ng sining na ihatid ito ay ang pinakamahalagang tagumpay. modernong pagpipinta"- isinulat ni N.N. Kalitina.

Sa panahong ito, ang mga pelikulang gaya ng "The Star" (1878), "Miss Lola in Fernando's Circus", "Horsing at Epsom", atbp.

Ang isang bagong yugto ng pagkamalikhain ni Degas ay ang kanyang interes sa ballet. Ito ay nagpapakita ng behind-the-scenes na buhay ng mga ballerina, na pinag-uusapan ang kanilang pagsusumikap at mahigpit na pagsasanay. Ngunit, sa kabila nito, ang artist ay namamahala upang makahanap ng airiness at lightness sa pag-render ng kanilang mga imahe.

Sa serye ng ballet ng mga pagpipinta ni Degas, ang mga tagumpay sa larangan ng pagpapadala ng artipisyal na ilaw mula sa entablado ay nakikita; nagsasalita sila tungkol sa coloristic talent ng artist. Ang pinakasikat na mga painting ay ang "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer with a Bouquet" (1877), "Dancers in Pink" (1885) at iba pa.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, dahil sa lumalalang paningin, sinubukan ni Degas ang kanyang kamay sa paglililok. Ang kanyang mga bagay ay ang parehong ballerinas, babae, kabayo. Sa iskultura, sinusubukan ni Degas na ihatid ang paggalaw, at upang pahalagahan ang eskultura, kailangan mong tingnan ito mula sa iba't ibang mga anggulo.

Ang impresyonismo (impressionnisme) ay isang istilo ng pagpipinta na lumitaw sa pagtatapos ng ika-19 na siglo sa France at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo. Ang mismong ideya ng impresyonismo ay nasa pangalan nito: impresyon - impresyon. Ang mga artista na pagod sa tradisyonal na mga diskarte sa pagpipinta ng akademya, na, sa kanilang opinyon, ay hindi naghatid ng lahat ng kagandahan at kasiglahan ng mundo, ay nagsimulang gumamit ng ganap na mga bagong pamamaraan at pamamaraan ng imahe, na dapat na ipahayag sa pinaka-naa-access na anyo hindi. isang "photographic" na hitsura, ngunit isang impression mula sa kanyang nakita. Sa kanyang pagpipinta, ang impresyonistang artista, gamit ang likas na katangian ng kanyang mga stroke at paleta ng kulay, ay nagsisikap na ihatid ang kapaligiran, init o lamig, malakas na hangin o mapayapang katahimikan, isang maulap na maulan na umaga o isang maliwanag na maaraw na hapon, pati na rin ang kanyang mga personal na karanasan. mula sa kanyang nakita.

Ang impresyonismo ay isang mundo ng mga damdamin, emosyon at panandaliang impresyon. Ang pinahahalagahan dito ay hindi panlabas na realismo o pagiging natural, bagkus ang pagiging totoo ng mga ipinahayag na sensasyon, ang panloob na estado ng larawan, ang kapaligiran nito, at ang lalim. Sa una, ang istilong ito ay napapailalim sa matinding pagpuna. Ang mga unang Impresyonistang pagpipinta ay ipinakita sa Parisian "Salon of Les Misérables," kung saan ipinakita ang mga gawa ng mga artist na tinanggihan ng opisyal na Paris Salon of Arts. Ang terminong "impresyonismo" ay unang ginamit ng kritiko na si Louis Leroy, na nagsulat ng isang mapanghamak na pagsusuri sa magazine na "Le Charivari" tungkol sa isang eksibisyon ng mga artista. Bilang batayan para sa termino, kinuha niya ang pagpipinta ni Claude Monet na "Impression. Sumisikat na araw" Tinawag niya ang lahat ng mga artista na impresyonista, na maaaring isalin bilang "mga impresyonista." Sa una, ang mga pagpipinta ay talagang pinuna, ngunit sa lalong madaling panahon parami nang parami ang mga tagahanga ng bagong direksyon ng sining ay nagsimulang dumating sa salon, at ang genre mismo ay lumipat mula sa isang tinanggihan sa isang kinikilala.

Kapansin-pansin na ang mga artista ng huling bahagi ng ika-19 na siglo sa France ay hindi nakabuo ng isang bagong istilo nang wala saan. Kinuha nila bilang batayan ang mga pamamaraan ng mga pintor ng nakaraan, kabilang ang mga artista ng Renaissance. Ang mga pintor tulad ng El Greco, Velazquez, Goya, Rubens, Turner at iba pa, bago ang paglitaw ng impresyonismo, sinubukang ihatid ang mood ng isang larawan, ang kasiglahan ng kalikasan, ang espesyal na pagpapahayag ng panahon sa tulong ng iba't ibang mga intermediate na tono. , maliwanag o, sa kabaligtaran, mapurol na mga stroke na mukhang abstract na mga bagay. Sa kanilang mga pagpipinta ay ginamit nila ito nang medyo matipid, kaya ang hindi pangkaraniwang pamamaraan ay hindi nakakuha ng mata ng manonood. Nagpasya ang mga Impresyonista na kunin ang mga pamamaraang ito ng imahe bilang batayan para sa kanilang mga gawa.

Isa pa tiyak na tampok Ang mga gawa ng mga impresyonista ay isang uri ng mababaw na pang-araw-araw, na, gayunpaman, ay naglalaman ng hindi kapani-paniwalang lalim. Hindi nila sinusubukang ipahayag ang anumang malalim na pilosopikal na tema, mga problemang mitolohiya o relihiyon, kasaysayan at mahahalagang pangyayari. Ang mga kuwadro na gawa ng mga artista ng kilusang ito ay likas na simple at araw-araw - mga landscape, still life, mga taong naglalakad sa kalye o ginagawa ang kanilang normal na negosyo, at iba pa. Ito ay tiyak na mga sandali, kung saan walang labis na pampakay na nilalaman na nakakagambala sa isang tao, na ang mga damdamin at emosyon mula sa kung ano ang nakikita nila ay nauuna. Gayundin, ang mga impresyonista, hindi bababa sa simula ng kanilang pag-iral, ay hindi naglalarawan ng "mabibigat" na mga tema - kahirapan, digmaan, trahedya, pagdurusa, at iba pa. Ang mga impresyonistang pagpipinta ay madalas na ang pinaka-positibo at masayang mga gawa, kung saan mayroong maraming liwanag, maliliwanag na kulay, makinis na chiaroscuro, makinis na mga kaibahan. Ang impresyonismo ay isang kaaya-ayang impresyon, kagalakan mula sa buhay, kagandahan ng bawat sandali, kasiyahan, kadalisayan, katapatan.

Ang pinakasikat na impresyonista ay ang mga mahuhusay na artista tulad nina Claude Monet, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro at marami pang iba.

Hindi mo alam kung saan makakabili ng totoong jaw's harp? Mahahanap mo ang pinakamalaking seleksyon sa website khomus.ru. Malawak na hanay ng mga etnikong instrumentong pangmusika sa Moscow.

Alfred Sisley - Mga damuhan sa Spring

Camille Pissarro - Boulevard Montmartre. Hapon, maaraw.

Ang pinakakaraniwang tema para sa mga Impresyonista ay landscape, ngunit naantig din nila ang maraming iba pang mga tema sa kanilang trabaho. Si Degas, halimbawa, ay naglalarawan ng mga karera ng kabayo, ballerina at labandera, at si Renoir ay naglalarawan ng mga kaakit-akit na babae at bata. Sa mga impresyonistikong landscape na nilikha sa labas, ang isang simple, pang-araw-araw na motif ay madalas na binabago ng malawak na gumagalaw na liwanag, na nagdadala ng isang pakiramdam ng kasiyahan sa larawan. Sa ilang mga pamamaraan ng impresyonistikong konstruksyon ng komposisyon at espasyo, ang impluwensya ng Japanese engraving at bahagyang photography ay kapansin-pansin. Ang mga Impresyonista ay lumikha ng isang multifaceted na pagpipinta sa unang pagkakataon Araw-araw na buhay ng isang modernong lungsod, nakuha ang pagka-orihinal ng tanawin nito at ang hitsura ng mga taong naninirahan dito, ang kanilang buhay, trabaho at libangan.

Ang mga impresyonista ay hindi nagsusumikap na tugunan ang mga pagpindot sa mga isyung panlipunan, pilosopiya o nakakagulat na pagkamalikhain, na nakatuon lamang sa iba't ibang paraan ng pagpapahayag ng mga impresyon ng nakapaligid na pang-araw-araw na buhay. Sinusubukang "makita ang sandali" at ipakita ang mood.

Pangalan" Impresyonismo" lumitaw pagkatapos ng 1874 na eksibisyon sa Paris, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Monet na "Impression". Rising Sun" (1872; ang pagpipinta ay ninakaw mula sa Marmottan Museum sa Paris noong 1985 at ngayon ay nasa mga listahan ng Interpol).

Mahigit pitong impresyonistang eksibisyon ang ginanap sa pagitan ng 1876 at 1886; sa pagkumpleto ng huli, si Monet lamang ang patuloy na mahigpit na sumunod sa mga mithiin ng Impresyonismo. Ang mga "impresyonista" ay tinatawag ding mga artista sa labas ng France na nagsulat sa ilalim ng impluwensya ng French Impressionism (halimbawa, ang Englishman na si F.W. Steer).

Mga impresyonistang artista

Mga sikat na painting ng mga impresyonistang artista:

Paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso. D.N. Ushakov

impresyonismo

impresyonismo, marami hindi, m. (French impressionisme) (art.). Isang kilusan sa sining na naglalayong ihatid at i-reproduce ang agarang, subjective na impresyon ng realidad.

Paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso. S.I.Ozhegov, N.Yu.Shvedova.

impresyonismo

A, m. Direksyon ng sining noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. naghahangad na direktang kopyahin ang mga karanasan, mood at impression ng artist.

adj. impresyonistiko, -aya, -oe at impresyonistiko, -aya, -oe.

Bagong paliwanag na diksyunaryo ng wikang Ruso, T. F. Efremova.

impresyonismo

m. Direksyon ng sining sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo - ang simula ng ika-20 siglo, batay sa pagnanais na maipakita ang totoong mundo sa kadaliang kumilos, pagkakaiba-iba at makuha ang sariling damdamin ng artist, kompositor, atbp.

Encyclopedic Dictionary, 1998

impresyonismo

IMPRESSIONISM (mula sa French impression - impression) direksyon sa sining ng huling ikatlong ng ika-19 - maaga. 20 siglo, na ang mga kinatawan ay nagsikap na pinaka natural at walang kinikilingan na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito, upang maihatid ang kanilang mga panandaliang impression. Ang impresyonismo ay nagmula noong 1860s sa pagpipinta ng Pranses: E. Manet, O. Renoir, E. Degas ay ipinakilala sa pagiging bago ng sining at spontaneity ng pagdama ng buhay, paglalarawan ng madalian, tila random na mga paggalaw at sitwasyon, maliwanag na kawalan ng timbang, pagkapira-piraso ng komposisyon, hindi inaasahang mga punto ng view, anggulo, cuts of figures. Noong 1870-80s. nabuo ang impresyonismo sa tanawin ng Pransya: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley ay bumuo ng pare-parehong sistema ng plein air; nagtatrabaho sa bukas na hangin, lumikha sila ng isang pakiramdam ng kumikinang na sikat ng araw, ang kayamanan ng mga kulay ng kalikasan, ang paglusaw ng mga volumetric na anyo sa vibration ng liwanag at hangin. Ang pagkabulok ng mga kumplikadong tono sa mga dalisay na kulay (inilapat sa canvas sa magkahiwalay na mga stroke at idinisenyo upang optically paghaluin ang mga ito sa mata ng manonood), ang mga may kulay na anino at mga pagmuni-muni ay nagbunga ng hindi pa nagagawang magaan, makulay na pagpipinta. Bilang karagdagan sa mga pintor (American - J. Whistler, German - M. Lieberman, L. Corinth, Russians - K. A. Korovin, I. E. Grabar), ang interes ng impresyonismo sa agarang paggalaw, ang likidong anyo ay niyakap ng mga iskultor (French - O. Rodin , Italyano. - M. Rosso, Russian - P. P. Trubetskoy). Para sa musical impressionism con. 19 - simula ika-20 siglo (sa Pransya - C. Debussy, bahagyang M. Ravel, P. Dukas, atbp.), na nabuo sa ilalim ng impluwensya ng impresyonismo sa pagpipinta, ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghahatid ng mga banayad na mood, sikolohikal na mga nuances, isang pagkahilig sa landscape programming, at isang interes sa timbre at harmonic na kulay. Sa panitikan, ang mga tampok ng impresyonistikong istilo ay binabanggit na may kaugnayan sa panitikan ng Europa noong huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, ang tula ng Russia sa simula. ika-20 siglo (K. Hamsun sa Norway, I. F. Annensky sa Russia, atbp.).

Impresyonismo

(French impressionnisme, mula sa impression ≈ impression), isang kilusan sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo. I. binuo sa French painting noong huling bahagi ng 1860s at unang bahagi ng 1870s. Sa panahon ng kapanahunan nito (1870s ≈ unang kalahati ng 1880s), ang I. ay kinakatawan ng isang grupo ng mga artista (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot, atbp.), na nagkaisa upang ipaglaban ang pagpapanibago ng sining at upang mapagtagumpayan ang opisyal na akademya ng salon at nag-organisa ng 8 eksibisyon para sa layuning ito mula 1874 hanggang 1886; E. Manet, na noong 1860s. paunang natukoy ang direksyon ng I. at kung sino rin noong 1870–80s. ay konektado sa kanya sa maraming paraan, ngunit hindi bahagi ng grupong ito. Pamagat "Ako." lumitaw pagkatapos ng eksibisyon ng 1874, kung saan ang pagpipinta ni C. Monet na "Impression. Rising Sun" ("Impression, Soleil levant", 1872, ngayon ay nasa Marmottan Museum, Paris).

I. ipinagpatuloy ang sinimulan ng makatotohanang sining noong 1840s–60s. pagpapalaya mula sa mga kumbensyon ng klasisismo, romantikismo at akademiko at pinagtitibay ang kagandahan ng pang-araw-araw na katotohanan, simple, demokratikong mga motibo, at nakakamit ang buhay na pagiging tunay ng imahe. I. ginagawang makabuluhan ang tunay na aesthetically, modernong buhay sa pagiging natural nito, sa lahat ng kayamanan at kislap ng mga kulay nito, nakakakuha nakikitang mundo sa taglay nitong patuloy na pagkakaiba-iba, na muling nililikha ang pagkakaisa ng tao at ng kanyang kapaligiran. Sa pamamagitan ng pagbibigay-diin sa lumilipas na sandali ng tuluy-tuloy na daloy ng buhay, na parang hindi sinasadyang nahuli ng mata, iniiwan ng mga impresyonista ang salaysay, ang balangkas. Sa aking mga landscape, portrait, multi-figure compositions Sinisikap ng mga artista na mapanatili ang kawalang-kinikilingan, lakas at pagiging bago ng "unang impresyon", na nagpapahintulot sa kanila na makuha ang natatanging katangian ng kanilang nakikita, nang hindi pumasok sa mga indibidwal na detalye. Inilalarawan ang mundo bilang isang patuloy na nagbabagong optical phenomenon, hindi nagsusumikap si I. na bigyang-diin ang palagian, malalim na mga katangian nito. Ang kaalaman sa mundo sa sining ay pangunahing nakabatay sa sopistikadong pagmamasid at ang visual na karanasan ng artist, na gumagamit ng mga batas ng natural na optical perception upang makamit ang artistikong persuasiveness ng akda. Ang proseso ng pang-unawa na ito, ang dynamics nito ay makikita sa istraktura ng trabaho, na, sa turn, ay aktibong nagtuturo sa kurso ng pang-unawa ng manonood sa larawan. Gayunpaman, ang emphasized empiricism ng artistikong pamamaraan, na ginawa itong katulad ng naturalism, minsan ay humantong sa mga kinatawan ng artistikong tungo sa self-sufficient visual at pictorial na mga eksperimento na naglilimita sa mga posibilidad. kaalaman sa sining mahahalagang sandali ng katotohanan. Sa pangkalahatan, ang mga gawa ng mga Impresyonista ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagiging masayahin at pagnanasa para sa senswal na kagandahan ng mundo; at ilang mga gawa lamang nina Degas at Manet ang naglalaman ng mapait at mapanuksong mga tala.

Sa unang pagkakataon, ang mga Impresyonista ay lumikha ng isang multifaceted na larawan ng pang-araw-araw na buhay ng isang modernong lungsod, na naghahatid ng pagka-orihinal ng tanawin nito at ang hitsura ng mga taong naninirahan dito, ang kanilang paraan ng pamumuhay at, mas madalas, ang kanilang trabaho; sa I. lumalabas din ang tema ng partikular na urban entertainment. Kasabay nito, sa sining ng I. humihina ang sandali ng panlipunang kritisismo. Nagsusumikap para sa isang tunay na paglalarawan malapit sa isang tao pang-araw-araw na kalikasan, ang mga impresyonistang pintor ng landscape (lalo na sina Pissarro at Sisley) ay bumuo ng mga tradisyon ng paaralan ng Barbizon. Sa pagpapatuloy ng plein air (tingnan ang Plein air) na paghahanap ni J. Constable, ang mga Barbizon, gayundin sina C. Corot, E. Boudin at J. B. Jongkind, ang mga impresyonista ay nakabuo ng kumpletong plein air system. Sa kanilang mga landscape, ang pang-araw-araw na motif ay madalas na nababago sa isang malaganap, mobile sikat ng araw, na nagdadala ng pakiramdam ng kasiyahan sa larawan. Ang paggawa sa isang pagpipinta nang direkta sa bukas na hangin ay naging posible upang muling buuin ang kalikasan sa lahat ng tunay na kasiglahan nito, banayad na pag-aralan at agad na makuha ang mga transitional state nito, makuha ang pinakamaliit na pagbabago sa kulay na lumilitaw sa ilalim ng impluwensya ng isang nanginginig at tuluy-tuloy na kapaligiran sa liwanag. (organically uniting tao at kalikasan), na kung minsan ito ay nagiging isang malayang bagay ng imahe sa I. (pangunahin sa mga gawa ng Monet). Upang mapanatili ang pagiging bago at iba't ibang mga kulay ng kalikasan sa larawan, ang mga Impresyonista (maliban kay Degas) ay lumikha ng isang sistema ng pagpipinta na nakikilala sa pamamagitan ng pagkabulok ng mga kumplikadong tono sa mga purong kulay at ang interpenetration ng magkahiwalay na mga stroke ng purong kulay, bilang kung naghahalo sa mata ng tumitingin, isang maliwanag at maliwanag na scheme ng kulay, at isang kayamanan ng mga halaga. at mga reflexes, may kulay na mga anino. Ang mga volumetric na anyo ay tila natutunaw sa light-air shell na bumabalot sa kanila, nag-dematerialize, nakakakuha ng hindi matatag na mga balangkas: ang paglalaro ng iba't ibang brushstroke, impasto at likido, ay nagbibigay sa layer ng pintura ng panginginig at kaluwagan; sa gayon ay lumilikha ng isang kakaibang impresyon ng hindi kumpleto, ang pagbuo ng isang imahe sa harap ng mga mata ng isang taong nagmumuni-muni sa canvas. Ang lahat ng ito ay konektado sa pagnanais ng artist na mapanatili sa pagpipinta ang epekto ng improvisasyon, na sa nakaraang panahon ay pinahihintulutan lamang sa mga sketch at kadalasang nawala kapag sila ay naproseso sa mga natapos na gawa; Kaya, sa I. mayroong isang convergence ng sketch at ang pagpipinta, at madalas ang pagsasama ng ilang mga yugto ng trabaho sa isang tuluy-tuloy na proseso. Ang isang impressionistic na pagpipinta ay isang hiwalay na frame, isang fragment ng isang gumagalaw na mundo. Ipinapaliwanag nito, sa isang banda, ang pagkakapantay-pantay ng lahat ng bahagi ng larawan, sabay-sabay na ipinanganak sa ilalim ng brush ng artist at pantay na nakikilahok sa matalinghagang pagtatayo ng trabaho; sa kabilang banda, may maliwanag na randomness at imbalance, kawalaan ng simetrya ng komposisyon, bold cuts ng mga figure, hindi inaasahang mga punto ng view at kumplikadong mga anggulo na nagpapagana ng spatial construction; Nawawala ang lalim, kung minsan ay "lumalabas" ang espasyo sa isang eroplano o napupunta sa infinity. Sa ilang mga pamamaraan ng pagbuo ng komposisyon at espasyo, ang impluwensya ng Japanese engraving at bahagyang photography ay kapansin-pansin.

Noong kalagitnaan ng 1880s. Ang sining, na naubos ang mga kakayahan nito bilang isang integral na sistema at isang solong direksyon, ay naghiwa-hiwalay, na nagbibigay ng mga impulses para sa kasunod na ebolusyon ng sining. I. nagpakilala ng mga bagong tema sa sining, na nauunawaan ang aesthetic na kahalagahan ng maraming aspeto ng realidad. Ang mga gawa ng mature I. ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maliwanag at agarang sigla. Kasabay nito, ang pagpipinta ay nailalarawan din sa pamamagitan ng pagkakakilanlan ng aesthetic intrinsic na halaga at mga bagong nagpapahayag na posibilidad ng kulay, isang emphasized aestheticization ng paraan ng pagpapatupad, at ang pagkakalantad ng pormal na istraktura ng trabaho; Ito ay tiyak na ang mga katangiang ito, na lumilitaw lamang sa I., ang tumanggap karagdagang pag-unlad sa neo-impressionism, post-impressionism. Noong 1880≈1910s. I. ay nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa maraming pintor mula sa ibang mga bansa (M. Lieberman, L. Corinth sa Germany; K. A. Korovin, V. A. Serov, I. E. Grabar, unang bahagi ng M. V. Larionov sa Russia, atbp. ), na nagpakita ng sarili sa pagbuo ng bagong mga aspeto ng realidad, sa pag-master ng mga epekto ng plein air, pagpapaliwanag sa palette, sketchy na paraan, at pag-master ng ilang teknikal na pamamaraan. Ang ilang mga prinsipyo ng sining - paghahatid ng agarang paggalaw, pagkalikido ng anyo - sa iba't ibang antas ay makikita sa eskultura noong 1880–1910s. (kasama sina E. Degas at O. Rodin sa France, M. Rosso sa Italy, P. P. Trubetskoy at A. S. Golubkina sa Russia); sa parehong oras, ang tumaas na kaakit-akit ng impresyonistikong iskultura kung minsan ay sumasalungat sa tactility at pisikalidad na likas sa mismong likas na katangian ng sculptural na imahe. Ang mga tradisyon ng I. ay mahahalata sa maraming makatotohanang paggalaw sa sining ng ika-20 siglo. I. sa sining ay may tiyak na impluwensya sa pagbuo ng ilang mga prinsipyo ng I. at sa pag-unlad nagpapahayag na paraan sa panitikan, musika at teatro; gayunpaman, sa mga ganitong uri ng sining I. hindi naging holistic masining na sistema halaga ng milestone.

Kaugnay ng panitikan, ang istilo ay malawak na itinuturing bilang isang pangkakanyahan na kababalaghan na lumitaw sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo. at nahuli ang mga manunulat ng iba't ibang paniniwala at pamamaraan, at makitid ≈ bilang isang kilusan na may isang tiyak na pamamaraan at pananaw sa mundo na nakahatak patungo sa pagkabulok, na nabuo sa pagpasok ng ika-19 at ika-20 siglo. Ang mga palatandaan ng "istilo ng impresyonistiko" ay ang kawalan ng isang malinaw na tinukoy na anyo at ang pagnanais na ihatid ang paksa sa mga fragmentary na stroke na agad na nakakuha ng bawat impression, na, gayunpaman, kapag sinusuri ang kabuuan, ay nagsiwalat ng kanilang nakatagong pagkakaisa at koneksyon. Bilang isang espesyal na istilo, si I., kasama ang kanyang prinsipyo ng halaga ng unang impresyon, ay ginawang posible na isagawa ang salaysay sa pamamagitan ng mga detalye na, kumbaga, kinuha nang random, na tila lumabag sa mahigpit na pagkakapare-pareho ng plano ng pagsasalaysay at ang prinsipyo ng pagpili ng mahalaga, ngunit sa kanilang "lateral" na katotohanan ay nagbigay ng pambihirang liwanag sa kuwento at pagiging bago, at ang masining na ideya - hindi inaasahang mga bunga at pagkakaiba-iba. Ang nananatiling isang stylistic phenomenon, I. ay hindi nangangahulugang, lalo na sa mga mahusay na manunulat (halimbawa, A. P. Chekhov, I. A. Bunin, atbp.), Isang pagkasira ng mga artistikong prinsipyo ng realismo, ngunit naipakita sa pagpapayaman ng mga prinsipyong ito at ang patuloy na pagtaas ng sining ng paglalarawan (halimbawa, ang paglalarawan ni Chekhov ng isang bagyo sa kwentong "Steppe"; ang mga tampok ng I. sa istilo ni Chekhov ay napansin ni L. N. Tolstoy). Sa simula ng ika-20 siglo. Maraming mga istilong uri ng pagpipinta ang lumitaw sa isang karaniwang makatotohanang batayan. Ang magkapatid na J. at E. Goncourt (“poets of nerves,” “connoisseurs of imperceptible sensations”) ay ang mga nagtatag ng “psychological psychology,” ang sopistikadong pamamaraan na makikita sa nobelang “Hunger” ni K. Hamsun at sa maagang T. Mann (sa mga maikling kwento) , S. Zweig, sa lyrics ng I. F. Annensky. Ang "Plein air", ang kagalang-galang na kaakit-akit ay nararamdaman sa parehong Goncourt brothers, sa E. Zola sa estilo ng mga paglalarawan ng Paris ("Pahina ng Pag-ibig"), sa manunulat na Danish na si E. P. Jacobsen (sa maikling kuwento na "Mogens"); Ang makatang Aleman na si D. von Lilienkron ay malinaw na nagpapahayag ng mga liriko na sitwasyon gamit ang impresyonistikong pamamaraan (kabilang ang syntax at ritmo). Ang mga Ingles na neo-romantikong manunulat na sina R. L. Stevenson at J. Conrad ay bumuo ng mga kakaibang makukulay na katangian ng I.; ang kanilang istilo ay ipinagpatuloy sa mga susunod na panitikan sa "timog" na mga tema, hanggang sa mga kuwento ni S. Maugham. Sa “Romances without Words” ni P. Verlaine, ang panginginig ng kaluluwa at ang kaakit-akit na kisap (“the shades alone captivate us”) ay sinasabayan ng musical mood, at ang kanyang tula na “Poetic Art” (1874, published 1882) ay pareho. bilang manipesto ng kasaysayang patula at bilang tagapagbalita ng mga patula ng simbolismo.

Kasunod nito, si Hamsun at ilang iba pang mga manunulat noong unang bahagi ng ika-20 siglo. I., sa isang mas maliit o mas malaking lawak, ay nakahiwalay sa makatotohanang mga prinsipyo at nagiging isang espesyal na pananaw at saloobin (o pamamaraan) - isang malabo, hindi tiyak na subjectivism, bahagyang inaasahan ang panitikan ng "stream ng kamalayan" (ang gawain ng M. . Proust). Ang naturang I., kasama ang kanyang "pilosopiya ng sandaling ito," ay nagtanong sa semantiko at moral na mga pundasyon ng buhay. Ang kulto ng "impression" ay naka-lock sa tao sa kanyang sarili; Tanging ang panandalian, mailap, hindi maipahayag ng anumang bagay maliban sa mga sensasyon ang naging mahalaga at ang tanging tunay. Ang tuluy-tuloy na mood ay umiikot sa tema ng "pag-ibig at kamatayan"; ang masining na imahe ay binuo sa hindi matatag na mga understatement at hindi malinaw na mga pahiwatig na nag-angat ng "belo" sa nakamamatay na paglalaro ng mga walang malay na elemento sa buhay ng tao. Ang mga dekadenteng motif ay katangian ng paaralan ng Vienna I. (G. Bar; A. Schnitzler, lalo na ang kanyang one-act plays na “The Green Parrot”, 1899, “Marionettes”, 1906, atbp.), sa Poland ≈ para kay J. Kasprowicz, K. Tetmaier. Ang impluwensya ng I. ay naranasan, halimbawa, ni O. Wilde, G. von Hofmannsthal (mga liriko, kabilang ang "The Ballad of External Life"; drama-libretto), sa panitikang Ruso ni B.K. Zaitsev (psychological sketches), K.D. Balmont (kasama ang kanyang mga liriko ng "fleetingness"). Sa kalagitnaan ng ika-20 siglo. I. bilang isang malayang pamamaraan ay naubos ang sarili.

Paglalapat ng terminong "I." sa musika ay higit sa lahat may kondisyon - ang musikal na sining ay hindi direktang pagkakatulad sa sining sa pagpipinta at hindi naaayon dito ayon sa pagkakasunud-sunod (ang kapanahunan nito ay ≈ 90s ng ika-19 na siglo at ang unang dekada ng ika-20 siglo). Ang pangunahing bagay sa pagpipinta ng musika ay ang paghahatid ng mga mood na nakakakuha ng kahulugan ng mga simbolo, banayad na sikolohikal na nuances, at isang ugali sa poetic landscape programming. Siya rin ay nailalarawan sa pamamagitan ng pinong pantasya, poeticization ng antiquity, exoticism, at interes sa timbre at harmonic beauty. Ang pagkakatulad niya sa pangunahing linya ni I. sa pagpipinta ay ang kanyang masigasig na saloobin sa buhay; ang mga sandali ng matinding salungatan at panlipunang kontradiksyon ay iniiwasan dito. Ang musikal na musika ay natagpuan ang klasikal na pagpapahayag nito sa mga gawa ni C. Debussy; ang mga tampok nito ay lumitaw din sa musika ni M. Ravel, P. Dukas, F. Schmitt, J. J. Roger-Ducas at iba pang kompositor na Pranses.

Ang musikal na musika ay nagmana ng maraming tampok ng sining ng huli na romantikismo at mga paaralan ng pambansang musika noong ika-19 na siglo. (" Makapangyarihang grupo", F. List, E. Grieg, atbp.). Kasabay nito, inihambing ng mga impresyonista ang malinaw na kaluwagan ng mga contour, matinding materyalidad at sobrang saturation ng musical palette ng mga huling romantiko na may sining ng pinipigilang emosyon at transparent, kakarampot na texture, at ang matatas na pagbabago ng mga imahe.

Ang gawain ng mga impresyonistang kompositor ay lubos na nagpayaman sa mga paraan ng pagpapahayag ng musika, lalo na ang globo ng pagkakaisa, na umabot sa dakilang kagandahan at pagiging sopistikado; ang komplikasyon ng mga chord complex ay pinagsama dito sa pagpapasimple at archaization ng modal na pag-iisip; Ang orkestra ay pinangungunahan ng mga dalisay na kulay, kapritsoso na mga highlight, at ang mga ritmo ay hindi matatag at mailap. Ang pagiging makulay ng modal harmonic at timbre ay nauuna: ang nagpapahayag na kahulugan ng bawat tunog at chord ay pinahusay, at ang mga dating hindi alam na posibilidad para sa pagpapalawak ng modal sphere ay ipinahayag. Ang musika ng mga Impresyonista ay binigyan ng espesyal na kasariwaan sa pamamagitan ng kanilang madalas na paggamit ng mga genre at elemento ng kanta at sayaw. wikang musikal mga tao sa Silangan, Espanya, maagang anyo itim na jazz.

Sa simula ng ika-20 siglo. ang kasaysayan ng musikal ay lumaganap sa kabila ng France. Ito ay orihinal na binuo ni M. de Falla sa Espanya, A. Casella at O. Respighi sa Italya. Ang mga orihinal na tampok ay likas sa kasaysayan ng musikal sa Ingles na may "hilagang" tanawin (F. Delius) o maanghang na exoticism (S. Scott). Sa Poland, ang kakaibang linya ng musikal na sining ay kinakatawan ni K. Szymanowski (hanggang 1920), na nakahilig sa mga ultra-pinong larawan ng sinaunang panahon at Sinaunang Silangan. Ang impluwensya ng Indian aesthetics sa pagliko ng ika-20 siglo. ay naranasan din ng ilang kompositor na Ruso, partikular na si A. N. Scriabin, na sabay na naimpluwensyahan ng simbolismo; Alinsunod sa musikang Ruso, na kung saan ay masalimuot na pinagsama sa impluwensya ng paaralan ng N. A. Rimsky-Korsakov, sinimulan ni I. F. Stravinsky ang kanyang karera, at sa mga sumunod na taon pinamunuan niya ang anti-impressionist na kalakaran sa musikang Kanlurang Europa.

O. V. Mamontova (I. sa fine arts), I. V. Nestyev (I. sa musika).

Sa teatro ng huling bahagi ng ika-19 ≈ unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang atensyon ng mga direktor at tagapalabas sa paghahatid ng kapaligiran ng aksyon, ang mood ng isang partikular na eksena, at paglalahad ng subtext nito ay tumaas. Kasabay nito, ang pagiging tunay at kabuluhan ng buhay ay naihatid sa tulong ng mga sadyang palihim na mga katangian kasabay ng mga indibidwal na malinaw na nagpapahayag ng mga detalye na nagsiwalat ng mga nakakubli na karanasan ng bayani, ang kanyang mga iniisip, at ang mga impulses ng kanyang mga aksyon. Ang mga biglaang pagbabago sa mga ritmo, ang paggamit ng mga tunog, kaakit-akit at kulay na mga spot ay ginamit ng direktor upang lumikha ng isang tiyak na emosyonal na intensity sa pagganap, at sa gayon ay inilalantad ang panloob na pagtaas ng drama na nakatago sa likod ng kurso ng pang-araw-araw na buhay. Ang mga paraan ng pagpapahayag ng I. ay ginamit sa mga produksyon ni A. Antoine (France), M. Reinhardt (Germany), V. E. Meyerhold (Russia), at sa mga pagtatanghal ng Moscow Art Theater (halimbawa, sa mga produksyon ng mga dula ni A. P. Chekhov ). Napansin ng mga kontemporaryo ang mga katangian ng I. sa mga pagtatanghal ni G. Réjean (France), E. Duse (Italy), V. F. Komissarzhevskaya at iba pang mga aktor.

T. M. Rodina.

Lit.: Mockler K., Impresyonismo. Ang kanyang kasaysayan, ang kanyang aesthetics, ang kanyang mga masters, trans. mula sa French, M., ; Meyer-Graefe Yu., Mga Impresyonista, trans. mula sa German, M., 1913; Venturi L., Mula Manet hanggang Lautrec, trans. mula sa Italyano, M., 1958; Rewald J., Kasaysayan ng Impresyonismo, trans. mula sa English, L.≈M., 1959; Impresyonismo, trans. mula sa French, L., 1969; Chegodaev A.D., Mga Impresyonista, M., 1971; Bazin G., L'époque impressionniste, 2 ed., P., 1953; Leymarie J., L'impressionisme, v. 1≈2, Gen., 1959; Danckert W., Das Wesen des musikalischen Impressionismus, “Deutsche Vierteljiahrsschrift für Literaturwissenschaft und Geistesgeschichte”, 1929, Bd 7, N. 1; Koelsch N. F., Der Impressionismus bei Debussy, Düsseldorf, 1937 (Diss.); Schulz H.≈G., Musikalischer Impressionismus und impressionistischer Klavierstil, Würzburg, 1938; Kroher E., Impressionismus in der Musik, Lpz., 1957.

Wikipedia

Impresyonismo

Impresyonismo(, mula sa impresyon- impresyon) - isang kilusan sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na nagmula sa France at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo, na ang mga kinatawan ay naghangad na bumuo ng mga pamamaraan at pamamaraan na naging posible upang makuha ang pinaka natural at malinaw. ang tunay na mundo sa kanyang kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba, upang ihatid ang kanilang mga panandaliang impression. Karaniwan ang terminong "impressionism" ay tumutukoy sa isang direksyon sa pagpipinta, bagaman ang mga ideya nito ay natagpuan din ang kanilang sagisag sa panitikan at musika, kung saan ang impresyonismo ay lumitaw din sa isang tiyak na hanay ng mga pamamaraan at pamamaraan para sa paglikha ng pampanitikan at mga gawang musikal, kung saan hinangad ng mga may-akda na ihatid ang buhay sa isang sensual, direktang anyo, bilang salamin ng kanilang mga impression.

Ang terminong "impresyonismo" ay lumitaw sa magaan na kamay kritiko ng magazine na "Le Charivari" na si Louis Leroy, na pinamagatang ang kanyang feuilleton tungkol sa Salon of Rejects "Exhibition of the Impressionists", na ginagawang batayan ang pamagat ng pagpipinta na "Impression. The Rising Sun ni Claude Monet. Sa una, ang terminong ito ay medyo naninira at nagpapahiwatig ng kaukulang saloobin sa mga artista na nagpinta sa ganitong paraan.

Impresyonismo (disambiguation)

Impresyonismo

• Impresyonismo- direksyon sa sining.
• Ang impresyonismo ay isang kilusang musikal.
• Ang impresyonismo ay isang kilusan sa sinehan.
• Ang impresyonismo ay isang istilong pampanitikan.

Impresyonismo (musika)

Impresyonismo sa musika- isang kilusang musikal na katulad ng impresyonismo sa pagpipinta at kahanay ng simbolismo sa panitikan, na binuo sa France noong huling quarter ng ika-19 na siglo - simula ng ika-20 siglo, pangunahin sa mga gawa nina Erik Satie, Claude Debussy at Maurice Ravel.

Ang panimulang punto ng "impressionism" sa musika ay maaaring isaalang-alang noong 1886-1887, nang ang unang impresyonistikong mga gawa ni Erik Satie ay nai-publish sa Paris - at bilang isang resulta, makalipas ang limang taon, ang mga unang gawa ni Claude Debussy sa bagong istilo ay nakatanggap ng resonance sa propesyonal na kapaligiran (una sa lahat, " Pahinga sa hapon faun").

Impresyonismo (panitikan)

Impresyonismo sa panitikan- isa sa mga istilong pampanitikan na lumaganap sa buong mundo sa pagtatapos ng ika-19 at simula ng ika-20 siglo, batay sa mga asosasyon.

Lumitaw sa ilalim ng impluwensya ng wikang European ng parehong pangalan artistikong istilo. Ito ay binuo sa maraming mga bansa sa Europa, kabilang ang Russia.

Sa panitikan, ang istilong ito ay hindi nabuo bilang isang hiwalay na direksyon, at ang mga tampok nito ay makikita sa naturalismo at simbolismo. Ang mga pangunahing tampok ng istilo ng impresyonista ay binuo ng magkapatid na Goncourt sa kanilang gawaing "Diary", kung saan ang parirala: "Nakikita, nararamdaman, nagpapahayag - lahat ito ay sining", ay naging isang sentral na posisyon para sa maraming manunulat.

Ang impresyonismo ay ipinahayag sa mga nobela ni Emile Zola. Ang mga kinatawan din ng impresyonismo sa panitikan ay sina Thomas Mann, Oscar Wilde, Stefan Zweig. Ang isang halimbawa ng poetic impressionism ay ang koleksyon ni Paul Verlaine na "Romances without Words" (1874). Sa Russia, sina Konstantin Balmont at Innokenty Annensky ay nakaranas ng impluwensya ng impresyonismo.

Ang mood ng impresyonismo ay nakaapekto rin sa dramaturgy (impressionist drama), kung saan ang passive perception ng mundo, pagsusuri ng moods, mental states invaded plays, at scattered impressions ay puro sa mga diyalogo. Ang mga tampok na ito ay makikita sa mga gawa ni Arthur Schnitzler, Maurice Maeterlinck, at Hugo von Hofmannstl.

Ang impresyonismo sa panitikan sa partikular, at sa sining sa pangkalahatan, ay nawala ang kahalagahan nito noong kalagitnaan ng 1920s.

Impresyonismo (sine)

Impresyonismo sa sinehan- kasalukuyang nasa sinehan.

Ang sinehan, bilang isang visual art, tulad ng pagpipinta, ay naging continuator ng mga tradisyon Mga artistang Pranses-Mga impresyonista sa simula ng ika-20 siglo. Lumitaw ito sa ilalim ng impluwensya ng estilo ng pagpipinta ng parehong pangalan at binuo din pangunahin sa France.

Ang terminong "impresyonismo ng pelikula" ay likha ni Henri Langlois, isang mahilig sa pelikulang Pranses, at aktibong ginamit ng film theorist na si Georges Sadoul. Ang direktor at aktor ng Pransya na si Abel Gance ay itinuturing na kinatawan ng impresyonismo ng pelikula. Ang isang photogenic na pananaw ng katotohanan at isang visual na pagmuni-muni ng mga sikolohikal na emosyon ang naging programmatic na konsepto ng bagong kilusan, na binuo ni Louis Delluc. Ang aktres na si Eva Francis, asawa ni Delluc, ay gumanap sa maraming mga pelikulang Impresyonista, kabilang ang "Fever" (1921) at "The Woman from Nowhere" (1922) ni Delluc at "Eldorado" (1921) ni L'Herbier.

Naniniwala ang mga impresyonista ng pelikula na dapat makipag-usap ang sinehan sa manonood sa sarili nitong wika, gamit lamang ang sarili nitong hanay ng mga paraan ng pagpapahayag. Gumawa sila ng makabuluhang kontribusyon sa teorya at aesthetics ng sinehan. Noong unang bahagi ng 1920s, lumitaw ang mga artikulo sa mga peryodiko at mga libro tungkol sa mga detalye ng impresyonismo ng pelikula, ang komposisyon ng imahe ng pelikula sa loob nito, at ritmo sa sinehan.

Mga halimbawa ng paggamit ng salitang impresyonismo sa panitikan.

Ang hilig sa pagkuha ng litrato, siyempre, ay likas sa mga Hapon bago pa ang pag-imbento ng Daguerre - espirituwal impresyonismo, ang pagnanais na makuha ang sandali.

Ang musikang ito ay ang nakababatang kapatid na babae ng makatang simbolismo nina Verlaine at Laforgue at impresyonismo sa pagpipinta.

Sa mga hakbang na nagpalitan sila ng mga opinyon, ang mga masasamang salita ay sumikat: impresyonismo, post impresyonismo at maging simbolismo.

Ito ang pagsalungat ng isang camera obscura, gumagana ayon sa mga batas ng Cartesian ng linear na pananaw, impresyonismo sa pagkalat nito ng layer ng kulay sa ibabaw, ito ay lubhang makabuluhan.

Ang Alemanya, na nagbigay sa mundo ng Dürer at Cranach, ay hindi nakagawa ng isang natatanging master sa larangan ng modernong sining, bagaman ang ekspresyonismo ng Aleman sa pagpipinta at ang Munich urban school sa arkitektura ay kawili-wili at orihinal na mga uso, at ang mga artistang Aleman ay sumasalamin sa kanilang gumana ang lahat ng mga ebolusyon at up, na karaniwan para sa impresyonismo, Kubismo at Dadaismo.

Itong pampulitika impresyonismo, natural, ay hindi gumagawa ng karangalan sa pagsalungat sa analytical na mga isip.

Estilo ng tanawin impresyonismo ay binubuo sa pagtanggi sa panlabas na anyo ng mga tunay na bagay at pagpaparami ng mga ito panloob na anyo- polychrome mass.

Bagama't tama si Ravel na tinatawag na isang impresyonistang kompositor, gayunpaman katangian ng karakter impresyonismo ipinamalas lamang ang sarili nito sa ilan sa kanyang mga gawa, habang sa iba, ang klasikal na kalinawan at proporsyonalidad ng mga istruktura, kadalisayan ng istilo, kalinawan ng mga linya at alahas sa pagtatapos ng mga detalye ay nananaig.

Kasunod nito, inatake ng kompositor ang mga epigone impresyonismo, na pinag-iiba ang malabo at pagiging sopistikado nito sa kalinawan, pagiging simple, at higpit ng linear na pagsulat.

Ngunit hindi lamang ito ang nag-uugnay sa kompositor ng Poland sa Pranses impresyonismo: ang mga taon ng Unang Digmaang Pandaigdig ay bumalik sa pagbuo ng bagong istilo ni Szymanowski, isang mas modernong harmonic na wika na hindi na akma sa balangkas ng klasikal-romantikong pagkakatugma.

Maraming bagay si Debussy sa kaakit-akit impresyonismo: self-sufficient na kagandahan ng mailap, tuluy-tuloy na gumagalaw na mga sandali, pagmamahal sa tanawin, mahangin na kaba sa kalawakan.

Ito ay hindi nagkataon na si Debussy ay itinuturing na pangunahing kinatawan impresyonismo sa musika.