В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь кдостижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски - круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры иформы.

Главное достижение русского Просвещения - расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму .

Новые формы великосветского быта-гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балыи «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы- способствовали широкому развитию инструментальной музыки . По указу Петрав каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором . Примеру двора следовала петербургская и московская знать, котораязаводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах . Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр , созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта .

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,преимущественно итальянцев, среди которыхкомпозиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза . Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria , называлась «Цефал и Прокрис» .

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами» , поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» - за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар-тесному концерту приходит новое художественное явление - ду-ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции - от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.

Русский духовный хоровой концерт

В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец - полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).

Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.

В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.

Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала - церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.

Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso , то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения.В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.

Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

Максим Созонтович Березовский(1745-1777)

М. С. Березовский - выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему , однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открываетновый этап - эпоху русского классицизма.

Имя Березовского называется в числе родоначальниковклассического хорового концерта a cap р ella : его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.

Вершиной творческих исканий М.С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости» . Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.

И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему ( I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами ( II часть - «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема - молитва надежды («Боже мой, не удалися» - III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.

Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут...», которая является вершиной в развитии всего цикла.

Дмитрий Степанович Бортнянский (1751-1825)

Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро - медленно - быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.

Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).

Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера - Концерт № 32 , отмеченный П.И. Чайковским как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой... Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим...». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть - короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Сборники русских песен

Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.

Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова и Ивана Прача («Собрание народных русских песен с их голосами»).

В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику(«О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.

Песни из этих сборников использовались как любителями музы-ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво-их произведений - опер, инструментальных вариаций, сим-фонических увертюр.

К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова» . О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно .

Русская национальная композиторская школа

С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы . Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, гдерасцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе - основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О.А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.

Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды . Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).

По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни - поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.

Русская комическая опера

Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.

Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.

Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях . Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник - колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского . Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).

Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров - Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же - Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.

Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыгралВасилий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) -один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.

Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчествеЕвстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе» .(1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова - И. Прача.

В другом своем сочинении - мелодраме «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) - Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.

В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.

Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).

Бытовая вокальная лирика

Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора - городской песни .Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту - новойманере исполнения: ее мелодия сопро-вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин-струмента.

В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки - «российская песня» . Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты . Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.

Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II , образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов , автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759).По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.

Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).

В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра - Федор Дубянский и Осип Козловский . Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз-витую фортепианную партию, более сложную форму,можно считать первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).

В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма . Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».

Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).

Камерно-инструментальная музыка

В 70-80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.

Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.

Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы - ме-нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы - и вариа-ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы - композитор, выдающийся скрипач-виртуоз, дирижер и педагог.Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.

В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом.С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим.

Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.

Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.

Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочиненийкомпозитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалосьврукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.

Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками. капелле, ввоенных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.

Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчиваетсявеселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.

На почтовой станции - подставе -собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг - вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.

Мелодрама - театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.

В конце XVII века началась эпоха Просвещения, которая охватила все последующее XVIII столетие. Ключевыми особенностями этого времени стали свободомыслие и рационализм. Сложилась культура эпохи Просвещения, которая подарила миру

Философия

Вся культура эпохи Просвещения основывалась на новых философских идеях, сформулированных мыслителями того времени. Главными властителями дум были Джон Локк, Вольтер, Монтескье, Руссо, Гете, Кант и некоторые другие. Именно они определили духовный облик XVIII столетия (который также называют Веком разума).

Адепты Просвещения верили в несколько ключевых идей. Одна из них заключается в том, что все люди по природе своей равны, у каждого человека есть свои интересы и потребности. Для их удовлетворения необходимо создать комфортное для всех общежитие. Личность не появляется на свет сама по себе - она формируется со временем в силу того, что у людей есть физическая и духовная сила, а также разум. Равенство должно в первую очередь заключаться в равенстве всех перед законом.

Культура эпохи Просвещения - это культура доступных для всех знаний. Ведущие мыслители считали, что только с помощью распространения образования можно покончить с социальными неурядицами. Это и есть рационализм - признание разума основой поведения и познания людей.

В эпоху Просвещения продолжились споры о религии. Нарастало отмежевание общества от косной и консервативной церкви (в первую очередь католической). Среди образованных верующих людей распространилось представление о боге, как о некоем абсолютном механике, внесшем порядок в изначально существовавший мир. Благодаря многочисленным научным открытиям распространилась точка зрения, что человечество может раскрыть все тайны мироздания, а загадки и чудеса остались в прошлом.

Направления искусства

Помимо философии, существовала и художественная культура эпохи Просвещения. В это время искусство Старого Света включало в себя два основных направления. Первым был классицизм. Он воплотился в литературе, музыке, изобразительном искусстве. Это направление подразумевало следованию античным римским и греческим принципам. Подобное искусство отличалось симметрией, рациональностью, целенаправленностью и строгим соответствием форме.

В рамках романтизма художественная культура эпохи Просвещения отвечала на другие запросы: эмоциональность, воображение, творческую импровизацию художника. Нередко бывало и такое, что в одном произведении эти два противоположных подхода комбинировались. Например, форма могла соответствовать классицизму, а содержание - романтизму.

Появлялись и экспериментальные стили. Важным явлением стал сентиментализм. У него не было своей стилистической формы, однако именно с помощью него были отражены тогдашние представления о человеческой доброте и чистоте, которая дается людям от природы. Русская художественная культура в эпоху Просвещения, так же, как и европейская, имела собственные яркие произведения, принадлежавшие к течению сентиментализма. Такой стала повесть Николая Карамзина «Бедная Лиза».

Культ природы

Именно сентименталисты создали характерный для эпохи Просвещения культ природы. Мыслители XVIII века искали в ней образец того прекрасного и доброго, к чему должно было стремиться человечество. Воплощением лучшего мира оказались активно появлявшиеся в то время в Европе парки и сады. Они создавались в качестве совершенной среды для совершенных людей. В их композицию включались картинные галереи, библиотеки, музеи, храмы, театры.

Просветители верили, что новый «естественный человек» должен вернуться к своему естественному состоянию - то есть природе. Согласно этой идее русская художественная культура в эпоху Просвещения (а точнее, архитектура) подарила современникам Петергоф. Над его сооружением работали знаменитые зодчие Леблон, Земцов, Усов, Кваренги. Благодаря их усилиям на берегу Финского залива появился уникальный ансамбль, включавший неповторимый парк, великолепные дворцы и фонтаны.

Живопись

В живописи художественная культура Европы эпохи Просвещения развивалась в направлении большей светскости. Религиозное начало сдавало позиции даже в тех странах, где прежде оно чувствовало себя достаточно уверенно: Австрии, Италии, Германии. Пейзажную живопись заменил пейзаж настроения, а интимный портрет пришел на смену парадному портрету.

В первой половине XVIII столетия французская культура эпохи Просвещения породила стиль рококо. Подобное искусство строилось на асимметрии, было насмешливым, игривым и вычурным. Любимыми персонажами художников данного направления являлись вакханки, нимфы, Венера, Диана и другие фигуры античной мифологии, а главными сюжетами - любовные.

Яркий пример французского рококо - творчество Франсуа Буше, которого также называли «первым художником короля». Он рисовал театральные декорации, иллюстрации для книг, картины для богатых домов и дворцов. Самые знаменитые его полотна: «Туалет Венеры», «Триумф Венеры» и т. д.

Антуан Ватто, напротив, больше обращался к современной жизни. Под его влиянием сложился стиль крупнейшего английского портретиста Томаса Гейнсборо. Его образы отличались одухотворенностью, душевной утонченностью и поэтичностью.

Главным итальянским живописцем XVIII века был Джованни Тьеполо. Этот мастер гравюр и фресок считается искусствоведами последним великим представителем венецианской школы. В столице знаменитой торговой республики также возникла ведута - повседневный городской пейзаж. Самыми прославленными творцами в этом жанре стали Франческо Гварди и Антонио Каналетто. Эти деятели культуры эпохи Просвещения оставили после себя огромное количество впечатляющих картин.

Театр

XVIII столетие - золотой век театра. В эпоху Просвещения этот вид искусства достиг вершины своей популярности и распространенности. В Англии крупнейшим драматургом был Ричард Шеридан. Самые известные его произведения «Поездка в Скарборо», «Школа злословия» и «Соперники» высмеивали безнравственность буржуазии.

Динамичнее всего театральная культура Европы эпохи Просвещения развивалась в Венеции, где работало сразу 7 театров. Традиционный ежегодный городской карнавал привлекал туда гостей со всего Старого Света. В Венеции творил автор знаменитой «Трактирщины» Карло Гольдони. Этого драматурга, написавшего в сумме 267 произведений, уважал и ценил Вольтер.

Самой известной комедией XVIII века стала «Женитьба Фигаро», написанная великим французом Бомарше. В этой пьесе нашли воплощение настроения общества, негативно относившегося к абсолютной монархии Бурбонов. Через несколько лет после публикации и первых постановок комедии во Франции произошла революция, свергнувшая старый режим.

Европейская культура эпохи Просвещения не была однородной. В некоторых странах в искусстве возникали свои национальные особенности. Например, немецкие драматурги (Шиллер, Гете, Лессинг) свои самые выдающиеся произведения написали в жанре трагедии. При этом театр Просвещения в Германии появился на несколько десятилетий позже, чем во Франции или Англии.

Иоганн Гете был не только замечательным поэтом и драматургом. Неспроста его называют «универсальным гением» - знатоком и теоретиком искусства, ученым, романистом и специалистом во многих других областях. Его ключевые произведения - трагедия «Фауст» и пьеса «Эгмонт». Другой выдающийся деятель немецкого Просвещения, не только написал «Коварство и любовь» и «Разбойников», но также оставил после себя научные и исторические сочинения.

Художественная литература

Главным литературным жанром XVIII века стал роман. Именно благодаря новым книгам наступило торжество буржуазной культуры, сменившей прежнюю феодальную старую идеологию. Активно издавались произведения не только художественных литераторов, но также социологов, философов, экономистов.

Роман, как жанр, вырос из просветительской публицистики. С помощью него мыслители XVIII века нашли новую форму для выражения своих социальных и философских идей. Написавший «Путешествие Гулливера» Джонатан Свифт вложил в свое произведение множество аллюзий на пороки современного ему общества. Его перу также принадлежала «Сказка о бабочке». В этом памфлете Свифт высмеивал тогдашние церковные порядки и распри.

Развитие культуры в эпоху Просвещения можно проследить по появлению новых литературных жанров. В это время возник эпистолярный роман (роман в письмах). Таким было, к примеру, сентиментальное произведение Иоганна Гете «Страдания юного Вертера», в котором главный герой покончил жизнь самоубийством, а также «Персидские письма» Монтескье. Появились документальные романы в жанре путевых заметок или описаний путешествий («Путешествия по Франции и Италии» Тобайаса Смоллетта).

В литературе культура эпохи Просвещения в России следовала заветам классицизма. В XVIII веке творили поэты Александр Сумароков, Василий Тредиаковский, Антиох Кантемир. Появились первые ростки сентиментализма (уже упомянутый Карамзин с «Бедной Лизой» и «Натальей, боярской дочерью»). Культура эпохи Просвещения в России создала все предпосылки для того, чтобы уже в начале нового XIX столетия отечественная литература, ведомая Пушкиным, Лермонтовым и Гоголем, пережила свой золотой век.

Музыка

Именно в эпоху Просвещения сложился современный музыкальный язык. Его основоположником считается Иоганн Бах. Этот великий композитор писал произведения во всех жанрах (исключением была опера). Бах и сегодня считается непревзойденным мастером полифонии. Другой немецкий композитор Георг Гендель написал 40 с лишним опер, а также многочисленные сонаты и сюиты. Вдохновение он, как и Бах, черпал в библейских сюжетах (характерны названия произведений: «Израиль в Египте», «Саул», «Мессия»).

Другое важнейшее музыкальное явление того времени - венская школа. Произведения ее представителей продолжают исполняться академическими оркестрами и сегодня, благодаря чему современные люди могут прикоснуться к наследию, которое оставила культура эпохи просвещения. 18 век ассоциируется с именами таких гениев, как Вольфганг Моцарт, Йозеф Гайдн, Людвиг Ван Бетховен. Именно эти венские композиторы переосмыслили прежние музыкальные формы и жанры.

Гайдн считается отцом классической симфонии (он написал их более ста). Многие из этих произведений основывались на народных танцах и песнях. Вершиной творчества Гайдна является цикл Лондонских симфоний, написанных им во время поездок в Англию. Культура Просвещения и любого другого периода человеческой истории редко порождала столь плодовитых мастеров. Помимо симфоний, Гайдну принадлежит 83 квартета, 13 месс, 20 опер и 52 клавирных сонат.

Моцарт не только писал музыку. Он непревзойденно играл на клавесине и скрипке, освоив эти инструмент в самом раннем детстве. Его оперы и концерты отличаются самым разным настроением (от поэтической лирики до веселья). Главными произведениями Моцарта считаются три его симфонии, написанные в одним тот же 1788 год (номер 39, 40, 41).

Другой великий классик Бетховен увлекался героическими сюжетами, что отразилось на увертюрах «Эгмонт», «Кориолан» и опере «Фиделио». Как исполнитель, он поражал современников игрой на фортепьяно. Для этого инструмента Бетховеном были написаны 32 сонаты. Большую часть своих произведений композитор создал в Вене. Также ему принадлежат 10 сонат для скрипки и фортепьяно (наибольшую известность получила «Крейцерова» соната).

Бетховен пережил серьезный вызванный потерей им слуха. Композитор склонялся к самоубийству и в отчаянии написал свою легендарную «Лунную» сонату. Однако даже страшный недуг не сломил воли художника. Поборов собственную апатию, Бетховен написал еще множество симфонических произведений.

Английское Просвещение

Англия была родиной европейского Просвещения. В этой стране раньше других, еще в XVII веке, произошла буржуазная революция, что дало толчок культурному развитию. Англия стала наглядным примером общественного прогресса. Философ Джон Локк был одним из первых и главных теоретиков либеральной идеи. Под влиянием его сочинений был написан важнейший политический документ эпохи Просвещения - американская Декларация независимости. Локк считал, что человеческое знание определяется чувственным восприятием и опытом, чем опровергал прежде популярную философию Декарта.

Другим важным британским мыслителем XVIII столетия был Дэвид Юм. Этот философ, экономист, историк, дипломат и публицист обновил науку о нравственности. Его современник Адам Смит стал основоположником современной экономической теории. Культура эпохи просвещения, кратко говоря, предварила многие современные концепции и идеи. Творчество Смита было именно таким. Он первым приравнял важность рынка к важности государства.

Мыслители Франции

Французские философы XVIII века творили в условиях оппозиционности существовавшему тогда общественному и политическому строю. Руссо, Дидро, Монтескье - все они протестовали против отечественных порядков. Критика могла принимать самые разные формы: атеизм, идеализацию прошлого (восхвалялись республиканские традиции античности) и т. д.

Уникальным явлением культуры Просвещения стала 35-томная «Энциклопедия». Ее составляли главные мыслители «Века разума». Вдохновителем и главным редактором этого эпохального издания был Свой вклад в отдельные тома внесли Жюльен Ламетри, Клод Гельвеций и другие выдающиеся интеллектуалы XVIII столетия.

Монтескье остро критиковал произвол и деспотизм властей. Сегодня его справедливо считают основоположником буржуазного либерализма. Вольтер стал примером выдающегося остроумия и таланта. Он был автором сатирических поэм, философских романов, политических трактатов. Дважды мыслитель попадал в тюрьму, еще больше раз ему приходилось скрываться в бегах. Именно Вольтер создал моду на вольнодумство и скептицизм.

Немецкое Просвещение

Немецкая культура XVIII века существовала в условиях политической раздробленности страны. Передовые умы выступали за отказ от феодальных пережитков и национальное единство. В отличие от французских философов немецкие мыслители осторожно относились к вопросам, связанными с церковью.

Как и русская культура эпохи Просвещения, прусская культура формировалась при непосредственном участии самодержавного монарха (в России это была Екатерина II, в Пруссии - Фридрих Великий). Глава государства всячески поддерживал передовые идеалы своего времени, хотя и не отказывался от своей ничем не ограниченной власти. Подобный строй получил название «просвещенного абсолютизма».

Главным Просветителем Германии XVIII века был Иммануил Кант. В 1781 году он издал фундаментальный труд «Критика чистого разума». Философ разработал новую теорию познания, изучил возможности человеческого интеллекта. Именно он обосновал методы борьбы и правовые формы изменения общественного и государственного строя, исключающие грубое насилие. Кант внес весомый вклад в создание теории о правовом государстве.

Развитие философии, науки, изобразительного искусства, литературы. Французские энциклопедисты Ж.Ж. Руссо и Д. Дидро – выдающиеся представители просветительского движения. Эстетические воззрения энциклопедистов.

Переход от полифонического искусства к гомофонно-гармоническому складу письма в музыке.

Оперное искусство. Кризис итальянской оперы-сериа и французской лирической трагедии, сказавшийся на драматургии, сценическом воплощении спектакля, практике вокального исполнительства. Жанр оперы-буффа. Ее тематика, образы, связь с народной музыкой. Джованни Перголези (1710-1736) и его опера «Служанка-госпожа» – классический образец нового жанра. Особенности развития действия и музыкальной композиции, принципы тематического развития. Основные вокальные формы, роль оркестра.

Французская комическая опера . Народные ярмарочные представления и водевиль как ее истоки. Сюжеты опер. Французская песня как основа интонационного содержания. Куплетно-строфическое строение арий, жанрово-изобразительное использование оркестра. «Война буффонов». Опера «Деревенский колдун» Жан Жака Руссо (1712-1778), утверждение нового мелодического склада. Оперы Ф. Филидора, П. Монсиньи. Опера Андре Гретри (1741-1813) «Ричард Львиное сердце» – жанрово-бытовая опера лирического направления.

Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787). Значение искусства К.В. Глюка в истории развития оперы. Творческий путь. Первые новаторские музыкальные драмы – «Орфей» и «Альцеста». Борьба «глюкистов» и «пиччинистов». Эстетические взгляды К.В. Глюка. Принципы оперной драматургии. Интонационное обновление и драматизация вокальных партий. Роль хора, балета, оркестра. Историческое значение оперного творчества К.В. Глюка для дальнейшего развития музыкального театра.

Инструментальная музыка XVIII века. Формирование в условиях различных национальных культур сонатно-симфонических и концертных жанров. Разработка принципов сонатного развития в инструментализме XVIII века. Формирование классического состава симфонического оркестра. Значение в развитии инструментальной музыки XVIIIвека симфонической школы, созданной чешскими композиторами. Франтишек Вацлав Мича (1694-1744) – создатель одной из первых симфоний. Представители Мангеймской школы: Ян Стамиц (1717-1757), Франтишек Рихтер (1709-1789). Антон Фильц (1730-1760). Характерные музыкальные образы, особенности тематики, принципов развития и формы. Новаторство динамической манеры музыкального исполнения. Влияние школы Я. Стамица на творчество И.К. Баха, В.А. Моцарта и других композиторов.

Музыкальный классицизм и основные этапы его развития

Классицизм (от лат. сlassicus - образцовый) – стиль в искусстве XVII – XVIII вв. Название «классицизм» происходит от обращения к классической древности как высшей норме эстетического совершенства. Свой эстетический идеал представители классицизма черпали в образцах античного искусства. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в наличии порядка и гармонии в природе и внутреннем мире человека. Эстетика классицизма содержит сумму обязательных строгих правил, которым должно отвечать художественное произведение. Важнейшие из них – требование равновесия красоты и истины, логической ясности, стройности и законченности композиции, строгих пропорций, чёткого разграничения жанров.

В развитии классицизма отмечают 2 этапа:

Классицизм XVII века, развивавшийся отчасти в борьбе с искусством барокко, отчасти во взаимодействии с ним.

Просветительский классицизм XVIII века.

Классицизм XVII века – во многом антитеза барокко. Наиболее законченное выражение получает во Франции. Это была эпоха расцвета абсолютной монархии, оказавшей высочайшее покровительство придворному искусству и требовавшей от него пышности и великолепия. Вершиной французского классицизма в области театрального искусства стали трагедии Корнеля и Расина, а также комедии Мольера, на чьё творчество опирался Люлли. Его «лирические трагедии» несут на себе печать воздействия классицизма (строгая логичность построения, героика, выдержанный характер), хотя им присущи и черты барокко – пышность его опер, обилие танцев, шествий, хоров.

Классицизм XVIII века совпал с эпохой Просвещения. Просвещение – широкое движение в философии, литературе, искусстве, охватившее все европейские страны. Название «Просвещение» объясняется тем, что философы этой эпохи (Вольтер, Дидро, Руссо) стремились просвещать своих сограждан, пытались решать вопросы устройства человеческого общества, природы человека, его прав. Просветители исходили из представления о всемогуществе человеческого разума. Вера в человека, в его разум определяет светлый, оптимистичный настрой, присущий воззрениям деятелей Просвещения.

В центре музыкально-эстетических споров – опера. Французские энциклопедисты считали её жанром, в котором должно быть восстановлен синтез искусств, существовавший в античном театре. Эта мысль легла в основу оперной реформы К.В. Глюка.

Великим завоеванием просветительского классицизма является создание жанра симфонии (сонатно-симфонического цикла) и сонатной формы, что связывается с творчеством композиторов мангеймской школы. Мангеймская школа, сложилась в г. Мангейме (Германия) в середине XVIII века на основе придворной капеллы, в которой работали главным образом чешские музыканты (крупнейший представитель – чех Ян Стамиц). В творчестве композиторов мангеймской школы утвердились 4-хчастная структура симфонии и классический состав оркестра.

Мангеймская школа стала предшественницей венской классической школы – музыкальное направление, обозначающее творчество Гайдна, Моцарта, Бетховена. В творчестве венских классиков окончательно сформировались сонатно-симфонический цикл, который стал классическим, а также жанры камерного ансамбля и концерта.

Среди инструментальных жанров особой популярностью пользовались различные виды бытовой развлекательной музыки – серенады, дивертисменты, звучавшие на открытом воздухе в вечернее время. Дивертисмент (франц. развлечение) – инструментальные многочастные произведения для камерного ансамбля или оркестра, соединяющие в себе черты сонаты и сюиты и близкие серенаде, ноктюрну.

К. В. Глюк – великий реформатор оперного театра

Кристоф Виллибальд Глюк (1714 - 1787) – немец по происхождению (родился в г. Эрасбахе (Бавария, Германия)), тем не менее, является одним из выдающихся представителей венской классической школы.

Реформаторская деятельность Глюка протекала в Вене и Париже и осуществлялась в русле эстетики классицизма. Всего Глюк написал около 40 опер – итальянских и французских, buffa и seria, традиционных и новаторских. Именно благодаря последним он обеспечил себе видное место в истории музыки.

Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к партитуре оперы «Альцеста». Они сводятся к следующему:

Музыка должна выражать поэтический текст оперы, она не может существовать сама по себе, вне драматического действия. Таким образом, Глюк существенно повышает роль литературно-драматической основы оперы, подчиняя музыку драме.

Опера должна оказывать нравственное воздействие на человека, отсюда – обращение к античным сюжетам с их высоким пафосом и благородством («Орфей и Эвридика», «Парис и Елена», «Ифигения в Авлиде»). Г. Берлиоз назвал Глюка «Эсхилом музыки».

Опера должна соответствовать «трём великим принципам прекрасного во всех видах искусства» - «простоте, правде и естественности». Необходимо избавить оперу от излишней виртуозности и вокальной орнаментики (присущей итальянской опере), запутанных сюжетов.

Не должно быть резкого контраста между арией и речитативом. Глюк заменяет речитатив secco аккомпанированным, в результате чего он приближается к арии (в традиционной опере-seria речитативы служили лишь связкой между концертными номерами).

Глюк по-новому трактует и арии: он вносит черты импровизационной свободы, развитие музыкального материала связывает с изменением психологического состояния героя. Арии, речитативы и хоры объединяются в большие драматические сцены.

Увертюра должна предвосхищать содержание оперы, вводить слушателей в её атмосферу.

Балет не должен быть вставным номером, не связанным с действием оперы. Его введение должно обуславливаться ходом драматического действия.

Большая часть этих принципов воплотилась в опере «Орфей и Эвридика» (премьера в 1762). Эта опера знаменует начало нового этапа не только в творчестве Глюка, но и в истории всей европейской оперы. За «Орфеем» последовала другая его новаторская опера – «Альцеста» (1767).

В Париже Глюк написал другие реформаторские оперы: «Ифигения в Авлиде» (1774), «Армида» (1777), «Ифигения в Тавриде» (1779). Постановка каждой из них превращалась в грандиозное событие в жизни Парижа, вызывая бурную полемику между «глюкистами» и «пиччинистами» - сторонниками традиционной итальянской оперы, которую олицетворял неаполитанский композитор Николо Пиччини (1728 - 1800). Победа Глюка в этой полемике была ознаменована триумфом его оперы «Ифигения в Тавриде».

Таким образом, Глюк превратил оперу в искусство высоких просветительских идеалов, насытил его глубоким нравственным содержанием, раскрыл на сцене подлинные человеческие чувства. Оперная реформа Глюка оказала плодотворное влияние как на его современников, так и на последующие поколения композиторов (особенно на венских классиков).

Эпоха Просвещения

Эпоха Просвещения - одна из ключевых эпох в истории европейской культуры, связанная с развитием научной, философской и общественной мысли. В основе этого интеллектуального движения лежали рационализм и свободомыслие. Начавшись в Англии, это движение распространилось на Францию, Германию, Россию и охватило другие страны Европы. Особенно влиятельными были французские просветители, ставшие «властителями дум».

Музыкальное искусство можно поставить наравне с театром и литературным искусством. На темы сочинений великих писателей, драматургов писались оперы и другие музыкальные произведения.

Во второй половине 18 века сложилось искусство венской классической школы музыки, сыгравшие решающую роль во всей последующей европейской музыкальной культуре.

Развитие музыкального искусства, прежде всего, связано с именами таких великих композиторов, как И.С. Бах, Г.Ф. Гендель, Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л В. Бетховен.

Франц Йозеф Гайдн

Франц Йозеф Гайдн (31 марта 1732 - 31 мая 1809) - австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Создатель мелодии, впоследствии лёгшей в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии.

Юность. Йозеф Гайдн (именем Франц сам композитор не называл себя никогда) родился 31 марта 1732 года в имении графов Гаррахов - нижнеавстрийском селе Рорау, недалеко от границы с Венгрией, в семье Маттиаса Гайдна (1699-1763). Родители, серьёзно увлекавшиеся вокалом и любительским музицированием, обнаружили в мальчике музыкальные способности и в 1737 годуотправили его к родственникам в город Хайнбург-на-Дунае, где Йозеф стал учиться хоровому пению и музыке. В 1740 году Йозефа заметил Георг фон Рейттер, директор капеллы венского собора св. Стефана. Ройттер взял талантливого мальчика в капеллу, и тот в течение девяти лет пел в хоре (в том числе несколько лет - вместе со своими младшими братьями).

Пение в хоре было для Гайдна хорошей, но единственной школой. По мере развития его способностей ему стали поручать трудные сольные партии. Вместе с хором Гайдн часто выступал на городских празднествах, свадьбах, похоронах, принимал участие в придворных торжествах.

В 1749 году у Йозефа стал ломаться голос, и его выгнали из хора. Последующий десятилетний период был для него весьма трудным. Йозеф брался за разную работу, в том числе был слугой итальянского композитора Никола Порпоры, у которого он также брал уроки композиции. Гайдн старался восполнять пробелы в своём музыкальном образовании, усердно занимаясь изучением творений Эммануила Баха и теорией композиции. Написанные им в это время сонаты для клавесина были изданы и обратили на себя внимание. Первыми крупными его сочинениями были две мессы brevis, F-dur и G-dur, написанные Гайдном в 1749 году ещё до ухода его из капеллы собора св. Стефана; опера «Хромой бес» (не сохранилась); около десятка квартетов (1755), первая симфония (1759).

В 1759 году композитор получил должность капельмейстера при дворе графа Карла фон Морцина, где под началом Гайдна оказался небольшой оркестр, для которого композитор сочинил свои первые симфонии. Однако вскоре фон Морцин начал испытывать финансовые трудности и прекратил деятельность своего музыкального проекта.

В 1760 году Гайдн женился на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чём композитор весьма сожалел.

Служба у Эстергази. В 1761 году в жизни Гайдна произошло судьбоносное событие - он стал вторым капельмейстером при дворе князей Эстергази, одной из самых влиятельных и могущественных аристократических семей Австрии. В обязанности капельмейстера входило сочинение музыки, руководство оркестром, камерное музицирование перед патроном и постановка опер.

За почти тридцатилетнюю карьеру при дворе Эстергази композитор сочинил большое количество произведений, его известность растёт. В 1781 году во время пребывания в Вене Гайдн познакомился и подружился с Моцартом. Он давал уроки музыки Сигизмунду фон Нейкому, который в дальнейшем стал его близким другом.

11 февраля 1785 года Гайдн был посвящён в масонскую ложу «К Истинной Гармонии» («Zur wahren Eintracht»). Моцарт не смог присутствовать на посвящении, так как был на концерте своего отца Леопольда.

На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и других) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе» - в творчестве Гайдна, Моцарта и Бетховена. Вместо полифонической фактуры большое значение приобрела гомофонно-гармоническая фактура, но при этом в крупные инструментальные произведения зачастую включались полифонические эпизоды, динамизирующие музыкальную ткань.

Снова свободный музыкант. В 1790 году умер князь Николай Эстергази (англ.)русск., а его сын и преемник, князь Антон (англ.) русск., не будучи любителем музыки, распустил оркестр. В 1791 году Гайдн получил контракт на работу в Англии. Впоследствии он много работал в Австрии и Великобритании. Две поездки в Лондон, где он для концертов Соломона написал свои лучшие симфонии, ещё более упрочили славу Гайдна.

Проезжая через Бонн в 1792 году, он познакомился с молодым Бетховеном и взял его в ученики.

Затем Гайдн поселился в Вене, где и написал свои две знаменитые оратории: «Сотворение мира» (1799) и «Времена года» (1801).

Гайдн пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, но не во всех жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой.

В области инструментальной музыки он по справедливости считается одним из крупнейших композиторов второй половины XVIII и начала XIX веков.

Величие Гайдна как композитора максимально проявилось в двух итоговых его сочинениях: больших ораториях - «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). Оратория «Времена года» может служить образцовым эталоном музыкального классицизма. Под конец жизни Гайдн пользовался громадной популярностью.

Работа над ораториями подорвала силы композитора. Последними его произведениями стали «Harmoniemesse» (1802) и неоконченный струнный квартет op. 103 (1802). Последние наброски относятся к 1806 году, после этой даты Гайдн уже не писал ничего. Скончался композитор в Вене 31 мая 1809 года.

Творческое наследие композитора включает 104 симфонии, 83 квартета, 52 фортепианные сонаты, оратории («Сотворение мира» и «Времена года»), 14 месс, 24 оперы.

Список сочинений:

Камерная музыка:

• § 12 сонат для скрипки и фортепиано (в том числе соната ми минор, соната Ре мажор)
• § 83 струнных квартета для двух скрипок, альта и виолончели
• § 7 дуэтов для скрипки и альта
• § 40 трио для фортепиано, скрипки (или флейты) и виолончели
• § 21 трио для 2 скрипок и виолончели
• § 126 трио для баритона, альта (скрипки) и виолончели
• § 11 трио для смешанных духовых и струнных инструментов
• 35 концертов для одного или нескольких инструментов с оркестром, в том числе:
  • § четыре концерта для скрипки с оркестром
  • § два концерта для виолончели с оркестром
  • § два концерта для валторны с оркестром
  • § 11 концертов для фортепиано с оркестром
  • § 6 органных концертов
  • § 5 концертов для двухколёсных лир
  • § 4 концерта для баритона с оркестром
  • § концерт для контрабаса с оркестром
  • § концерт для флейты с оркестром
  • § концерт для трубы с оркестром
  • § 13 дивертисментов с клавиром

Всего 24 оперы, в том числе:

• § «Хромой бес» (Der krumme Teufel), 1751 г.
• § «Истинное постоянство»
• § «Орфей и Эвридика, или Душа философа», 1791 г.
• § «Асмодей, или Новый хромой бес»
• § «Аптекарь»
• § «Ацис и Галатея», 1762 г.
• § «Необитаемый остров» (L"lsola disabitata)
• § «Армида», 1783 г.
• § «Рыбачки» (Le Pescatrici), 1769 г.
• § «Обманутая неверность» (L"Infedelta delusa)
• § «Непредвиденная встреча» (L"Incontro improviso), 1775 г.
• § «Лунный мир» (II Mondo della luna), 1777 г.
• § «Истинное постоянство» (La Vera costanza), 1776 г.
• § «Вознагражденная верность» (La Fedelta premiata)
• § «Роланд-паладин» (Orlando Раladino), героико-комическая опера на сюжет поэмы Ариосто «Неистовый Роланд»
• 14 ораторий, в том числе:
  • § «Сотворение мира»
  • § «Времена года»
  • § «Семь слов Спасителя на кресте»
  • § «Возвращение Товия»
  • § Аллегорическая кантата-оратория «Рукоплескания»
  • § ораториальный гимн Stabat Mater
• 14 месс, среди которых:
  • § малая месса (Missa brevis, F-dur, около 1750 г.)
  • § большая органная месса Es-dur (1766 г.)
  • § месса в честь св. Николая (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772 г.)
  • § месса св. Цецилии (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, между 1769 и 1773 гг.)
  • § малая органная месса (В-dur, 1778 г.)
  • § Мариацелльская месса (Mariazellermesse, C-dur, 1782 г.)
  • § месса с литаврами, или Месса времён войны (Paukenmesse, C-dur, 1796 г.)
  • § месса Heiligmesse (B-dur, 1796 г.)
  • § Нельсон-месса (Nelson-Messe, d-moll, 1798 г.)
  • § месса Тереза (Theresienmesse, B-dur, 1799 г.)
  • § месса с темой из оратории «Сотворение мира» (Schopfungsmesse, B-dur, 1801 г.)
  • § месса с духовыми инструментами (Harmoniemesse, B-dur, 1802 г.)

Всего 104 симфонии, в том числе:

• § «Прощальная симфония»
• § «Оксфордская симфония»
• § «Траурная симфония»
• § 6 Парижских симфоний (1785-1786 гг.)
• § 12 Лондонских симфоний (1791-1792 гг., 1794-1795 гг.), в том числе симфония № 103 «С тремоло литавр»
• § 66 дивертисментов и кассаций

Произведения для фортепиано:

• § Фантазии, вариации
• § 52 сонаты для фортепиано