Ang gawain ng mga masters na nagtrabaho sa Venice, isa sa pinakamahalagang sentro ng intelektwal at artistikong buhay sa Italya noong ika-16 na siglo, ay nakakuha ng isang ganap na espesyal na kulay. Dito, sa oras na ito, isang napaka-natatangi at mataas na kultura ng arkitektura ay nabuo, na hindi maihihiwalay na nauugnay sa kasaysayan ng lungsod, ang mga detalye ng pagtatayo nito at ang mga kakaibang buhay ng Venetian.

Venice humanga ang maraming bisita at dayuhan sa lawak ng internasyonal na koneksyon, ang malaking bilang ng mga barkong nakaangkla sa Laguna at sa mga pier sa gitna ng lungsod, mga kakaibang kalakal sa promenade dei Schiavoni at higit pa, sa shopping center ng Venice (malapit sa ang Rialto Bridge). Ako ay namangha sa karilagan ng mga kasiyahan sa simbahan at mga seremonyang sibil, na naging kamangha-manghang mga parada ng hukbong-dagat.

Ang malayang hangin ng Renaissance at humanismo ay hindi napigilan sa Venice ng rehimen ng Kontra-Repormasyon. Sa buong ika-16 na siglo. dito napanatili ang kalayaan sa relihiyon, ang agham ay umunlad nang higit pa o hindi gaanong malaya at lumawak ang paglilimbag.

Pagkatapos ng 1527, nang umalis sa Roma ang maraming humanista at artista, naging kanlungan nila ang Venice. Dumating dito sina Aretino, Sansovino, Serlio. Tulad ng sa Roma, at bago iyon sa Florence, Urbino, Mantua at iba pa, ang pagtangkilik sa sining at pagkahilig sa pagkolekta ng mga manuskrito, aklat, at mga gawa ng sining ay lalong umuunlad dito. Ang Venetian nobility ay nakipagkumpitensya upang palamutihan ang lungsod ng magagandang pampublikong gusali at pribadong palasyo, pininturahan at pinalamutian ng eskultura. Ang pangkalahatang pagkahilig para sa agham ay ipinahayag sa paglalathala ng mga siyentipikong treatise, halimbawa, ang gawain sa inilapat na matematika ni Luca Pacioli "Sa Banal na Proporsyon", na inilathala noong 1509. Ang iba't ibang mga genre ay umunlad sa panitikan - mula sa epistolary hanggang sa dramatiko.

Naabot ang kahanga-hangang taas noong ika-16 na siglo. Pagpipinta ng Venice. Dito lumitaw ang sining ng kulay sa mga multi-figure na komposisyon ng Carpaccio (1480-1520), isa sa mga unang tunay na pintor ng landscape, at sa magarang maligaya na mga pagpipinta ng Veronese (1528-1588). Isang hindi mauubos na kaban ng mga larawan ng tao ang nilikha ng makinang na Titian (1477-1576); Nakamit ni Tintoretto (1518-1594) ang mataas na drama.

Hindi gaanong makabuluhan ang mga pagbabagong naganap sa arkitektura ng Venetian. Sa panahon na sinusuri, ang sistema ng masining at nagpapahayag na paraan na binuo sa Tuscany at Roma ay inangkop sa mga lokal na pangangailangan, at ang mga lokal na tradisyon ay pinagsama sa monumentalidad ng Roma. Ito ay kung paano nabuo ang isang ganap na natatanging bersyon sa Venice klasikong istilo Renaissance. Ang katangian ng istilong ito ay natukoy, sa isang banda, sa pamamagitan ng katatagan ng mga tradisyong Byzantine, Oriental at Gothic, na orihinal na muling ginawa at matatag na pinagtibay ng konserbatibong Venice, at sa kabilang banda, sa pamamagitan ng mga natatanging katangian ng tanawin ng Venetian.

Ang eksklusibong lokasyon ng Venice sa mga isla sa gitna ng lagoon, ang masikip na mga gusali, lamang sa mga lugar na nagambala ng maliliit na mga parisukat, ang kaguluhan ng network ng mga kanal at makitid, kung minsan ay mas mababa sa isang metro ang lapad, mga kalye, na konektado ng maraming tulay, ang primacy ng mga daluyan ng tubig at gondola bilang pangunahing paraan ng transportasyon - ito ang pinaka katangian ng karakter ang natatanging lungsod na ito, kung saan kahit na ang isang maliit na parisukat ay nakuha ang kahulugan ng isang bukas na bulwagan (Larawan 23).

Ang hitsura nito, na nakaligtas hanggang ngayon, ay nabuo sa wakas noong ika-16 na siglo, nang ang Grand Canal - ang pangunahing arterya ng tubig - ay pinalamutian ng maraming maringal na mga palasyo, at ang pag-unlad ng pangunahing pampubliko at mga shopping center ng lungsod. ay sa wakas ay natukoy.

Si Sansovino, na naunawaan nang tama ang kahalagahan ng pagpaplano ng lunsod ng Piazza San Marco, ay binuksan ito sa isang kanal at isang lagoon, sa paghahanap ng mga kinakailangang paraan upang maipahayag sa arkitektura ang pinakadiwa ng lungsod bilang kabisera ng isang malakas na kapangyarihang maritime. Sina Palladio at Longhena, na nagtrabaho pagkatapos ng Sansovino, ay nakumpleto ang pagbuo ng urban silhouette, na naglalagay ng ilang simbahan sa mga mapagpasyang punto ng pagpaplano ng lungsod (ang monasteryo ng San Giorgio Maggiore, ang mga simbahan ng Il Redentore at Santa Maria della Salute. Ang karamihan ng ang pag-unlad ng lunsod, na siyang backdrop para sa maraming natatanging istruktura, na naglalaman ng mga pinaka-paulit-ulit na tampok na kakaiba at napakataas kulturang arkitektura Venice (Larawan 24, 25, 26).

Fig.24. Venice. Ross Embankment House; sa kanan - isa sa mga channel
Fig.25. Venice. Onyi Santi Channel; sa kanan ay ang palazzetto sa Solda court
Fig.26. Venice. Mga gusali ng tirahan noong ika-16 na siglo.: 1 - bahay sa Calle dei Furlani; 2 - bahay sa Salidada dei Greci; 3 - bahay sa Ross embankment; 4 - mga bahay sa Campo Santa Marina; 5 - bahay sa San Giuseppe embankment; 6 - palazzetto sa Solda court; 7 - palazzetto sa Calle del Olio

Sa ordinaryong pagtatayo ng pabahay sa Venice noong ika-16 na siglo. Karaniwan, ang mga uri na binuo ay ang mga nabuo noong nakaraang siglo o mas maaga pa. Para sa pinakamahihirap na bahagi ng populasyon, ang mga complex ng mga multi-section na gusali ay patuloy na itinayo, na matatagpuan parallel sa mga gilid ng isang makitid na patyo, na naglalaman ng magkakahiwalay na mga silid at apartment para sa mga pamilya ng pinakamababang empleyado ng republika (bahay sa Campo Santa Marina ;tingnan ang Fig. 26.4); nagtayo sila ng dalawang-at multi-section na bahay na may mga apartment sa isa o dalawang palapag bawat isa, na may mga independiyenteng pasukan at hagdanan; mga bahay ng mas mayayamang developer na may dalawang apartment, na matatagpuan sa itaas ng isa at nakahiwalay ayon sa parehong prinsipyo (bahay sa Calle dei Furlani, tingnan ang Fig. 26.1); ang mga tirahan ng mga mangangalakal, na papalapit na sa plano ng mga palasyo ng maharlikang Venetian, ngunit sa mga tuntunin ng kalikasan at sukat ng arkitektura ay nanatili pa rin sa loob ng hanay ng mga ordinaryong gusali.

Noong ika-16 na siglo, lumilitaw na ang mga diskarte sa pagpaplano, nakabubuo na mga diskarte, at ang komposisyon ng harapan ng mga gusali ay nabuo sa wakas. Hinubog nila ang hitsura ng arkitektura ng mga ordinaryong gusali ng tirahan sa Venice, na nananatili hanggang ngayon.

Mga tampok na katangian ng mga bahay noong ika-16 na siglo. Una sa lahat, nagkaroon ng pagtaas sa bilang ng mga palapag mula dalawa o tatlo hanggang tatlo o apat na palapag at pagpapalawak ng mga gusali; Kaya, ang lapad ng mga limos noong ika-12 at ika-13 siglo. katumbas, bilang panuntunan, sa lalim ng isang silid; noong ika-15 siglo Ang mga gusali ng tirahan ay karaniwang mayroon nang dalawang hanay ng mga silid, ngunit ngayon ito ay naging panuntunan, at sa ilang mga kaso kahit na ang buong mga apartment ay nakatuon sa isang gilid ng harapan (kumplikado sa Campo Santa Marina). Ang mga pangyayaring ito, pati na rin ang pagnanais para sa mahalagang paghihiwalay ng bawat apartment, ay humantong sa pagbuo ng isang napaka sopistikadong layout ng mga seksyon.

Ang mga hindi kilalang tagabuo ay nagpakita ng mahusay na katalinuhan, nag-aayos ng mga magaan na patyo, gumagawa ng mga pasukan sa una at itaas na palapag mula sa iba't ibang panig ng gusali, na nagsusulat ng mga hagdanan na humahantong sa iba't ibang mga apartment nang paisa-isa (tulad ng makikita sa ilang mga guhit ni Leonardo da Vinci) , na sumusuporta sa mga indibidwal na paglipad ng mga hagdan sa double longitudinal wall ng gusali. Mula noong ika-16 na siglo sa pagtatayo ng tirahan, tulad ng sa mga palasyo, minsan ay matatagpuan ang mga spiral staircases; ang pinakatanyag na halimbawa ay ang panlabas, naka-arcade na baluktot na hagdanan sa Palazzo Contarini-Minelli (XV-XVI siglo).

Sa mga naka-block na bahay, isang floor-by-floor na istraktura ng vestibule (ang tinatawag na "aule") ay ipinakilala, na nagsisilbi sa dalawa o tatlong silid o apartment - isang tampok na dati nang laganap sa mas mayayamang indibidwal na mga bahay o sa mga palasyo ng maharlika. Ang tampok na pagpaplano na ito ay naging pangkaraniwan sa susunod na siglo sa mga gusali ng tirahan para sa mahihirap, na may isang compact na plano na may mga apartment at silid na nakapangkat sa paligid ng isang nakapaloob na may ilaw na patyo.

Sa mga siglo XV-XVI. Ang mga anyo at pamamaraan ng teknolohiya ng konstruksiyon ay naging matatag din. Para sa water-saturated Venetian soils pinakamahalaga nagkaroon ng pagbawas sa bigat ng gusali. Ang mga kahoy na pile ay nagsilbing pundasyon sa loob ng mahabang panahon, ngunit kung ang mga naunang maikling pile (mga isang metro ang haba) ay ginamit, na nagsilbi lamang upang siksikin ang lupa, at hindi upang ilipat ang presyon ng gusali sa pinagbabatayan na mas siksik na mga layer, pagkatapos ay mula sa ika-16 na siglo. Nagsimula silang magmaneho ng totoong mahabang tambak (9 piraso bawat 1 m2). Ang isang grillage na gawa sa oak o larch ay inilagay sa ibabaw ng mga ito, kung saan ang isang pundasyon ng bato ay inilatag na may mortar ng semento. Ang mga pader na nagdadala ng pagkarga ay ginawang 2-3 brick ang kapal.

Ang mga kisame ay kahoy, dahil ang mga vault, na may malaking timbang, ay nangangailangan ng mas malalaking pader ng pagmamason na makatiis sa tulak. Ang mga beam ay madalas na inilatag (ang distansya sa pagitan ng mga ito ay isa at kalahati hanggang dalawang beses ang lapad ng beam) at kadalasang iniiwan na walang linya. Ngunit sa mas mayayamang mga bahay, palasyo at pampublikong gusali sila ay natatabingan, pininturahan at pinalamutian ng mga inukit na kahoy at stucco. Ang mga sahig na gawa sa mga tile ng bato o mga brick na inilatag sa isang plastic layer ay nagbigay ng istraktura na may ilang kakayahang umangkop at ang kakayahang makatiis sa hindi pantay na pag-aayos ng mga dingding. Ang mga span ng lugar ay tinutukoy ng haba ng imported na troso (4.8-7.2 m), na kadalasang hindi pinuputol. Ang mga bubong ay ginawang pitched, na may baldosa na bubong sa mga kahoy na rafters, kung minsan ay may stone drain sa gilid.

Bagaman ang mga bahay, bilang panuntunan, ay hindi pinainit, ang isang fireplace ay naka-install sa mga kusina at sa pangunahing sala o bulwagan. Ang mga bahay ay may sistema ng alkantarilya, kahit na isang primitive na isa - ang mga palikuran ay ginawa sa kusina, sa mga niches sa itaas ng mga risers na may mga channel na itinayo sa dingding. Sa high tides, ang mga butas ng labasan ay napupuno ng tubig, at kapag low tides ay dinadala nito ang dumi sa lagoon. Ang isang katulad na pamamaraan ay natagpuan sa iba pang mga lungsod ng Italya (halimbawa, Milan).

Fig.27. Venice. Mga balon. Sa looban ng Volto Santo, siglo XV; sa looban ng simbahan ng San Giovanni Crisostomo; plano at seksyon ng isang bakuran na may balon (diagram ng isang kagamitan sa pagkolekta ng tubig)

Ang supply ng tubig sa Venice ay matagal na (mula noong ika-12 siglo) ay sumasakop sa mga awtoridad ng lungsod, dahil kahit na ang mga malalim na aquifer ay nagbibigay ng maalat na tubig, na angkop lamang para sa mga pangangailangan sa tahanan. Ang mga balon ng pag-inom, ang pangunahing pinagmumulan ng suplay ng tubig, ay napuno ng pag-ulan, ang koleksyon nito mula sa mga bubong ng mga gusali at mula sa ibabaw ng mga patyo ay nangangailangan ng napaka-kumplikadong mga aparato (Larawan 27). Ang tubig-ulan ay nakolekta mula sa buong ibabaw ng sementadong patyo, na may mga dalisdis patungo sa apat na butas. Sa pamamagitan ng mga ito ay tumagos ito sa mga kakaibang gallery-caissons, na nahuhulog sa isang layer ng buhangin, na nagsisilbing filter, at dumaloy sa ilalim ng isang malawak na reservoir ng luad na naka-embed sa lupa (ang hugis at sukat nito ay nakasalalay sa hugis at sukat ng bakuran). Ang mga balon ay karaniwang ginagawa ng mga awtoridad ng lungsod o mga kilalang mamamayan. Ang mga batong iginuhit ng tubig, marmol o kahit na mga tansong mangkok ng mga balon, na natatakpan ng mga ukit at pinalamutian ng eskudo ng arm ng donor, ay mga tunay na gawa ng sining (isang balon na tanso sa looban ng Palasyo ng Doge).

Ang mga facade ng mga ordinaryong gusali ng tirahan sa Venice ay malinaw na katibayan na ang mataas na aesthetic at artistikong katangian ng isang istraktura ay maaaring makamit sa pamamagitan ng mahusay na paggamit ng elementarya, functionally o structurally kinakailangan na mga form, nang walang pagpapakilala ng mga kumplikadong karagdagang detalye at paggamit ng mga mamahaling materyales. Ang mga pader ng ladrilyo ng mga bahay ay minsan ay nakaplaster at pininturahan ng kulay abo o pula. Laban sa background na ito, nakatayo ang mga puting kuwadrong bato ng mga pinto at bintana. Ang marble cladding ay ginamit lamang sa mga bahay ng mas mayayamang tao at sa mga palasyo.

Ang artistikong pagpapahayag ng mga facade ay tinutukoy ng workshop, kung minsan sa pamamagitan ng mahusay na pagpapangkat ng mga pagbubukas ng bintana at mga tsimenea at balkonahe na nakausli mula sa facade plane (ang huli ay lumitaw noong ika-15 siglo lamang sa mas mayayamang mga tirahan). Kadalasan mayroong isang palapag na kahalili ng mga bintana at mga partisyon - ang kanilang lokasyon ay hindi kasama ang parehong patayo (tulad ng, halimbawa, ang mga dulo ng harapan ng mga bahay sa Campo Santa Marina o ang harapan ng isang bahay sa San Giuseppe embankment, tingnan ang Fig. 26). Ang mga pangunahing sala at mga karaniwang lugar (aule) ay nakikilala sa harapan ng doble at triple arched openings. Ang magkakaibang pagsalungat ng mga pagbubukas at dingding ay isang pamamaraan na tradisyonal para sa arkitektura ng Venetian; nakatanggap ito ng napakagandang pag-unlad sa mas mayayamang bahay at palasyo.

Ang karaniwang pagtatayo ng pabahay noong ika-16 na siglo, tulad ng noong ika-15 siglo, ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tindahan, na kung minsan ay sinasakop ang lahat ng mga silid sa unang palapag sa bahay na nakaharap sa kalye. Ang bawat tindahan o pagawaan ng craftsman ay may independiyenteng pasukan na may isang eskaparate na natatakpan ng isang kahoy na architrave sa mga payat na parisukat na haligi na ginupit mula sa isang piraso ng bato.

Sa kaibahan sa mga tindahan, ang mga gallery ay naka-install sa ground floor ng mga row house lamang kung walang ibang pagkakataon na makadaan sa kahabaan ng bahay. Ngunit sila ay isang natatanging katangian ng mga pampublikong gusali at ensemble - ang mga arched gallery ay naroroon sa lahat ng mga gusali ng central Venetian ensemble: sa Doge's Palace, ang Sansovino Library, ang Old and New Procuracies; sa komersyal na lugar ng Fabbrique Nuove malapit sa Rialto, sa Palazzo de Dieci Savi. Sa mas mayayamang bahay, ang mga terrace na gawa sa kahoy na nakataas sa itaas ng mga bubong, na tinatawag (tulad ng sa Roma) na mga altan, ay karaniwan, na halos hindi nakaligtas, ngunit kilala mula sa mga pagpipinta at mga guhit.

Residential complex sa Campo Santa Marina(Larawan 26.4), na binubuo ng dalawang apat na palapag, magkatulad na mga gusali, na konektado sa dulo ng isang pandekorasyon na arko, ay maaaring magsilbi bilang isang halimbawa ng pagtatayo para sa mahihirap. Ang gitna ng bawat tipikal na seksyon dito ay isang bulwagan na paulit-ulit sa mga palapag, sa paligid kung saan ang mga lugar ng tirahan ay pinagsama-sama, na nilayon sa ikatlo at ikaapat na palapag para sa bawat silid na tirahan. Ang mga lugar sa ikalawang palapag ay maaaring ihiwalay sa isang hiwalay na apartment salamat sa pagtatayo ng magkahiwalay na pasukan at hagdanan. Ang unang palapag ay inookupahan ng mga tindahan.

Bahay sa Calle dei Furlani(Larawan 26.1) ay isang halimbawa ng medyo mayamang tirahan. Tulad ng sa maraming iba pang mga Venetian na bahay, na matatagpuan sa isang makitid, pinahabang plot, ang mga pangunahing silid ng ikalawa at ikatlong palapag ay sumasakop sa buong lapad ng gusali sa kahabaan ng harapan. Dalawang nakahiwalay na apartment ang bawat isa ay matatagpuan sa dalawang palapag. Nagsimula ang hagdanan patungo sa pangalawang apartment sa isang maliit na patyo na may liwanag.

Bahay sa seafront ng San Giuseppe(Larawan 26.5) ay ganap na pagmamay-ari ng isang may-ari. Dalawang tindahan ang inuupahan. Sa gitnang bahagi ng bahay ay may isang vestibule na may hagdanan, sa mga gilid kung saan ang mga natitirang silid ay pinagsama-sama.

Palazzetto sa Court Solda(Larawan 26.5; tiyak na may petsang 1560) ay kabilang sa mangangalakal na si Aleviz Solta, na nakatira dito kasama ang isang pamilya na may 20 katao. Ang gusaling ito, na may gitnang bulwagan na naka-highlight sa harapan ng isang grupo ng mga naka-arko na bintana, ay lumalapit sa uri ng palasyo, bagaman ang lahat ng mga silid sa loob nito ay maliit at inilaan para sa pabahay, at hindi para sa mga pagdiriwang at kahanga-hangang mga seremonya. Ang mga facade ng gusali ay katamtaman.

Ang mga tampok na binuo sa ordinaryong pagtatayo ng pabahay sa Venice ay katangian din ng mga palasyo ng maharlika. Ang patyo ay hindi ang sentro ng komposisyon sa kanila, ngunit itinulak sa kailaliman ng site. Sa mga ceremonial room sa ikalawang palapag, namumukod-tangi ang aule. Ang lahat ng paraan ng pagpapahayag ng arkitektura ay puro sa pangunahing harapan, na nakatuon sa kanal; ang mga gilid at likurang harapan ay naiwang hindi organisado at kadalasang hindi natapos.

Dapat pansinin ang liwanag ng istruktura arkitektura ng palasyo, isang medyo malaking lugar ng mga pagbubukas at ang kanilang lokasyon na tiyak sa Venice (isang pangkat ng mga mayaman na naprosesong openings sa kahabaan ng axis ng facade at dalawang simetriko na bintana - mga accent - kasama ang mga gilid ng facade plane).

Isang bagong kilusan na tumagos sa arkitektura ng Venice sa pagtatapos ng ika-15 siglo, na nakatanggap ng isang malinaw na lokal na lasa dito sa gawain ni Pietro Lombardo at ng kanyang mga anak at Antonio Rizzo, na nagsagawa ng iba't ibang mga gawa sa Doge's Palace at sa Piazza San Marco, sa mga unang dekada ng ika-16 na siglo. patuloy na umuunlad. Ang kanilang kontemporaryo ay nagtrabaho sa parehong espiritu Spavento at mga panginoon ng nakababatang henerasyon - Bartolomeo Bon the Younger , Scarpagnino at iba pa.

Bartolomeo Bon the Younger(namatay noong 1525), na humalili kay Pietro Lombardo bilang punong arkitekto ng Palasyo ng Doge, kasabay nito ay ipinagpatuloy ang pagtatayo ng Old Procuration sa Piazza San Marco, itinatag ang Scuola ng San Rocco at sinimulan ang pagtatayo ng Palazzo dei Camerlenghi sa Tulay ng Rialto. Pareho sa mga ito, tulad ng marami sa kanyang iba pang mga gusali, ay kalaunan ay natapos ni Scarpagnino (namatay noong 1549).

Palazzo dei Camerlenghi(Larawan 28) - ang upuan ng mga maniningil ng buwis ng Venetian - sa kabila ng panlabas na pagkakahawig nito sa mga palasyo ng maharlikang Venetian, naiiba ito sa layout at oryentasyon ng pangunahing harapan, na hindi nakaharap sa Grand Canal, ngunit sa Rialto Bridge. Tiniyak ng lokasyon ng palazzo ang koneksyon nito sa mga nakapaligid na komersyal na gusali. Ang mga silid ay pinagsama-samang simetriko sa mga gilid ng koridor, sa kahabaan ng buong gusali. Gothic sa istraktura, ang mga facade, ganap na pinutol sa ikalawa at ikatlong palapag sa pamamagitan ng doble at triple arched na mga bintana, gayunpaman, salamat sa mga dibisyon ng pagkakasunud-sunod, nakuha ang isang puro Renaissance orderliness (tingnan ang Fig. 39).

Scuola di San Rocco(1517-1549) ay isang tipikal na halimbawa ng isang gusali na may malinaw na klasikal na kaayusan ng istraktura ng harapan, na sinamahan ng mga rich marble inlay na tradisyonal para sa Venice. Sa hitsura nito, gayunpaman, salamat sa pag-loosening ng mga entablature at ang pagpapakilala ng mga pediment na nagsasama ng magkapares na arched openings, ang mga tampok na katangian ng arkitektura ng susunod na panahon ay lumitaw, kung saan ang mga interior ng dalawang malalaking bulwagan na pininturahan ni Tintoretto ay nabibilang (Fig. 29).

Si Scarpagnino, kasama ang Spavento (d. 1509), ay muling itinayo ang malaking gusali ng bodega ng mga mangangalakal na Aleman na Fondaccodei Tedeschi (1505-1508) - isang multi-story carre na may maluwag na patyo at isang loggia-pier na tinatanaw ang isang malaking kanal (Giorgione at Titian pinalamutian ang mga dingding sa labas ng gusali ng mga fresco, gayunpaman hindi sila nakaligtas). Ang parehong dalawang master na ito ay nagtayo ng tinatawag na Fabbrique Vecchie - mga gusali para sa mga tanggapan ng kalakalan, na nilagyan ng mga tindahan at arcade sa mga ground floor (tingnan ang Fig. 39, 41).

Sa arkitektura ng relihiyon noong unang bahagi ng ika-16 na siglo. dapat markahan Simbahan ng San Salvador, na itinatag ni Giorgio Spavento, na kumukumpleto sa isang mahalagang linya sa pagbuo ng uri ng basilica ng templo. Sa lahat ng tatlong naves nito (kung saan ang gitna ay dalawang beses ang lapad kaysa sa mga side naves), isang sunud-sunod na paghahalili ng mga square plan cell na natatakpan ng hemispherical domes at mga makitid na plan cell na natatakpan ng kalahating bilog na vault ay isinagawa, sa gayon ay nakakamit ang higit na kalinawan ng spatial na istraktura, kung saan, gayunpaman, ang sentro ay hindi gaanong binibigkas (tingnan ang Fig. Fig. 58).

Ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng arkitektura ng Renaissance sa Venice ay nagsimula sa pagdating ng mga Romanong panginoon. Ang mga ito ay pangunahin Sebastiano Serlio , arkitekto at teorista.

Serlio(ipinanganak 1475 sa Bologna, namatay 1555 sa Fontainebleau sa France) nanirahan sa Roma hanggang 1527, kung saan nagtrabaho siya sa Peruzzi. Mula doon ay lumipat siya sa Venice. Dito siya sumangguni sa disenyo ng simbahan ng San Francesco della Vigna (1533), gumawa ng mga guhit para sa kisame ng simbahan ng aklatan ng San Marco (1538) at mga guhit ng isang entablado para sa teatro sa bahay ni Colleoni Porto sa Vicenza (1539), pati na rin ang isang modelo para sa muling pagtatayo ng basilica .

Nang pumasok sa serbisyo ng haring Pranses na si Francis I, si Serlio noong 1541 ay hinirang na punong arkitekto ng palasyo sa Fontainebleau. Ang kanyang pinakamahalagang gusali sa France ay ang kastilyo d'Ancy-le-Franc.

Si Serlio ay kilala pangunahin para sa kanyang mga teoretikal na gawa. Ang kanyang treatise sa arkitektura ay nagsimulang mailathala sa magkahiwalay na mga libro noong 1537.

Malaki ang naitulong ng mga aktibidad ni Serlio sa muling pagbuhay sa interes ng lipunang Venetian sa teorya ng arkitektura, lalo na sa mga problema ng pagkakaisa at proporsyon, na pinatunayan ng talakayan at isang uri ng kompetisyon na ginanap noong 1533 na may kaugnayan sa disenyo ng simbahan ng San Francesco della Vigna, na nagsimula ayon sa mga plano ni Sansovino (tingnan ang Fig. 58). Ang harapan ng simbahan, kung saan ang isang malaking pagkakasunud-sunod ng gitnang bahagi ay pinagsama sa isang maliit na pagkakasunud-sunod na naaayon sa mga gilid na bahagi, ay nakumpleto lamang noong 1568-1572. ayon sa disenyo ni Palladio.

Kinilala si Serlio sa Venice na may pagkumpleto lamang ng mga palasyo ng Cen, ngunit ang maraming mga plano at harapan ng mga gusali na inilalarawan sa kanyang treatise, kung saan ginamit niya ang legacy ng Peruzzi, ay nagkaroon ng malaking impluwensya hindi lamang sa kanyang mga kontemporaryo, kundi pati na rin sa marami. mga sumunod na henerasyon ng mga arkitekto sa Italya at sa ibang mga bansa.

Ang pinakamahalagang master na nagpasiya sa pag-unlad ng arkitektura ng Venetian noong ika-16 na siglo ay Jacopo Sansovino , isang estudyante ng Bramante na nanirahan sa Venice pagkatapos ng sako ng Roma.

Jacopo Tatti(1486-1570), na nagpatibay ng palayaw Sansovino, ipinanganak sa Florence at namatay sa Venice. Ang unang kalahati ng kanyang buhay ay ginugol sa Roma (1503-1510 at 1518-1527) at Florence (1510-1517), kung saan siya nagtrabaho pangunahin bilang isang iskultor.

Noong 1520, nakibahagi siya sa isang kumpetisyon sa disenyo ng simbahan ng San Giovanni dei Fiorentini. Noong 1527, lumipat si Sansovino sa Venice, kung saan noong 1529 siya ay naging pinuno ng Procurators ng San Marco, iyon ay, ang pinuno ng lahat ng gawaing pagtatayo ng Republika ng Venetian.

Ang kanyang pinakamahalagang gawaing arkitektura sa Venice ay kinabibilangan ng: pagpapanumbalik ng mga domes ng San Marco Cathedral; pagtatayo ng scuola della Misericordia (1532-1545); pagtatayo ng pampublikong sentro ng lungsod - Piazza San Marco at Piazzetta, kung saan natapos niya ang Old Procuration at itinayo ang Aklatan (1537-1554, natapos ni Scamozzi) at Loggetta (mula 1537); pagtatayo ng mint - Dzekka (mula noong 1537); palamuti ng Golden Staircase sa Doge's Palace (1554); Palazzo Corner della Ca Grande (mula 1532); mga proyekto ng mga palasyo ng Grimani at Dolphin Manin; pagkumpleto ng komersyal na sentro ng lungsod sa pagtatayo ng Fabbrique Nuove at ang Rialto market (1552-1555); pagtatayo ng mga simbahan ng San Fantino (1549-1564), San Maurizio at iba pa.

Si Sansovino ang gumawa ng mga mapagpasyang hakbang tungo sa paglalapat ng istilong "klasikal" na itinatag sa Roma sa mga tradisyong arkitektura ng Venice.

Palazzo Corner della Ca Grande(Larawan 30) ay isang halimbawa ng pagproseso ng komposisyon na uri ng mga palasyo ng Florentine at Roman alinsunod sa mga kinakailangan at panlasa ng Venetian.

Hindi tulad ng karamihan sa mga palasyo ng Venetian, na itinayo sa maliliit na plots, posible na magtayo ng isang malaking patyo sa Palazzo Corner. Gayunpaman, kung sa mga palasyo ng Florentine noong ika-15 siglo. at Romano ika-16 na siglo. Ang mga tirahan ay static na matatagpuan sa paligid ng patyo, na naging sentro ng saradong buhay ng isang mayamang naninirahan sa lungsod at ang pangunahing bahagi ng buong komposisyon, dito inaayos ni Sansovino ang lahat ng mga lugar alinsunod sa isa sa mahahalagang tungkulin aristokratikong buhay Venetian: kahanga-hangang kasiyahan at pagtanggap. Samakatuwid, ang isang pangkat ng mga silid ay taimtim na nagbubukas sa linya ng paggalaw ng mga bisita mula sa entrance loggia (pier) sa pamamagitan ng maluwag na lobby at hagdanan hanggang sa mga reception hall sa pangunahing (pangalawa, at sa katunayan pangatlo) palapag na may mga bintana sa harapan, papunta sa matubig na kalawakan ng kanal.

Ang una at intermediate (serbisyo) na mga sahig, na nakataas sa plinth, ay pinagsama ng malakas na rusticated masonry, na bumubuo sa mas mababang tier ng pangunahing at courtyard facades. Ang mga sumusunod na palapag (ang mga bulwagan ng pagtanggap sa mga ito ay tumutugma sa dalawang palapag ng mga lugar ng tirahan) ay ipinahayag sa pangunahing harapan ng dalawang tier ng tatlong-kapat na mga haligi ng Ionic at composite order. Ang rich plasticity, binibigyang-diin ang ritmo ng mga hanay na nakaayos sa mga pares at malalawak na arko na mga bintana na may mga balkonahe ay nagbibigay sa gusali ng pambihirang kariktan.

Ang pag-highlight ng central entrance loggia, ang pyramidal staircase na magiliw na bumababa sa tubig, ang ratio ng makitid na mga pier at widened openings - lahat ng ito ay tiyak sa arkitektura ng palasyo ng Venetian noong ika-16 na siglo.

Ang Sansovino ay hindi limitado sa mga palasyo. At kahit na ang kanyang katanyagan sa buhay ay higit na nauugnay sa iskultura (kung saan ang kanyang papel ay inihambing sa papel ni Titian sa pagpipinta), ang pangunahing tagumpay ni Sansovino ay ang pagkumpleto ng sentral na grupo ng lungsod (Larawan 31-33).

Ang muling pagtatayo ng teritoryo na katabi ng Palasyo ng Doge, sa pagitan ng Piazza San Marco at ng pier, ay nagsimula noong 1537 sa pagtatayo ng tatlong gusali nang sabay-sabay - ang Zecca, ang bagong Aklatan (sa site ng mga kamalig ng butil) at ang Loggetta ( sa lugar ng isang gusali na nawasak ng kidlat sa paanan ng campanile). Si Sansovino, na tama na tinasa ang mga posibilidad ng pagpapalawak at pagkumpleto ng Piazza San Marco, ay nagsimulang gibain ang magulong mga gusali na naghihiwalay dito mula sa lagoon, pagkatapos ay lumikha ng isang kaakit-akit Piazzetta.

Kaya, binuksan niya ang mahusay na mga pagkakataon para sa pag-aayos ng mga pagdiriwang at mga solemne na seremonya ng estado na minamahal ng mga Venetian, na nagpapatunay sa kapangyarihan ng Republika ng Venetian at naganap sa tubig, sa harap ng Palasyo ng Doge at sa katedral. Ang hilagang harapan ng Library ay paunang natukoy ang ikatlong bahagi at ang pangkalahatang hugis ng Piazza San Marco, pagkatapos ay natapos sa pamamagitan ng pagtatayo ng New Procurations at ang gusali sa kanlurang bahagi (1810). Ang mga flagpoles na itinayo noong 1505 ni A. Leopardi at marble paving ay isang mahalagang elemento ng engrandeng bukas na bulwagan na ito (haba 175 m, lapad 56-82 m), na naging sentro ng pampublikong buhay sa Venice at nakaharap sa hindi kapani-paniwalang mayaman na five-arched façade. ng katedral.

Fig.36. Venice. Aklatan ng San Marco. Mga guhit at dulong harapan, aklatan at Loggett. J. Sansovino

Aklatan ng San Marco(Larawan 35, 36), na nilayon para sa koleksyon ng mga aklat at manuskrito na naibigay sa Republika ng Venetian noong 1468 ni Cardinal Vissarion, ay isang mahabang (mga 80 m) na gusali na ganap na gawa sa puting marmol. Ito ay pinagkaitan ng sarili nitong compositional center. Ang facade nito ay isang two-tiered order arcade (na may tatlong-kapat na column ng Tuscan order sa ibaba at Ionic sa itaas), hindi pangkaraniwang mayaman sa plasticity at liwanag at lilim. Ang ibabang arcade ay bumubuo ng malalim na loggia, kalahating lapad ng gusali. Sa likod nito ay isang serye ng mga retail space at ang pasukan sa library, na minarkahan ng mga caryatid. Ang isang pormal na hagdanan sa gitna ng gusali ay humahantong sa ikalawang palapag, sa vestibule (na pinalamutian mamaya ng Scamozzi) at sa pamamagitan nito sa pangunahing bulwagan ng aklatan.

Sinubukan ni Sansovino na gumamit ng isang bagong disenyo ng isang suspendido na naka-vault na kisame sa bulwagan, na ginawa itong gawa sa laryo, ngunit ang vault at bahagi ng dingding ay gumuho (1545). Ang umiiral na elliptical vault, na pinalamutian ng mga painting nina Titian at Veronese, ay gawa sa stucco.

Ang mga arched openings ng ikalawang palapag, na pinaghihinalaang bilang isang buo bilang isang tuloy-tuloy na gallery, ay suportado ng double Ionic na mga haligi, na bumubuo ng plasticity ng facade sa lalim. Salamat dito, ang buong kapal ng pader ay nakikilahok sa paghubog ng panlabas na anyo ng istraktura. Ang isang mataas na triglyph frieze sa pagitan ng mga sahig at isang mas maunlad na frieze ng itaas na entablature na natatakpan ng mga relief, na nagtatago sa likod ng ikatlong palapag ng gusali na may mga utility room at nakoronahan ng isang rich cornice na may balustrade at mga eskultura, pinagsama ang magkabilang tier ng library sa isang kumpletong komposisyon, hindi maunahan sa maligaya na karilagan at solemnidad.

Sa paanan ng Campanile ng San Marco, ang master ay nagtayo ng isang pinalamutian na iskultura. Loggett, na nagkokonekta sa medieval tower sa mga susunod na gusali ng ensemble (nawasak ang Lodgetta sa panahon ng pagbagsak ng Campanile noong 1902; ang parehong mga gusali ay naibalik noong 1911). Sa panahon ng mga pampublikong seremonya at pagdiriwang, ang terrace ng Loggetta, na bahagyang nakataas sa antas ng parisukat, ay nagsilbing tribune para sa mga maharlikang Venetian. Matatagpuan sa junction ng Piazza San Marco at ng Piazzetta, ang maliit na gusaling ito na may puting marble facade na may mataas na attic, na natatakpan ng mga relief at nilagyan ng balustrade, ay bumubuo ng isang mahalagang elemento ng napakatalino na grupo ng Venetian center.

Matatagpuan sa likod ng library sa tabi ng dulong harapan nito, si Zecca ( mint) ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mas bawiin, halos mahigpit na hitsura. Ang core ng gusali ay ang patyo, na nagsisilbi sa ground floor bilang ang tanging paraan ng komunikasyon sa pagitan ng mga nakapalibot na silid, na sumasakop sa buong lalim ng mga gusali (Larawan 37). Ang gusali ay gawa sa kulay abong marmol. Ang plasticity ng mga pader ay kumplikado sa pamamagitan ng rustication at window casings, ang mga korona na kung saan ay mabigat at makipagtalo sa liwanag horizontality ng manipis architrave nakahiga sa itaas. Ang malakas na nakausli na cornice ng ikalawang palapag, tila, ay dapat na korona sa buong gusali (ang ikatlong palapag ay idinagdag sa ibang pagkakataon, ngunit sa panahon ng buhay ni Sansovino); ngayon ay inaalis nito ang integridad ng komposisyon ng façade, na labis na napuno ng mga detalye.

Kapansin-pansin ang kalayaan kung saan ang mga sahig ng Zecchi, na mas mababa kaysa sa mga palapag ng aklatan, ay magkadugtong sa huli, na binibigyang-diin ang pagkakaiba sa layunin at hitsura ng mga istruktura (tingnan ang Fig. 36).

Sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. Ang mga arkitekto na Rusconi, Antonio da Ponte, Scamozzi at Palladio ay nagtrabaho sa Venice.

Rusconi(c. 1520-1587) nagsimula noong 1563 ang pagtatayo ng isang bilangguan, inilagay sa dike ng dei Schiavoni at nahiwalay sa Palasyo ng Doge sa pamamagitan lamang ng makipot na kanal (Larawan 33, 38). Ang core ng gusali ay binubuo ng mga hilera ng nag-iisa na mga cell, tunay na mga bag na bato, na pinaghihiwalay mula sa mga panlabas na pader ng isang koridor na nag-iwan sa mga bilanggo na walang komunikasyon sa labas ng mundo. Ang mahigpit na harapan ng kulay abong marmol ay nakumpleto ni A. da Ponte pagkamatay ni Rusconi.

Antonio da Ponte (1512-1597) ang may pananagutan sa pagkumpleto ng sentro ng kalakalan ng Venice, kung saan itinayo niya ang batong Rialto Bridge (1588-1592), ang single-span arch na kung saan ay naka-frame sa pamamagitan ng dalawang hanay ng mga tindahan (Fig. 40).

Fig.38. Venice. Bilangguan, mula 1563 Rusconi, mula 1589 A. da Ponte. Plano, western facade at fragment ng southern one; Bridge of Sighs
	kanin. 43. Sabbioneta. Teatro at bulwagan ng bayan, 1588 Scamozzi

Vincenzo Scamozzi , ang may-akda ng mga teoretikal na treatise, kasabay nito ang huling pangunahing arkitekto ng Cinquecento sa Venice.

Vincenzo Scamozzi(1552-1616) - anak ng arkitekto na si Giovanni Scamozzi. Nagtayo siya ng maraming palasyo sa Vicenza, kabilang ang Porta (1592) at Trissino (1592); natapos niya ang pagtatayo ng Teatro Olimpico, Palladio (1585), atbp. Sa Venice, itinayo ni Scamozzi ang Bagong Procuration (nagsimula noong 1584), ang mga palasyo ng Konseho ng Lungsod (1558), Contarini (1606), atbp., Nakumpleto ang interior sa Doge's Palace (1586), mga disenyo para sa Rialto Bridge (1587). Nakumpleto niya ang pagtatayo at dekorasyon ng lugar ng Sansovino Library (1597), lumahok sa pagkumpleto ng harapan ng simbahan ng San Giorgio Maggiore (1601), atbp. Nagtayo siya ng mga villa ng Verlato malapit sa Vicenza (1574), Pisani malapit sa Lonigo (1576), Trevisan on Piave (1609), atbp. Ang kanyang mga aktibidad ay umabot din sa ibang mga lungsod sa Italya: Padua - ang simbahan ng San Gaetano (1586); Bergamo - Palazzo Publico (1611); Genoa - Ravaschieri Palace (1611); Sabbioneta - palasyo ng ducal, bulwagan ng bayan at teatro (1588; fig. 43).

Binisita din ni Scamozzi ang Hungary, Moravia, Silesia, Austria at iba pang mga bansa, dinisenyo ang mga palasyo sa Poland para sa Duke ng Sbaras (1604), ang katedral sa Salzburg sa Bohemia (1611), ang mga kuta ng Nancy sa France, atbp.

Nakibahagi si Scamozzi sa ilang mga gawa sa fortification at engineering (paglalagay ng pundasyon ng Palma fortress, 1593; disenyo ng tulay sa ibabaw ng Piave).

Ang resulta ng pag-aaral at sketch ng mga sinaunang monumento (paglalakbay sa Roma at Naples noong 1577-1581) ay inilathala ng Scamozzi noong 1581 sa aklat na "Mga Pag-uusap sa Mga Antiquities ng Romano."

Ang pagtatapos ng kanyang mga aktibidad ay ang teoretikal na treatise " Pangkalahatang konsepto arkitektura", na inilathala sa Venice (1615).

Ang mga unang gusali ng Scamozzi ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na pagkatuyo ng anyo at isang pagnanais para sa isang planar na interpretasyon ng harapan (Villa Verlato malapit sa Vicenza). Ngunit ang pinakamahalagang gawaing Venetian ng Scamozzi ay Bagong Procurations(1584), kung saan nagtayo siya ng 17 arko (ang iba ay nakumpleto ng kanyang estudyanteng si Longhena), na itinayo sa diwa ng Sansovino (Larawan 42). Ibinatay ng Scamozzi ang komposisyong ito sa malakas na ritmo at mayamang plasticity ng arched porticoes ng Library. Sa pamamagitan ng pagsasama sa ikatlong palapag sa komposisyon, madali at nakakumbinsi niyang nalutas ang problema ng magkadugtong na tatlong palapag na Procurations to the Library, nagpapagaan sa koronang cornice at banayad na isinasaalang-alang na ang junction ng mga gusali ay bahagyang nakatago ng campanile. . Sa paraang ito, naiugnay niya nang maayos ang dalawang gusali sa ensemble ng Piazza San Marco.

Bagama't si Scamozzi ang huling pangunahing arkitekto ng Renaissance, ang tunay na nagtapos nito ay Palladio- ang pinakamalalim at orihinal na master ng Northern Italian architecture noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo.

Kabanata "Arkitektura ng Hilagang Italya", subseksiyon na "Arkitektura ng Italya 1520-1580", seksyong "Renaissance Architecture sa Italya", encyclopedia "Pangkalahatang Kasaysayan ng Arkitektura. Tomo V. Arkitektura Kanlurang Europa XV-XVI siglo. Renaissance". Tagapagpaganap na editor: V.F. Marcuson. Mga May-akda: V.F. Marcuson (Introduction, G. Romano, Sanmicheli, Venice, Palladio), A.I. Opochinskaya (Mga gusali ng tirahan ng Venice), A.G. Tsires (Palladio Theatre, Alessi). Moscow, Stroyizdat, 1967

Huling Renaissance

Hindi tulad ng sining ng Central Italy, kung saan binuo ang pagpipinta na may malapit na koneksyon sa arkitektura at iskultura, sa Venice noong ika-14 na siglo. nangingibabaw ang pagpipinta. Sa mga gawa nina Giorgione at Titian ay nagkaroon ng paglipat sa easel painting na may aktibong paggamit ng mga pintura ng langis. Ang isa sa mga dahilan para sa paglipat ay tinutukoy ng klima ng Venice, kung saan ang fresco ay hindi gaanong napanatili. Ang isa pang dahilan ay ang pagpipinta ng easel ay lumilitaw na may kaugnayan sa paglago ng mga sekular na tema at pagpapalawak ng hanay ng mga bagay na kasama sa atensyon ng mga pintor. Kasabay ng pagtatatag ng easel painting, tumaas ang pagkakaiba-iba ng mga genre. Kaya, lumikha si Titian ng mga pintura batay sa mga paksang mitolohiya, larawan, at komposisyon batay sa mga paksa sa Bibliya. Sa mga gawa ng mga kinatawan Huling Renaissance- Nakakita sina Veronese at Tintoretto ng bagong pagtaas sa monumental na pagpipinta.

Giorgio da Castelfranco sa pamamagitan ng palayaw Giorgione(1477-1510) ay nabuhay ng maikling buhay. Ang kanyang palayaw ay nagmula sa salitang "zorzo", na sa Venetian dialect ay nangangahulugang "isang tao ng pinakamababang kapanganakan." Si Giorgione ay nasa loob ng cultural strata ng Venice. Ang mga paksa ng kanyang mga pintura tulad ng "Ang Bagyong Kulog", "Tatlong Pilosopo" mahirap i-interpret. Ang ilan sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay "Sleeping Venus" at "Judith", kung saan nakamit ng artista ang pagkakaisa sa pagitan ng tao at kalikasan. Nag-aral si Titian sa studio ng artist at maraming natutunan sa kanyang guro. Noong 1510 namatay si Giorgione sa salot.

Titian Vecellio(1476-1576) nag-aral kay Giovanni Bellini, pagkatapos noong 1507 ay pumasok siya sa workshop ni Giorgione, na unang ipinagkatiwala kay Titian ang pagkumpleto ng kanyang mga gawa. Pagkamatay ni Giorgione, si Titian, na natapos ang ilan sa kanyang mga gawa at tinanggap ang ilan sa kanyang mga order, ay nagbukas ng kanyang sariling pagawaan.

Sa oras na ito, sa isang bilang ng mga portrait, kabilang ang "Salome", "Lady at the Toilet" at "Flora" isinasama niya ang kanyang ideya ng kagandahan.

Noong 1516 lumikha ang artist "Pag-akyat sa Langit ng Mahal na Birhen" (Assunta) para sa Church of Santa Maria Gloriosa sa Venice - ang pagpipinta ay nagpapakita kung paano nakikita ng isang grupo ng mga animated na kumikilos na mga apostol ang Ina ng Diyos na umakyat sa langit na napapalibutan ng mga anghel.

Noong 1525, pinakasalan ni Titian si Cecilia, ang kanyang minamahal, kung saan nagkaroon siya ng dalawang anak na lalaki. Sa oras na ito, gustong-gusto ng artist ang malusog, sensual na mga larawan at gumagamit ng matino at malalalim na kulay. Pagkatapos ng kamatayan ni Bellini, ang posisyon ng artist ng Venetian School of the Republic ay ipinasa kay Titian. Ipinagpapatuloy ni Titian ang reporma ng pagpipinta, na sinimulan ni Giorgione: binibigyan niya ng kagustuhan ang malalaking canvases na nagbibigay-daan sa malawak at libreng aplikasyon ng mga kulay. Sa paunang layer, kaagad pagkatapos na matuyo, naglapat siya ng mas marami o hindi gaanong siksik ngunit tuluy-tuloy na mga stroke na may halong transparent at makintab na barnis ( nagpapakinang), tinatapos ang larawan sa pamamagitan ng pagpapatindi ng pinakamaliwanag na tono at mga anino na may mga stroke na halos tumatagal karakter ng corpus. Ang sketch ay tumutugma sa pangkalahatang emosyonal na paghahanda, ngunit kumpleto din sa sarili nito.

Sa imbitasyon ni Pope Paul III, lumipat si Titian sa Roma. Lumilitaw ang mga bagong tema sa kanyang sining - ang drama ng pakikibaka, pag-igting. Pagkatapos si Titian at ang kanyang anak ay pumunta sa Augsburg upang bisitahin si Charles V. Sa kanyang korte, ang master ay nagpinta ng maraming, at tumatanggap lalo na ng maraming mga order mula sa Espanya - Inutusan siya ni Haring Philip II ng ilang mga pagpipinta. Noong unang bahagi ng 50s. Bumalik si Titian sa Venice, ngunit patuloy na nagtatrabaho para sa hari ng Espanya. Ang mga larawan ni Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng sigla. SA "Larawan ni Pope Paul III kasama ang kanyang mga pamangkin" isang pulong ng tatlong tao ang ipinapakita, na ang bawat isa ay konektado sa iba pang mga lihim na damdamin. Noong 1548 sumulat si Titian dalawang larawan ni Charles V. Sa isa, ipinakita siya bilang isang matagumpay, na nanalo ng isang tagumpay, nakasuot ng baluti at nakasuot ng helmet na may balahibo. Ang pangalawang larawan ay nagpapakita ng emperador sa isang tradisyunal na Spanish black suit, nakaupo sa isang upuan na may loggia sa background.

Noong unang bahagi ng 50s. Si Titian, na inatasan ni Philip II, na naging emperador pagkatapos ng pagbibitiw ng kanyang ama na si Charles V, ay nagpinta ng pitong canvases sa mga paksang mitolohiya, na tinawag niyang "mga tula," na binibigyang-kahulugan ang mga paksang mitolohiya bilang mga metapora para sa buhay ng tao. Sa pangkalahatan, ang unang panahon ay talagang kaakit-akit sa artist. Kabilang sa mga pinakamahusay na pagpipinta sa mga antigong tema "Venus ng Urbino", "Venus at Adonis", "Danae", "Bacchus at Ariadne".

Sa mga pagpipinta sa mga paksang panrelihiyon, nakakamit ng artista ang isang mataas na antas ng sikolohiya at pagpapahayag ( "Cesar's Denarius", "Penitent Magdalene").

Ang mga huling taon ng kanyang buhay ay nanirahan si Titian sa Venice. Ang pagkabalisa at pagkabigo ay lumalaki sa kanyang mga gawa. Lalo siyang bumaling sa mga dramatikong paksa - mga eksena ng pagkamartir at pagdurusa, kung saan maririnig din ang mga kalunos-lunos na tala (“ San Sebastian"). Dito ginagamit ng artista impasto estilo ng pagsulat– ang mga ito ay malakas, magaspang na texture stroke.

Paolo Veronese(1528-1588). Si P. Caliari, na may palayaw sa kanyang lugar ng kapanganakan, ay isinilang sa Verona. Pagdating sa Venice, agad siyang nakakuha ng katanyagan para sa kanyang trabaho sa Doge's Palazzo. Hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, sa loob ng 35 taon, nagtrabaho si Veronese sa dekorasyon at pagluwalhati ng Venice ( "Kasal sa Cana ng Galilea"). Ang pagpipinta ni Veronese ay gawa sa kulay. Alam niya kung paano i-juxtapose ang mga indibidwal na kulay sa paraan na ang rapprochement na ito ay lumikha ng isang partikular na matinding tunog. Nagsisimula silang masunog tulad ng mamahaling bato. Hindi tulad ni Titian, na pangunahing pintor ng easel, si Veronese ay isang ipinanganak na dekorador. Bago ang Veronese, ang mga indibidwal na easel painting ay inilagay sa mga dingding upang palamutihan ang mga interior, at walang pangkalahatang pandekorasyon na pagkakaisa, isang sintetikong pagsasanib ng pagpipinta at arkitektura. Si Veronese ang una sa mga Venetian artist na lumikha ng buong pandekorasyon na ensemble, pagpinta ng mga dingding ng mga simbahan, monasteryo, palasyo at villa mula sa itaas hanggang sa ibaba, na isinasama ang kanyang pagpipinta sa arkitektura. Para sa mga layuning ito ginamit niya ang pamamaraan ng fresco. Sa kanyang mga pagpipinta at higit sa lahat sa kanyang mga lampshade, gumamit si Veronese ng malalakas na anggulo, matapang na spatial cut, na idinisenyo upang tingnan ang larawan mula sa ibaba hanggang sa itaas ( "Venus at Adonis", "Venus at Mars"). Sa kanyang lampshades ay "binuksan niya ang kalangitan."

Jacopo Tintoretto(tunay na pangalang Jacopo Robusti, 1518-1594). Ang pagpipinta ni Tintoretto ay minarkahan ang pagkumpleto ng Italyano na bersyon ng Renaissance. Nahilig si Tintoretto sa mga pictorial cycle na kumplikadong pampakay; gumamit siya ng mga bihirang at hindi pa naririnig na paksa. Ikot tungkol sa mga himala ng St. Ang selyo sa Venetian Academy at sa Brera ng Milan (Milan) ay ipinakita sa mga form na malayo sa karaniwang mga solusyon sa larawan. Ang mga makasaysayang salaysay ng Palasyo ng Doge na naglalarawan sa mga labanan ay nagpapakita ng kasaganaan ng mga pagkakaiba-iba at ang katapangan ng disenyo. Sa sinaunang tema ng mitolohiya, ipinagpatuloy ni Tintoretto ang libreng patula na interpretasyon ng mga motif, na nagsimula sa "tula" ni Titian. Ang isang halimbawa nito ay ang larawan "Ang Pinagmulan ng Milky Way". Gumamit siya ng mga bagong pinagmumulan ng plot. Sa larawan "Ang Pagsagip kay Arsinoe" ang pintor ay nagpatuloy mula sa adaptasyon ng isang tula ng Romanong may-akda na si Lucan sa isang alamat ng medieval sa Pransya, at isinulat ang "Tancred at Clorinda" batay sa isang tula ni Tasso.

Paulit-ulit na binalingan ni Tintoretto ang plot ng The Last Supper. Sa pagpipinta mula sa Simbahan ng Santa Trovaso, ang mga salita ni Kristo, tulad ng mga suntok, ay nakakalat sa mga nagulat na disipulo. Ang isang partikular na tampok ng mga gawa ni Tintoretto ay pagiging suhestiyon(mungkahi), dynamics, expressive brightness ng natural motifs, spatial multidimensionality.

Huling Renaissance (Renaissance sa Venice)

Mula noong 40s siglo XVI Nagsisimula ang panahon ng Late Renaissance. Ang Italya noong panahong iyon ay nahulog sa pamumuno ng mga dayuhang kapangyarihan at naging pangunahing muog ng reaksyong pyudal-Katoliko. Tanging ang relatibong kalayaan ng mayamang Republika ng Venetian mula sa kapangyarihan ng papa at ng dominasyon ng mga interbensyonista ang nagsisiguro sa pag-unlad ng sining sa rehiyong ito. Ang Renaissance sa Venice ay may sariling mga katangian, dahil mayroon itong iba't ibang mga mapagkukunan kaysa sa Florence.

Mula pa noong ika-13 siglo. Ang Venice ay isang kolonyal na kapangyarihan na nagmamay-ari ng mga teritoryo sa mga baybayin ng Italya, Greece, at mga isla ng Dagat Aegean. Nakipagkalakalan siya sa Byzantium, Syria, Egypt, at India. Bilang resulta ng masinsinang kalakalan, dumaloy sa kanya ang napakalaking kayamanan. Ang Venice ay isang komersyal na oligarkikong republika, at ang kapangyarihan ng naghaharing kasta ay matatag, dahil ipinagtanggol nito ang posisyon nito sa tulong ng labis na malupit at mapanlinlang na mga hakbang. Bukas sa lahat ng impluwensya ng Kanluran at Silangan, ang republika ay matagal nang nagmula sa mga kultura iba't-ibang bansa isang bagay na maaaring palamutihan at kaluguran: Byzantine elegance at golden shine, ang mga pattern ng bato ng Moorish monuments, ang kamangha-manghang kalikasan ng Gothic templo.

Ang pagkahilig sa karangyaan, pagiging palamuti at hindi pagkagusto sa siyentipikong pananaliksik ay naantala ang pagpasok ng mga masining na ideya at kasanayan ng Florentine Renaissance sa Venice. Ang mga pangunahing tampok na katangian ng gawain ng mga pintor, eskultor, at arkitekto ng Florence at Roma ay hindi tumutugma sa mga panlasa na binuo sa Venice. Dito sining ng renaissance pinakain ng pag-ibig hindi para sa unang panahon, ngunit para sa kanyang lungsod, na tinutukoy ng mga katangian nito. Ang bughaw na langit at dagat, ang mga eleganteng facade ng mga palasyo ay nag-ambag sa pagbuo ng isang espesyal artistikong istilo, na nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pagkahilig sa kulay, mga tints at kumbinasyon nito. Samakatuwid, nakita ng mga artistang Venetian, na mga pintor lamang, ang pagiging makulay at kulay bilang batayan ng pagpipinta. Ang pagkahilig para sa kulay ay sinundan din mula sa nakatanim na pag-ibig para sa mga mayayamang dekorasyon, maliliwanag na kulay at masaganang pagtubog sa mga gawa ng sining ng Silangan. Ang Venetian Renaissance ay naging mayaman din sa mga pangalan ng magagaling na pintor at iskultor. Nagtrabaho si Titian, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini sa panahong ito.

Ang unang pinakatanyag na pintor ng Mataas na Renaissance sa Venice ay si Giorgio de Castelfranco, na tinawag na Giorgione ng kanyang mga kontemporaryo (1476 o 1477-1510). Sa kanyang trabaho, ang sekular na prinsipyo sa wakas ay nanalo, na ipinakikita sa pangingibabaw ng mga alamat at pampanitikan na mga tema. Bukod dito, nasa mga gawa ni Giorgione na ang kapanganakan ng pagpipinta ng easel ay nangyayari, kung saan ang mga kakaibang katangian ng gawa ng artist ay nauugnay: ang mga paksa ng kanyang mga pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng kawalan ng isang malinaw na tinukoy na balangkas at aktibong aksyon; sa interpretasyon ng balangkas, ang pangunahing diin ay ang sagisag ng banayad at kumplikadong mga emosyon na nagbibigay sa mga pagpipinta ni Giorgione ng isang espesyal na mood - elegiacally dreamy o mahinahon na nakatuon.

Ang eksaktong bilang ng mga orihinal na gawa ng master ay hindi pa nilinaw; ang kanilang bilang ay mula apat hanggang animnapu't isa. Gayunpaman, ang mga mananaliksik ng gawa ng artist ay sumasang-ayon na ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay mga pagpipinta "Judith" At "Natutulog na Venus"" Sa pagpipinta na "Judith" ay hindi inilalarawan ni Giorgione ang nilalaman ng sikat na alamat. Ang buong epektibong bahagi ng gawa ni Judith ay nananatili sa isang tabi. Sa harap namin ay ang resulta lamang ng kaganapan: ang malungkot na pigura ng isang kabataang babae, na nakatayo sa malalim na pag-iisip sa isang batong terrace, sa likod kung saan matatagpuan ang isang kamangha-manghang magandang tanawin. Ang kanyang mga katangian - ang espada at ang ulo ni Holofernes - halos hindi nakakaakit ng pansin. Ang kulay ng pagpipinta na may malinaw at pinong mga kulay nito, na may kamangha-manghang mga kulay ng damit ni Judith, ay nakakakuha ng napakalaking artistikong kahalagahan.

"Natutulog na Venus"" ay ang pinakasikat na gawa ni Giorgione, kung saan sa unang pagkakataon ay ipinakita ang isang hubad na pigura ng babae nang walang anumang aksyon na balangkas: sa gitna ng isang maburol na parang, isang magandang dalaga ang nakahiga sa isang madilim na pulang bedspread na may puting satin lining. Ang kanyang hubad na pigura ay nakaposisyon nang pahilis laban sa background ng isang landscape na pinangungunahan ng berde at kayumangging kulay. Nakalubog si Venus mahimbing na pagtulog, na ang ibig sabihin ay ang predisposisyon ng kaluluwa sa kahanga-hangang pagkakaisa sa Diyos. Pinupuno ng kapayapaan at katahimikan ang kalikasan ng walang katapusang kalangitan, puting ulap, at mga distansyang umaabot hanggang sa kailaliman.

Ang tuktok ng High Renaissance sa Venice ay pagkamalikhain Titian Vecellio(c. 1476/77-1489/90-1576) (pumasok siya sa kasaysayan ng sining hindi sa ilalim ng kanyang apelyido, ngunit sa ilalim ng kanyang sariling pangalan), isang artista na may malaking malikhaing potensyal, na dumaan sa mahirap at dramatikong landas ng buhay, kung saan malaki ang pagbabago sa kanyang pananaw sa mundo. Si Titian ay umunlad bilang isang tao at bilang isang artista sa panahon ng pinakamataas na kultural na pamumulaklak ng Venice. Ang kanyang mga unang gawa ay puno ng maingay at masiglang buhay, habang ang kanyang mga huling gawa ay puno ng isang pakiramdam ng madilim na pagkabalisa at kawalan ng pag-asa.

Ang artista ay nabuhay ng mahabang buhay (mga 90 taon) at nag-iwan ng malaking pamana. Gumawa siya ng mga komposisyon sa mga tema ng relihiyon at mitolohiya, at sa parehong oras, ay isang kahanga-hangang master ng isa sa mga pinaka kumplikadong genre - "hubad" (sa Pranses - hubad, hubad), mga imahe ng hubad na katawan. Sa Renaissance painting, ang mga sinaunang diyosa at mythological heroine ay karaniwang kinakatawan sa ganitong paraan. kanyang" Nakahiga si Venus" At "Danae" ay mga larawan ng mapang-akit, malulusog na babaeng Venetian sa loob ng mayayamang Venetian na bahay.

Bumaba si Titian sa kasaysayan ng kultura bilang isang mahusay na pintor ng sikolohikal na portrait. Kasama sa kanyang brush ang isang malawak na gallery ng mga portrait na larawan - mga emperador, mga hari, mga papa, mga maharlika. Kung sa kanyang mga unang larawan, gaya ng nakaugalian, niluwalhati niya ang kagandahan, lakas, dignidad, at integridad ng kalikasan ng kanyang mga modelo, kung gayon ang kanyang mga huling gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging kumplikado at pagkakasalungatan ng mga imahe. Ipinakita nila ang interweaving ng espirituwalidad, pinong intelektwalidad, maharlika sa kapaitan ng mga pagdududa at pagkabigo, kalungkutan at nakatagong pagkabalisa. Sa mga painting na ginawa ni Titian sa mga nakaraang taon pagkamalikhain, parang tunay na trahedya. Karamihan sikat na gawain Ang pagpipinta ni Titian mula sa panahong ito ay "Saint Sebastian"

Huling quarter ng ika-16 na siglo. naging panahon ng paghina para sa kultura ng Renaissance. Ang gawain ng mga artista na nagsimulang tawaging mannerists (mula sa Italyano mannerism - pagiging mapagpanggap), at ang buong direksyon - "mannerism" - nakakuha ng isang sopistikado, mapagpanggap na karakter. Ang paaralan ng pagpipinta ng Venetian ay lumaban sa pagtagos ng mannerism nang mas mahaba kaysa sa iba at nanatiling tapat sa mga tradisyon ng Renaissance. Gayunpaman, ang kanyang mga imahe ay naging hindi gaanong kahanga-hanga at kabayanihan, mas makalupa, na konektado sa totoong buhay.

Ang Venice ang pinakahuli sa mga lungsod ng Italya, hindi mas maaga kaysa sa kalagitnaan ng ika-15 siglo, na napuno ng mga ideya ng Renaissance. Hindi tulad ng ibang bahagi ng Italya, namuhay siya sa sarili niyang paraan. Isang maunlad na lungsod na umiwas sa mga salungatan sa militar, isang sentro ng kalakalang pandagat, ang Venice ay sapat sa sarili. Ang mga panginoon nito ay naghiwalay sa kanilang sarili hanggang sa isang lawak na nang ang Florentine Vasari sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo ay nagsimulang mangolekta ng materyal para sa "Mga Buhay ng mga pinakatanyag na pintor, eskultor at arkitekto," hindi niya nakuha ang mga detalye ng mga talambuhay ng mga tao. na nabuhay ng isang siglo na mas maaga, at pinag-isa ang lahat sa isang maikling kabanata .


Bellini. "Ang Himala ng St. Lawrence Bridge." Mula sa pananaw ng mga Venetian artist, lahat ng mga santo ay nanirahan sa Venice at naglayag sa mga gondolas.

Ang mga masters ng Venice ay hindi nagmadali sa Roma upang pag-aralan ang mga sinaunang guho. Mas nagustuhan nila ang Byzantium at ang Arab East, kung saan nakipagkalakalan ang Republika ng Venice. Bilang karagdagan, hindi sila nagmamadali na talikuran ang sining ng medieval. At ang dalawang pinakatanyag na gusali ng lungsod - ang St. Mark's Cathedral at ang Doge's Palace - ay kumakatawan sa dalawang magagandang arkitektura na "bouquet": ang una ay naglalaman ng mga motif ng Byzantine art, at ang pangalawa ay pinagsasama ang medieval pointed arches at Arabic pattern.

Si Leonardo da Vinci, ang dakilang Florentine, ay hinatulan ang mga pintor na masyadong nadala ng kagandahan ng kulay, na isinasaalang-alang ang kaluwagan bilang pangunahing bentahe ng pagpipinta. Ang mga Venetian ay may sariling opinyon sa bagay na ito. Natutunan pa nilang lumikha ng ilusyon ng lakas ng tunog, halos hindi gumagamit ng kulay at anino, ngunit gumagamit ng iba't ibang mga kulay ng parehong kulay. Ganito isinulat ang Sleeping Venus ni Giorgione.

Giorgione. "Bagyo". Nananatiling misteryo ang plot ng pelikula. Ngunit malinaw na ang artist ay pinaka-interesado sa mood, ang estado ng pag-iisip ng karakter sa kasalukuyan, sa kasong ito, bago ang bagyo.

Ang mga sinaunang artista ng Renaissance ay nagpinta ng mga pintura at fresco gamit ang tempera, na naimbento noong sinaunang panahon. Ang mga pintura ng langis ay kilala mula pa noong unang panahon, ngunit ang mga pintor ay nagkaroon ng pagkagusto sa kanila lamang noong ika-15 siglo. Ang mga Dutch masters ang unang nagperpekto sa pamamaraan ng oil painting.

Dahil ang Venice ay itinayo sa mga isla sa gitna ng dagat, ang mga fresco ay mabilis na nawasak dahil sa mataas na kahalumigmigan. Ang mga masters ay hindi rin magsulat sa mga board, dahil isinulat ni Botticelli ang kanyang "Adoration of the Magi": maraming tubig sa paligid, ngunit hindi sapat ang kagubatan. Nagpinta sila sa canvas gamit ang mga pintura ng langis, at dito sila ay mas katulad ng mga modernong pintor kaysa sa iba pang mga pintor ng Renaissance.

Ang mga Venetian artist ay may magandang saloobin sa agham. Hindi sila nakikilala sa pamamagitan ng kagalingan ng kanilang mga talento, alam lamang ang isang bagay - pagpipinta. Ngunit sila ay nakakagulat na masayahin at masayang inilipat sa mga canvases ang lahat na nakalulugod sa mata: arkitektura ng Venetian, mga kanal, tulay at mga bangka na may mga gondolier, isang mabagyong tanawin. Si Giovanni Bellini, isang sikat na artista sa kanyang panahon sa lungsod, ay nadala, ayon kay Vasari, pagpipinta ng portrait at nahawahan nito ang kanyang mga kapwa mamamayan na ang bawat Venetian na nakamit ang anumang makabuluhang posisyon ay nagmamadaling mag-order ng kanyang larawan. At ang kanyang kapatid na si Gentile ay diumano'y yumanig sa Turkish Sultan sa pamamagitan ng pagpipinta nito mula sa buhay: nang makita niya ang kanyang "pangalawang sarili," itinuturing ito ng Sultan na isang himala. Si Titian ay nagpinta ng maraming larawan. Ang mga buhay na tao ay mas kawili-wili sa mga artista ng Venice kaysa sa mga huwarang bayani.

Ang katotohanan na nahuli si Venice sa mga inobasyon ay naging angkop. Siya ang nag-ingat, sa abot ng kanyang makakaya, ang mga tagumpay ng Renaissance ng Italya noong mga taon kung kailan ito nawala sa ibang mga lungsod. Ang Venetian school of painting ay naging tulay sa pagitan ng Renaissance at ng sining na pumalit dito.

Ang pinakamahalagang direksyon ng Late Renaissance ay ang sining ng pagpipinta, na malinaw na sumasalamin sa humanistic ideals ng panahon. Ngayon ang mga artista ay interesado hindi lamang sa tao, kundi pati na rin sa kanyang kapaligiran, ang natural na mundo, na niluluwalhati ang walang hanggang kagalakan ng pagkakaroon. Ang pagpipinta, batay sa pandama na pang-unawa sa mundo, ay namangha sa kaguluhan ng mga kulay nito, ang elemento ng damdamin at emosyon. Ang mga pintura ng mga artistang Venetian, na itinuturing na isang kapistahan para sa mga mata, ay pinalamutian ang mga maringal na templo at mga seremonyal na palasyo ng mga Doge, na binibigyang-diin ang kayamanan at karangyaan ng mga interior. Kung ang paaralan ng pagpipinta ng Florentine ay nagbigay ng kagustuhan sa pagguhit at nagpapahayag ng plasticity, kung gayon ang paaralan ng Venetian ay batay sa mayamang kulay, maraming kulay, gradasyon ng mga paglipat ng liwanag at anino, kayamanan ng mga solusyon sa larawan at ang kanilang pagkakaisa. Kung para sa sining ng Florentine ang perpekto ng kagandahan ay ang mga eskultura ni David, kung gayon ang pagpipinta ng Venetian ay nagpahayag ng perpekto nito sa mga imahe ng nakahiga na Venus - ang mga sinaunang diyosa ng pag-ibig at kagandahan.

Tagapagtatag paaralan ng Venice Si Giovanni Bellini (c. 1430-1516) ay nararapat na ituring na isang pintor, na ang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng pinong maharlika at nagliliwanag na kulay. Gumawa siya ng maraming mga painting ng Madonnas, simple, seryoso, medyo maalalahanin at laging malungkot. Siya ay nagmamay-ari ng ilang mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo - mga kilalang mamamayan ng Venice. Halimbawa, isang larawan ni Doge Leonardo Loredano.

Maraming estudyante si Bellini na mapagbigay niyang ipinasa sa kanyang mayaman malikhaing karanasan. Kabilang sa mga ito, dalawang artista ang namumukod-tangi - sina Giorgione at Titian.

Sa mga pintura ni Giorgione ay makikita natin ang mga pangarap ng pintor ng kagandahan at kaligayahan ng isang matahimik na buhay sa kandungan ng kalikasan. Sa mga bayaning nalubog sa kanilang panloob na mundo, hinahangad niya ang pagkakaisa ng mga damdamin at kilos. Maraming mga mananaliksik ang wastong binibigyang-diin ang espesyal na tula, musika at pagiging makulay ng kanyang mga kuwadro na gawa. Ang mga pintura ng artist ay nakakagulat na melodic; sila ay puspos ng isang kamangha-manghang kaskad ng mga kulay ng iba't ibang mga tono at lilim. Ang "haze" (sfumato) ng kanyang pagpipinta, na naging posible upang maihatid ang epekto ng light-air space at maiwasan ang higpit ng mga contour, ay pumukaw ng tunay na interes sa pag-aaral ng kanyang malikhaing paraan. Ang mga sikat na painting na "The Thunderstorm", "Rural Concert", "Judith", "Three Philosophers", "Sleeping Venus" ay nakakabighani sa kagandahan ng kanilang kalooban at sa maliwanag na tula ng kanilang mga imahe. Karamihan sa mga gawa ng artista, na walang malinaw na tinukoy na balangkas, na nakatuon sa matalik na mundo ng mga karanasan ng tao, ay nagbubunga ng maraming mga asosasyon at liriko na pagmuni-muni. Ang natural na mundo ay sumasalamin sa estado ng pag-iisip ng isang tao, pinupuno ang buhay ng pagkakaisa at isang pakiramdam ng kagalakan ng pagiging.

Ang isang tunay na obra maestra ng gawa ni Giorgione ay ang "Sleeping Venus" - isa sa pinakaperpekto mga larawan ng babae Renaissance.

Sa kauna-unahang pagkakataon, natagpuan ng artista ang hindi nagkakamali na anyo ng nakahiga na sinaunang diyosa ng pag-ibig at kagandahan, si Venus, na walang mga larawang prototype. Tahimik siyang natutulog sa gitna ng gumulong parang sa isang madilim na pulang kumot. Ang larawan ng kalikasan ay nagbibigay ng isang espesyal na kadakilaan at kalinisang-puri sa imaheng ito. Sa likod ng Venus, sa abot-tanaw, mayroong isang maluwang na kalangitan na may mga puting ulap, isang mababang tagaytay ng asul na mga bundok, isang banayad na landas patungo sa isang burol na tinutubuan ng mga halaman. Ang manipis na bangin, ang kakaibang profile ng burol, na umaalingawngaw sa mga contour ng pigura ng diyosa, isang grupo ng mga tila walang nakatira na mga gusali, damo at bulaklak sa parang ay maingat na nilikha ng artist.

May inspirasyon ng "Sleeping Venus" ni Giorgione, ang mga artista ng iba't ibang henerasyon - sina Titian at Durer, Poussin at Velazquez, Rembrandt at Rubens, Gauguin at Manet - ay lumikha ng kanilang mga gawa sa paksang ito.

Nabuhay si Titian ng isang mahabang (halos isang siglo!) na buhay (1477-1576) at nanalo ng katanyagan sa buong mundo kasama ng iba pang mga titans ng High Renaissance. Ang kanyang mga kontemporaryo ay sina Columbus at Copernicus, Shakespeare at Giordano Bruno. Sa edad na siyam siya ay ipinadala sa isang workshop ng mosaicist, nag-aral sa Venice kasama si Bellini, at kalaunan ay naging katulong ni Giorgione. Malawak malikhaing pamana isang artista na may masiglang ugali at kamangha-manghang pagsusumikap. Nagtatrabaho sa iba't ibang genre, nagawa niyang ipahayag ang diwa at mood ng kanyang panahon.

Pumasok si Titian sa kasaysayan ng pagpipinta ng mundo bilang isang hindi maunahang master ng kulay. Isang kontemporaryong kritiko ang sumulat:

“Sa kulay ay wala siyang kapantay... sumasabay siya sa mismong kalikasan. Sa kanyang mga pagpipinta, ang kulay ay nakikipagkumpitensya at nakikipaglaro sa mga anino, tulad ng nangyayari sa kalikasan mismo” (L. Dolce).

Sa pagkakaroon ng perpektong kasanayan sa pagpipinta, lumikha si Titian ng mga natatanging makukulay na symphony na kumikinang at kumikinang sa daan-daang halftones. Sa kanyang mga pagpipinta, ang kulay ay naging isang unibersal na tagapagdala ng mga ideya at ang pinakamahalagang paraan ng masining na pagpapahayag. Hindi sinasadya na sinabi ng kritiko ng sining na si V.N. Lazarev na si Titian ay "nag-iisip sa pintura."

Ang pagiging sopistikado ng sikat na pangkulay ng artist ay nakamit sa pamamagitan ng katotohanan na ang master ay nakakuha ng isang espesyal na epekto ng kulay mula sa mga relasyon ng mga tono, ang paghahambing ng mga lilim ng tela at ang hubad na katawan, mula sa materyal ng canvas at ang stroke ng pintura na inilapat dito. Ang matingkad at mayamang mga kulay ng mga unang ipinta ni Titian ay nagpatotoo sa isang masayang pang-unawa sa nakapaligid na mundo. Sa kanyang huling trabaho, ang pangkulay ay nawawala ang dating liwanag at kaibahan nito, na naging halos monochrome, ngunit ang pagpipinta ay mayroon pa ring kaakit-akit na pandekorasyon na sonority at emosyonal na kayamanan.

Si Titian ay responsable para sa karagdagang pagtuklas ng napakalaking potensyal ng pagpipinta ng langis, na, kung ihahambing sa tradisyonal na tempera, ay naging posible upang mas ganap na maihatid ang pagpapahayag ng intensyon ng may-akda sa bawat stroke. Dati, ang ibabaw ng mga canvases ay pantay at makinis, ngunit ang Titian ay nagsimulang gumamit ng mga canvases na may halos naprosesong texture, kung saan ang magaspang, na parang nanginginig, ang ibabaw ay lalong kapansin-pansin. Sa pamamagitan ng malalakas na suntok ng brush, siya ay literal na "nag-sculpted na may kulay," na nag-aaplay ng malalapad, libreng mga stroke, pinapakinis ang kalinawan ng mga balangkas, na lumilikha ng kaluwagan ng liwanag at dilim.

Isa si Titian sa mga unang gumamit scheme ng kulay Para sa sikolohikal na katangian mga bayani. Siya rin ay isang matapang na innovator sa paglalarawan ng kalikasan. Paglikha ng mga landscape mula sa kalikasan, ipinakita niya kung paano nagbabago ang kalikasan depende sa oras ng araw, kung paano pumipintig ang mga kulay sa ilalim ng impluwensya ng liwanag, at nagbabago ang mga balangkas ng mga bagay. Inilatag niya ang pundasyon para sa tinatawag na landscape ng arkitektura.

Ang coloristic talent ng artist ay ganap na ipinakita sa tinatawag na "poesies" - gumagana sa mga tema ng mitolohiya. Batay sa literary source - Ovid's Metamorphoses - Lumikha si Titian ng kanyang sariling mga komposisyon, kung saan hinahangad niyang ipakita ang moral na kahulugan ng mga mythological plot at imahe. Sa mga pelikulang "Perseus and Andromeda", "Diana at Actaeon", "Venus in front of the Mirror", "The Rape of Europa", "Venus and Adonis", "Danae", "Flora", "Sisyphus" siya ay mahusay. naihatid ang drama ng mga plot at elemental na senswalidad at ang pagkakatugma ng kahanga-hangang diwa ng mga mitolohiyang bayani.

Ang "Venus of Urbino" ay isang tunay na obra maestra ng artista. Sinabi ng mga kontemporaryo tungkol sa pagpipinta na ito na si Titian, hindi tulad ni Giorgione, na sa ilalim ng kanyang impluwensya ay walang alinlangan, "nagbukas ng mga mata ni Venus at nakita namin ang basang tingin ng isang babaeng umiibig, na nangangako ng malaking kaligayahan." Sa katunayan, niluwalhati niya ang nagniningning na kagandahan ng isang babae, pininturahan siya sa loob ng isang mayamang Venetian na bahay. Sa likuran, dalawang katulong ang abala sa mga gawaing bahay: kumukuha sila ng mga gamit sa banyo para sa kanilang maybahay mula sa isang malaking dibdib.

Sa paanan ni Venus, nakabaluktot sa isang bola, isang maliit na aso ang natutulog. Ang lahat ay karaniwan, simple at natural, at sa parehong oras ay napakaganda at simboliko. Proudly and calmly she looked straight at the viewer, hindi man lang nahiya sa kanyang nakakasilaw na kagandahan. Halos walang anino sa kanyang katawan, at binibigyang-diin lamang ng gusot na kumot ang matikas na balingkinitan at init ng kanyang nababanat na katawan. Ang pulang tela sa ilalim ng sheet, ang pulang kurtina, ang pulang damit ng isa sa mga katulong, at mga carpet na may parehong kulay ay lumikha ng isang emosyonal na mayaman na kulay. Ang larawan ay malalim na simboliko. Si Venus ay ang diyosa ng pag-ibig sa pag-aasawa, maraming mga detalye ang nagsasalita tungkol dito. Ang isang plorera na may myrtle sa bintana ay sumisimbolo sa pagiging matatag, ang isang rosas sa kamay ni Venus ay isang tanda ng pangmatagalang pag-ibig, at ang isang aso na nakakulot sa kanyang mga paa ay isang tradisyonal na tanda ng katapatan.

Ang isang mahalagang bahagi ng gawain ni Titian ay binubuo ng mga gawa na nakatuon sa mga tema ng Bibliya. Para sa kapakanan ng pagkamit ng matataas na mithiin, ang mga bayani ng kanyang mga pagpipinta ay mga karakter sa Bibliya at mga Kristiyanong martir- handang magsakripisyo sa sarili. Ang mga kuwadro na gawa ay naghahatid ng mga elemento na may kamangha-manghang kasanayan damdamin ng tao: pag-asa at kawalan ng pag-asa, katapatan sa mga mithiin at pagkakanulo, pag-ibig at poot. Kasama sa mga obra maestra na nilikha ni Titian ang mga painting na Assunta, Caesar's Denarius, The Crowning of Thorns at Saint Sebastian.

Ang pagpipinta ni Titian na "The Penitent Mary Magdalene" ay naglalarawan ng isang dakilang makasalanan na minsang naghugas ng mga paa ni Kristo ng kanyang mga luha at saganang pinatawad niya. Mula noon, hanggang sa kamatayan ni Hesus, hindi siya iniwan ni Maria Magdalena. Sinabi niya sa mga tao ang tungkol sa kanyang mahimalang Pagkabuhay na Mag-uli. Isinasantabi ang aklat ng Banal na Kasulatan, taimtim siyang nanalangin, nakatingala sa langit. Ang kanyang mukha na may luha, mga alon ng ginintuang umaagos na buhok na bumabagsak sa kanyang mga balikat, ang nagpapahayag na kilos ng isang magandang kamay na nakadikit sa kanyang dibdib, isang magaan na damit na gawa sa sutla na tela na may maliwanag na guhit na kapa ay pininturahan ng artist na may espesyal na pangangalaga at kasanayan. . Ang isang basong pitsel at isang bungo ay inilalarawan sa malapit - isang simbolikong paalala ng transience ng makalupang buhay at kamatayan. Binibigyang-diin ng makulimlim na mabagyong kalangitan, mabatong kabundukan at mga punong umaalingawngaw mula sa hangin ang drama ng mga nangyayari.

Si Titian ay isa sa mga pinakadakilang pintor ng portrait sa mundo, na itinuturing ng marami na isang karangalan ang mag-pose. mga sikat na tao panahon na iyon. Kasama sa brush ng artist ang isang napakatalino na gallery ng portrait - mga emperador at hari, papa at maharlika, magagandang babae, pilosopo at humanista, magigiting na mandirigma at ordinaryong mamamayan. Sa bawat isa sa mga portrait na nilikha, ang katumpakan at lalim ng mga character ay kapansin-pansin, at ang aktibong civic na posisyon ng may-akda ay nararamdaman. Ang pagkakahawig ng larawan ay hindi kailanman naging wakas para sa artist: sa pamamagitan ng katapatan sa kalikasan, ang kanyang sariling ideya ng malalim na mga kontradiksyon ng pagkatao ng tao ay malinaw na ipinakita. Kung sa mga unang larawan ang artist ay nakatuon sa panlabas na kagandahan, lakas at dignidad ng mga inilalarawan, kung gayon sa huling panahon ng pagkamalikhain ay nagsusumikap siyang ipakita ang kanilang kumplikadong panloob na mundo. Ang mga maliliwanag na karakter, pambihirang personalidad, holistic at aktibong kalikasan ay pinagkalooban ng napakalaking lakas ng loob at naging pangunahing tauhan ng mga gawa ni Titian. Oo, nararamdaman nila ang kanilang sarili sa gitna ng mundo, ngunit sa parehong oras ay pamilyar sila sa mga pagdududa, kalunus-lunos na dibisyon ng kaluluwa, kawalan ng katiyakan sa sariling lakas, takot sa lipunan.

Ang mga larawan ni Titian ay may mga bakas ng titanic na pakikibaka ng artista para sa karapatang mamuhay ayon sa mga batas ng kaligayahan, katotohanan, kagandahan at katwiran. Ang bawat isa sa kanyang mga karakter ay nagpapahayag ng mga pangarap ng isang huwarang personalidad na naninirahan sa isang malayang lipunan, ng pagkakaisa ng mundo, na nakamit kahit na sa halaga ng hindi makataong pagdurusa.

Ang “Portrait of a Young Man with a Glove” ay isa sa pinakamagandang likha ni Titian. Ang nangingibabaw na mahigpit at madilim na mga tono ay idinisenyo upang mapahusay ang pakiramdam ng pagkabalisa at pag-igting. Ang mga kamay at mukha na nahuli sa liwanag ay nagbibigay-daan sa iyo upang mas masusing tingnan ang taong inilalarawan. Walang alinlangan, bago sa amin ay isang espirituwal na personalidad, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng katalinuhan, maharlika at sa parehong oras - ang kapaitan ng mga pagdududa at pagkabigo. Sa mga mata ng binata ay may isang balisang pag-iisip tungkol sa buhay, ang gulo ng isip ng isang matapang at determinadong lalaki. Ang isang tense na tingin "sa loob" ay nagpapahiwatig ng isang kalunos-lunos na alitan ng kaluluwa, isang masakit na paghahanap para sa isang "Ako." Sa brilliantly executed chamber portrait ng isang binata, mapapansin din ng isa ang mahinahong higpit ng komposisyon, banayad na sikolohiya at libreng brushwork.

Ang mga huli na gawa ni Titian ay puno ng mga kontradiksyon at misteryo. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, na ganap na pinagkadalubhasaan ang elemento ng kulay, nagtrabaho si Titian sa isang espesyal na paraan. Ganito ang sinabi ni Marco Boschini sa kanyang aklat na "The Rich Treasures of Venetian Painting" (1674):

"Tinakip ni Titian ang kanyang mga canvases ng isang masa ng pintura, na parang nagsisilbing ... bilang isang pundasyon para sa kung ano ang nais niyang ipahayag sa hinaharap. Ako mismo ay nakakita ng gayong masiglang mga underpainting, na isinagawa gamit ang isang makapal na puspos na brush, alinman sa isang purong pulang tono, na nilayon upang balangkasin ang halftone, o puti. Gamit ang parehong brush, isinasawsaw muna ito sa pula, minsan sa itim, minsan sa dilaw na pintura, ginawa niya ang kaluwagan ng mga bahaging iluminado. Sa parehong mahusay na kasanayan, sa tulong ng apat na kulay lamang, napukaw niya ang pangako ng isang magandang pigura mula sa limot... Ginawa niya ang pangwakas na mga retoke sa pamamagitan ng magaan na mga stroke ng kanyang mga daliri, pinakinis ang mga paglipat mula sa pinakamaliwanag na highlight hanggang sa mga halftone at pagpapahid ng isang tono sa isa pa. Minsan gamit ang parehong daliri ay naglalagay siya ng makapal na anino sa ilang sulok para pagandahin ang lugar na ito... Sa dulo ay talagang higit siyang nagpinta gamit ang kanyang mga daliri kaysa sa brush.”

Isa sa mga pinakakilalang artista ng Venice ay Paolo Veronese(1528-1588), pinagkalooban ng mas mataas na pakiramdam ng kagandahan, ang pinakamagandang pandekorasyon na likas na talino at isang tunay na pagmamahal sa buhay. Tila siya ay nagbubukas sa kanya sa pinaka-maligaya at masayang liwanag. Pagkamatay ni Titian noong 1576, si Veronese ay naging opisyal na pintor ng Republika ng Venetian. Pumasok siya sa kasaysayan ng sining sa mundo salamat sa napakatalino na monumental at pandekorasyon na komposisyon na nagpapalamuti sa mga interior ng mga simbahan, palasyo at villa ng Doge. Maraming tagahanga ang "nakakabighaning pagpipinta" ng artist.

Ang mga kuwadro na "The Marriage at Cana", "The Feast at Simon the Pariseo" at "The Feast in the House of Levi", na nakatuon sa mga tema ng Bibliya at kinomisyon ng mga monghe, ay eksklusibong sekular sa kalikasan. Ang kanilang pangunahing karakter ay isang maingay, gumagalaw na pulutong, nagniningning na may iba't ibang kulay. Sa mga monumental na canvases at kahanga-hangang mga fresco laban sa backdrop ng kahanga-hangang arkitektura, ang mga patrician at marangal na kababaihan sa mga seremonyal na damit, mga sundalo at musikero, mga dwarf, jester, mga tagapaglingkod at mga aso ay lumitaw sa harap ng manonood. Sa masikip na komposisyon, kung minsan ay mahirap na makilala ang mga karakter sa Bibliya na nawala sa maligayang pulutong. Minsan ay kinailangan pang ipaliwanag ni Veronese ang kanyang sarili sa Inquisition tribunal dahil pinahintulutan niya ang kanyang sarili na ilarawan ang mga taong walang kinalaman sa sagradong pakana.

Sa pagpipinta na “The Feast in the House of Levi,” binibigyang-kahulugan ng pintor ang isa sa mga eksena ng Banal na Kasulatan sa isang napaka orihinal na paraan. Ayon sa Ebanghelyo, si Matthew Levi, isa sa mga disipulo ni Kristo, ay dating isang publikano (maniningil ng buwis) at higit sa isang beses ay inabuso ang kanyang kapangyarihan. Minsan, nang marinig niya si Kristo na mangaral, siya ay labis na namangha sa kanyang mga talumpati na nagpasya siyang tumigil sa kanyang trabaho magpakailanman at sumunod kay Jesus. Sa gayon nagsimula ang isang bago, matuwid na buhay para sa kanya. Isang araw ay inanyayahan niya si Kristo at ang kanyang mga dating kaibigan, mga maniningil ng buwis, sa kanyang bahay upang sila rin ay makinig sa mga sermon ng kanilang minamahal na guro.

Sa isang marangyang interior ng arkitektura, ang mga kapistahan ay nakaupo sa isang malaking mesa na sumasakop sa halos buong lapad ng espasyo. Sa pinakasentro, inilalarawan sina Kristo at Matthew Levi na nakikipag-usap sa isa't isa, napapaligiran ng mga panauhin na may mayayamang damit na pang-pista. Ang mga mas malapit ay nakikinig nang mabuti sa kanilang mga talumpati, ngunit karamihan sa mga panauhin ay abala sa pagpipista at hindi pinapansin ang mga nangyayari. Ang pintor, na parang nakakalimutan ang tungkol sa kuwento ng ebanghelyo, ay naglalahad sa ating harapan ng isang napakatalino na kasiyahan ng isang walang katapusang pangmatagalang holiday.

Inilaan ni Veronese ang isang makabuluhang bahagi ng kanyang mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya. Ang iyong malawak na kaalaman sa larangan sinaunang mitolohiya pinunan ito ng pintor ng malalim na alegorikong kahulugan. Kabilang sa kanyang mga sikat na likha ay ang "Venus at Adonis", "The Rape of Europa", "Mars and Venus Bound by Cupid", "Mars and Neptune".

Ang pagpipinta na "The Rape of Europa" ay naglalarawan ng sikat na kwentong mitolohiya tungkol sa pagdukot ng magandang nymph Europa ni Zeus. Upang ipatupad ito, ginamit ng artist ang lubos kawili-wiling komposisyon, na lumilikha ng epekto ng unti-unting paglalahad ng pagkilos. Una, nakikita natin ang Europa na napapaligiran ng mga batang kaibigan sa isang namumulaklak na parang, pagkatapos ay lumilipat ito sa tabi ng dalisdis patungo sa dalampasigan at sa wakas, lumulutang ito sa mga alon ng walang katapusang dagat patungo sa malayong abot-tanaw. Ang artist ay pinamamahalaang hindi lamang upang makasagisag na kumatawan sa nilalaman ng alamat, ngunit din upang punan ang larawan ng premonition kalunos-lunos na pagtatapos. Ang malambot, kumukupas na mga tono ng kulay nito ay nakikita hindi bilang isang masayang himno sa kalikasan (magandang puno na may pattern na mga dahon, azure na kalangitan, walang katapusang dagat), ngunit bilang isang tahimik na himig, na pinupuno ng kalungkutan at mapanglaw.

Ang mga gawa sa mga tema ng mitolohiya ay lubhang nakapagtuturo para sa mga kontemporaryo. Tingnan ang painting na "Venus at Mars na konektado ni Cupid." Ang tagumpay ng malinis na pag-ibig ay inihahatid dito sa tulong ng maraming simbolikong detalye.

Sa kanan, isang kaakit-akit na batang lalaki na si Cupid na may malaking espada sa kanyang mga kamay ay sinusubukang pigilan ang isang kabayo - isang simbolo ng base ng passion. Sa likod ng mga magkasintahang Venus at Mars ay isang nakapirming estatwa ng isang Satyr, na nagpapakilala sa isang kaguluhan ng mga hilig.

Sa gawaing ito, ginamit ng artista ang kanyang paboritong pamamaraan: ang kaibahan ng liwanag sa dilim. Ang nakasisilaw na puting katawan ni Venus ay inilalarawan dito laban sa isang madilim na dingding, na lumilikha ng impresyon ng misteryo at misteryo ng kung ano ang nangyayari. Nakasisilaw sikat ng araw, dahan-dahang dumudulas sa mga figure, bigyan ang buong komposisyon ng isang espesyal na kilig ng buhay, puno ng alindog, kagalakan ng pagiging at ibinahaging pagmamahal. Ang ningning ng mabibigat na metal ng sandata ng militar ng Mars, ang nababanat na kabigatan ng brocade, ang gaan, halos walang timbang ng puting damit ng Venus ay perpektong naihatid.

Hanggang ngayon, namangha ang mga manonood sa napakahusay na kahusayan ng komposisyon at banayad na kahulugan ng kulay. Sinabi ng kritiko ng sining na si N.A. Dmitrieva:

“...Mahusay na inayos ni Veronese ang komposisyon, pinaghahambing ang mga figure sa mga kumbinasyon ng ritmo, spatial, at perspective na mga relasyon na nagbibigay ng maximum na kahanga-hangang epekto... naihatid pa niya ang pakiramdam ng maaliwalas na kapaligiran, ang kulay-pilak na lamig nito."

Si Paolo Veronese ay naging isa sa mga huling mang-aawit ng Renaissance, na taimtim na nangaral ng isang masaya at masayang pananaw sa buhay, isang artista ng isang maligaya, matikas at mayamang Venice. Dahil niluwalhati niya ang kanyang minamahal na lungsod, higit na hinulaan niya ang hinaharap na tagumpay nito.

Isang natatanging pintor ng Late Renaissance ay Jacopo Tintoretto(1518-1594) - master ng malalaking pagpipinta ng altar at luntiang pandekorasyon na mga pintura. Gumawa siya ng mga monumental na komposisyon sa mga paksang mitolohiya at bibliya, at nagpinta ng mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang kanyang mga gawa ay napuno ng kontradiksyon, trahedya na diwa ng panahon. Matingkad na pagiging totoo, interes sa paglalarawan ng mga ordinaryong tao mula sa mga tao, pambihirang pagpapahayag ng mga imahe, lalim ng pagsisiwalat ng mga sikolohikal na phenomena - ito ang nakikilala sa malikhaing istilo ng artist.

Natutunan ni Tintoretto ang sining ng pagpipinta mula sa pinakamahuhusay na masters sa kanyang panahon. Sa pintuan ng kanyang studio ay nakasulat ang malikhaing motto: "Pagguhit ni Michelangelo, pangkulay ni Titian." Tinatanggihan ang magkatugma at balanseng mga istruktura, malawakang ginamit ni Tintoretto ang mga komposisyon ng diagonal na pananaw. Maraming mga character ang ipinapakita mula sa mga naka-bold na anggulo. Sa kanyang trabaho, isang malaking papel ang ginagampanan ng mga kaibahan ng liwanag at anino, mga banayad na paglipat ng alinman sa naka-mute o maliwanag na kumikislap na mga kulay.

Ang pinakamahusay na mga pagpipinta ni Tintoretto ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang espesyal na drama, sikolohikal na lalim at katapangan ng mga solusyon sa komposisyon. Tamang nabanggit ni N.A. Dmitrieva:

"Sa mga komposisyon ni Tintoretto, isang ganap na galit na galit na kilusan ang naghahari: hindi niya pinahihintulutan ang kalmado, frontal figure - gusto niyang paikutin ang mga ito sa isang ipoipo na paglipad, tulad ng mga kaluluwa ng mga nangangalunya sa Dante's Inferno. Si Saint Mark ay literal na bumagsak mula sa langit papunta sa mga ulo ng mga pagano, ang anghel ng Annunciation ay mabilis na sumabog sa silid ni Maria kasama ang isang buong grupo ng putti. Ang paboritong tanawin ni Tintoretto ay isang mabagyo, na may maulap na ulap at mga kidlat."

Naabot ng artista ang rurok ng trahedya na pagpapahayag sa pagpipinta na "The Last Supper," isa sa mga pinakamahusay na interpretasyon ng sikat na kuwento sa Bibliya. Dito nakuha ang sandali nang si Kristo, na nagputolputol ng tinapay at ibinigay ito sa mga apostol, ay nagsabi: “Ito ang aking katawan.” Nagaganap ang aksyon sa setting ng isang maliit na Italian tavern. Sa isang mahabang mesa na nakalagay sa isang anggulo, pahilis na naghahati sa espasyo sa banal at makalupang mundo, nakikita natin ang maraming mga taong hindi maganda ang pananamit. Ang mga lingkod at ang may-ari ay naglipana, malinaw na gustong pasayahin ang mga bisita. Ang kadalian ng kanilang mga pose, kilos at galaw ay lumilikha ng impresyon ng isang eksenang hindi sinasadyang nakita ng manonood. Ang simple at kasabay na espirituwal na kilos ni Kristo sa pagpuputol ng tinapay ay nagdudulot ng matinding pananabik sa mga apostol. Siya ang nagpapahintulot sa mga apostol at sa amin, ang mga tagapakinig, na malinaw na madama ang nakatagong trahedya na kahulugan ng nangyayari. Ang impression na ito ay lalo na pinahusay ng halos kamangha-manghang pag-iilaw ng entablado. Nahuhulog sa mga spot sa mga figure, na makikita sa mga pinggan, at sa mga lugar na kumukuha ng mga indibidwal na bagay mula sa kadiliman, pinupuno ng liwanag ang larawan ng isang pakiramdam ng nakababahala na pag-igting at pagkabalisa. Ang malamig na ningning na ibinubuga ng kumikislap na halo sa paligid ng ulo ni Kristo at ang nagbabagang apoy ng lampara ay nagbabago sa mantel, prutas at mga kagamitang babasagin sa mesa kasama ang mga repleksyon nito. Mula sa hindi pangkaraniwang liwanag na ito, biglang lumitaw ang mga makamulto na pigura ng mga lumulutang na anghel.

Para sa Venetian church ng Scuolo di San Rocco, lumikha si Tintoretto ng isang napakagandang monumental na komposisyon na "The Crucifixion" (5 x 12 m). Ang balangkas ng Kristiyano dito ay hindi gaanong relihiyoso, ngunit isang malalim kahulugan ng tao. Ang pangunahing pokus ng komposisyon ay isang krus kasama ang ipinako sa krus at isang grupo ng mga tao sa paligid niya. Ang pagtatayo ng krus ay naganap lamang. Ito ay napakalaki na ito ay higit sa lahat ng mga figure at umabot sa tuktok na gilid ng larawan. Sa harap namin ay isang lalaki, pagod na pagod sa pagdurusa, na minamaliit ang pagbitay. Sa ibaba, sa paanan ng pagpapako sa krus, ay ang mga taong tapat na nakikiramay sa pagdurusa ni Kristo. Marahil sa sandaling iyon, sa isang sandali sa isang tahimik na pag-uusap, ang mga mata ng isa sa kanyang mga dating estudyante ay nagtagpo sa kanya. Sa magkabilang panig ng krusipiho, itinataas ng mga armadong mandirigma ang katawan ng dalawang tulisang ipinako sa mga krus. Sa likuran ay isang rumaragasang armadong pulutong - ang mga inutusang isagawa ang napakalaking pagpatay na ito.

Ang drama ng kung ano ang nangyayari ay pinahusay ng madilim na berdeng kulay-abo na background. Ang mga punit-punit na ulap ay tumatakbo sa madilim na mabagyong kalangitan, na paminsan-minsan ay naliliwanagan ng madilim na liwanag ng paglubog ng araw. Ang nakababahalang pagmuni-muni ng matingkad na pulang damit ng mga kamag-anak at disipulo ng Tagapagligtas ay nakikita sa kaibahan. Sa ningning ng mga kulay laban sa background ng takip-silim na kalangitan, si Kristo ay tila niyayakap ang lahat na ngayon ay dumating dito gamit ang kanyang mga kamay, na ipinako sa mga crossbar. Pinagpapala at pinatawad Niya ang magulong at makasalanang mundong ito kung saan siya minsan ay naparito.

Ang gawa ni Tintoretto ay karapat-dapat na natapos ang napakatalino na panahon ng Italian Renaissance at nagbukas ng daan sa mga bagong istilo at uso sa sining, at higit sa lahat Mannerism at Baroque.

Ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. naging turning point sa pag-unlad ng Italian Renaissance art. Humanismo, ang pinakamahalagang tagumpay ng panahon, ay nagsimulang magkaroon ng isang malinaw na trahedya na karakter. Sa lipunan, gaya ng sinabi ng kritiko ng sining na si A. A. Anikst, “naglalaho ang tiwala sa nalalapit at hindi maiiwasang tagumpay ng mga positibong prinsipyo ng buhay. Ang pakiramdam ng mga kalunus-lunos na kontradiksyon nito ay nagiging mas talamak. Ang lumang pananampalataya ay nagbibigay daan sa pag-aalinlangan. Ang mga humanista mismo ay hindi na nagtitiwala sa katwiran bilang isang mabuting puwersa na may kakayahang mag-renew ng buhay. Mayroon din silang mga pagdududa tungkol sa kalikasan ng tao - kung talagang nangingibabaw dito ang mabubuting prinsipyo."

Ang mga pagbabagong ito ay hindi makakaapekto sa pag-unlad ng sining. Ang trahedya na humanismo ng Renaissance ay nagbukas ng daan para sa mga bagong istilo sa artistikong pagkamalikhain, at higit sa lahat mannerism at baroque. Ang mannerism (Italian manierismo - mapagpanggap) ay lumitaw sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo. sa kailaliman ng Italian Renaissance at kalaunan ay naging laganap sa buong Europa. Ginamit ng mga Venetian artist ang salitang ito upang nangangahulugang "bagong magandang paraan," sa gayon sinusubukang makilala sa pagitan ng luma at bagong mga diskarte masining na pagkamalikhain.

Ang mannerist na mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-igting, pagiging mapagpanggap, labis na kadakilaan ng mga imahe na nasa mahigpit na pagkakahawak ng mga supernatural na puwersa, isang pagtanggi na ilarawan ang tunay na mundo at isang pag-atras sa isang kamangha-manghang, hindi mundong mundo, puno ng pagkabalisa, pagdududa at pagkabalisa, ang pamamayani ng ang pisikal kaysa sa espirituwal, isang kasaganaan ng mga panlabas na epekto at ang pagtugis ng "kagandahan." Mga sirang, "serpentine" na mga contour na linya, mga kaibahan ng liwanag at kulay, hindi inaasahang pagkakatugma ng malaki at maliit na mga plano, isang pile-up ng mga hubad na katawan, pagpahaba ng mga figure na hindi karaniwan para sa mata o, sa kabaligtaran, isang malinaw na pagbaba sa mga detalye, kawalang-tatag at pagiging kumplikado ng mga poses - ito ang nagpapakilala sa mga masining na gawa ng mannerism. Ito ang sikat na pagpipinta ng Italian artist na si Parmigianino (1503-1540) na "Madonna with a Long Neck".

Sakop ang mannerism iba't ibang uri artistikong pagkamalikhain - arkitektura, pagpipinta, iskultura at sining ng dekorasyon. Sa panlabas na pagsunod sa mga masters ng Renaissance, sinira ng mga mannerist ang pagkakaisa at balanse ng mga imahe na likas sa kanilang sining. Ang late mannerism ay nagiging eksklusibong courtly aristokratikong sining. Sinasalamin ang krisis ng sining ng Renaissance, ang mannerism ay nagbigay daan sa isang bagong istilo - Baroque.

Mga tanong at gawain

1. Ano ang mga katangian ng pagpipinta ng Venetian noong huling bahagi ng ika-15 - una kalahating XVI V.? Sumasang-ayon ka ba sa opinyon ng mga mananaliksik na ang pagpipinta ng Venetian ay isang "pista para sa mga mata"?

2. Ano ang naiiba sa malikhaing istilo ni Giorgione? Ano ang impresyon sa iyo ng mga gawa ng artista at bakit?

3. Ano ang kontribusyon ni Titian sa kasaysayan ng pagpipinta ng mundo? Anong mga masining na pagtuklas ang kanyang ginawa sa pamamaraan ng oil painting at makulay na palette?

4. Bakit tinawag na mang-aawit ng festive Venice si Veronese? Sumasang-ayon ka ba sa pahayag na ito? Pangatwiranan ang iyong sagot gamit ang mga halimbawa mula sa gawa ng artist na ito.

5. Ano ang mga katangian malikhaing paraan ng Tintoretto? Ano ang pagkakaiba ng gawa ng artist na ito mula sa mga gawa ng iba pang mga Venetian masters? Sabihin sa amin ang tungkol sa mga gawa na nakatuon sa mga paksa sa Bibliya. Ano masining na paraan nagbibigay ba sila ng malalim na pangkalahatang kahulugan?