Ang Tretyakov Gallery ay ang pinakamalaking museo ng pagpipinta ng Russia sa mundo. Nagsimula ang kasaysayan nito sa pribadong koleksyon ni Pavel Tretyakov.

Pinangarap ng mga artista na siya ang bibili ng kanilang mga gawa, kahit na si Tretyakov ay hindi palaging handang magbayad ng malaki. Marami ang nabihag ng pilantropong ito sa kanyang katamtamang katangian at mga demokratikong pananaw.

Nang ibigay ni Tretyakov ang kanyang gallery sa Moscow, Alexander III ipinagkaloob sa kanya ang titulo ng maharlika. Ngunit tumanggi si Pavel Mikhailovich, isinasaalang-alang ang kanyang sarili na hindi karapat-dapat dito!

Espesyal din ang lasa nito. Gusto niyang makita ang katapatan, sinseridad at sinseridad sa larawan. Binalewala niya ang akademiko at mapagpanggap na mga gawa na nilikha sa layuning mapabilib ang publiko.

Kaya naman, marami sa mga obrang binili niya ang sumubok ng panahon at kinikilala bilang mga obra maestra. Sasabihin ko sa iyo ang tungkol sa ilan sa kanila.

1. Ivan Shishkin. Rye. 1878.

Sa pagpipinta na "Rye" nakikita namin ang isang hindi kapani-paniwalang kumbinasyon ng mababang dilaw na rye at matataas na lumang pine tree. At marami pang iba kawili-wiling mga detalye. Napakababa ng mga lumilipad na tulin. Mga taong may braids na naglalakad sa kalsada.

Si Shishkin ay madalas na inakusahan ng pagiging masyadong photographic. At sa katunayan, kung mag-zoom ka sa larawan, makikita mo ang halos bawat spikelet.

Ngunit hindi ito ganoon kasimple. Sa gitna ng maringal na mga pine ay nakatayo ang isang pine tree na namatay, posibleng dahil sa tamaan ng kidlat. Ano ang gustong sabihin sa atin ng artista? Tungkol sa katotohanan na ang anumang puwersa ay maaaring masira sa magdamag?

Ang pagkakaroon ng nakaligtas sa pagkamatay ng kanyang asawa at dalawang anak, mailipat ni Shishkin ang gayong kalooban sa canvas. Ngunit gayunpaman, ginawa niya ang lahat upang ipakita ang kagandahan ng kalikasang Ruso.

2. Arkhip Kuindzhi. Pagkatapos ng ulan. 1879.

Bida Ang lahat ng mga painting ni Kuindzhi ay magaan. Bukod dito, ang artist ay hindi maipaliwanag na binago ang ordinaryong liwanag sa mahiwagang liwanag, na pinipili ang pinakamakulay na natural na phenomena. Kaya ito ay sa pagpipinta na "Pagkatapos ng Ulan."

Isang kakila-kilabot na bagyo ang dumaan. Nakakatakot ang hitsura ng brown-purple na kalangitan. Ngunit ang tanawin ay naiilaw na ng mga unang sinag. Malapit nang mahinog ang bahaghari. Ang damo pagkatapos ng ulan ay isang purong esmeralda na kulay.

Walang katiyakan na ang Kuindzhi ay nagpinta lamang mula sa buhay. Malamang na ang isang kabayo ay mananatili sa bukas na espasyo matinding bagyo. Malamang, idinagdag ang kanyang pigura upang mapahusay ang kaibahan sa pagitan ng mabagyong kalangitan at ng damong naliliwanagan ng araw.

Ang Kuindzhi ay orihinal hindi lamang bilang isang artista, kundi pati na rin bilang isang tao. Hindi tulad ng marami sa kanyang hindi gaanong mayayamang kasamahan, yumaman siya salamat sa matagumpay na mga transaksyon sa real estate. Ngunit namuhay siya nang mahinhin, ibinibigay ang lahat ng kanyang pera sa mga nangangailangan.

3. Viktor Vasnetsov. Tatlong prinsesa ng underworld. 1881.

Ang pagpipinta na "Tatlong Prinsesa" ay kinomisyon ni Savva Mamontov partikular para sa opisina ng riles ng karbon. Kinuha ni Vasnetsov bilang batayan kuwentong bayan tungkol sa ginto, pilak at tanso na mga prinsesa.

Ngunit binago niya ito nang husto, naiwan lamang ang gintong prinsesa. Nagdagdag ako ng dalawa pa sa sarili ko: ang prinsesa mamahaling bato at ang prinsesa ng karbon. Ang tatlo ay niluluwalhati ang kayamanan ng lupang Ruso.

Ang batang babae sa itim ay ang bunso, dahil ang karbon ay nagsimulang minahan mamaya kaysa sa ginto at mahalagang mga bato. Kaya naman mas moderno ang pananamit niya.

At ang damit ng Prinsesa ng Coal ay mas mahinhin. Pagkatapos ng lahat, ang layunin nito ay upang makinabang ang mga tao. At hindi para pagsilbihan ang kasakiman ng tao, gaya ng kailangang gawin ng dalawang nakatatandang kapatid na babae.

Gustung-gusto ni Tretyakov na bumili ng mga gawa mula sa Vasnetsov: sila ay mabuting magkaibigan. At hindi nakakagulat. Ang artista ay isang napakahinhin na tao.

Nang pumasok siya sa Academy of Arts, nalaman niyang nakapasa siya sa pagsusulit makalipas lamang ang isang taon. Nang muli akong kunin, natitiyak kong nabigo ako sa unang pagkakataon.

Subukan ang iyong sarili: kumuha ng online na pagsusulit

4. Ilya Repin. Tutubi. 1884.

Ang "Dragonfly" ay maaaring hindi sinasadyang mapagkamalang gawa ng isang impresyonista mula sa Paris. Pagkatapos ng lahat, siya ay napakasaya at maliwanag.

Isang bata ang nakaupo sa isang bar laban sa background ng isang maliwanag na kalangitan at ini-ugoy ang kanyang binti. Maririnig mo ang huni ng mga kuliglig at huni ng mga bumblebee.

Ang pinaka-nakakagulat na bagay ay hindi partikular na nagustuhan ni Repin ang mga impresyonista. Akala ko kulang sila sa plot. Ngunit hindi ko napigilan ang aking sarili nang simulan kong iguhit ang bata. Ang isa pang istilo ng pagsulat ay hindi sa anumang paraan ay humantong sa pagiging bata.

Sa pagpipinta na inilarawan ni Repin ang kanyang panganay na anak na babae Naniniwala ako. Bukod dito, siya mismo ang tumawag dito na Dragonfly. Pagkatapos ng lahat, ang asul na damit ay katulad ng kulay ng isang tutubi na nakaupo sa isang troso sa loob ng ilang segundo at hindi nagtagal ay pumailanlang sa kalangitan nang madali.

Nanirahan si Vera sa kanyang ama hanggang sa katapusan ng kanyang buhay. Hindi siya nagpakasal. Ilang tao ang nagsasalita ng papuri tungkol sa kanya. Kasama si Chukovsky, na kilala ng mabuti ang pamilyang Repin, si Korney Chukovsky.

Ayon sa kanyang mga alaala, si Vera Ilyinichna, nang walang pag-aatubili, ay nagbebenta ng mga pintura ng kanyang ama. At sa perang kinita ko ay binili ko ang sarili ko ng hikaw. Siya ay “mapanlinlang, duwag... at hangal sa isip at puso.” Ito ay isang malupit na kritisismo...

5. Valentin Serov. Batang babae na pinaliwanagan ng araw. 1888.

Ang isa pang pagpipinta, na pininturahan sa isang impresyonistikong paraan, ay itinatago sa Tretyakov Gallery. Ngunit ito ay nilikha na ni Valentin Serov.

Ang impresyonismo dito ay ipinahayag sa isang hindi kapani-paniwalang paglalaro ng liwanag at anino. Ang pagsikat ng araw, ang maliwanag na pag-iilaw ay naiiba sa madilim na balat ng isang puno at sa palda ng malalim. ng kulay asul.

Itinuring ni Serov na "Girl Illuminated by the Sun" ang kanyang pinakamahusay na pagpipinta, sa kabila ng katotohanan na ipininta niya ito sa edad na 23. Inamin niya sa mga kaibigan na sinubukan niyang lumikha ng katulad na bagay sa buong buhay niya, ngunit hindi ito gumana.

Ang kanyang pinsan na si Maria Simonovich ay nag-pose para kay Serov. Sa loob ng tatlong buong buwan, ilang oras araw-araw. Ang pintor ay nagtrabaho sa pagpipinta nang napakatagal at maingat na kahit na ang napaka-pasyenteng si Maria ay hindi nakatiis. Sa ika-apat na buwan ng trabaho, tumakas siya sa St. Petersburg sa ilalim ng dahilan ng pagsisimula ng mga klase.

Hindi lang dahil sa pagod ako. Tapos inamin niya na natatakot siya na baka sumobra ang kapatid niya. Bilang isang iskultor mismo, alam niya na kung walang katapusang gagawin mo ang mga pagbabago sa trabaho, maaari mong sirain ang lahat.

Marahil ay ginawa niya ang tama. At salamat sa kanya, ang larawan ay naging isang obra maestra. Pangalawa sa katanyagan lamang sa pagpipinta ni Serov.

6. Isaac Levitan. Higit sa walang hanggang kapayapaan. 1894.

Ang "Above Eternal Peace" ay isa sa pinaka-Russian at pilosopiko na tanawin ng Levitan. Ang unibersal na sukat ng kalawakan ng ilog ay kaibahan sa marupok buhay ng tao. Ang simbolo nito ay isang halos hindi kapansin-pansin na liwanag na nasusunog sa simbahan.

Itinuring mismo ni Levitan ang larawang ito na napakahalaga, nakikita sa loob nito ang isang salamin ng kanyang pagkatao at kaluluwa. Ngunit sa parehong oras ay natakot siya sa kanya. Tila sa kanya ay nagmula ang lamig ng kawalang-hanggan, na "nilamon ng maraming henerasyon at lalamunin pa."

Si Levitan ay isang mapanglaw na tao, madaling kapitan ng malungkot na pag-iisip at pagkilos. Kaya, isang taon matapos ipinta ang larawang ito, gumawa siya ng isang pagtatangkang magpakamatay. Ang pagiging malungkot dahil sa mga pagbabago Personal na buhay. Sa oras na iyon, dalawang babae ang umibig sa kanya nang sabay-sabay: mag-ina.

Sa pangkalahatan, ang larawang ito ay isang katalista para sa iyong pananaw sa mundo. Kung ikaw ay isang optimistikong tao, mas malamang na makaramdam ka ng inspirasyon sa pagmumuni-muni ng espasyo. Kung ikaw ay isang pessimist, pagkatapos ay asahan ang iba't ibang mga emosyon. Malamang na hindi ka komportable sa nakakaubos na espasyo. Mikhail Vrubel. Lilac. 1900. State Tretyakov Gallery, Moscow. Natanggap mula sa I. Ostroukhov Museum noong 1929.

Sa pagpipinta ni Vrubel nakita namin ang isang kapansin-pansing magandang lilac. Isinulat ito gamit ang isang palette knife*, kaya ang mga kumpol ng mga inflorescences ay mukhang malalaking kristal na may hindi pangkaraniwang kulay: mula sa mapusyaw na asul hanggang sa lila. Sa pangkalahatan, napakaraming mga bulaklak na ito sa larawan na maaari mong amoy ang lila.

Laban sa background ng bush, lumilitaw ang mga balangkas ng isang batang babae - ang kaluluwa ng lilac. Tanging malalaking maitim na mata, makapal na buhok at magagandang kamay ang nakikita namin. Ang batang babae, hindi katulad ng lila, ay pininturahan ng isang brush. Binibigyang-diin nito ang unreality nito.

Ang isang pagpipinta ay maaaring magbalik sa atin sa pagkabata. Pagkatapos ng lahat, ito ay pagkatapos na kami ay hilig upang makita ang ibang mundo. Dito ka naglalakad sa isang landas sa gitna ng mga lilac bushes sa huling bahagi ng takip-silim at sumisilip sa halamanan. At iginuhit sa atin ng ating imahinasyon ang hindi alam: mga mata o silhouette ng isang tao.

Si Vrubel, hindi tulad ng isang ordinaryong tao, ay pinanatili ang espesyal na pangitain na ito sa buong buhay niya. Sa kanyang imahinasyon, bumulusok siya sa ibang mundo at saka ipinakita sa amin. Sa anyo ng mga demonyo, seraphim o mga kaluluwa ng puno.

Ngunit isang araw ay hindi niya mahanap ang kanyang daan pabalik. Di-nagtagal pagkatapos isulat ang "Lilac," nagsimulang umunlad si Vrubel mental disorder. Dahan-dahan siyang nawala sa pagkabihag sa ibang mga mundo at namatay noong 1910.

Napakaraming obra maestra ng pagpipinta ng Russia sa Tretyakov Gallery kaya nahirapan akong pumili ng pitong painting lamang. Tiyak na may hindi nagustuhan. Pagkatapos ng lahat, hindi ko isinama sa artikulo ang pinakasikat na mga obra maestra tulad ng. At hindi pa niya napag-uusapan ang tungkol kay Vereshchagin at.

Ginabayan ako ng sarili kong panlasa, pinili ang mga gawang talagang humanga sa akin. Kung hindi mo pa napapansin ang mga ito noon, sana ay nakagawa ka ng mga bagong tuklas para sa iyong sarili.

* Isang manipis na spatula na ginagamit ng mga artist para ilapat ang primer sa canvas (ang base para sa layer ng pintura ng painting). Minsan ginagamit din ang tool na ito para sa paglalagay ng pintura.

Para sa mga hindi gustong makaligtaan ang mga pinaka-kagiliw-giliw na bagay tungkol sa mga artista at mga kuwadro na gawa. Iwanan ang iyong e-mail (sa form sa ibaba ng teksto), at ikaw ang unang makakaalam tungkol sa mga bagong artikulo sa aking blog.

PS. Subukan ang iyong sarili: kumuha ng online na pagsusulit

1. Leonardo da Vinci. Mona Lisa. Ang pinakakilalang larawan sa mundo ay maraming maituturo sa mga photographer, ngunit ang pangunahing bagay ay kung anong uri ng relasyon ang dapat sa paksa. Tulad ng maraming beses na sinabi, ang kanyang ngiti ay nagsasalita ng espesyal na bono sa pagitan ng artist at modelo. Ito ang dapat pagsikapan ng bawat photographer kapag gumagawa ng mga portrait.

2. Rafael. Paaralan ng Athens. Mas gusto ng maraming photographer na kumuha ng litrato ng mga indibidwal na bagay. Isang tao, isang bagay at isang sandali. Ang gawaing ito ay mula sa mga oras na ang isang pagpipinta ay tumagal ng kalahating oras upang tingnan. Mayroong isang dosenang nangyayari dito iba't ibang sitwasyon at wala sa kanila ang nakikialam sa isa. Napakahalaga na makapag-compose ng isang multi-faceted na eksena sa isang frame.

3. Jan Vermeer. Batang babae na may hikaw na perlas. Gusto ni Vermeer ang ilaw sa bintana. Ito ang pinakamagandang ilaw para sa mga portrait. Kapag gumagamit kami ng studio lighting o flash, sinusubukan naming makamit ang kahit malayong magandang liwanag. Katulad sa Mona Lisa portrait, may koneksyon sa artist na ipinaparating sa manonood.

4. Edward Hopper. Nighthawks. Ang lahat ng mga photographer ay naghahanap ng mga maiikling sandali na kasunod ay "magkakabit" sa manonood. Ang pagpipinta na ito ay umaakit ng pansin dahil sa pagiging mahinahon nito. Dapat subukan ng mga photographer na makita at makuha ang mga sandaling tulad nito.

5. M. Escher. Bola ng kamay at salamin. Isa sa mga bagay na dapat gawin ng sinumang photographer ay magpakita ng pananaw sa photography.

6. Norman Rockwell. Tsismis. Pagsasalaysay sa pamamagitan ng ekspresyon ng mukha. Hindi natin kailangang malaman ang mga tsismis mismo para maunawaan kung ano ang nangyayari sa larawang ito. Ang kakayahang kumuha ng "pakikipag-usap" na ekspresyon ng mukha ay isang mahalagang kasanayan para sa isang photographer.

7. Norman Rockwell. Ang pagtakas. Si Norman Rockwell ay may talento sa pag-akit sa mga alaala ng mga manonood kapag nakita nila ang kanyang mga pintura. Ang kuwentong isinasaad ng gawaing ito ay higit pa sa kung minsan ay masasabi ng isang buong libro. Gumawa ng larawang tulad nito at magdadala ito sa iyo ng tagumpay.

8. Andy Warhol. Ang ilang mga photographer ay nahihirapang maghanap ng mga paksang kukunan. Naghahanap sila ng isang bagay na kapana-panabik. Higit na mahalaga ang makapag-transform simpleng bagay sa isang bagay na hindi pangkaraniwang, at iyon mismo ang ginawa ni Warhol sa mga lata ng sopas.

9. Gustav Klimt. Halik. Maraming photographer ang sumusunod sa pinakabagong uso sa photography. Mayroong milyun-milyong larawan sa Internet gamit ang HDR (High Dynamic Range), kung saan ang tatlong frame ng parehong eksena ay kinunan sa iba't ibang exposure at pinagsama gamit ang isang editor. Ito ay isang pagkakamali na isipin na ang pagiging bago ay sapat na, na maaari kang mag-shoot ng anumang bagay gamit ang diskarteng ito at ito ay gagana. Magandang larawan. Si Klimt ay napaka sikat para sa kanyang inilarawan sa pangkinaugalian na mga pagpipinta, ngunit sa isang ito ay nagpapakita siya ng isang sandali ng malalim na koneksyon sa pagitan ng mga bagay. Dapat itong magsilbing aral sa lahat ng photographer.

11. Michelangelo. Kisame ng Sistine Chapel. Ang isang mahusay na kasanayan para sa isang photographer ay tumingin sa mga bagay mula sa iba't ibang mga anggulo upang makuha ang pinakamahusay na kuha. Huwag hayaan ang awkward posture na humadlang sa inspirasyon. Shoot, kahit na kailangan mong tumingin ng diretso.

12. Salvador Dali. Tatlong Sphinx ng Bikini Island. Mahalagang makita ang paulit-ulit na mga hugis at texture sa photography at lumikha ng magagandang kuha batay sa mga ito.

13. Banksy graffiti. Si Banksy ay isang master ng pagsasama-sama ng mga bagay na hindi magkatugma. Inaasahan mong makakita ng isang bagay, ngunit sorpresa ka niya sa isang bagay na ganap na naiiba.

14. William Blake. Mahusay na arkitekto. Maaaring turuan ni Blake ang mga photographer kung paano balansehin ang inspirasyon at pamamaraan.

15. Vincent Van Gogh. Night cafe. Dapat nating kunan ng larawan ang mga bagay na may kahulugan sa atin. Kapag tiningnan mo ang larawang ito, naiintindihan mo na mayroon ang cafe na ito tiyak na halaga para kay Van Gogh, mahalaga ito sa kanya.

16. Katsushika Hokusai. Malaking alon sa Kanagawa. Ang mga mapagpasyang sandali ay hindi lamang nangyayari sa buhay ng mga tao. Ang mga photographer ay dapat maghanap ng mga katulad na sandali sa mundo sa kanilang paligid.

17. Hiroshige. Isang babaeng naglalakad sa kalsada sa mga bukid. Dapat tiyakin ng photographer na ang lahat ng nasa frame ay tumutugma sa mga aksyon ng pangunahing paksa. Halimbawa, dito ang mga linya ng puno, ang landas at ang mga tao ay magkatulad.

18. Mga gawa ni Edgar Muller. Si Müller ay isang dalubhasa sa pananaw. Depende sa distansya kung saan mo tinitingnan ang kanyang trabaho, ang ilusyon ng lalim ay nagbabago nang radikal. Maaari nitong turuan ang mga photographer na huwag tumigil sa paghahanap ng tamang anggulo.

19. Georgia O'Keeffe. Mac. Mayroong isang buong "subculture" ng flora photography. Mahusay ang Georgia O'Keeffe para makakuha ng inspirasyon para sa pagkuha ng litrato ng mga bulaklak.

20. Emily Carr.Kitwancool. Si Emily Car ay sikat sa kanyang mga totem painting. Ginugol niya ang kanyang buong buhay sa paghahanap ng mga totem para sa kanyang mga gawa. Ang mga photographer ay dapat palaging nasa pagbabantay para sa mga proyekto. Isang tiyak na paksa na maaaring pag-aralan at ipakita sa pamamagitan ng isang serye ng mga larawan.

21. Pierre Auguste Renoir. Bola sa Moulin de la Galette. Ito perpektong halimbawa mga larawan ng maraming bagay na hindi nakikipagkumpitensya sa pangunahing bagay.

22. Grant Wood. Amerikanong Gothic. Ang American Gothic ni Grant Wood ay isang magandang halimbawa kung paano ang paksa ay nag-proyekto at sumasalamin sa kapaligiran. Sinubukan ni Grant Wood na isipin kung anong uri ng mga tao ang maaaring manirahan sa bahay sa likuran. Ang bahay na ito at ang mag-asawa ay may halos pisikal na pagkakahawig.

23. Edouard Monet. Chez le père Lathuille. Maaaring isang street photography ang eksenang ito.

Ang pinong sining ay maaaring magbigay ng isang buong hanay ng mga emosyon. Ang ilang mga larawan ay nakatitig sa iyo nang maraming oras, habang ang iba ay literal na nabigla, namamangha at "pasabog ang iyong utak," at kasama nito ang iyong pananaw sa mundo.

May mga ganitong obra maestra na nagpapaisip at naghahanap lihim na kahulugan. Ang ilang mga pagpipinta ay nababalot ng mga misteryosong misteryo, habang sa iba ang pangunahing bagay ay ang mga ito ay labis na labis. mataas na presyo. Masasabi nating ang pagpipinta, kung hindi natin isasaalang-alang ang mga realista, ay noon pa man, ay kakaiba, at magiging kakaiba. Ngunit ang ilang mga pagpipinta ay hindi kilala kaysa sa iba. At kahit na ang mismong konsepto ng pagiging kakaiba ay subjective, maaari nating i-highlight ang mga iyon mga tanyag na gawa, na malinaw na namumukod-tangi sa pangkalahatang serye.

Edvard Munch "The Scream".

Ang gawain, na may sukat na 91x73.5 cm, ay nilikha noong 1893. Ipininta ito ni Munch sa mga langis, pastel at tempera; ngayon ang pagpipinta ay itinago sa Oslo National Gallery. Ang paglikha ng artist ay naging iconic para sa impresyonismo; ito ay karaniwang isa sa pinakasikat na mga painting sa mundo ngayon. Sinabi mismo ni Munch ang kuwento ng paglikha nito: "Naglalakad ako sa isang landas kasama ang dalawang kaibigan. Sa oras na ito lumulubog na ang araw. Biglang namula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at sumandal sa bakod. Tiningnan ko ang dugo at apoy sa ibabaw ng mala-bughaw na itim na fiord at lungsod. Ang aking mga kaibigan ay lumipat, ngunit ako ay nakatayo pa rin, nanginginig sa pananabik, nadama ang walang katapusang pag-iyak na tumatagos sa kalikasan.

Mayroong dalawang bersyon ng interpretasyon ng iginuhit na kahulugan. Maaari nating ipagpalagay na ang itinatanghal na karakter ay nahahawakan ng kakila-kilabot at tahimik na sumisigaw habang ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga. Sabi ng isa pang bersyon, tinakpan ng lalaki ang kanyang tenga dahil sa hiyawan sa kanyang paligid. Sa kabuuan, gumawa si Munch ng hanggang 4 na bersyon ng "The Scream". Naniniwala ang ilang mga eksperto na ang pagpipinta na ito ay isang klasikong pagpapakita ng manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artist. Nang magamot si Munch sa klinika, hindi na siya bumalik sa pagpipinta na ito.

Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?".

Sa Boston Museum of Fine Arts makikita mo ang impresyonistang gawang ito na may sukat na 139.1 x 374.6 cm. Ipininta ito sa langis sa canvas noong 1897-1898. Ang malalim na gawaing ito ay isinulat ni Gauguin sa Tahiti, kung saan siya nagretiro mula sa pagmamadalian ng buhay Parisian. Ang pagpipinta ay naging napakahalaga para sa pintor na pagkatapos nitong makumpleto ay gusto pa niyang magpakamatay. Naniniwala si Gauguin na ito ay higit sa lahat ng nilikha niya noon. Naniniwala ang artista na hindi siya makakagawa ng isang bagay na mas mahusay o katulad; wala na siyang ibang pagsusumikapan.

Nabuhay si Gauguin ng isa pang 5 taon, na pinatunayan ang katotohanan ng kanyang mga paghatol. Siya mismo ang nagsabi na ang kanyang pangunahing larawan ay dapat tingnan mula kanan hanggang kaliwa. Mayroong tatlong pangunahing grupo ng mga figure dito, na nagpapakilala sa mga isyu kung saan pinamagatang ang canvas. Tatlong babaeng may anak ang nagpapakita ng simula ng buhay, sa gitna ang mga tao ay sumasagisag sa kapanahunan, at ang katandaan ay kinakatawan ng isang matandang babae na naghihintay sa kanyang kamatayan. Mukhang naintindihan na niya ito at may sarili siyang iniisip. Sa kanyang paanan ay isang puting ibon, na sumisimbolo sa kawalan ng kahulugan ng mga salita.

Pablo Picasso "Guernica".

Ang likha ni Picasso ay itinago sa Reina Sofia Museum sa Madrid. Isang malaking painting na may sukat na 349 by 776 cm, pininturahan ng langis sa canvas. Ang fresco painting na ito ay nilikha noong 1937. Ang pelikula ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng mga pasistang boluntaryong piloto sa lungsod ng Guernica. Bilang resulta ng mga pangyayaring iyon, ang isang lungsod na may populasyon na 6 na libong tao ay ganap na napawi sa balat ng lupa.

Nilikha ng artist ang pagpipinta na ito sa literal na isang buwan. Sa mga unang araw, nagtrabaho si Picasso ng 10-12 oras, sa kanyang pinakaunang mga sketch ay makikita na ng isa. pangunahing ideya. Bilang isang resulta, ang larawan ay naging isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng lahat ng mga kakila-kilabot ng pasismo, kalupitan at kalungkutan ng tao. Sa Guernica makikita ang isang eksena ng kalupitan, karahasan, kamatayan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan. Bagama't ang mga dahilan para dito ay hindi tahasang nakasaad, ang mga ito ay malinaw sa kasaysayan. Sinabi nila na noong 1940 ay ipinatawag pa si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad siyang tinanong: "Ginawa mo ba ito?" Kung saan sumagot ang artist: "Hindi, ginawa mo ito."

Jan van Eyck "Larawan ng mag-asawang Arnolfini."

Ang pagpipinta na ito ay ipininta noong 1434 sa langis sa kahoy. Ang mga sukat ng obra maestra ay 81.8x59.7 cm, at ito ay naka-imbak sa London National Gallery. Marahil ang pagpipinta ay naglalarawan kay Giovanni di Nicolao Arnolfini kasama ang kanyang asawa. Ang gawain ay isa sa pinakamahirap sa Western school of painting of times Hilagang Renaissance.

Dito sa sikat na pagpipinta isang malaking bilang ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga pahiwatig. Tingnan lamang ang pirma ng artist na "Narito si Jan van Eyck." Bilang isang resulta, ang pagpipinta ay hindi lamang isang gawa ng sining, ngunit isang tunay na makasaysayang dokumento. Pagkatapos ng lahat, ito ay naglalarawan totoong pangyayari, na nakuha ni van Eyck.

Mikhail Vrubel "Ang Nakaupo na Demonyo".

Ang Tretyakov Gallery ay naglalaman ng obra maestra na ito ni Mikhail Vrubel, na pininturahan ng mga langis noong 1890. Ang mga sukat ng canvas ay 114x211 cm. Nakakagulat ang demonyong inilalarawan dito. Lumilitaw siya bilang isang malungkot na binata kasama mahabang buhok. Hindi ganito ang karaniwang inilalarawan ng mga tao sa masasamang espiritu. Si Vrubel mismo ang nagsabi tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta na sa kanyang pag-unawa ang demonyo ay hindi isang masamang espiritu kundi isang nagdurusa. Kasabay nito, hindi maikakaila sa kanya ang awtoridad at kamahalan.

Ang demonyo ni Vrubel ay isang imahe, una sa lahat, ng espiritu ng tao, ang patuloy na pakikibaka sa sarili at pagdududa na naghahari sa loob natin. Ang nilalang na ito, na napapalibutan ng mga bulaklak, ay kalunos-lunos na nagkapit ng mga kamay, ang malalaking mata nito ay malungkot na nakatingin sa malayo. Ang buong komposisyon ay nagpapahayag ng pagpilit ng pigura ng demonyo. Para siyang na-sandwich sa larawang ito sa pagitan ng itaas at ibaba ng picture frame.

Vasily Vereshchagin "Apotheosis of War".

Ang larawan ay ipininta noong 1871, ngunit sa loob nito ay tila nakita ng may-akda ang mga kakila-kilabot sa hinaharap na mga Digmaang Pandaigdig. Ang canvas na may sukat na 127x197 cm ay itinatago sa Tretyakov Gallery. Ang Vereshchagin ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng labanan pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, hindi siya sumulat ng mga digmaan at labanan dahil mahal niya ang mga ito. Artista ibig sabihin sining biswal sinubukang ipahiwatig sa mga tao ang kanyang negatibong saloobin sa digmaan. Minsan nangako si Vereshchagin na hindi na magpinta ng mga painting sa labanan. Pagkatapos ng lahat, kinuha ng artista ang kalungkutan ng bawat nasugatan at namatay na sundalo na masyadong malapit sa kanyang puso. Ang resulta ng gayong taos-pusong saloobin sa paksang ito ay "The Apotheosis of War."

Ang isang nakakatakot at nakakabighaning larawan ay naglalarawan ng isang bundok ng mga bungo ng tao sa isang parang na may mga uwak sa paligid. Ang Vereshchagin ay lumikha ng isang emosyonal na canvas; sa likod ng bawat bungo sa isang malaking pile ay maaaring matunton ang kasaysayan at kapalaran ng mga indibidwal at mga taong malapit sa kanila. Ang artist mismo ay sarkastikong tinawag ang pagpipinta na ito na isang buhay na buhay, dahil inilalarawan nito ang patay na kalikasan. Ang lahat ng mga detalye ng "Apotheosis of War" ay sumisigaw tungkol sa kamatayan at kawalan ng laman, ito ay makikita kahit na sa dilaw na background ng lupa. At ang bughaw ng langit ay binibigyang-diin lamang ang kamatayan. Ang ideya ng mga kakila-kilabot na digmaan ay binibigyang diin ng mga butas ng bala at mga marka ng sable sa mga bungo.

Grant Wood "American Gothic"

Ang maliit na pagpipinta na ito ay may sukat na 74 by 62 cm. Nilikha ito noong 1930 at ngayon ay nakatago sa Art Institute of Chicago. Ang larawan ay isa sa pinaka sikat na mga halimbawa Amerikanong sining ng huling siglo. Nasa ating panahon, ang pangalan ng "American Gothic" ay madalas na binabanggit sa media. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang medyo madilim na ama at kanyang anak na babae.

Maraming mga detalye ang nagsasabi ng kalubhaan, puritanism at ossification ng mga taong ito. May mga mukha silang hindi nasisiyahan, may mga agresibong pitchfork sa gitna ng larawan, at ang mga damit ng mag-asawa ay makaluma kahit sa pamantayan ng panahon. Maging ang tahi sa damit ng isang magsasaka ay sumusunod sa hugis ng pitchfork, na nagdodoble sa banta sa mga taong manghihimasok sa kanyang paraan ng pamumuhay. Ang mga detalye ng larawan ay maaaring pag-aralan nang walang hanggan, pisikal na nakakaramdam ng kakulangan sa ginhawa.

Ito ay kagiliw-giliw na sa isang pagkakataon, sa isang kumpetisyon sa Art Institute of Chicago, ang larawan ay tinanggap ng mga hukom bilang nakakatawa. Ngunit ang mga residente ng Iowa ay nasaktan ng artist para sa pagpapakita sa kanila sa isang hindi magandang tingnan na anggulo. Ang modelo para sa babae ay kapatid ni Wood, ngunit ang prototype para sa galit na lalaki ay ang dentista ng pintor.

Rene Magritte "Lovers".

Ang pagpipinta ay ipininta noong 1928 sa langis sa canvas. Sa kasong ito, mayroong dalawang pagpipilian. Sa isa sa kanila, isang lalaki at isang babae ang naghahalikan, ang kanilang mga ulo lamang ang nakabalot sa puting tela. Sa ibang bersyon ng pagpipinta, ang mga mahilig ay tumitingin sa manonood. Ano ang iginuhit parehong sorpresa at fascinates. Ang mga figure na walang mukha ay sumisimbolo sa pagkabulag ng pag-ibig. Alam na ang mga mahilig ay hindi nakikita ang sinuman sa paligid, ngunit hindi natin matukoy ang kanilang tunay na damdamin. Kahit para sa isa't isa, ang mga taong ito, na nabulag ng pakiramdam, ay talagang isang misteryo.

At bagama't ang pangunahing mensahe ng pelikula ay tila malinaw, ang "Lovers" ay nagpapatingin pa rin sa kanila at nag-iisip tungkol sa pag-ibig. Sa pangkalahatan, halos lahat ng mga pagpipinta ni Magritte ay mga palaisipan, na ganap na imposibleng malutas. Pagkatapos ng lahat, itinaas ng mga kuwadro na ito ang mga pangunahing katanungan tungkol sa kahulugan ng ating buhay. Sa kanila, pinag-uusapan ng artista ang ilusyon na katangian ng nakikita natin, tungkol sa katotohanan na maraming mahiwagang bagay sa paligid natin na sinusubukan nating huwag pansinin.

Marc Chagall "Maglakad".

Ang pagpipinta ay ipininta sa langis sa canvas noong 1917, at ngayon ay nakatago sa State Tretyakov Gallery. Sa kanyang mga gawa, kadalasang seryoso si Marc Chagall, ngunit dito niya pinahintulutan ang kanyang sarili na ipakita ang kanyang nararamdaman. Ang pagpipinta ay nagpapahayag ng personal na kaligayahan ng artist; ito ay puno ng pagmamahal at mga alegorya.

Ang kanyang "Lakad" ay isang self-portrait, kung saan inilarawan ni Chagall ang kanyang asawang si Bella sa tabi niya. Ang kanyang pinili ay pumailanglang sa langit, malapit na niyang kaladkarin ang artista doon, na halos umalis na sa lupa, hinawakan lamang ito ng mga dulo ng kanyang sapatos. Sa kabilang kamay ng lalaki ay isang tite. Masasabi nating ganito ang paglalarawan ni Chagall sa kanyang kaligayahan. Mayroon siyang pie sa kalangitan sa anyo ng kanyang minamahal na babae, at isang ibon sa kanyang mga kamay, kung saan ang ibig niyang sabihin ay ang kanyang pagkamalikhain.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights".

Ang canvas na ito na may sukat na 389x220 cm ay itinatago sa Spanish Museum of Law. Ipininta ni Bosch ang oil painting sa kahoy sa pagitan ng 1500 at 1510. Ito ang pinakasikat na triptych ng Bosch, kahit na ang pagpipinta ay may tatlong bahagi, ito ay pinangalanan pagkatapos ng gitnang isa, na nakatuon sa pagiging kaakit-akit. Mayroong patuloy na mga debate sa paligid ng kahulugan ng kakaibang pagpipinta; walang interpretasyon nito na makikilala bilang ang tanging tama.

Ang interes sa triptych ay lumitaw dahil sa maraming maliliit na detalye na nagpapahayag ng pangunahing ideya. May mga translucent figure, hindi pangkaraniwang istruktura, halimaw, bangungot at pangitain na nagkatotoo, at mala-impyernong pagkakaiba-iba ng katotohanan. Nagawa ng artist na tingnan ang lahat ng ito nang may matalim at naghahanap na titig, na namamahala upang pagsamahin ang hindi magkatulad na mga elemento sa isang solong canvas.

Sinubukan ng ilang mananaliksik na makita sa larawan ang repleksyon ng buhay ng tao, na ipinakita ng may-akda bilang walang saysay. Ang iba ay nakahanap ng mga larawan ng pag-ibig, ang iba ay natuklasan ang tagumpay ng pagiging kaakit-akit. Gayunpaman, ito ay nagdududa na ang may-akda ay nagsisikap na luwalhatiin ang makalaman na kasiyahan. Pagkatapos ng lahat, ang mga figure ng tao ay inilalarawan na may malamig na detatsment at pagiging simple. At ang mga awtoridad ng simbahan ay tumugon nang lubos sa pagpipinta na ito ni Bosch.

Gustav Klimt "Ang Tatlong Panahon ng Babae."

Sa Rome National Gallery kontemporaryong sining ang larawang ito ay matatagpuan. Ang parisukat na canvas, 180 cm ang lapad, ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1905. Ang pagpipinta na ito ay nagpapahayag ng parehong kagalakan at kalungkutan sa parehong oras. Naipakita ng artista ang buong buhay ng isang babae sa tatlong pigura. Ang una, bata pa, ay sobrang walang pakialam. Ang isang mature na babae ay nagpapahayag ng kapayapaan, habang ang huling edad ay sumisimbolo ng kawalan ng pag-asa. Kung saan average na edad organikong hinabi sa pattern ng buhay, at ang luma ay kapansin-pansing kapansin-pansin laban sa background nito.

Ang malinaw na kaibahan sa pagitan ng kabataang babae at ng mas matanda ay simboliko. Kung ang pag-unlad ng buhay ay sinamahan ng maraming mga posibilidad at pagbabago, kung gayon ang huling yugto ay isang nakatanim na katatagan at salungat sa katotohanan. Ang ganitong larawan ay nakakaakit ng pansin at nagpapaisip sa iyo tungkol sa intensyon ng artist at sa lalim nito. Naglalaman ito ng lahat ng buhay kasama ang hindi maiiwasan at metamorphoses nito.

Egon Schiele "Pamilya".

Ang canvas na ito na may sukat na 152.5x162.5 cm ay pininturahan ng langis noong 1918. Sa ngayon, ito ay iniingatan sa Vienna Belvedere. Ang guro ni Schiele ay si Klimt mismo, ngunit hindi sinubukan ng estudyante na masigasig na kopyahin siya, na naghahanap ng kanyang sariling mga paraan ng pagpapahayag. Ligtas nating masasabi na ang mga gawa ni Schiele ay mas trahedya, nakakatakot at kakaiba kaysa kay Klimt.

Ang ilang mga elemento ngayon ay tatawaging pornograpiko, mayroong maraming iba't ibang mga perversion, naturalismo ay naroroon sa lahat ng kagandahan nito. Kasabay nito, ang mga kuwadro na gawa ay literal na natatakpan ng ilang uri ng masakit na kawalan ng pag-asa. Ang tuktok ng trabaho ni Schiele at ang kanyang pinakahuling pagpipinta ay "Pamilya".

Sa pagpipinta na ito, ang kawalan ng pag-asa ay dinadala sa maximum, habang ang gawain mismo ay naging hindi gaanong kakaiba para sa may-akda. Matapos mamatay ang buntis na asawa ni Schiele sa trangkasong Espanyol, at ilang sandali bago siya mamatay, nilikha ang obra maestra na ito. 3 araw lamang ang lumipas sa pagitan ng dalawang pagkamatay; sapat na ang mga ito para ilarawan ng artista ang kanyang sarili kasama ang kanyang asawa at ang kanyang asawa ipinanganak na bata. Noong panahong iyon, si Shila ay 28 taong gulang pa lamang.

Frida Kahlo "Dalawang Fridas".

Ang larawan ay ipinanganak noong 1939. Ang Mexican artist na si Frida Kahlo ay sumikat pagkatapos ng pagpapalabas ng isang pelikula tungkol sa kanya kasama si Salma Hayek nangungunang papel. Ang gawa ng artista ay batay sa kanyang sariling mga larawan. Siya mismo ang nagpaliwanag sa katotohanang ito tulad ng sumusunod: "Sinusulat ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na mag-isa at dahil ako ang paksa na alam ko."

Ito ay kagiliw-giliw na si Frida ay hindi ngumiti sa alinman sa kanyang mga kuwadro na gawa. Seryoso ang mukha niya, kahit medyo malungkot. Ang mga fused makapal na kilay at isang bahagya na kapansin-pansin na bigote sa itaas ng mga naka-compress na labi ay nagpapahayag ng pinakamataas na kaseryosohan. Ang mga ideya ng mga kuwadro ay namamalagi sa mga figure, background at mga detalye ng kung ano ang nakapaligid kay Frida.

Ang simbolismo ng mga kuwadro na gawa ay batay sa pambansang tradisyon Mexico, malapit na nauugnay sa lumang mitolohiya ng India. Ang "The Two Fridas" ay isa sa pinakamagandang painting ng Mexican artist. Ipinapakita nito ang panlalaki at pambabae, pagkakaroon ng single daluyan ng dugo sa katawan. Kaya, ipinakita ng artista ang pagkakaisa at integridad ng dalawang magkasalungat na ito.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Epekto ng fog."

Sa St. Petersburg Hermitage mahahanap mo ang painting na ito ni Monet. Ito ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1899. Sa mas malapit na pagsusuri sa pagpipinta, lumilitaw ito bilang isang lilang lugar na may makapal na mga stroke na inilapat dito. Gayunpaman, lumayo sa canvas, naiintindihan ng manonood ang lahat ng mahika nito.

Una, makikita ang malabong kalahating bilog na tumatakbo sa gitna ng larawan, at lumilitaw ang mga balangkas ng mga bangka. At mula sa isang distansya ng ilang metro ay makikita mo na ang lahat ng mga elemento ng larawan na konektado sa isang lohikal na kadena, ang mga tala ng adme.ru.

Jackson Pollock "Bilang 5, 1948".

Ang Pollock ay isang klasiko ng abstract expressionism genre. Ang kanyang pinaka sikat na larawan ay sa ngayon ang pinakamahal sa mundo. At pininturahan ito ng pintor noong 1948, ibinubuhos lamang pintura ng langis sa fiberboard na may sukat na 240x120 cm sa sahig. Noong 2006, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $140 milyon.

Ang dating may-ari, kolektor at producer ng pelikula na si David Giffen, ay ibinenta ito sa Mexican financier na si David Martinez. Sinabi ni Pollock na nagpasya siyang lumayo sa mga pamilyar na tool ng artist bilang isang easel, mga pintura at mga brush. Ang kanyang mga gamit ay patpat, kutsilyo, scoop at umaagos na pintura. Ginamit din niya ang pinaghalong buhangin o kahit basag na baso.

Simula sa paglikha, sumuko si Pollock sa inspirasyon, nang hindi man lang napagtatanto kung ano ang kanyang ginagawa. Saka lamang darating ang pagsasakatuparan ng kung ano ang perpekto. Kasabay nito, ang artist ay walang takot na sirain ang imahe o baguhin ito nang hindi sinasadya - ang pagpipinta ay nagsimulang mabuhay sariling buhay. Ang gawain ni Pollock ay tulungan itong maipanganak, lumabas. Ngunit kung ang master ay nawalan ng pakikipag-ugnay sa kanyang nilikha, kung gayon ang resulta ay magiging kaguluhan at dumi. Kung matagumpay, ang pagpipinta ay magkakaroon ng dalisay na pagkakaisa, kadalian ng pagtanggap at pagpapatupad ng inspirasyon.

Joan Miró "Lalaki at babae sa harap ng isang tumpok ng dumi."

Ang pagpipinta na ito ay itinatago na ngayon sa pundasyon ng pintor sa Espanya. Pininturahan ito ng langis sa copper sheet noong 1935 sa loob lamang ng isang linggo mula Oktubre 15 hanggang 22. Ang laki ng paglikha ay 23x32 cm lamang.Sa kabila ng gayong nakakapukaw na pangalan, ang larawan ay nagsasalita tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang may-akda mismo, sa gayon, ay naglalarawan ng mga kaganapan sa mga taong iyon na nagaganap sa Espanya. Sinubukan ni Miro na magpakita ng isang panahon ng pagkabalisa.

Sa larawan makikita mo ang isang hindi gumagalaw na lalaki at babae, na, gayunpaman, ay iginuhit sa isa't isa. Ang canvas ay puspos ng mga nagbabantang makamandag na bulaklak, kasama ng pinalaki na mga ari ay mukhang sadyang kasuklam-suklam at kasuklam-suklam na sexy.

Jacek Yerka "Erosion".

Sa mga gawa nitong Polish na neo-surrealist, ang mga larawan ng realidad, na magkakaugnay, ay nabuo bagong realidad. Sa ilang mga paraan, kahit na ang mga makabagbag-damdaming mga kuwadro ay lubos na detalyado. Naglalaman ang mga ito ng mga dayandang ng mga surrealist ng nakaraan, mula sa Bosch hanggang Dali.

Lumaki si Yerka sa isang kapaligiran ng arkitektura ng medieval, na mahimalang nakaligtas sa mga pambobomba ng World War II. Nagsimula na siyang magdrawing bago pa man siya pumasok sa unibersidad. Sinubukan nilang baguhin ang kanyang estilo sa isang mas moderno at hindi gaanong detalyado, ngunit si Yerka mismo ay pinanatili ang kanyang sariling katangian. Ngayon, ang kanyang hindi pangkaraniwang mga pagpipinta ay ipinakita hindi lamang sa Poland, kundi pati na rin sa Germany, France, Monaco, at USA. Ang mga ito ay nasa isang bilang ng mga koleksyon sa buong mundo.

Nilabanan Siya ng mga Kamay ni Bill Stoneham.

Ang pagpipinta, na ipininta noong 1972, ay halos hindi matatawag na klasiko ng pagpipinta. Gayunpaman, walang duda na isa ito sa mga kakaibang likha ng mga artista. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang batang lalaki, isang manika ang nakatayo sa tabi niya, at maraming palad ang nakadikit sa salamin sa likuran niya. Ang pagpipinta na ito ay kakaiba, mahiwaga at medyo mystical. Ito ay napuno na ng mga alamat. Sinasabi nila na dahil sa pagpipinta na ito ay may namatay, ngunit ang mga bata sa loob nito ay buhay. She looks really creepy. Hindi nakakagulat na ang larawan ay nagpapalabas ng mga takot at kakila-kilabot na mga pantasya para sa mga taong may sakit na pag-iisip.

Tiniyak mismo ni Stoneham na pininturahan niya ang kanyang sarili sa edad na 5 taon. Ang pinto sa likod ng batang lalaki ay isang hadlang sa pagitan ng katotohanan at ng mundo ng mga pangarap. Ang manika ay isang gabay na maaaring magdala ng isang bata mula sa isang mundo patungo sa isa pa. Ang mga kamay ay mga alternatibong buhay o kakayahan ng tao.

Ang larawan ay naging tanyag noong Pebrero 2000. Ito ay inilagay para sa pagbebenta sa eBay na may sinasabing ito ay pinagmumultuhan. Bilang resulta, ang “Hands Resist Him” ay binili ni Kim Smith sa halagang $1,025. Hindi nagtagal, literal na binaha ang mamimili ng mga liham mula sa mga kwentong nakakatakot nauugnay sa pagpipinta, at hinihiling na sirain ang pagpipinta na ito.

Ang pinong sining ay maaaring magbigay ng isang buong hanay ng mga emosyon. Ang ilang mga pagpipinta ay nagpapatitig sa iyo ng ilang oras, habang ang iba ay literal na nabigla, namamangha at sumabog sa iyong pananaw sa mundo. May mga ganitong obra maestra na nagpapaisip at naghahanap ng lihim na kahulugan. Ang ilang mga pagpipinta ay nababalot ng mga misteryosong misteryo, habang sa iba ang pangunahing bagay ay ang kanilang napakataas na presyo.

Maraming kakaibang painting sa kasaysayan ng world painting. Sa aming rating ay sadyang hindi namin banggitin si Salvador Dali, na isang master sa genre na ito at ang pangalan ay unang pumasok sa isip. At kahit na ang mismong konsepto ng pagiging kakaiba ay subjective, posible na makilala ang mga sikat na gawa na malinaw na namumukod-tangi mula sa pangkalahatang serye.

Edvard Munch "The Scream". Ang gawain, na may sukat na 91x73.5 cm, ay nilikha noong 1893. Ipininta ito ni Munch sa mga langis, pastel at tempera; ngayon ang pagpipinta ay itinago sa Oslo National Gallery. Ang paglikha ng artist ay naging iconic para sa impresyonismo; ito ay karaniwang isa sa pinakasikat na mga painting sa mundo ngayon. Sinabi mismo ni Munch ang kuwento ng paglikha nito: "Naglalakad ako sa isang landas kasama ang dalawang kaibigan. Sa oras na iyon ay lumulubog ang araw. Biglang namula ang langit, huminto ako, nakaramdam ng pagod, at napasandal sa bakod. Tumingin ako sa ang dugo at apoy sa itaas ng mala-bughaw "Ang itim na fiord at ang lungsod. Ang aking mga kaibigan ay lumipat, ngunit ako ay nakatayo pa rin, nanginginig sa pananabik, naramdaman ang walang katapusang hiyawan na tumatagos sa kalikasan." Mayroong dalawang bersyon ng interpretasyon ng iginuhit na kahulugan. Maaari nating ipagpalagay na ang itinatanghal na karakter ay nahahawakan ng kakila-kilabot at tahimik na sumisigaw habang ang kanyang mga kamay sa kanyang mga tainga. Sabi ng isa pang bersyon, tinakpan ng lalaki ang kanyang tenga dahil sa hiyawan sa kanyang paligid. Sa kabuuan, gumawa si Munch ng hanggang 4 na bersyon ng The Scream. Naniniwala ang ilang mga eksperto na ang pagpipinta na ito ay isang klasikong pagpapakita ng manic-depressive psychosis kung saan nagdusa ang artist. Nang magamot si Munch sa klinika, hindi na siya bumalik sa pagpipinta na ito.

Paul Gauguin "Saan tayo nanggaling? Sino tayo? Saan tayo pupunta?" Sa Boston Museum of Fine Arts makikita mo ang impresyonistang gawang ito na may sukat na 139.1 x 374.6 cm. Ipininta ito sa langis sa canvas noong 1897-1898. Ang malalim na gawaing ito ay isinulat ni Gauguin sa Tahiti, kung saan siya nagretiro mula sa pagmamadalian ng buhay Parisian. Ang pagpipinta ay naging napakahalaga para sa pintor na pagkatapos nitong makumpleto ay gusto pa niyang magpakamatay. Naniniwala si Gauguin na ito ay higit sa lahat ng nilikha niya noon. Naniniwala ang artista na hindi siya makakagawa ng isang bagay na mas mahusay o katulad; wala na siyang ibang pagsusumikapan. Nabuhay si Gauguin ng isa pang 5 taon, na pinatunayan ang katotohanan ng kanyang mga paghatol. Siya mismo ang nagsabi na ang kanyang pangunahing larawan ay dapat tingnan mula kanan hanggang kaliwa. Mayroong tatlong pangunahing grupo ng mga figure dito, na nagpapakilala sa mga isyu kung saan pinamagatang ang canvas. Tatlong babaeng may anak ang nagpapakita ng simula ng buhay, sa gitna ang mga tao ay sumasagisag sa kapanahunan, at ang katandaan ay kinakatawan ng isang matandang babae na naghihintay sa kanyang kamatayan. Mukhang naintindihan na niya ito at may sarili siyang iniisip. Sa kanyang paanan ay isang puting ibon, na sumisimbolo sa kawalan ng kahulugan ng mga salita.

Pablo Picasso "Guernica". Ang likha ni Picasso ay itinago sa Reina Sofia Museum sa Madrid. Isang malaking painting na may sukat na 349 by 776 cm, pininturahan ng langis sa canvas. Ang fresco painting na ito ay nilikha noong 1937. Ang pelikula ay nagsasabi tungkol sa pagsalakay ng mga pasistang boluntaryong piloto sa lungsod ng Guernica. Bilang resulta ng mga pangyayaring iyon, ang isang lungsod na may populasyon na 6 na libong tao ay ganap na napawi sa balat ng lupa. Nilikha ng artist ang pagpipinta na ito sa literal na isang buwan. Sa mga unang araw, nagtrabaho si Picasso ng 10-12 oras, at sa kanyang pinakaunang mga sketch ay nakikita na ang pangunahing ideya. Bilang isang resulta, ang larawan ay naging isa sa mga pinakamahusay na paglalarawan ng lahat ng mga kakila-kilabot ng pasismo, kalupitan at kalungkutan ng tao. Sa Guernica makikita ang isang eksena ng kalupitan, karahasan, kamatayan, pagdurusa at kawalan ng kakayahan. Bagama't ang mga dahilan para dito ay hindi tahasang nakasaad, ang mga ito ay malinaw sa kasaysayan. Sinabi nila na noong 1940 ay ipinatawag pa si Pablo Picasso sa Gestapo sa Paris. Agad siyang tinanong: "Ginawa mo ba ito?" Kung saan sumagot ang artist: "Hindi, ginawa mo ito."

Jan van Eyck "Larawan ng mag-asawang Arnolfini." Ang pagpipinta na ito ay ipininta noong 1434 sa langis sa kahoy. Ang mga sukat ng obra maestra ay 81.8x59.7 cm, at ito ay naka-imbak sa London National Gallery. Marahil ang pagpipinta ay naglalarawan kay Giovanni di Nicolao Arnolfini kasama ang kanyang asawa. Ang trabaho ay isa sa mga pinaka-kumplikado sa Western paaralan ng pagpipinta sa panahon ng Northern Renaissance. Ang sikat na pagpipinta na ito ay naglalaman ng isang malaking bilang ng mga simbolo, alegorya at iba't ibang mga pahiwatig. Tingnan lamang ang pirma ng artist na "Narito si Jan van Eyck." Bilang isang resulta, ang pagpipinta ay hindi lamang isang gawa ng sining, ngunit isang tunay na makasaysayang dokumento. Pagkatapos ng lahat, ito ay naglalarawan ng isang tunay na kaganapan na nakuha ni van Eyck. Ang larawang ito sa Kamakailan lamang ay naging napakapopular sa Russia, dahil ang pagkakahawig ni Arnolfini kay Vladimir Putin ay kapansin-pansin sa mata.

Mikhail Vrubel "Ang Nakaupo na Demonyo". Ang Tretyakov Gallery ay naglalaman ng obra maestra na ito ni Mikhail Vrubel, na pininturahan ng mga langis noong 1890. Ang mga sukat ng canvas ay 114x211 cm. Nakakagulat ang demonyong inilalarawan dito. Lumilitaw siya bilang isang malungkot na binata na may mahabang buhok. Hindi ganito ang karaniwang inilalarawan ng mga tao sa masasamang espiritu. Si Vrubel mismo ang nagsabi tungkol sa kanyang pinakatanyag na pagpipinta na sa kanyang pag-unawa ang demonyo ay hindi isang masamang espiritu kundi isang nagdurusa. Kasabay nito, hindi maikakaila sa kanya ang awtoridad at kamahalan. Ang demonyo ni Vrubel ay isang imahe, una sa lahat, ng espiritu ng tao, ang patuloy na pakikibaka sa sarili at pagdududa na naghahari sa loob natin. Ang nilalang na ito, na napapalibutan ng mga bulaklak, ay kalunos-lunos na nagkapit ng mga kamay, ang malalaking mata nito ay malungkot na nakatingin sa malayo. Ang buong komposisyon ay nagpapahayag ng pagpilit ng pigura ng demonyo. Para siyang na-sandwich sa larawang ito sa pagitan ng itaas at ibaba ng picture frame.

Vasily Vereshchagin "Apotheosis of War". Ang larawan ay ipininta noong 1871, ngunit sa loob nito ay tila nakita ng may-akda ang mga kakila-kilabot sa hinaharap na mga Digmaang Pandaigdig. Ang canvas na may sukat na 127x197 cm ay itinatago sa Tretyakov Gallery. Ang Vereshchagin ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng labanan sa pagpipinta ng Russia. Gayunpaman, hindi siya sumulat ng mga digmaan at labanan dahil mahal niya ang mga ito. Ang artista, sa pamamagitan ng paggamit ng pinong sining, ay sinubukang ihatid sa mga tao ang kanyang negatibong saloobin sa digmaan. Minsan nangako si Vereshchagin na hindi na magpinta ng mga painting sa labanan. Pagkatapos ng lahat, kinuha ng artista ang kalungkutan ng bawat nasugatan at namatay na sundalo na masyadong malapit sa kanyang puso. Ang resulta ng gayong taos-pusong saloobin sa paksang ito ay "The Apotheosis of War." Ang isang nakakatakot at nakakabighaning larawan ay naglalarawan ng isang bundok ng mga bungo ng tao sa isang parang na may mga uwak sa paligid. Ang Vereshchagin ay lumikha ng isang emosyonal na canvas; sa likod ng bawat bungo sa isang malaking pile ay maaaring matunton ang kasaysayan at kapalaran ng mga indibidwal at mga taong malapit sa kanila. Ang artist mismo ay sarkastikong tinawag ang pagpipinta na ito na isang buhay na buhay, dahil inilalarawan nito ang patay na kalikasan. Ang lahat ng mga detalye ng "Apotheosis of War" ay sumisigaw tungkol sa kamatayan at kawalan ng laman, ito ay makikita kahit na sa dilaw na background ng lupa. At ang bughaw ng langit ay binibigyang-diin lamang ang kamatayan. Ang ideya ng mga kakila-kilabot na digmaan ay binibigyang diin ng mga butas ng bala at mga marka ng sable sa mga bungo.

Grant Wood "American Gothic" Ang maliit na pagpipinta na ito ay may sukat na 74 by 62 cm. Nilikha ito noong 1930 at ngayon ay nakatago sa Art Institute of Chicago. Ang pagpipinta ay isa sa mga pinakatanyag na halimbawa ng sining ng Amerika noong nakaraang siglo. Nasa ating panahon, ang pangalan ng "American Gothic" ay madalas na binabanggit sa media. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang medyo madilim na ama at kanyang anak na babae. Maraming mga detalye ang nagsasabi ng kalubhaan, puritanism at ossification ng mga taong ito. May mga mukha silang hindi nasisiyahan, may mga agresibong pitchfork sa gitna ng larawan, at ang mga damit ng mag-asawa ay makaluma kahit sa pamantayan ng panahon. Maging ang tahi sa damit ng isang magsasaka ay sumusunod sa hugis ng pitchfork, na nagdodoble sa banta sa mga taong manghihimasok sa kanyang paraan ng pamumuhay. Ang mga detalye ng larawan ay maaaring pag-aralan nang walang hanggan, pisikal na nakakaramdam ng kakulangan sa ginhawa. Ito ay kagiliw-giliw na sa isang pagkakataon, sa isang kumpetisyon sa Art Institute of Chicago, ang larawan ay tinanggap ng mga hukom bilang nakakatawa. Ngunit ang mga residente ng Iowa ay nasaktan ng artist para sa pagpapakita sa kanila sa isang hindi magandang tingnan na anggulo. Ang modelo para sa babae ay kapatid ni Wood, ngunit ang prototype para sa galit na lalaki ay ang dentista ng pintor.

Rene Magritte "Lovers". Ang pagpipinta ay ipininta noong 1928 sa langis sa canvas. Sa kasong ito, mayroong dalawang pagpipilian. Sa isa sa kanila, isang lalaki at isang babae ang naghahalikan, ang kanilang mga ulo lamang ang nakabalot sa puting tela. Sa ibang bersyon ng pagpipinta, ang mga mahilig ay tumitingin sa manonood. Ano ang iginuhit parehong sorpresa at fascinates. Ang mga figure na walang mukha ay sumisimbolo sa pagkabulag ng pag-ibig. Alam na ang mga mahilig ay hindi nakikita ang sinuman sa paligid, ngunit hindi natin matukoy ang kanilang tunay na damdamin. Kahit para sa isa't isa, ang mga taong ito, na nabulag ng pakiramdam, ay talagang isang misteryo. At bagama't ang pangunahing mensahe ng larawan ay tila malinaw, ang "Lovers" ay nagpapatingin pa rin sa kanila at nag-iisip tungkol sa pag-ibig. Sa pangkalahatan, halos lahat ng mga pagpipinta ni Magritte ay mga palaisipan, na ganap na imposibleng malutas. Pagkatapos ng lahat, itinaas ng mga kuwadro na ito ang mga pangunahing katanungan tungkol sa kahulugan ng ating buhay. Sa kanila, pinag-uusapan ng artista ang ilusyon na katangian ng nakikita natin, tungkol sa katotohanan na maraming mahiwagang bagay sa paligid natin na sinusubukan nating huwag pansinin.

Marc Chagall "Maglakad". Ang pagpipinta ay ipininta sa langis sa canvas noong 1917, at ngayon ay nakatago sa State Tretyakov Gallery. Sa kanyang mga gawa, kadalasang seryoso si Marc Chagall, ngunit dito niya pinahintulutan ang kanyang sarili na ipakita ang kanyang nararamdaman. Ang pagpipinta ay nagpapahayag ng personal na kaligayahan ng artist; ito ay puno ng pagmamahal at mga alegorya. Ang kanyang "Lakad" ay isang self-portrait, kung saan inilarawan ni Chagall ang kanyang asawang si Bella sa tabi niya. Ang kanyang pinili ay pumailanglang sa langit, malapit na niyang kaladkarin ang artista doon, na halos umalis na sa lupa, hinawakan lamang ito ng mga dulo ng kanyang sapatos. Sa kabilang kamay naman ng lalaki ay isang tite. Masasabi nating ganito ang paglalarawan ni Chagall sa kanyang kaligayahan. Mayroon siyang pie sa kalangitan sa anyo ng kanyang minamahal na babae, at isang ibon sa kanyang mga kamay, kung saan ang ibig niyang sabihin ay ang kanyang pagkamalikhain.

Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights". Ang canvas na ito na may sukat na 389x220 cm ay itinatago sa Spanish Museum of Law. Ipininta ni Bosch ang oil painting sa kahoy sa pagitan ng 1500 at 1510. Ito ang pinakasikat na triptych ng Bosch, kahit na ang pagpipinta ay may tatlong bahagi, ito ay pinangalanan pagkatapos ng gitnang isa, na nakatuon sa pagiging kaakit-akit. Mayroong patuloy na mga debate sa paligid ng kahulugan ng kakaibang pagpipinta; walang interpretasyon na makikilala bilang ang tanging tama. Ang interes sa triptych ay lumitaw dahil sa maraming maliliit na detalye na nagpapahayag ng pangunahing ideya. May mga translucent figure, hindi pangkaraniwang istruktura, halimaw, bangungot at pangitain na nagkatotoo, at mala-impyernong pagkakaiba-iba ng katotohanan. Nagawa ng artist na tingnan ang lahat ng ito nang may matalim at naghahanap na titig, na namamahala upang pagsamahin ang hindi magkatulad na mga elemento sa isang solong canvas. Sinubukan ng ilang mananaliksik na makita sa larawan ang repleksyon ng buhay ng tao, na ipinakita ng may-akda bilang walang saysay. Ang iba ay nakahanap ng mga larawan ng pag-ibig, ang iba ay natuklasan ang tagumpay ng pagiging kaakit-akit. Gayunpaman, ito ay nagdududa na ang may-akda ay nagsisikap na luwalhatiin ang makalaman na kasiyahan. Pagkatapos ng lahat, ang mga figure ng tao ay inilalarawan na may malamig na detatsment at pagiging simple. At ang mga awtoridad ng simbahan ay tumugon nang lubos sa pagpipinta na ito ni Bosch.

Gustav Klimt "Ang Tatlong Panahon ng Babae". Ang pagpipinta na ito ay matatagpuan sa Rome National Gallery of Modern Art. Ang parisukat na canvas, 180 cm ang lapad, ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1905. Ang pagpipinta na ito ay nagpapahayag ng parehong kagalakan at kalungkutan sa parehong oras. Naipakita ng artista ang buong buhay ng isang babae sa tatlong pigura. Ang una, bata pa, ay sobrang walang pakialam. Ang isang mature na babae ay nagpapahayag ng kapayapaan, habang ang huling edad ay sumisimbolo ng kawalan ng pag-asa. Kasabay nito, ang gitnang edad ay organikong hinabi sa pattern ng buhay, at kapansin-pansin ang katandaan laban sa background nito. Ang malinaw na kaibahan sa pagitan ng kabataang babae at ng mas matanda ay simboliko. Kung ang pag-unlad ng buhay ay sinamahan ng maraming mga posibilidad at pagbabago, kung gayon ang huling yugto ay isang nakatanim na katatagan at salungat sa katotohanan. Ang ganitong larawan ay nakakaakit ng pansin at nagpapaisip sa iyo tungkol sa intensyon ng artist at sa lalim nito. Naglalaman ito ng lahat ng buhay kasama ang hindi maiiwasan at metamorphoses nito.

Egon Schiele "Pamilya". Ang canvas na ito na may sukat na 152.5x162.5 cm ay pininturahan ng langis noong 1918. Sa ngayon, ito ay iniingatan sa Vienna Belvedere. Ang guro ni Schiele ay si Klimt mismo, ngunit hindi sinubukan ng estudyante na masigasig na kopyahin siya, na naghahanap ng kanyang sariling mga paraan ng pagpapahayag. Ligtas nating masasabi na ang mga gawa ni Schiele ay mas trahedya, nakakatakot at kakaiba kaysa kay Klimt. Ang ilang mga elemento ngayon ay tatawaging pornograpiko, mayroong maraming iba't ibang mga perversion, naturalismo ay naroroon sa lahat ng kagandahan nito. Kasabay nito, ang mga kuwadro na gawa ay literal na natatakpan ng ilang uri ng masakit na kawalan ng pag-asa. Ang tuktok ng trabaho ni Schiele at ang kanyang pinakahuling pagpipinta ay "Pamilya". Sa pagpipinta na ito, ang kawalan ng pag-asa ay dinadala sa maximum, habang ang gawain mismo ay naging hindi gaanong kakaiba para sa may-akda. Matapos mamatay ang buntis na asawa ni Schiele sa trangkasong Espanyol, at ilang sandali bago siya mamatay, nilikha ang obra maestra na ito. 3 araw lamang ang lumipas sa pagitan ng dalawang pagkamatay, na sapat na para ilarawan ng artista ang kanyang sarili kasama ang kanyang asawa at ang kanyang hindi pa isinisilang na anak. Noong panahong iyon, si Shila ay 28 taong gulang pa lamang.

Frida Kahlo "Dalawang Fridas". Ang larawan ay ipinanganak noong 1939. Sumikat ang Mexican artist na si Frida Kahlo matapos ipalabas ang isang pelikula tungkol sa kanyang pagbibidahan ni Salma Hayek. Ang gawa ng artista ay batay sa kanyang sariling mga larawan. Siya mismo ang nagpaliwanag sa katotohanang ito tulad ng sumusunod: "Sinusulat ko ang aking sarili dahil gumugugol ako ng maraming oras na mag-isa at dahil ako ang paksa na alam ko." Ito ay kagiliw-giliw na si Frida ay hindi ngumiti sa alinman sa kanyang mga kuwadro na gawa. Seryoso ang mukha niya, kahit medyo malungkot. Ang mga fused makapal na kilay at isang bahagya na kapansin-pansin na bigote sa itaas ng mga naka-compress na labi ay nagpapahayag ng pinakamataas na kaseryosohan. Ang mga ideya ng mga kuwadro ay namamalagi sa mga figure, background at mga detalye ng kung ano ang nakapaligid kay Frida. Ang simbolismo ng mga kuwadro na gawa ay batay sa mga pambansang tradisyon ng Mexico, malapit na nauugnay sa lumang mitolohiya ng India. Ang "The Two Fridas" ay isa sa pinakamagandang painting ng Mexican artist. Ipinapakita nito sa orihinal na paraan ang mga prinsipyong panlalaki at pambabae, pagkakaroon ng iisang sistema ng sirkulasyon. Kaya, ipinakita ng artista ang pagkakaisa at integridad ng dalawang magkasalungat na ito.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Ang epekto ng fog." Sa St. Petersburg Hermitage mahahanap mo ang painting na ito ni Monet. Ito ay pininturahan ng langis sa canvas noong 1899. Sa mas malapit na pagsusuri sa pagpipinta, lumilitaw ito bilang isang lilang lugar na may makapal na mga stroke na inilapat dito. Gayunpaman, lumayo sa canvas, naiintindihan ng manonood ang lahat ng mahika nito. Una, makikita ang malabong kalahating bilog na tumatakbo sa gitna ng larawan, at lumilitaw ang mga balangkas ng mga bangka. At mula sa isang distansya ng ilang metro maaari mo nang makita ang lahat ng mga elemento ng larawan na konektado sa isang lohikal na kadena.

Jackson Pollock "Bilang 5, 1948". Ang Pollock ay isang klasiko ng abstract expressionism genre. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta ay sa ngayon ang pinakamahal sa mundo. At pininturahan ito ng artist noong 1948, nagbuhos lamang ng pintura ng langis sa isang fiberboard na may sukat na 240x120 cm sa sahig. Noong 2006, ang pagpipinta na ito ay naibenta sa Sotheby's sa halagang $140 milyon. Ang dating may-ari, kolektor at producer ng pelikula na si David Giffen, ay ibinenta ito sa Mexican financier na si David Martinez. Sinabi ni Pollock na nagpasya siyang lumayo sa mga pamilyar na tool ng artist bilang isang easel, mga pintura at mga brush. Ang kanyang mga gamit ay patpat, kutsilyo, scoop at umaagos na pintura. Ginamit din niya ang pinaghalong buhangin o kahit basag na salamin. Nagsisimulang lumikha. Binibigyan ni Pollock ang sarili sa inspirasyon nang hindi man lang napagtanto kung ano ang kanyang ginagawa. Saka lamang darating ang pagsasakatuparan ng kung ano ang perpekto. Kasabay nito, ang artist ay walang takot na sirain ang imahe o baguhin ito nang hindi sinasadya - ang pagpipinta ay nagsimulang mabuhay ng sarili nitong buhay. Ang gawain ni Pollock ay tulungan itong maipanganak, lumabas. Ngunit kung ang master ay nawalan ng pakikipag-ugnay sa kanyang nilikha, kung gayon ang resulta ay magiging kaguluhan at dumi. Kung matagumpay, ang pagpipinta ay magkakaroon ng dalisay na pagkakaisa, kadalian ng pagtanggap at pagpapatupad ng inspirasyon.

Joan Miró "Lalaki at babae sa harap ng isang tumpok ng dumi." Ang pagpipinta na ito ay itinatago na ngayon sa pundasyon ng pintor sa Espanya. Pininturahan ito ng langis sa copper sheet noong 1935 sa loob lamang ng isang linggo mula Oktubre 15 hanggang 22. Ang laki ng paglikha ay 23x32 cm lamang.Sa kabila ng gayong nakakapukaw na pangalan, ang larawan ay nagsasalita tungkol sa mga kakila-kilabot ng mga digmaang sibil. Ang may-akda mismo, sa gayon, ay naglalarawan ng mga kaganapan sa mga taong iyon na nagaganap sa Espanya. Sinubukan ni Miro na magpakita ng isang panahon ng pagkabalisa. Sa larawan makikita mo ang isang hindi gumagalaw na lalaki at babae, na, gayunpaman, ay iginuhit sa isa't isa. Ang canvas ay puspos ng mga nagbabantang makamandag na bulaklak, kasama ng pinalaki na mga ari ay mukhang sadyang kasuklam-suklam at kasuklam-suklam na sexy.

Jacek Yerka "Erosion". Sa mga gawa nitong Polish na neo-surrealist, ang mga larawan ng realidad, na magkakaugnay, ay nagbibigay ng bagong katotohanan. Sa ilang mga paraan, kahit na ang mga makabagbag-damdaming mga kuwadro ay lubos na detalyado. Naglalaman ang mga ito ng mga dayandang ng mga surrealist ng nakaraan, mula sa Bosch hanggang Dali. Lumaki si Yerka sa isang kapaligiran ng arkitektura ng medieval, na mahimalang nakaligtas sa mga pambobomba ng World War II. Nagsimula na siyang magdrawing bago pa man siya pumasok sa unibersidad. Sinubukan nilang baguhin ang kanyang estilo sa isang mas moderno at hindi gaanong detalyado, ngunit si Yerka mismo ay pinanatili ang kanyang sariling katangian. Ngayon, ang kanyang hindi pangkaraniwang mga pagpipinta ay ipinakita hindi lamang sa Poland, kundi pati na rin sa Germany, France, Monaco, at USA. Ang mga ito ay nasa isang bilang ng mga koleksyon sa buong mundo.

Nilabanan Siya ng mga Kamay ni Bill Stoneham. Ang pagpipinta, na ipininta noong 1972, ay halos hindi matatawag na klasiko ng pagpipinta. Gayunpaman, walang duda na isa ito sa mga kakaibang likha ng mga artista. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang batang lalaki, isang manika ang nakatayo sa tabi niya, at maraming palad ang nakadikit sa salamin sa likuran niya. Ang pagpipinta na ito ay kakaiba, mahiwaga at medyo mystical. Ito ay napuno na ng mga alamat. Sinasabi nila na dahil sa pagpipinta na ito ay may namatay, ngunit ang mga bata sa loob nito ay buhay. She looks really creepy. Hindi nakakagulat na ang larawan ay nagpapalabas ng mga takot at kakila-kilabot na mga pantasya para sa mga taong may sakit na pag-iisip. Tiniyak mismo ni Stoneham na pininturahan niya ang kanyang sarili sa edad na 5 taon. Ang pinto sa likod ng batang lalaki ay isang hadlang sa pagitan ng katotohanan at ng mundo ng mga pangarap. Ang manika ay isang gabay na maaaring magdala ng isang bata mula sa isang mundo patungo sa isa pa. Ang mga kamay ay mga alternatibong buhay o kakayahan ng tao. Ang larawan ay naging tanyag noong Pebrero 2000. Ito ay inilagay para sa pagbebenta sa eBay na may sinasabing ito ay pinagmumultuhan. Bilang resulta, ang "Hands Resist Him" ​​​​ay binili ni Kim Smith sa halagang $1,025. Sa lalong madaling panahon ang bumibili ay literal na binaha ng mga titik na may kakila-kilabot na mga kuwento na nauugnay sa pagpipinta at hinihiling na sirain ang canvas na ito.

Ang underground submarine base sa Balaclava ay isa sa pinakasikat na relics malamig na digmaan mula sa Unyong Sobyet. Noong unang panahon, ang top-secret complex na ito ay ginawa kung sakali huling digmaan sangkatauhan - ang Ikatlong Digmaang Pandaigdig, na may malawakang paggamit ng mga sandatang nuklear. Sa kabutihang palad, ang isang bagong masaker sa mundo ay hindi nangyari noong ika-20 siglo, at ang bansa ng mga Sobyet ay hindi umiiral. Para sa mga kadahilanang ito, ngayon ang Balaklava ay nananatiling isang tahimik na paalala ng mga takot at ambisyon ng mga superpower noong nakaraang siglo.

Anino ng World Carnage

Sa America, ang lahat ng kasaysayan ay nahahati sa Digmaang Sibil at pagkatapos. Sa ating bansa, sikolohikal na hinahati ng mga mamamayan ang kasaysayan sa panahon bago at pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Sa Alemanya, ang isang katulad na saloobin ay naobserbahan noong 30 Taong Digmaan. At kung iisipin mo, ang paglikha ng mga sandatang nuklear, pati na rin ang kasunod na pambobomba sa Hiroshima at Nagasaki, ay hinati ang kasaysayan ng buong mundo sa "bago" at "pagkatapos".

Mahirap at sa parehong oras nakakatakot isipin kung ano ang mangyayari Kasaysayan ng Mundo, manatili kang ganito makapangyarihang sandata sa kamay ng isang estado lamang. Sa pamamagitan ng ilang mapang-uyam na kabalintunaan" Mahabang kapayapaan"sa Europa ay sanhi ng marahil ang pinaka hindi makatao na bagay. Taliwas sa mga thesis ni Margaret Thatcher tungkol sa pangangailangang bawasan ang potensyal na nukleyar, ang mga sandatang nuklear ay nananatiling cudgel na nagliligtas ng kahit ilang uri ng kapayapaan.

Ito ay medyo mapang-uyam, ngunit ang mga modernong salungatan sa pagitan ng Russia at USA ay talagang "magaan" kumpara sa mga lumitaw sa pagitan ng USSR at USA pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang paglikha ng mga sandatang nuklear ay nag-trigger ng parehong nuclear mania at paranoia. Halimbawa, sa Estados Unidos noong Disyembre 19, 1949, binuo ang isang plano para sa isang preventive nuclear strike sa Unyong Sobyet sa kaganapan ng pagsalakay nito sa Kanlurang Europa, sa Gitnang Silangan o sa Japan. Ang inisyatiba na ito ay tinawag na "Operation Dropshot".

Ang pangunahing layunin ng Operation Dropshot ay sirain ang Soviet industrial complex sa loob ng isang buwan. Upang makamit ito, inireseta na magsagawa ng napakalaking pambobomba sa mga lungsod ng USSR gamit ang 29 libong tonelada ng mga maginoo na bomba at 300 mga yunit ng 50-kilogram na bombang nukleyar. Humigit-kumulang 100 pinakamalaking lungsod ng Unyong Sobyet ang napili bilang mga target. Mga ballistic missile lilitaw lamang sa loob ng 10 taon. Ang "nuclear blackmail" ng USSR ng Estados Unidos ay ganap na nawala ang lahat ng epekto nito lamang noong 1956, nang mapatunayan ng estratehikong abyasyon ng bansa na, kung kinakailangan, maaari itong lumipad sa ibang bansa upang maglunsad ng isang ganting welga.

Alinsunod dito, hindi dapat isipin ng isang tao na ang USSR ay walang sariling "Dropshot". Bagaman ang mga hakbangin ng Sobyet ay para sa karamihan ng paghihiganti, sila, tulad ng mga Amerikano, ay hindi nakikilala ng sinumang sangkatauhan.

"Hindi sumusuko sa kalaban..."

Sa mga unang dekada sa panahon ng paglikha bombang nuklear ang sangkatauhan ay aktibong sinusubukang maunawaan kung ano ang magiging hitsura bagong digmaan. Sa oras na iyon, ang parehong digmaang pandaigdig ay buhay pa sa memorya, at samakatuwid ang Ikatlo ay tila hindi kapani-paniwala. Malinaw na ang mga sandatang nuklear ay pangunahing gagamitin upang sirain ang industriya, mga pasilidad ng militar at genocide ang populasyon, kahit na sa isang "kasamang" paraan. Iyon ang dahilan kung bakit nagsimulang gumawa ng mga hakbang ang militar upang maprotektahan ang pinakamahalagang instalasyong militar.

Noong 1947, ang Leningrad design institute na "Granit" ay bumuo ng isang disenyo para sa isang naval base upang protektahan ang Black Sea submarine fleet sa kaganapan ng isang nuclear war. Ang proyekto ng complex ay personal na inendorso ni Joseph Stalin. Ang bayan ng Balaklava ay pinili para sa pagtatayo ng isang complex na may lawak na 15 libong metro kuwadrado. Nagsimula ang konstruksiyon noong 1953.

Kawili-wiling katotohanan: Ang balaclava ay pinili para sa isang dahilan. Ito ay isang perpektong natural na silungan para sa isang hukbong-dagat. Ang daungan ay 200-400 metro lamang ang lapad at perpektong protektado mula sa mga bagyo at mapanuring mata. Ang underground complex ay matatagpuan sa ilalim ng Mount Tavros, na naging isang tunay na paghahanap. Ang kapal ng marmol na limestone ay umaabot sa 126 metro. Salamat dito, ang submarine base sa Balaklava ay nakatanggap ng unang kategorya ng anti-nuclear resistance - nakatiis ng mga pagsabog ng hanggang 100 Kt.

Ang gawaing pagtatayo sa lihim na pasilidad ay isinasagawa sa buong orasan. Ang mga tagabuo ng metro mula sa Moscow, Kharkov at Abakan ay tinawag para sa pagmimina at teknikal na gawain. Ang pagbabarena ay isinasagawa pangunahin gamit ang paraan ng pagsabog. Kaagad pagkatapos alisin ang lupa at bato, ang mga manggagawa ay nag-install ng isang metal na frame, at pagkatapos lamang na ibinuhos nila ang M400 kongkreto. Bilang resulta, ang pagtatayo ng isang espesyal na pagawaan sa planta ng pag-aayos ng barko na may dry dock 825 GTS ay natapos noong 1961. Ang complex ay maaaring magtago ng hanggang siyam na small-class na submarine o pitong medium-class na submarine mula sa isang nuclear attack. Pagkalipas ng isang taon, ang complex ay dinagdagan ng isang nuclear arsenal.

Kawili-wiling katotohanan: Ang base sa ilalim ng lupa ay idinisenyo upang kung sakaling magkaroon ng digmaang nuklear ay maaari nitong mapaunlakan hindi lamang ang mga tauhan ng repair complex, kundi pati na rin ang mga tauhan ng militar mula sa mga kalapit na yunit at ang populasyon ng sibilyan ng lungsod mismo.

Sobrang sekreto

Para sa mga dahilan ng pagiging lihim, ang mga korte ay pumasok sa complex lamang sa gabi. Ang isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na elemento ng complex ay ang Southern Bathport - isang malaking gate ng dagat na tumutulong na protektahan ang bay mula sa mga nakakapinsalang epekto. pagsabog ng nuklear. Sa pamamagitan ng likas na katangian nito, ito ay isang guwang na istraktura ng metal na may sukat na 18x14x11 metro at tumitimbang ng 150 tonelada. Noong unang panahon, ang pasukan sa kanal ay natatakpan din ng isang espesyal na camouflage net na tumutugma sa kulay ng mga bato, na hinila gamit ang winch.

Lahat ng full-time na empleyado ng complex sa Balaklava ay pumirma ng isang non-disclosure agreement. Nalimitahan din sila sa ilang mga karapatan sa panahon ng kanilang pagtatrabaho at para sa isa pang 5 taon pagkatapos ng pagpapaalis. Halimbawa, ang mga mamamayang ito ay ipinagbabawal na maglakbay sa labas ng USSR, kabilang ang mga sosyalistang bansa. Ang pasilidad mismo ay binabantayan ng tatlong poste ng guwardiya ng militar. Ang buong base ay nahahati sa maraming antas ng lihim. Kapansin-pansin, para sa mas madaling pagkilala, ang ilang mga palapag at koridor ay may espesyal na kulay.

Ang lahat ng ito ay kinakailangan upang sa kaganapan ng isang bagong digmaan, ang Unyong Sobyet ay maaaring mapanatili ang ilan sa mga submarino nito sa Black Sea, na sa kalaunan ay gagamitin para sa karagdagang kontrol sa rehiyon. Ang complex ay tumigil na umiral pagkatapos ng pagbagsak ng USSR. Noong 1995, ang huling seguridad ay tinanggal mula sa base ng submarino. Ang Arsenal complex na may mga armas, kabilang ang mga sandatang nuklear, ay inuri sa halos sampung taon. Ngayon, ang dating lihim na complex ay hindi hihigit sa isang relic na nakapagpapaalaala sa Cold War.