Pahina 1 ng 4

Sa Imperyo ng Russia noong ika-18-19 na siglo. Mayroong isang opinyon (at hindi lamang sa mga Lumang Mananampalataya) na ang mga ipininta lamang sa tinatawag na "estilo ng Byzantine" ay isang tunay na icon. Ang istilong "akademiko" ay diumano'y isang bulok na produkto ng huwad na teolohiya ng Kanluraning Simbahan, at ang isang akdang nakasulat sa istilong ito ay hindi umano isang tunay na icon, sadyang hindi isang icon. Mali ang pananaw na ito dahil lamang ang icon bilang isang phenomenon, una sa lahat, sa Simbahan. Siyempre, kinikilala ng Simbahan ang isang icon sa istilong pang-akademiko. At kinikilala nito hindi lamang sa antas ng pang-araw-araw na pagsasanay, ang mga panlasa at kagustuhan ng mga ordinaryong parokyano (dito, tulad ng alam, maling akala, nakatanim na masamang gawi, at mga pamahiin ay maaaring maganap). Ang mga icon ng istilong akademiko ay nagsimulang umiral sa Holy Rus' mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, at naging laganap sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Maraming sikat na pintor ng icon sa panahong ito ang nagtrabaho sa isang akademikong paraan.

Isinulat sa mahigpit na istilo ng Russian Art Nouveau

nang hindi ginagaya ang mga miyembro ng bilog na "Abramtsevo".

na may diin sa palamuting Russian-Byzantine.

Icon na "St. Elizabeth". St. Petersburg, simula ng ika-20 siglo. 26.5x22.5 cm.

Setting - pabrika ng A.B. silverware Lyubavina.

Icon na "Holy Queen Helena". St. Petersburg, simula ng ika-20 siglo.

Setting, pilak, pagtubog. 84º. 92.5x63 cm.

Ang pagpinta ay purong moderno. Paalala sa akin

Gustav Klimt ("Salome" at "The Kiss". 1909-10)

Icon ng Ina ng Diyos "Kazan".

Kahoy, halo-halong media, gintong dahon. 31x27x2.7 cm.,

Stylistics ng Russian Art Nouveau. Moscow, simula ng ika-20 siglo.

Icon na "St. Great Martyr Healer Panteleimon."

Kahoy, langis, Russia, huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo,

laki na may frame na 72x55 cm.

Ang frame ay nasa istilong Russian Art Nouveau din:

kahoy, pagtubog, pagpipinta ng enamel.

Stylistics ng Russian Art Nouveau.

Kahoy, langis. tansong basma.Russia, pagkatapos ng 1911.

Circle ng Mikhail Nesterov.

"Panginoong Makapangyarihan." Sa paligid ng 1890. 40.6x15.9 cm.

Board, langis, pagtubog.

Circle ng Nesterov-Vasnetsov.

Tatlong mga icon ng templo (Triptych). Icon na "Panginoong Makapangyarihan" (h=175 cm).

Icon na "Arkanghel Michael" (h=165 cm.).

Icon na "Arkanghel Raphael (h=165 cm.). Pagliko ng XIX-XX na siglo.

Stylistics ng Russian Art Nouveau.

Our Lady of Jerusalem kasama ang paparating na Apostol Juan

Theologian at Equal-to-the-Apostles na si Reyna Helena. 1908-1917

Langis, sink.

Silver frame na may enamel frame ni Khlebnikov. 84º.

Moscow, 1899-1908. 12x9.6 cm.

S.I. Vashkov. Ang kumpanya na Olovyanishnikov and Co.

Moscow. 1908-1917. 13x10.6 cm.

Sa estilo ng Russian Art Nouveau.

PAUNANG-TAO

Ang panahon ng Art Nouveau sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo ay nanginginig para sa tainga ng Russia. - panahon Panahon ng Pilak ang buong kulturang Ruso kasama ang maputlang kulto ng simbolismo nito ay walang alinlangan na humantong sa mga radikal na pagbabago sa pananaw sa mundo ng mga taong Ruso. Trilogy D.S. Ang "Christ and Antichrist" ni Merezhkovsky, kung saan ipinahayag ng manunulat ang kanyang pilosopiya ng kasaysayan at ang kanyang pananaw sa hinaharap ng sangkatauhan, ay sinimulan niya noong 1890s. Ang kanyang unang nobela, "Death of the Gods. Si Julian the Apostate,” ang kuwento ng buhay ng ika-4 na siglong emperador ng Roma na si Julian, ay tinawag ng mga kritiko nang maglaon sa pinakamalakas na gawa ni D.S. Merezhkovsky. Sinundan ito ng nobelang “The Resurrected Gods. Leonardo da Vinci" (1901); binanggit ng mga kritiko, sa isang banda, ang katumpakan ng kasaysayan ng mga detalye, at sa kabilang banda, ang pagkahilig. Noong 1902, inilathala ang “Julian the Apostate” at “Leonardo da Vinci” bilang magkahiwalay na aklat ni M.V. Pirozhkov - tulad ng unang dalawang bahagi ng trilogy. Sa simula ng 1904 " Bagong daan"(No. 1-5 at No. 9-12) ay nagsimulang maglathala ng ikatlong nobela ng trilohiya, Antikristo. Peter at Alexey" (1904-1905) - isang teolohiko at pilosopikal na nobela tungkol kay Peter I, na "pinipinta ng may-akda bilang ang nagkatawang-tao na Antikristo", tulad ng nabanggit, higit sa lahat sa ilalim ng impluwensya ng kaukulang ideya na umiral sa schismatic na kapaligiran. Itanong kung ano ang kinalaman nito sa pagpipinta ng icon ng Russia - ang pinakadirekta: pagkatapos ng lahat, si Emperador Peter the Great, na hindi lamang tinanggihan ang pambansang artistikong panlasa, kundi pati na rin ang nagustuhan ng kanyang mga nasasakupan sa Kanluran - mataas na Katolikong baroque, ay itinuturing na "gravedigger. " ng napaka "mataas" na baroque na ito lamang sa arkitektura, kundi pati na rin sa pagpipinta. Noong 1714 ipinagbawal ng Tsar ang pagtatayo ng bato sa buong Russia maliban sa St. Petersburg, ang mga lumikha ng "Naryshkin" na mga obra maestra ng Baroque ay walang silbi sa bagong kabisera. Ang European mediocrity ay itinayo doon, ang Protestante na "Holland" na imbento ni Peter ay nilikha. At ano? Matapos alisin ang pagbabawal noong 1728, at kahit na mas maaga - pagkatapos ng pagkamatay ni Peter noong 1725, sa buong Russia ay bumaling sila sa nagambalang tradisyon, at ang Peter's Petersburg ay nananatiling apendiks ng kulturang Ruso, na halos walang mga imitasyon. Muli, isang bagay na dayuhan ay tinanggihan, ang tulay ay itinapon, ang tradisyon ay patuloy na nabubuhay. Nagbalik ang Baroque. Sa unang kalahati ng ika-18 siglo, ginusto pa rin ng Russia ang mga imaheng pininturahan ng propesyonal, na artistikong nagpatuloy sa "estilo ng Armory" na may kumbinasyon ng medieval at bagong mga diskarte sa pagpipinta. Ang dami sa mga larawang ito ay na-modelo nang mahigpit, ang kulay ay lubos na pandekorasyon, ang mga gintong puwang ay malawakang ginagamit, kaya naman ang mga icon ng trend na ito ay tinawag na "gold-space". Ang paraan ng "pagsusulat na ginto-ginto" noong ika-18–19 na siglo. ay itinuturing na sinaunang, "Greek-Orthodox", ang estilistang bahagi nito ay naiimpluwensyahan ng Elizabethan Baroque, ngunit naging medyo matatag na may kaugnayan sa klasisismo.

Bryullov K.P. "Pagpapako sa krus". 1838 (Russian Russian Museum)

Kasabay nito, ang canonical icon ay pinapalitan ng mga icon ng "akademikong pagsulat" - mga pagpipinta sa mga tema ng relihiyon. Ang estilo ng pagpipinta ng icon na ito ay dumating sa Russia mula sa Kanluran at binuo sa panahon ng post-Petrine, sa panahon ng synodal ng kasaysayan ng Russian Orthodox Church, at sa pag-unlad ng impluwensya ng Academy of Arts, mga pictorial icon sa ang istilong pang-akademiko, na ipininta sa pamamaraan ng langis, ay nagsimulang kumalat nang malawak sa pagpipinta ng icon. Ang direksyon na ito, na gumamit ng teknikal at pormal na paraan ng pagpipinta ng post-Renaissance, ay naging kapansin-pansing laganap lamang sa pagtatapos ng ika-18 siglo, nang ang mga aktibidad ng Academy of Arts, na itinatag noong 1757, ay ganap na umunlad.

Borovikovsky V.

Banal at pinagpalang prinsipe

Alexander Nevskiy.

Kahoy, langis. 33.5x25.2 cm.Tretyakov Gallery, Moscow.

Ang mga icon para sa mga kapital na simbahan ay dati nang kinomisyon mula sa mga artista ng bagong pagsasanay (mga gawa ni I. Ya. Vishnyakov, I. N. Nikitin at iba pa - para sa Simbahan ng St. Alexander Nevsky sa Alexander Nevsky Lavra sa St. Petersburg, 1724, D. G. Levitsky - para sa simbahan ng Saints Cyrus at John sa Solyanka at St. Catherine sa Bolshaya Ordynka sa Moscow, 1767), ngunit kadalasan ito ay nauugnay sa mga utos mula sa korte. Mayroon ding mga kaso kapag ang mga indibidwal na pintor ng icon ay nag-aral sa mga propesyonal na artist (I. Ya. Vishnyakov, I. I. Belsky), ngunit ang mga kasong ito ay nanatiling nakahiwalay. Hanggang sa akademikong edukasyon at, nang naaayon, ang akademikong pagpipinta ng icon ay naging isang medyo laganap na kababalaghan, ang mga larawang larawan ay nanatiling pag-aari ng pinaka-edukado at mayayamang pili ng lipunan. Ang pagkalat ng sekular na pagpipinta, lalo na ang portraiture, ay nag-ambag sa pang-unawa ng icon bilang isang makatotohanang larawan ng isang santo o bilang isang dokumento na nagtatala ng isang partikular na kaganapan. Ito ay pinalakas ng katotohanan na ang ilang panghabambuhay na larawan ng ika-18–19 na siglo. pagkatapos ng canonization ng mga ascetics na inilalarawan sa kanila, nagsimula silang gumana bilang mga icon at nabuo ang batayan ng kaukulang iconography (halimbawa, mga larawan ng Saints Demetrius ng Rostov, Mitrofan ng Voronezh, Tikhon ng Zadonsk).

VladimirBorovikovsky.

Icon"St. Catherine" mula sa

Kazan Cathedral sa St. Petersburg. 1804-1809.

Karton, langis. 176x91 cm. Timing belt.

Ang mga icon na ginawa sa istilong pang-akademiko, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng solemnity at historicity, ay pinalamutian ang isang malaking bilang ng mga simbahan ng Russia. Ang mga dakilang santo noong ika-18 - ika-20 siglo ay nanalangin sa harap ng mga icon na ipininta sa ganitong istilo; ang mga workshop sa monasteryo ay nagtrabaho sa istilong ito, kabilang ang mga workshop ng mga natatanging sentrong espirituwal tulad ng Valaam o mga monasteryo ng Athos. Ang pinakamataas na hierarchs ng Russian Orthodox Church ay nag-order ng mga icon mula sa mga akademikong artista. Ang ilan sa mga icon na ito, halimbawa, ang mga gawa ni Vasily Makarovich Peshekhonov, ay nananatiling kilala at minamahal ng mga tao sa maraming henerasyon, nang hindi sumasalungat sa mga icon ng istilong "Byzantine".

Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo at sa simula ng ika-20 siglo, ang nangingibabaw na anyo ng pagkilala sa merito sa lahat ng uri ng mga aktibidad ay ang pamagat ng tagapagtustos ng hukuman. Noong 1856, sa pamamagitan ng utos ni Emperor Alexander II, ang titulong Iconographer ng Hukuman ng Kanyang Imperial Majesty, at kasama nito ang karapatang gamitin ito sa sign ng workshop. Pambansang sagisag Ang Russia at ang inskripsiyon na "Privileged Master of the Court of His Imperial Majesty" ay ipinagkaloob kay Vasily Makarovich Peshekhonov. Ang pagkuha ng titulong Iconographer ng Hukuman ng Kanyang Imperial Majesty ay nauna sa isang mahabang gawain.

V.M. Peshekhonov. Kapanganakan ng Ina ng Diyos - Pagpapahayag. 1872

Wood, gesso, mixed technique, gold embossing.

Sukat 81x57.8x3.5 cm.

O narito ang isa pa:

Maikling impormasyon: Sa loob ng higit sa sampung taon, si Vasily Makarovich Peshekhonov ay nagpinta ng mga icon para sa lahat ng bagong panganak na sanggol ng imperyal na pamilya: ang icon ni St. Alexander Nevsky para kay Grand Duke Alexander Alexandrovich, ang hinaharap na emperador Alexandra III(1845–1894); ang imahe ni St. Nicholas - para kay Grand Duke Nikolai Alexandrovich (1843–1865); icon ng Banal na Prinsipe Vladimir - Grand Duke Vladimir Alexandrovich (1847–1909); isang icon ng St. Alexis, Metropolitan ng Moscow, para kay Grand Duke Alexei Alexandrovich (1850–1908). Nasa posisyon na ng court icon painter, V.M. Sumulat si Peshekhonov para sa lahat ng mga anak ni Emperors Alexander II at Alexander III "mga imahe na proporsyon sa kanilang taas," iyon ay, mga icon na ang laki ay tumutugma sa taas ng matataas na bagong panganak na mga sanggol. Ang huling utos ni Vasily Peshekhonov para sa imperyal na pamilya, na binanggit sa mga mapagkukunan ng archival, ay ginawa para sa isang bagong panganak. Grand Duchess Olga Alexandrovna noong 1882. Ang biyograpikong impormasyon tungkol sa pamilyang Peshekhonov ay napakahirap. Si Vasily Makarovich Peshekhonov ay nagmula sa isang pamilya ng mga namamana na pintor ng icon. Ang kanyang lolo na si Samson Fedorovich Peshekhonov at ang kanyang asawang si Praskovia ay lumipat sa St. Petersburg mula sa lalawigan ng Tver sa simula ng ika-19 na siglo, kaya naman sa panitikan ang mga Peshekhonov ay minsang tinatawag na mga residente ng Tver. Noong 20s ng ika-19 na siglo, ang kanilang anak na si Makari Samsonovich Peshekhonov (1780–1852) ay lumipat sa St. Petersburg kasama ang kanyang pamilya - ang kanyang asawa at apat na anak na lalaki. Sina Alexey, Nikolay at Vasily ay mga bihasang pintor ng icon; Hindi nakikibahagi si Fyodor sa pagpipinta ng icon dahil sa kapansanan. Si Makari Samsonovich ay isang master ng personal at personal na pagsulat at itinatag ang workshop ng Peshekhonov, na kilala sa buong Russia. Mula noong 30s ng ika-19 na siglo, ang pagawaan at bahay ng mga Peshekhonov ay matatagpuan sa St. Petersburg sa address: "sa Ligovsky Canal sa tapat ng Kuznechny Lane, sa Galchenkov House, No. 73." Ang manunulat na si Nikolai Leskov ay paulit-ulit na bumisita sa workshop at nabanggit ang pagiging istilo, mataas na propesyonalismo at mga katangiang moral Peshekhonov. Ipinahayag niya ang kanyang mga impresyon mula sa mga pagbisitang ito sa kanyang mga kuwento, na lumilikha ng mga kolektibong larawan ng mga pintor ng icon. Noong 1852, namatay si Makariy Samsonovich kasama ang kanyang anak na si Alexei sa panahon ng isang bagyo sa Black Sea, at ang icon-painting artel ay pinamumunuan ni Vasily Makarovich. Ang mga aktibidad ng workshop ng Peshekhonov at ang pamumulaklak ng istilong Peshekhonov ng pagpipinta ng icon ay nagsimula noong 1820s–80s. Bilang karagdagan sa mga gawa para sa pamilya ng imperyal, ang workshop sa ilalim ng pamumuno ni Vasily Makarovich ay nakumpleto ang higit sa 30 mga iconostases para sa mga monasteryo at simbahan sa Russia at sa ibang bansa. Trabaho sa pagpapanumbalik, mga iconostases para sa 17 simbahan sa St. Petersburg, pati na rin ang mga diyosesis ng Samara, Saratov, Tver at St. Petersburg, ang Cathedral sa Tokyo, ang Trinity Cathedral ng Russian Spiritual Mission sa Jerusalem, pitong iconostases para sa mga simbahan ng Valaam Monastery, pati na rin ang mga icon ng wall at icon case - hindi ito kumpletong listahan ng trabaho ng workshop. Iconostases ni V.M. Pinalamutian ni Peshekhonov ang mga katedral at iba pang mga katedral ng mga lungsod tulad ng Rybinsk, Volsk, Tver, Kirillov, Novaya Ladoga, Simbirsk, Chistopol. Noong 1848–1849, ang mga Peshekhonov ay lumahok sa pagpapanumbalik ng St. Sophia Cathedral sa Kyiv. Ang gawain ay pinamumunuan ni Makariy Samsonovich Peshekhonov. Binigyan siya ng gawain ng pagpapanatili ng sinaunang pagpipinta at pagpapanumbalik nito lamang sa mga nawawalang fragment. Ayon sa mga kontemporaryo, ang mga fresco ng Peshekhonov ay isinagawa sa isang mataas na antas ng artistikong. Sa kasamaang palad, ang pagpipinta na ipinagpatuloy ng mga Peshekhonov ay halos ganap na nawasak sa pamamagitan ng pagbuo ng amag. Ang katotohanang ito ay ang dahilan ng hindi makatarungang pagpuna sa mga Peshekhonov bilang mga restorer, dahil ang mga resulta ng pagpapanumbalik ng St. Sophia ng Kyiv noong 1843–1853 sa siyentipikong panitikan ay karaniwang tinatasa bilang isang pagkabigo: ang mga sinaunang fresco ay halos ganap na naitala. Gayunpaman, dapat itong isaalang-alang na noong 1853 limang fragment lamang ng mga gawa mula sa pagawaan ng Peshekhonov ang nanatili; Sa kasalukuyan, isa lamang ang nakaligtas - isang insert ng pagpapanumbalik para sa mosaic sa layag ng pangunahing simboryo na may imahe ni Apostol John theologian - isang mahusay na paglalarawan ng kasanayan at talento ng mga Peshekhonov.

At sa parehong oras, ang akademikong istilo ng pagpipinta ng icon ay nagdudulot ng mainit na kontrobersya, kapwa sa mga pintor ng icon at mga connoisseurs ng pagpipinta ng icon. Ang esensya ng kontrobersya ay ang mga sumusunod. Ang mga tagasuporta ng istilong Byzantine, na lumikha ng mga icon "sa canon," ay inaakusahan ang mga icon sa istilong pang-akademiko ng kakulangan ng espirituwalidad, at isang pag-alis mula sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon, ngunit sa isang pilosopikal na kahulugan, ito pa rin ang parehong debate tungkol sa kung ano ay mas mahalaga para sa atin: ang kaluluwa ng isang tiyak na buhay na tao na may mga kasalanan at pagkakamali nito o walang buhay na mga canon ng simbahan na nag-uutos sa pag-uugali ng kaluluwang ito. O mayroon pa bang uri ng ginintuang kahulugan: isang kompromiso sa pagitan ng canon at katotohanan, panlasa, fashion, atbp. Subukan nating unawain ang mga akusasyong ito. Una sa espirituwalidad. Magsimula tayo sa katotohanan na ang espiritwalidad ay isang medyo banayad at mailap na bagay; walang mga tool para sa pagtukoy ng espirituwalidad, at lahat ng bagay sa lugar na ito ay lubos na subjective. At kung ang isang tao ay nag-aangkin na ang mahimalang imahe ng Kazan Icon ng Ina ng Diyos, na ipininta sa istilong pang-akademiko, at kung saan, ayon sa alamat, ang nagligtas sa St. Petersburg sa panahon ng digmaan, ay hindi gaanong espirituwal kaysa sa isang katulad na icon sa istilong Byzantine. - hayaan ang pahayag na ito ay manatili sa kanyang budhi. Kadalasan, bilang argumento, maririnig mo ang mga ganitong pahayag. Sinasabi nila na ang mga icon sa istilong pang-akademiko ay may pisikal, mala-rosas na pisngi, sensual na labi, atbp. Sa katunayan, ang pamamayani ng sensual, carnal na prinsipyo sa icon ay hindi problema sa istilo, ngunit sa mababang antas ng propesyonal ng mga indibidwal na pintor ng icon. Ang isang tao ay maaaring magbanggit ng maraming mga halimbawa ng mga icon na ipininta sa "canon" mismo, kung saan ang "karton" na hindi maipahayag na mukha ay nawala sa maraming mga kulot ng labis na sensual na mga dekorasyon, mga burloloy, atbp. Ngayon tungkol sa pag-alis ng istilong pang-akademiko mula sa mga tradisyon ng pagpipinta ng icon. Ang kasaysayan ng pagpipinta ng icon ay bumalik sa higit sa isang libo at limang daang taon. At ngayon sa mga monasteryo ng Athonite ay makakakita ka ng mga nakaitim, sinaunang mga icon mula sa ika-7-10 siglo. Ngunit ang kasagsagan ng pagpipinta ng icon sa Byzantium ay naganap sa pagtatapos ng ika-13 siglo, at nauugnay sa pangalan ng Panselin, ang Greek Andrei Rublev. Nakarating na sa amin ang mga painting ni Panselin sa Karey. Ang isa pang namumukod-tanging pintor ng icon ng Greek, si Theophanes ng Crete, ay nagtrabaho sa Mount Athos sa simula ng ika-16 na siglo. Gumawa siya ng mga kuwadro na gawa sa Stavronikita monastery at sa refectory ng Great Lavra. Sa Rus', ang mga icon ni Andrei Rublev ng unang ikatlong bahagi ng ika-15 siglo ay wastong kinikilala bilang ang tuktok ng pagpipinta ng icon. Kung susuriin nating mabuti ang buong halos dalawang libong taong kasaysayan ng pagpipinta ng icon, matutuklasan natin ang kamangha-manghang pagkakaiba-iba nito. Ang mga unang icon ay pininturahan gamit ang encaustic technique (mga pintura batay sa mainit na waks). Ang katotohanang ito lamang ay pinabulaanan ang popular na paniniwala na ang isang "tunay" na icon ay dapat na ipininta sa egg tempera. Bukod dito, ang istilo ng mga naunang icon na ito ay mas malapit sa mga icon sa istilong pang-akademiko kaysa sa "canon." Hindi ito nakakagulat. Upang magpinta ng mga icon, kinuha ng mga unang pintor ng icon ang mga larawan ng Fayum bilang batayan, mga larawan ng mga totoong tao na nilikha gamit ang encaustic technique. Sa katunayan, ang tradisyon ng pagpipinta ng icon, tulad ng lahat ng bagay sa mundong ito, ay umuunlad nang paikot. SA siglo XVIII, ang tinatawag na "canonical" na istilo ay bumagsak sa lahat ng dako. Sa Greece at sa mga bansang Balkan ito ay bahagyang dahil sa pananakop ng Turko, sa Russia kasama ang mga reporma ni Peter. Ngunit hindi ito ang pangunahing dahilan. Ang pang-unawa ng tao sa mundo at ang kanyang saloobin sa mundo sa paligid niya, kabilang ang espirituwal na mundo, ay nagbabago. Ang isang tao ng ika-19 na siglo ay nadama ang mundo sa kanyang paligid na iba kaysa sa isang tao ng ika-13 siglo. At ang pagpipinta ng icon ay hindi isang walang katapusang pag-uulit ng parehong mga pattern ayon sa mga guhit, ngunit isang buhay na proseso batay sa parehong relihiyosong karanasan ng mismong pintor ng icon at sa pang-unawa ng espirituwal na mundo ng buong henerasyon. Ang libreng kumpetisyon ng mga estilo, na umiiral sa Russia ngayon, ay lubhang kapaki-pakinabang para sa icon, dahil pinipilit nito ang magkabilang panig na mapabuti ang kalidad, upang makamit ang tunay na artistikong lalim, na nakakumbinsi hindi lamang para sa mga tagasuporta, kundi pati na rin para sa mga kalaban ng isang partikular na istilo. Kaya, ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" ay pinipilit ang "akademiko" na maging mas mahigpit, mas matino, at mas makahulugan. Ang kalapitan ng paaralang "Byzantine" sa paaralang "akademiko" ay pumipigil dito na maging primitive na pagkakayari.

Ngunit may mga pintor ng icon sa Russia na nakahanap ng gitna sa pagitan ng dalawang istilong ito. Kabilang dito si Ivan Matveevich Malyshev.

Naka-sign icon na "St. Nicholas the Wonderworker".

Artist Ivan Malyshev.

22.2x17.6 cm. Russia, Sergiev Posad,

studio ng artist na si Ivan Malyshev, 1881

Sa ibaba ng icon, sa isang ginintuan na field

isang inskripsiyon sa lumang spelling ay inilagay:

"Ang icon na ito ay ipininta sa workshop ng artist na si Malyshev

sa Sergievsky Posad noong 1881."

Sa likod ay ang signature seal ng workshop:

"Artista I. Malyshev. S.P.

Ang pinaka iginagalang na icon sa Rus'. Dahil namatay si Ivan Matveyevich noong 1880, at ang icon ay may petsang 1881 at nagtataglay ng selyo ng SP (at ito ay tumutugma sa mga huling icon ng Malyshev mismo), at hindi TSL, kung gayon maaari nating ligtas na sabihin na pinamamahalaang niyang isulat ang personal, at lahat ng iba ay natapos ng kanyang mga anak. Malinaw, ang artist mismo ay hindi makumpleto ang ganoong bilang ng mga icon. Sa workshop ni Malyshev mayroong isang dibisyon ng paggawa na karaniwan para sa oras na iyon; tinulungan siya ng mga upahang manggagawa at mag-aaral. Kilala ang tatlong anak ng artista. Ang mga panganay na anak na lalaki, sina Konstantin at Mikhail, ay tila natutunan ang sining ng pagpipinta ng icon mula sa kanilang ama at nagtrabaho kasama niya. Sa mga pahayag ng monasteryo para sa pagbabayad ng mga suweldo, binanggit sila kasama ng kanilang ama, at, bilang isang patakaran, si Ivan Matveevich mismo ay pumirma para sa pagtanggap ng suweldo. Ayon sa parehong mga pahayag, ito ay malinaw na kung ang ministro ay hindi marunong bumasa at sumulat, pagkatapos ay isa pang pumirma para sa kanya, at ang dahilan ay ipinahiwatig. Mahirap isipin na ang mga anak ni Ivan Matveevich ay hindi marunong magbasa, sa halip, ito ang paraan ng mga relasyon sa pamilya. Matapos ang pagkamatay ni Ivan Matveevich, pinamunuan ni Konstantin ang pagawaan ng pamilya, na matatagpuan sa isang bahay sa Blinnaya Gora (nasunog ang bahay sa simula ng ika-20 siglo). Inako rin ni Konstantin Ivanovich ang mga responsibilidad ng pinuno ng Elias Church. Noong 1889–1890 ni-renew niya ang mga wall painting ng Elias Church. Sa pamamagitan ng kanyang kasipagan, ang sahig ng templo ay inilatag mula sa mga tile na lumalaban sa apoy, katulad ng ceramic coating sa Refectory Lavra Church. Noong 1884, sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang iconostasis ng Kazan Church ay ipininta (ang simboryo na dati ay ipininta ni Ivan Matveevich). Ang bunsong anak ni Ivan Matveevich na si Alexander, tulad ng kanyang ama, ay pinag-aralan sa Imperial Academy of Arts. Nag-aral siya sa St. Petersburg mula 1857 hanggang 1867. Nang makumpleto, natanggap niya ang pamagat ng class artist ng ikatlong degree. Tila, hindi siya bumalik sa kanyang bayan, nagpakasal at nanatili upang manirahan sa St. Ang mga pangalan nina Ivan Matveevich at Alexander Ivanovich Malyshev ay lumilitaw sa rehistro ng mga propesyonal na artista.

Maikling impormasyon: Malyshev,Ivan Matveevichay isa sa mga pinakasikat na pintor ng icon ng pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo. Noong 1835, may nangyari sa buhay ni Ivan Matveevich isang mahalagang kaganapan: umalis siya papuntang St. Petersburg at nag-aral sa Imperial Academy of Arts bilang isang libreng estudyante. Ayon sa Charter of the Academy, para sa mga free-students (o outsiders), ang pagsasanay ay tumagal ng anim na taon. Ilang mga pintor ng icon ng Russia ang maaaring magyabang ng gayong edukasyon. Si Ivan Matveevich Malyshev (1802–1880) ay isa sa mga pinaka makabuluhang pintor ng icon ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na nagtrabaho sa Lavra (makikita natin ang mga icon ng kanyang workshop ngayon sa Ilyinsky Church of Sergiev Posad at sa Espirituwal na Simbahan ng Lavra). Ang sistematikong pagtuturo ng icon painting sa Lavra ay nagsimula noong 1746 sa pagtatatag ng Icon Painting Class sa bagong likhang seminary at nagpatuloy, na may iba't ibang antas ng tagumpay, hanggang 1918. Sa proseso ng pagtatatag ng Lavra icon painting school bilang isang istrukturang pang-edukasyon , maraming yugto ang maaaring makilala, at ang pinakakapansin-pansin sa mga ito ay ito ang panahon ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo (mula 1846 hanggang 1860–1870). Ito ang oras kung kailan ang Lavra ay pinasiyahan ng Metropolitan Philaret (Drozdov) at ang gobernador, si Archimandrite Anthony (Medvedev). Sa ilalim ng mga ito, natagpuan ng icon painting school ang isang muling pagsilang, pinalawak at naging kilala sa lahat. mundo ng Orthodox. Ang pintor ng icon na si Ivan Matveevich Malyshev ay nasa pinagmulan din ng muling pagkabuhay na ito. Sa ilalim ng direktang pamumuno ng gobernador ng Lavra, si Fr. Anthony noong 1850s, pinamunuan ni Malyshev ang paaralan ng pagpipinta ng icon ng Lavra patungo sa muling pagkabuhay ng tradisyonal na pagpipinta ng icon. Ang landas na ito ay naging hindi maikli o simple, ngunit ito ay eksakto kung paano ito tila sa panahong iyon at pag-unlad. Ang nilalayon na layunin - "para sa pagpapaunlad at pagpapanatili ng Estilo ng Griyego ng pagsulat" - ay malinaw na ipinahiwatig sa manwal na ibinigay kay Malyshev bilang pinuno, o sa halip ay ang "may-ari ng paaralan," Fr. Anthony. Ang manwal na ito ay isang set ng 16 na panuntunan na nagtatakda ng parehong moral na mga kinakailangan para sa mga mag-aaral at guro, at mga artistikong priyoridad na dapat sundin kapag nagsasanay ng mga pintor ng icon sa hinaharap. Si Malyshev din ang nagtatag ng isang malaking pagawaan ng pagpipinta ng icon, na nilikha niya sa lungsod. Kilala siya sa royals at ginawaran ng maraming parangal. Mula sa isang mahirap na pamilya ng magsasaka, si Ivan Matveevich ay nakatanggap ng isang mahusay na edukasyon sa St. Petersburg Academy of Arts (tila, tulad ng kanyang nakatatandang kapatid na si Nikolai, isang arkitekto). Ang gawain ni Malyshev ay lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. Narito, halimbawa, ang isang pagsusuri na inilagay sa Irkutsk Diocesan Gazette para sa 1864: "Ang mga icon sa iconostasis, sa mataas na lugar, sa altar at ang ilan sa mga dingding ay ipininta sa Sergius Lavra ng artist na si Malyshev. Ang mga ito ay pininturahan sa istilong Byzantine-Russian at nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kasiningan , kaya, lalo na, sa isang maka-diyos at nakapagpapatibay na karakter. Sa pagtingin sa kanila, hindi ka tumitigil lamang sa talento ng artista, ang kagandahan ng mga kulay, ang kayamanan ng imahinasyon. , tulad ng sa pagpipinta ng Italyano, ngunit ang iyong pag-iisip ay higit pa sa karaniwan, tao; nagmumuni-muni sa espirituwal, makalangit, banal; pakiramdam na ang iyong kaluluwa ay puno ng pagpipitagan at napukaw sa panalangin; ang iyong kaluluwa ay pinapakain ng mga kaisipan at damdamin ng Bibliya at ng Banal na Simbahan...”

Icon ng templo na "Lord Pantocrator".

Kahoy, langis, gintong dahon.152x82 cm.

Russia, Sergiev Posad, studio ng artist na si I. Malyshev, 1891.

Sa ibaba ng icon, sa itaas ng ginintuan na field, ay ang inskripsiyon:

"Ang icon na ito ay ipininta sa workshop ng artist

Malyshev sa Sergiev Posad noong 1891."

Si Kristo ay nakaupo sa trono sa damit ng obispo at bukas ang Ebanghelyo. Sa katunayan, sa icon ay makikita natin ang iconographic na bersyon ng "Christ the Great Bishop," ngunit pupunan ng isang katangian na elemento ng bersyon na "Christ the King as King" - isang setro sa kaliwang kamay ni Kristo. Pinangunahan ni Ivan Malyshev ang pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Trinity-Sergius Lavra mula 1841 hanggang 1882. Dito, sa pangunahing pagawaan ng pagpipinta ng icon ng Russia, ang mga icon ay nilikha para sa mga pinaka makabuluhang simbahan, gayundin para sa mga utos mula sa korte ng hari, ang aristokrasya at pinakamataas na kaparian. Ang artist ay personal na lumikha ng isang espesyal na istilo ng pagpipinta ng icon, na tinutukoy ang istilo ng mga gawa ng buong workshop sa kabuuan at nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagpipinta ng mass icon sa Russia noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Napanatili ni Malyshev ang mga pangunahing tampok ng tradisyonal, kanonikal na istilo, ngunit dinala ang mga ito sa isang espesyal na pagkakaisa alinsunod sa mga prinsipyo ng klasisismo at akademiko, at sa gayon ay tinutulay ang hanggang sa kasalukuyan na agwat sa pagitan ng tradisyonal at akademikong kaugalian sa pagpipinta ng icon. Ang mga gawa ng mature icon na pintor na si Malyshev ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakamahusay na glaze elaboration ng mga mukha at damit, mga klasikal na proporsyon, makatotohanang plasticity ng mga figure at isang bilang ng iba pang mga katangian na likas sa ipinakita na icon.

GENESIS NG NATIONAL RUSSIAN ICON SA HULING KWARTER NG 19TH CENTURY

Noong 80s-90s ng ika-19 na siglo sa relihiyosong "akademikong" pagpipinta ng Russia,tulad ng sa lahat ng sining ng Russia, mayroong isang dinamikong proseso ng paglikha ng sarili nitong pambansang paaralan. Mga pangunahing tagumpay sa larangan bagong anyo at ang dekorasyon ng icon ay direktang nauugnay sa mga tradisyon ng pambansang sining, kultura at sining ng Russia, ang mga pinagmulan kung saan makikita natin, siyempre, sa sikat na pag-print ng Russia at sa disenyo ng mga sinaunang manuskrito ng Slavonic ng Simbahan. At nangyari ito noong dekada 80. Sa dekada na ito, ang kritikal na realismo ay nangingibabaw sa pagpipinta, at ang maagang impresyonismo nina V. Serov, K. Korovin at I. Levitan ay nabuo. Laban sa background na ito, nagsimulang lumitaw ang mga bagong uso - isang grabitasyon patungo sa modernidad ay ipinahayag, ang unti-unting pagbuo nito, at sa ilang mga kaso ang kumpletong pagkuha nito, tulad ng nangyari kay Mikhail Vrubel. Sa Abramtsevo, kung saan lumitaw ang interes sa katutubong sining at isang pagtatangka na buhayin ito ay sumanib sa maagang anyo Art Nouveau, noong 1882 V. Vasnetsov at D. Polenov ay nagtayo ng isang maliit na simbahan, na nagbigay ng reorientation mula sa pseudo-Russian na istilo hanggang sa neo-Russian. Pinagsasama nito ang mga anyo ng Art Nouveau sa mga anyo ng sinaunang arkitektura ng Russia noong panahon ng pre-Mongol. Ang maliit na laki ng simbahan ng Abramtsevo ay naging tagapagpauna ng Russian Art Nouveau at naging matatag na nakabaon sa kasaysayan ng sining ng Russia. Kahit na ang arkitektura ng Russia ay kailangang maghintay ng isa at kalahating dekada bago ang estilo ng Art Nouveau ay kumuha ng higit pa o mas kaunting mga tiyak na anyo. Sa pagpipinta at, lalo na, sa monumental na pagpipinta sa relihiyon, medyo mas mabilis itong nangyari. Sa ilang mga lawak (kahit na malayo) ang nangunguna sa Art Nouveau ay ang huli akademikong pagpipinta Semiradsky, Bakalovich, Smirnov at iba pang mga artista na nahilig sa "magandang" kalikasan at "magandang" bagay, mga kamangha-manghang paksa, iyon ay, sa "isang priori na kagandahan", ang pagkakaroon nito ay naging isa sa mga kinakailangan ng estilo ng Art Nouveau. Ang kulto ng kagandahan ay naging isang bagong relihiyon. "Beauty is our religion," diretso at tiyak na sinabi ni Mikhail Vrubel sa isa sa kanyang mga sulat. Sa sitwasyong ito, ang kagandahan at ang direktang carrier nito - sining -pinagkalooban ng kakayahang baguhin ang buhay, itayo ito ayon sa isang tiyak na modelo ng aesthetic, sa mga prinsipyo ng unibersal na pagkakaisa at balanse. Ang artista - ang lumikha ng kagandahang ito ay naging isang exponent ng mga pangunahing adhikain ng panahon. Kasabay nito, ang pagpapalakas ng papel ng panlipunang pagbabago ng mga ideya ng kagandahan ng panahong iyon ay napaka-nagpapahiwatig, dahil sa Russia ang napakaraming populasyon ay naninirahan sa ibaba ng linya ng kahirapan. Ang tema pala ng kagandahan ay napilitang magsama sa tabi ng tema ng pakikiramay sa mga kapus-palad na mga taong ito (ang mga artistang Wanderers). Relihiyon lamang ang makapagbubuklod sa kanila.

Ang artistikong ideolohiya ng pambansang neoclassical na icon ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ang may-akda nito ay itinuturing na V.M. Vasnetsov, ay malinaw na batay sa isang paniniwala sa isang espesyal na relihiyosong kahulugan ng kagandahan at nagdadala ng malinaw na impluwensya ng mga aesthetics ng F.M. Dostoevsky, na nagpahayag ng kagandahan bilang isang ganap na halaga sa kanyang nobelang "The Idiot". Sa nobela (Bahagi 3, Kabanata V), ang mga salitang ito ay binibigkas ng 18-taong-gulang na kabataang si Ippolit Terentyev, na tumutukoy sa mga salita ni Prinsipe Myshkin na ipinarating sa kanya ni Nikolai Ivolgin at pinaplantsa ang huli:

“Totoo ba, Prinsipe, na minsan mong sinabi na ang mundo ay ililigtas ng “kagandahan”? "Mga ginoo," malakas na sigaw niya sa lahat, "sinasabi ng prinsipe na ang mundo ay maliligtas sa kagandahan!" And I claim that the reason he has such playful thoughts is that he is now in love. Mga ginoo, ang prinsipe ay umiibig; Ngayon pa lang, pagpasok pa lang niya, nakumbinsi na ako dito. Huwag kang mamula, prinsipe, maaawa ako sa iyo. Anong kagandahan ang magliligtas sa mundo? Sinabi ito sa akin ni Kolya... Masigasig ka bang Kristiyano? Sinabi ni Kolya na tinatawag mo ang iyong sarili na isang Kristiyano. Tiningnan siya ng mabuti ng prinsipe at hindi siya sinagot."

F.M. Si Dostoevsky ay malayo sa mahigpit na aesthetic na paghuhusga - isinulat niya ang tungkol sa espirituwal na kagandahan, tungkol sa kagandahan ng kaluluwa. Ito ay tumutugma sa pangunahing ideya ng nobela - upang lumikha ng isang imahe ng "positibo kahanga-hangang tao" Samakatuwid, sa kanyang mga draft, tinawag ng may-akda si Myshkin na "Prinsipe Kristo," sa gayon ay nagpapaalala sa kanyang sarili na si Prinsipe Myshkin ay dapat na katulad ng maaari kay Kristo - kabaitan, pagkakawanggawa, kaamuan, isang kumpletong kawalan ng pagkamakasarili, ang kakayahang dumamay sa mga problema ng tao at mga kasawian. Samakatuwid, ang "kagandahan" na binanggit ng prinsipe (at si F.M. Dostoevsky mismo) ay ang kabuuan ng mga katangiang moral ng isang "positibong magandang tao." Ang purong personal na interpretasyon ng kagandahan ay tipikal para sa manunulat. Naniniwala siya na "ang mga tao ay maaaring maging maganda at masaya" hindi lamang sa kabilang buhay. Maaari silang maging ganito "nang hindi nawawala ang kakayahang mabuhay sa lupa." Para magawa ito, dapat silang sumang-ayon sa ideya na ang Evil ay "hindi maaaring maging normal na kalagayan ng mga tao," na lahat ay may kapangyarihang alisin ito. At pagkatapos, kapag ang mga tao ay ginagabayan ng pinakamahusay na nasa kanilang kaluluwa, memorya at intensyon (Mabuti), kung gayon sila ay magiging tunay na maganda. At ang mundo ay maliligtas, at ito mismo ang "kagandahan" (iyon ay, ang pinakamahusay na nasa mga tao) na magliligtas dito. Siyempre, hindi ito mangyayari nang magdamag - kailangan ang espirituwal na gawain, pagsubok at maging ang pagdurusa, pagkatapos nito ay tinalikuran ng isang tao ang Kasamaan at bumaling sa Mabuti, nagsimulang pahalagahan ito. Ang manunulat ay nagsasalita tungkol dito sa marami sa kanyang mga gawa, kabilang ang nobelang "The Idiot." Halimbawa (bahagi 1, kabanata VII):

"Sa loob ng ilang oras, ang asawa ng heneral, tahimik at may isang tiyak na lilim ng paghamak, ay sinuri ang larawan ni Nastasya Filippovna, na hawak niya sa harap niya sa kanyang nakaunat na kamay, labis at epektibong lumayo sa kanyang mga mata.

Oo, magaling siya," sabi niya sa wakas, "sobrang kaya." Dalawang beses ko siyang nakita, sa malayo lang. Kaya pinahahalagahan mo ba ang ganito at ganyang kagandahan? - bigla siyang napalingon sa prinsipe.

Oo... ganyan... - medyo pilit na sagot ng prinsipe.

Kaya iyon talaga kung ano ito?

Eksaktong ganito.

Para saan?

Maraming pagdurusa ang mukha na ito...- ang sabi ng prinsipe, na parang hindi sinasadya, na parang kinakausap ang sarili, at hindi sinasagot ang tanong.

"Gayunpaman, maaari kang nagdedeliryo," nagpasya ang asawa ng heneral at sa isang mapagmataas na kilos ay ibinalik niya ang larawan sa mesa."

Ang manunulat ay isang taong katulad ng pag-iisip sa kanyang interpretasyon ng kagandahan pilosopong Aleman Immanuel Kant (1724-1804), na nagsalita tungkol sa "ang batas moral sa loob natin", na "ang kagandahan ay simbolo ng kabutihang moral." Ang parehong ideya ni F.M. Binubuo ito ni Dostoevsky sa kanyang iba pang mga gawa. Kaya, kung sa nobelang "The Idiot" ay isinulat niya na ang kagandahan ay magliligtas sa mundo, kung gayon sa nobelang "Mga Demonyo" (1872) lohikal niyang napagpasyahan na "Ang kapangitan (galit, kawalang-interes, pagkamakasarili) ay papatay..."

Mikhail Nesterov. Mga Pilosopo (Florensky at Bulgakov).

At sa wakas, "The Brothers Karamazov" - huling nobela F.M. Dostoevsky, na isinulat ng may-akda sa loob ng dalawang taon. Inisip ni Dostoevsky ang nobela bilang unang bahagi ng epikong nobelang "Ang Kasaysayan ng Dakilang Makasalanan." Natapos ang gawain noong Nobyembre 1880. Namatay ang manunulat apat na buwan pagkatapos ng publikasyon. Ang nobela ay humipo sa malalalim na katanungan tungkol sa Diyos, kalayaan, at moralidad. Sa panahon ng makasaysayang Russia, ang pinakamahalagang bahagi ng ideyang Ruso ay, siyempre, Orthodoxy. Tulad ng alam natin, ang prototype ni Elder Zosima ay si Elder Ambrose, na ngayon ay niluwalhati sa mga santo. Ayon sa iba pang mga ideya, ang imahe ng matanda ay nilikha sa ilalim ng impluwensya ng talambuhay ng schemamonk Zosima (Verkhovsky), ang tagapagtatag ng Trinity-Hodegetrievskaya Hermitage.

Talaga bang mayroon kang ganoong paniniwala tungkol sa mga kahihinatnan ng pagkaubos ng pananampalataya ng mga tao sa imortalidad ng kanilang mga kaluluwa? - Biglang tanong ni Elder Ivan Fedorovich.

Oo, sinabi ko ito. Walang birtud kung walang imortalidad.

Mapalad ka kung naniniwala ka sa gayon, o ikaw ay napakalungkot na!

Bakit hindi ka masaya? - Ngumiti si Ivan Fedorovich.

Sapagkat, sa lahat ng posibilidad, ikaw mismo ay hindi naniniwala sa imortalidad ng iyong kaluluwa, o kahit na sa kung ano ang nakasulat tungkol sa simbahan at sa isyu ng simbahan.

Tatlong magkakapatid, sina Ivan, Alexey (Alyosha) at Dmitry (Mitya), "ay abala sa paglutas ng mga tanong tungkol sa mga sanhi at pangwakas na layunin pagiging,” at bawat isa sa kanila ay gumagawa ng kaniyang sariling pagpili, na nagsisikap sa kaniyang sariling paraan upang sagutin ang tanong tungkol sa Diyos at sa imortalidad ng kaluluwa. Ang paraan ng pag-iisip ni Ivan ay madalas na buod sa isang parirala:

"Kung walang Diyos, lahat ay pinahihintulutan"

na kung minsan ay kinikilala bilang ang pinaka sikat na quote mula sa Dostoevsky, bagaman wala ito sa pormang ito sa nobela. Kasabay nito, ang ideyang ito "ay dinadala sa buong malaking nobela na may mataas na antas ng artistikong panghihikayat." Si Alyosha, hindi tulad ng kanyang kapatid na si Ivan, ay "kumbinsido sa pagkakaroon ng Diyos at sa imortalidad ng kaluluwa" at nagpasya para sa kanyang sarili:

"Gusto kong mabuhay para sa imortalidad, ngunit hindi ako tumatanggap ng kalahating kompromiso."

Si Dmitry Karamazov ay hilig sa parehong mga kaisipan. Naramdaman ni Dmitry ang "isang hindi nakikitang pakikilahok ng mga mystical na puwersa sa buhay ng mga tao" at sinabi:

"Dito ang diyablo ay nakikipaglaban sa Diyos, at ang larangan ng digmaan ay ang mga puso ng mga tao."

Ngunit si Dmitry ay hindi estranghero sa mga pagdududa kung minsan:

“At pinahihirapan ako ng Diyos. Ito lamang ang nagpapahirap. Paano kung wala Siya? Paano kung tama si Rakitin, na ito ay isang artipisyal na ideya sa sangkatauhan? Pagkatapos, kung wala Siya, kung gayon ang tao ang pinuno ng mundo, ng sansinukob. Fabulous! Ngunit paano siya magiging banal kung wala ang Diyos? Tanong! I'm all about it."

Ang isang espesyal na lugar sa nobelang "The Brothers Karamazov" ay inookupahan ng tula na "The Grand Inquisitor", na binubuo ni Ivan. Inilarawan ni Dostoevsky ang kakanyahan nito sa pambungad na pananalita bago basahin ang tula ng isang estudyante sa St. Petersburg University noong Disyembre 1879. Sinabi niya:

"Ang isang ateista na nagdurusa sa kawalan ng pananampalataya, sa isa sa kanyang masakit na mga sandali, ay bumubuo ng isang ligaw, kamangha-manghang tula kung saan inilalarawan niya si Kristo sa isang pakikipag-usap sa isa sa mga mataas na pari ng Katoliko - ang Grand Inquisitor. Ang pagdurusa ng manunulat ng tula ay nangyayari nang eksakto dahil talagang nakikita niya ang isang tunay na lingkod ni Kristo sa paglalarawan ng kanyang mataas na pari na may pananaw sa mundo ng Katoliko, na malayo sa sinaunang Apostolic Orthodoxy. Samantala, ang kanyang dakilang Inquisitor ay, sa esensya, isang ateista mismo. Ayon sa dakilang Inquisitor, ang pag-ibig ay dapat ipahayag sa kawalan ng kalayaan, dahil ang kalayaan ay masakit, ito ay nagbubunga ng kasamaan at nagiging sanhi ng isang tao na may pananagutan sa kasamaan na ginawa, at ito ay hindi mabata para sa isang tao. Ang Inquisitor ay kumbinsido na ang kalayaan ay hindi isang regalo para sa isang tao, ngunit isang parusa, at siya mismo ay tatanggihan ito. Bilang kapalit ng kalayaan, ipinangako niya sa mga tao ang pangarap ng isang makalupang paraiso:“...Ibibigay natin sa kanila ang tahimik, mapagpakumbabang kaligayahan ng mahihinang mga nilalang habang sila ay nilikha. ...Oo, pipilitin namin silang magtrabaho, ngunit sa mga oras na walang trabaho ay aayusin namin ang kanilang buhay bilang laro ng bata, na may mga awiting pambata, koro, at mga inosenteng sayaw.”

Alam na alam ng Inkisitor na ang lahat ng ito ay sumasalungat sa tunay na mga turo ni Kristo, ngunit nababahala siya tungkol sa organisasyon ng mga gawain sa lupa at pagpapanatili ng kapangyarihan sa mga tao. Sa pangangatwiran ng inkisitor, makahulang nakita ni Dostoevsky ang posibilidad na gawing isang kawan ng mga hayop ang mga tao, na abalang-abala sa pagkuha ng materyal na kayamanan at pagkalimot na "ang tao ay hindi nabubuhay sa tinapay lamang," na, sa pagkakaroon ng sapat, maaga o huli. magtatanong siya: busog na ako, pero ano? Sa tula na "The Grand Inquisitor," muling itinaas ni Dostoevsky ang tanong na labis na nag-aalala sa kanya tungkol sa pagkakaroon ng Diyos. Kasabay nito, kung minsan ang manunulat ay naglalagay sa bibig ng inkisitor ng medyo nakakumbinsi na mga argumento bilang pagtatanggol sa katotohanan na, marahil, mas mahusay na pangalagaan ang makalupang, tunay na kaligayahan at huwag isipin ang tungkol sa buhay na walang hanggan, pag-abandona sa Diyos sa pangalan nito.

Ang "The Legend of the Grand Inquisitor" ay ang pinakadakilang paglikha, ang tuktok ng pagkamalikhain ni Dostoevsky. Muling pumarito ang Tagapagligtas sa lupa. Inihatid ni Dostoevsky ang paglikha na ito sa mambabasa bilang gawa ng kanyang bayani na si Ivan Karamazov. Sa Seville, sa panahon ng laganap na Inkisisyon, si Kristo ay nagpakita sa gitna ng karamihan, at nakilala Siya ng mga tao. Ang mga sinag ng liwanag at kapangyarihan ay dumadaloy mula sa kanyang mga mata, Iniunat niya ang kanyang mga kamay, pinagpapala, gumagawa ng mga himala. Ang Grand Inquisitor, “isang matanda na siyamnapu, matangkad at tuwid, na may lantang mukha at lubog ang mga pisngi,” ay nag-utos sa kanya na ikulong. Sa gabi ay pumupunta siya sa kanyang bihag at nagsimulang makipag-usap sa kanya. "Alamat" - monologo ng Grand Inquisitor. Si Kristo ay nananatiling tahimik. Ang nasasabik na pananalita ng matanda ay nakadirekta laban sa mga turo ng Diyos-tao. Nagtitiwala si Dostoevsky na ang Katolisismo, maaga o huli, ay makiisa sa sosyalismo at bubuo kasama nito ang isang solong Tore ng Babel, ang kaharian ng Antikristo. Ang Inquisitor ay nagbibigay-katwiran sa pagtataksil kay Kristo na may parehong motibo kung saan binibigyang-katwiran ni Ivan ang kanyang pakikipaglaban sa Diyos, na may parehong pagmamahal sa sangkatauhan. Ayon sa Inkisitor, nagkamali si Kristo tungkol sa mga tao:

“Ang mga tao ay mahina, mabisyo, walang halaga at mga rebelde... Mahina, walang hanggang bisyo at walang hanggang walang utang na loob... Masyado mong mataas ang paghatol sa mga tao, dahil siyempre, sila ay mga alipin, bagaman sila ay nilikha ng mga rebelde... Ako sumumpa, ang tao ay mas mahina at Siya ay nilikhang mas mababa kaysa sa Inyong inaakala tungkol sa kanya... Siya ay mahina at hamak.”

Kaya naman, ang “katuruang Kristiyano” tungkol sa tao ay kabaligtaran sa turo ng Antikristo. Si Kristo ay naniwala sa larawan ng Diyos sa tao at yumukod sa harap ng kanyang kalayaan; Itinuturing ng Inkisitor na ang kalayaan ay ang sumpa ng mga kaawa-awa at walang kapangyarihang mga rebeldeng ito at, upang mapasaya sila, ipinahayag niya ang pagkaalipin. Iilan lamang ang mga pinili ang kayang dalhin ang tipan ni Kristo. Ayon sa inkisitor, ang kalayaan ay magdadala sa mga tao sa kapwa pagkawasak. Ngunit darating ang panahon, at ang mahihinang mga rebelde ay gagapang sa mga magbibigay sa kanila ng tinapay at magbibigkis sa kanilang magulo na kalayaan. Ang Inkisitor ay nagpinta ng isang larawan ng "kaligayahang parang bata" ng inaalipin na sangkatauhan:

“Maninginig sila sa pagpapahinga sa ating galit, magiging mahiyain ang kanilang isipan, luluha ang kanilang mga mata, tulad ng sa mga bata at babae... Oo, pipilitin natin silang magtrabaho, ngunit sa mga oras na walang trabaho, gagawin natin. ayusin ang kanilang buhay tulad ng isang larong pambata na may mga awiting pambata , sa koro, na may inosenteng sayawan. Oh, hahayaan natin silang magkasala... At lahat ay magiging masaya, lahat ng milyun-milyong nilalang, maliban sa daan-daang libong kumokontrol sa kanila... Tahimik silang mamamatay, tahimik silang maglalaho sa ang pangalan mo, at sa kabila ng libingan ay kamatayan lamang ang kanilang matatagpuan...”

Ang Inkisitor ay tumahimik; tahimik ang preso.

"Gusto ng matandang lalaki na sabihin sa kanya ang isang bagay, kahit na ito ay mapait at kakila-kilabot. Ngunit bigla Siyang tahimik na lumapit sa matanda at tahimik na hinalikan ito sa walang dugo, siyamnapung taong gulang nitong labi. Iyan ang buong sagot. Nanginginig ang matanda. May gumalaw sa dulo ng kanyang mga labi; siya ay pumunta sa pinto, binuksan ito at sinabi sa Kanya: “Humayo ka at huwag nang pumarito. Huwag ka ngang lumapit... Never, never!”

At pinakawalan niya Siya sa “madilim na salansan ng granizo.”

Ano ang sikreto ng Grand Inquisitor? Hulaan ni Alyosha:

"Ang iyong inkisitor ay hindi naniniwala sa Diyos, iyon ang kanyang buong sikreto."

Agad namang pumayag si Ivan.

"Kahit na! – sagot niya. “Sa wakas, nahulaan mo na.” At, talagang, talagang, talagang, iyon ang buong sikreto...”

Ang may-akda ng "The Karamazovs" ay nagtatanghal ng paglaban sa Diyos sa lahat ng demonyong kadakilaan nito: tinatanggihan ng Inkisitor ang utos ng pag-ibig sa Diyos, ngunit naging panatiko ng utos ng pag-ibig sa kapwa. Ang kanyang makapangyarihang espirituwal na kapangyarihan, na dati ay ginugol sa pagsamba kay Kristo, ngayon ay nabaling sa paglilingkod sa sangkatauhan. Ngunit ang walang diyos na pag-ibig ay hindi maiiwasang maging poot. Dahil nawalan ng pananampalataya sa Diyos, ang Inkisitor ay dapat ding mawalan ng pananampalataya sa tao, dahil ang dalawang pananampalatayang ito ay hindi mapaghihiwalay. Sa pamamagitan ng pagtanggi sa imortalidad ng kaluluwa, itinatanggi niya ang espirituwal na kalikasan ng tao. Nakumpleto ng "Alamat" ang gawain ng buhay ni Dostoevsky - ang kanyang pakikibaka para sa tao. Inihayag niya sa kanya ang relihiyosong batayan ng personalidad at ang hindi pagkakahiwalay ng pananampalataya sa tao mula sa pananampalataya sa Diyos. Sa hindi naririnig na puwersa, pinagtitibay niya ang kalayaan bilang imahe ng Diyos sa tao at ipinakita ang Antikristo na simula ng kapangyarihan at despotismo. "Kung walang kalayaan, ang tao ay isang hayop, ang sangkatauhan ay isang kawan"; ngunit ang kalayaan ay supernatural at supra-rational; sa kaayusan ng natural na mundo, ang kalayaan ay kailangan lamang. Ang kalayaan ay isang banal na regalo, ang pinakamahalagang pag-aari ng tao.

“Hindi ito mapapatunayan ng katwiran, siyensya, o natural na batas - ito ay nakaugat sa Diyos, na inihayag kay Kristo. Ang kalayaan ay isang gawa ng pananampalataya."

Ang Antikristo na kaharian ng Inkisitor ay itinayo sa himala, misteryo at awtoridad. Sa espirituwal na buhay, ang simula ng lahat ng kapangyarihan ay mula sa masama. Kailanman sa lahat ng panitikan sa daigdig ay ipinakita ang Kristiyanismo na may kamangha-manghang puwersa bilang isang relihiyon ng espirituwal na kalayaan. Ang Kristo ni Dostoevsky ay hindi lamang ang Tagapagligtas at Manunubos, kundi ang Nag-iisang Tagapagpalaya ng tao. Ang Inquisitor, na may madilim na inspirasyon at mainit na pagsinta, ay tinuligsa ang kanyang Bilanggo; nananatili siyang tahimik at tinugon ng halik ang paratang. Hindi niya kailangang bigyang-katwiran ang kanyang sarili: ang mga argumento ng kaaway ay pinabulaanan ng presensya lamang Niya na “ang Daan, ang Katotohanan at ang Buhay.”

Ang isang kilalang, kahit na kamag-anak, ang diskarte sa estilo ng Art Nouveau ay kapansin-pansin sa pagpipinta ni V. Vasnetsov ng 80s. Sa sandaling ang artista ay lumayo sa pang-araw-araw na genre at nagsimulang maghanap ng mga form upang ipahayag ang kanyang mga ideya na may kaugnayan sa pambansang alamat, ni ang makatotohanang sistema ng Wanderers o ang akademikong doktrina ay ganap na nababagay sa kanya. Ngunit sinamantala niya ang dalawa, lubhang binago ang bawat isa sa kanila. Sa punto ng kanilang tagpo, lumitaw ang malalayong pagkakatulad sa modernidad. Naramdaman nila ang kanilang sarili sa walang pasubali na apela ng artist sa anyo ng mga panel, sa malalaking sukat na mga canvases na idinisenyo para sa mga pampublikong interior (tandaan na ang karamihan sa mga gawa ng 80s ay nilikha sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng S.I. Mamontov para sa mga interior ng mga departamento ng tren). Ang tema ng mga pagpipinta ni Vasnetsov ay nagbibigay din ng paghahambing sa estilo ng Art Nouveau. Ang mga realistang Ruso noong 60-80s ay napakabihirang, sa halip bilang isang pagbubukod kaysa sa isang panuntunan, ay bumaling sa mga engkanto o epiko. Sa buong sining ng Europa noong ika-19 na siglo, ang fairy tale ay ang prerogative ng romantikong kilusan. Sa neo-romanticism sa pagtatapos ng siglo, muling nabuhay ang interes sa mga fairytale plot. Tinanggap ng Symbolism at Art Nouveau ang “fashion for fairy tales” na ito, gaya ng ipinakita ng maraming gawa ng German, Scandinavian, Finnish, at Polish na pintor. Ang mga pagpipinta ni Vasnetsov ay magkasya sa parehong hanay. Ngunit, siyempre, ang pangunahing pamantayan para sa pag-aari ng isang estilo ay dapat na ang pictorial system, ang pormal na wika ng sining mismo. Narito ang Vasnetsov ay mas malayo sa estilo ng Art Nouveau, bagaman ang ilang mga paglilipat patungo sa huli ay nakabalangkas sa kanyang trabaho. Lalo silang kapansin-pansin sa pagpipinta na "Tatlong Prinsesa ng Underground Kingdom" (1884). Ang mga nakatayong poses ng tatlong pigura, na nagpapakilala sa aksyon bilang isang uri ng teatro na pagtatanghal, ang karaniwang unyon ng pagiging natural at tradisyonal na dekorasyon para sa estilo ng Art Nouveau - kasama ang mga tampok na ito Vasnetsov ay tila lumilipat "sa teritoryo" ng bagong istilo. Ngunit marami ang nananatili sa lumang teritoryo. Si Viktor Vasnetsov ay malayo sa pinong stylization, siya ay simple ang pag-iisip, ang pag-uusap sa kalikasan ay hindi nagambala. Ito ay hindi nagkataon na ang pintor, tulad ng mga realista ng dekada 70 at 80, ay madaling gumamit sa kanyang mga pagpipinta ng mga sketch na isinulat mula sa mga magsasaka at mga batang nayon. Pagkamalikhain V.M. Ang Vasnetsov, pati na rin ang mga aktibidad ng maraming iba pang mga artista ng bilog na Abramtsevo, ay nagpapahiwatig na ang modernismo sa Russia ay nabuo alinsunod sa mga pambansang konsepto. Ruso katutubong sining bilang isang pamana para sa propesyonal na sining, pambansang alamat bilang isang mapagkukunan ng paksa para sa pagpipinta, arkitektura bago ang Mongol bilang isang modelo para sa modernong arkitektura - ang lahat ng mga katotohanang ito ay mahusay na nagsasalita tungkol sa interes sa mga pambansang artistikong tradisyon. Walang alinlangan na ang mga artista ng nakaraang panahon - ang Peredvizhniki - ay nahaharap sa problema ng pambansang pagiging natatangi ng sining. Ngunit para sa kanila ang kakanyahan ng pagka-orihinal na ito ay nakapaloob sa pagpapahayag ng kahulugan modernong buhay bansa. Para sa mga artista ng umuusbong na kilusang modernista, ito ay mas mahalaga pambansang tradisyon. Ang pagkiling na ito sa mga pambansang isyu ay karaniwang katangian ng istilong Art Nouveau sa ilang bansa sa Europa. Ang maagang gawain ni M. Nesterov, na natagpuan ang kanyang sariling tema at ang kanyang sarili, ay konektado din sa kalakaran na ito. masining na wika sa pinakadulo ng dekada 80. Hinanap niya ang kanyang mga bayani sa mga alamat ng relihiyon, sa mga santo ng Russia; pambansang kalikasan ipinakita sa isang perpektong, "purified" form. Kasama ng mga pampakay at makasagisag na pagbabagong ito ay dumating ang mga bagong katangiang pangkakanyahan. Totoo, ang mga modernistang tendensya ay lumitaw sa mga unang gawa na ito sa kanilang pagkabata at sa mga nabura na mga anyo, na karaniwang tipikal para sa maraming mga phenomena ng pagpipinta ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, kapag magkaiba, kung minsan ay sumasalungat sa mga artistikong direksyon nang sabay-sabay na binuo, paghahalo at impluwensya sa bawat isa. iba pa. Sa Nesterov's "The Hermit" (1889), maalalahanin na kaakit-akit, ang ethereality ng figure, ang emphasized na papel ng silweta nito, ang paglusaw ng panlipunang motibo sa isang estado ng idyllic na katahimikan - iyon ay, ang mga tampok na nagdadala ng Nesterov na mas malapit sa simbolismo at modernidad ay pinagsama sa spontaneity ng persepsyon ng kalikasan. Sa "Vision to the Youth Bartholomew" (1890), si Nesterov ay lumikha ng isang "conditionally real" na tanawin at nag-uugnay sa mythological sa real. Sa gawain ng artist na ito, sinira ng Art Nouveau ang nangingibabaw na mga prinsipyo ng Moscow school of painting, na nakatuon sa plein air at impressionism. Ang ugali na ito ay nagpapakita ng sarili sa isang mas malaking lawak sa Levitan, gayunpaman, sa unang kalahati ng 90s, nang nilikha niya ang "Above Eternal Peace" (1894). Sa larawang ito, na siyang pinakamataas na punto ng pilosopikal na pagmumuni-muni sikat na pintor ng landscape, na noong dekada 80 ay mahigpit na nakatuon sa plein air, narinig ang halos hindi naririnig na mga nota ng "Island of the Dead" ni Böcklin o ang mahiwaga, kahit na medyo totoo, mga tanawin ni V. Leistikov, isang sikat na German secessionist noong 90s. Gayunpaman, dapat tandaan na ang dramatiko, halos kalunos-lunos na liriko ng Levitan ay may ganap na magkakaibang mga pinagmulan, na lubos na naghiwalay sa Russian artist mula sa Swiss at German master. Ang kalungkutan ni Levitanov ay nagbabalik sa atin sa muse ni Nekrasov, sa pag-iisip tungkol sa pagdurusa ng tao at kalungkutan ng tao. Sa hinaharap, tatalakayin natin ang iba pang mga variant ng Russian Art Nouveau, na lumitaw sa pagpipinta bilang isang uri ng pag-unlad ng ilang mga istilong pangkakanyahan na biglang nakatanggap ng pagkakataong umunlad sa Art Nouveau. Totoo, lahat ng aming nakalista sa itaas ay isang diskarte pa rin sa isang bagong istilo. Gayunpaman, mayroong isang master sa Russia na, noong dekada 80, ay itinatag na ang Art Nouveau bilang isang estilo at simbolismo bilang isang paraan ng pag-iisip. Ang master na ito ay si M. Vrubel. Noong 1885, pagkatapos umalis sa St. Petersburg Academy, nagsimula ang tinatawag na panahon ng Kiev ng trabaho ng artist, na tumagal hanggang 1889. Sa mga taong ito, nabuo ang istilo ni Vrubel, na bumubuo ng isang organikong bahagi ng bersyong Ruso ng istilong Art Nouveau. Ang pagkamalikhain ni Vrubel ay may iba't ibang panimulang punto ng paggalaw kaysa kay Vasnetsov, Nesterov o Levitanov. Hindi siya mahilig sa plein air (halos walang plein air works si Vrubel); malayo siya sa realismo ng mga Itinerant, na, sa opinyon ng mga batang pintor, ay nagpabaya sa mga pormal na gawain. Kasabay nito, si Vrubel ay may kapansin-pansing mga tampok na pang-akademiko - sa isang priori na likas na katangian ng kagandahan, na sadyang pinili bilang isang tiyak na bagay ng muling pagtatayo, sa maingat na asimilasyon ng mga prinsipyo ng pagbuo ng Chistyakov, sa kanyang pagkahumaling sa matatag na mga panuntunan ng sining. . Nadaig ni Mikhail Vrubel ang akademya nang higit na tuloy-tuloy at mabilis, muling nag-iisip ng kalikasan, at tinatanggihan ang alyansa sa naturalismo na naging katangian ng huling akademikong European.

M. Vrubel. Panaghoy sa libing. Sketch. 1887.

M. Vrubel. Muling Pagkabuhay. Sketch. 1887.

Hindi natanto na mga sketch ng mga kuwadro na gawa ng Vladimir Cathedral sa Kyiv, na natitira sa mga sheet ng watercolor, na nakatuon sa dalawang paksa - "The Funeral Lament" at "The Resurrection" (1887), na malinaw na ipinahiwatig sa itaas. Sa isa sa mga bersyon ng "The Tombstone," na ginawa sa pamamaraan ng itim na watercolor, binago ni Vrubel ang tunay na espasyo sa isang abstract na kombensiyon, gamit ang wika ng pagmamaliit at alusyon na idinisenyo para sa pagkilala. Sa "Resurrection" naglalatag siya ng mga anyo na parang mula sa mga makinang na kristal, at may kasamang mga bulaklak sa komposisyon na naghahabi ng mga pattern sa ibabaw ng dahon. Ang ornamentality ay nagiging isang natatanging kalidad ng mga graphics at pagpipinta ni Vrubel. Ang "Girl against the background of a Persian carpet" (1886) ay kinabibilangan ng ornament bilang paksa ng imahe at sa parehong oras ay naglalagay ng pandekorasyon na prinsipyo bilang prinsipyo ng komposisyon ng larawan sa kabuuan. Ang mga sketch ng mga burloloy na ginawa ni Vrubel ay natanto sa mga pandekorasyon na panel na matatagpuan sa kahabaan ng mga barko ng mga vault ng Vladimir Cathedral. Nilikha ng pintor ang mga burloloy sa isang bagong istilo, na pumipili ng mga larawan ng mga paboreal, mga bulaklak ng liryo at isang wickerwork ng mga anyong halaman bilang mga paunang anyo. Ang "mga modelo" na kinuha mula sa mundo ng hayop at halaman ay inilarawan sa pangkinaugalian at schematized; ang isang imahe ay tila hinabi sa isa pa; ang nakalarawan na elemento sa sitwasyong ito ay umuurong sa background sa harap ng pattern, na na-abstract ng linear at color ritmo. Gumagamit ang Vrubel ng mga kurbadong linya. Ginagawa nitong panahunan ang palamuti at nauugnay sa isang buhay na anyo na may kakayahang pag-unlad ng sarili. Si M. Vrubel ay pumasok sa modernidad sa maraming paraan, na siyang una sa mga artistang Ruso upang malaman ang pangkalahatang direksyon ng paggalaw ng kulturang sining ng Europa. Ang kanyang paglipat sa mga bagong landas ay mapagpasyahan at hindi na mababawi. Gayunpaman, ang estilo ng Art Nouveau ay nakakuha ng isang mas malawak na karakter sa Russia na nasa 90-900s. D.V. Sarabyanov "Modernong Estilo". M., 1989. p. 77-82.

ANG PAGSILANG NG RUSSIAN MODERNITY

Vasnetsov V.M. "Ang aming ginang

may anak sa trono."

Huling bahagi ng XIX - unang bahagi ng XX siglo.

Canvas, kahoy, gintong dahon,

langis. 49 x 18 cm

Pinalamutian ng antigong istilo

kahoy na inukit na frame.

Vasnetsov,VictorSi Mikhailovich ay ipinanganak noong Mayo 3/15, 1848 sa nayon ng Lopyal, lalawigan ng Vyatka, sa pamilya ng isang pari na, ayon sa artista, "naglagay sa ating mga kaluluwa ng isang buhay, hindi masisira na ideya ng Buhay, tunay na umiiral. Diyos!” . Pagkatapos mag-aral sa Vyatka Theological Seminary (1862-1867), pumasok si Vasnetsov sa St. Petersburg Academy of Arts, kung saan seryoso niyang inisip ang lugar ng sining ng Russia sa kultura ng mundo. Noong 1879, sumali si Vasnetsov sa bilog ng Mamontov, na ang mga miyembro ay nagsagawa ng mga pagbabasa, pininturahan at nagtanghal ng mga dula sa taglamig sa bahay ng natitirang pilantropo na si Savva Mamontov sa Spasskaya-Sadovaya Street, at sa tag-araw ay nagpunta sila sa kanyang country estate na Abramtsevo. Sa Abramtsevo, ginawa ni Vasnetsov ang kanyang mga unang hakbang patungo sa isang relihiyosong-pambansang direksyon: nagdisenyo siya ng isang simbahan sa pangalan ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay (1881-1882) at nagpinta ng ilang mga icon para dito. Ang pinakamagandang icon ay ang icon ng St. Si Sergius ng Radonezh ay hindi kanonikal, ngunit malalim na nadama, kinuha mula sa pinakapuso, isang mahal na mahal at iginagalang na imahe ng isang mapagpakumbaba, matalinong matandang lalaki. Sa likod niya ay nakaunat ang walang katapusang kalawakan ng Rus', ang monasteryo na itinatag niya ay makikita, at sa langit ay ang imahe ng Holy Trinity.

"Ang kasaysayan ng simbahan sa Abramtsevo ay kamangha-mangha dahil ito ay mahalagang aktibidad para sa isang grupo ng mga kaibigan - mga mahuhusay, masipag, masigasig na mga tao. Ang resulta ay ang ipinagmamalaking tinatawag na "ang unang gawa ng Russian Art Nouveau" (1881-1882) at nailalarawan bilang "isang banayad na antigong istilo, na magkakasuwato na pinagsasama ang mga elemento ng iba't ibang mga paaralan ng medieval na arkitektura ng Russia." Hindi para sa akin na husgahan kung ano ang kinalaman ng modernismo dito, ngunit ang simbahan ay talagang mahusay. Para sa akin, ang kumbinasyong ito ng kumpletong kaseryosohan ng ideya ng gusali (ang mga tagalikha ay malalim na mga taong relihiyoso) kasama ang palakaibigan at masayang kapaligiran ng paglikha nito ay nagpasiya ng kakaibang diwa ng gusaling ito - napakasaya at isang maliit na "parang laruan".

Victor Vasnetsov:

"Lahat tayo ay mga artista: Polenov, Repin, ako mismo, si Savva Ivanovich mismo at ang kanyang pamilya ay nagtakdang magtrabaho nang sama-sama, masigasig. Ang aming mga artistikong katulong: Elizaveta Grigorievna, Elena Dmitrievna Polenova, Natalya Vasilyevna Polenova (noon Yakunchikova pa rin), Vera Alekseevna Repina ay hindi mula sa amin, gumuhit kami ng mga facade, palamuti, gumawa ng mga guhit, nagpinta ng mga imahe, at ang aming mga kababaihan ay nagburda ng mga banner, saplot, at maging sa plantsa, malapit sa simbahan, inukit na mga palamuti sa bato, tulad ng mga tunay na mason... Pagbangon ng enerhiya at masining na pagkamalikhain ay hindi pangkaraniwan: lahat ay nagtrabaho nang walang pagod, mapagkumpitensya, hindi makasarili. Tila na ang artistikong salpok ng pagkamalikhain ng Middle Ages at ang Renaissance ay muling puspusan. Ngunit doon naninirahan ang mga lungsod, buong rehiyon, bansa, tao na may ganitong salpok, ngunit mayroon lamang kaming maliit na artistikong palakaibigan na pamilya at bilog ni Abramtsevo. Ngunit anong sakuna, nakahinga ako ng malalim sa malikhaing kapaligirang ito... Ngayon ang mga mausisa ay pumunta sa Abramtsevo upang makita ang aming maliit, katamtaman, walang bonggang luho, ang simbahan ng Abramtsevo. Para sa amin - ang mga manggagawa nito - ito ay isang nakakaantig na alamat tungkol sa nakaraan, tungkol sa karanasan, banal at malikhaing salpok, tungkol sa palakaibigang gawain ng mga artistikong kaibigan, tungkol kay Uncle Savva, tungkol sa kanyang mga mahal sa buhay..."

V.D. Polenov"Annunciation" (1882) (gate ng iconostasis).

Mula sa isang liham mula kay E.G. Mamontova:

"Napakaganda ng aming simbahan. Hindi ko mapigilang tingnan ito... Hindi man lang pinatulog ng simbahan si Vasnetsov sa gabi, lahat ay gumuhit ng iba't ibang mga detalye. Gaano ito kaganda sa loob... Ang pangunahing interes ay ang simbahan. Nagkaroon ng usapan at haka-haka tungkol dito buong araw kahapon "Mainit na mga debate. Ang lahat ay madamdamin sa pag-ukit ng mga burloloy... Ang bintana ni Vasnetsov ay mukhang talagang kaibig-ibig; hindi lamang ang mga arko, ngunit ang lahat ng mga haligi ay natatakpan ng mga burloloy"
Hindi nais ni Vasnetsov na makakita ng anumang bagay na karaniwan sa simbahan; nais niyang ang paglikha ng malikhaing inspirasyon na ito ay tumutugma sa masayang kalagayan kung saan ito itinayo. Kaya, nang ang pagliko ay dumating sa sahig at nagpasya si Savva Ivanovich na gawin itong ordinaryong - semento mosaic (walang mga slab), si Vasnetsov ay mabangis na nagprotesta.

"Tanging masining na layout ng pattern", - giit niya at sinimulang pangunahan siya.Una, ang balangkas ng isang naka-istilong bulaklak ay lumitaw sa papel, at pagkatapos ay inilipat ang pagguhit sa sahig ng simbahan ng Abramtsevo.

"... Si Vasnetsov mismo, - paggunita ni Natalya Polenova, - ilang beses sa isang araw tumakbo siya sa simbahan, tumulong na ilatag ang pattern, itinuro ang mga kurba ng mga linya at mga piling bato ayon sa mga tono. Sa kagalakan ng lahat, isang malaking kamangha-manghang bulaklak ang tumubo sa buong sahig."

Ang simbahan ay itinalaga noong 1882, at halos kaagad pagkatapos noon ay naganap doon ang kasal ni V.D. Polenov - naging kaibigan niya ang kanyang asawa sa panahon ng pagtatayo ng simbahan.

Ang mga koro ay pininturahan ng mga larawan ng mga bulaklak at paru-paro ni V.M. Vasnetsov.

Batay sa mga guhit ni V.M. Si Vasnetsov ay gumawa ng isang mosaic na sahig

na may naka-istilong bulaklak at petsa ng pagtatayo:

1881–1882 sa Old Church Slavonic.

Sa kaliwang tuktok ay ang maligayang seremonya ng iconostasis.

Sa kanang itaas ay ang propetikong pagkakasunud-sunod ng iconostasis.

Sa ari-arian ng Mamontov na "Abramtsevo" malapit sa Moscow, nilikha ang mga workshop ng sining kung saan ginawa at nakolekta ang mga bagay ng katutubong sining, kabilang ang mga laruan. Upang buhayin at paunlarin ang mga tradisyon ng mga laruang Ruso, ang workshop na "Edukasyon ng mga Bata" ay binuksan sa Moscow. Sa una, ang mga manika ay nilikha sa loob nito, na nakasuot ng maligaya na mga kasuutan ng katutubong ng iba't ibang mga lalawigan (rehiyon) ng Russia. Sa workshop na ito ipinanganak ang ideya ng paglikha ng isang Russian na kahoy na manika. Sa huling bahagi ng 90s ng ika-19 na siglo, batay sa isang sketch ng artist na si Sergei Malyutin, ang lokal na turner na si Zvezdochkin ay naging unang kahoy na manika. At nang ipinta ito ni Malyutin, ito ay naging isang batang babae sa isang Russian sundress. Si Matryoshka Malyutin ay isang bilog na mukha na batang babae sa isang burdado na kamiseta, sundress at apron, sa isang makulay na scarf, na may isang itim na tandang sa kanyang mga kamay.

Abramtsevo. Mga katutubong sining. Pinagmulan ng Russian Art Nouveau.

Ang unang Russian nesting doll, na inukit ni Vasily Zvezdochkin at pininturahan ni Sergei Malyutin, ay may walong upuan: isang batang babae na may itim na tandang ay sinundan ng isang batang lalaki, pagkatapos ay isang batang babae muli, at iba pa. Ang lahat ng mga figure ay naiiba sa bawat isa, at ang huli, ikawalo, ay naglalarawan ng isang nakabalot na sanggol. Ang ideya ng paglikha ng isang nababakas na manika na gawa sa kahoy ay iminungkahi kay Malyutin ng isang laruang Hapon na dinala ng asawa ni Savva Mamontov sa Abramtsevo estate malapit sa Moscow mula sa Japanese island ng Honshu. Ito ay isang pigurin ng isang mabait na kalbo na matandang lalaki, ang Buddhist na santo na si Fukurum, na may ilang mga figure na naka-embed sa loob. Gayunpaman, naniniwala ang mga Hapon na ang unang naturang laruan ay inukit sa isla ng Honshu ng isang Ruso na gumagala - isang monghe. Ang mga manggagawang Ruso, na alam kung paano mag-ukit ng mga kahoy na bagay na nakapugad sa loob ng bawat isa (halimbawa, mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay), ay pinagkadalubhasaan ang teknolohiya ng paggawa ng mga pugad na mga manika nang madali. Ang prinsipyo ng paggawa ng isang pugad na manika ay nananatiling hindi nagbabago hanggang sa araw na ito, na pinapanatili ang lahat ng mga pamamaraan ng paggawa ng sining ng mga manggagawang Ruso.

"Mga Ama" ng Russian nesting doll:

pilantropo na si Savva Mamontov, artista

Sergey Malyutin at turner na si Vasily Zvezdochkin

Maikling impormasyon: Ang Abramtsevo ay ang dating ari-arian ng Savva Mamontov, na ang pangalan ay nauugnay sa isang impormal na samahan ng mga artista, eskultor, musikero at theatrical figure ng Russian Empire sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang bilog, na itinatag noong 1872 sa Roma, ay patuloy na umiral sa isang estate malapit sa Moscow. Natatanging Simbahan ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamaylarawanay itinayo noong 1881-1882 ayon sa disenyo ni Viktor Vasnetsov(nanalo siya sa kumpetisyon ng "pamilya" mula sa Polenov)arkitekto P. Samarin, sa disenyo panloob na dekorasyon Ang templo ay dinaluhan ng mga sikat na artista tulad nina Ilya Repin, Nikolai Nevrev, Mikhail Vrubel, Mark Antokolsky at iba pang mga miyembro ng bilog na Abramtsevo.Ang pamilya ng Mamontov ng mga kapitalista at lahat ng malalapit na kaibigan sa artist ay lumahok sa isang detalyadong talakayan ng proyekto at pagpapatupad nito (pisikal, gamit ang mga kamay at paa).Ang pagtatayo ng simbahang Ortodokso ay nagkakaisa sa malikhaing potensyal ng mga natitirang may-akda, na nagresulta sa pagsilang ng pambansang-romantikong direksyon ng Russian Art Nouveau.

I.E. Repin. “Ang Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay” (1881–1882).

N.V. Nevrev."Nicholas the Wonderworker" (1881)

V.M. Vasnetsov. Icon"Sergius ng Radonezh." (1881)

E. D. Polenova.Icon na "Saints Prince Fyodor

kasama ang mga anak na sina Konstantin at David" (1890s)

Ang templo ay naglalaman ng isa sa mga pinaka orihinal at bagong gawa ng sining ng simbahan ng Russia - isang artistikong iconostasis, na kinabibilangan ng mga icon na "The Savior Not Made by Hands" ni Ilya Repin, "Nicholas the Wonderworker" ni Nikolai Nevrev, "Sergius of Radonezh" at "Ang Ina ng Diyos" ni Viktor Vasnetsov, "The Annunciation" ni Vasily Polenov at iba pa. Ang Vasnetsov Church ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay sa isang ganap na bagong artistikong espasyo: tinawag itong "Novgorod-Pskov" na may mga elemento ng "Vladimir-Moscow", ngunit hindi ito Novgorod, o Pskov, o Vladimir, o Yaroslavl, ngunit, simple, Russian. Ni ang simbahan "a la" XII siglo, o ang simbahan "a la" XVI siglo, ngunit ang simbahan ng ikadalawampu siglo, ganap na namamalagi sa tradisyon ng arkitektura ng Russia sa lahat ng mga nakaraang siglo. Sa pagdedeklara nito, si V. Vasnetsov, tila, ay nakaramdam pa rin ng kawalan ng katiyakan, kung kaya't ikinabit niya ang mga buttress sa bagong simbahan, na parang ito ay isang "sinaunang" templo, na pagkatapos ay pinalakas. Ang pamamaraan na ito ay matagumpay na ulitin ni A. Shchusev sa Trinity Cathedral Pochaev Lavra, ngunit may kumpiyansa na, tulad ng isang senyas, affirmatively.

"Ang Abramtsevo ay ang pinakamahusay na dacha sa mundo, ito ay perpekto lamang!" isinulat ni I.E. Repin. Noong tagsibol ng 1874, ang mga Mamontov, na naglalakbay mula sa Roma patungong Russia, ay bumisita sa Paris, kung saan nakilala nila ang I.E. Repin at V.D. Polenov. Pareho silang nanirahan doon sa panahon ng kanilang pagreretiro, na nakatanggap ng mga gintong medalya mula sa St. Petersburg Academy of Arts para sa kanila mga tesis. Ang parehong mga kasama ay nakalaan para sa mga artistikong karera sa Russia, at parehong nakatayo sa isang sangang-daan, hindi nagpasya kung saan manirahan. Ang kakilala sa mga Mamontov, ang pambihirang impresyon na natamo mula sa kakilalang ito, ay nakumbinsi silang dalawa na piliin ang Moscow bilang kanilang tirahan. Kaya, mula noong 1877, si Repin at Polenov ay nanirahan sa Moscow, na ginugol ang taglamig maaliwalas na tahanan Savva Ivanovich sa Sadovo-Spasskaya, at sa tag-araw ay lumipat sa Abramtsevo. Isang artista ng hindi mauubos na pag-uugali, si Repin ay nagtrabaho palagi at saanman, siya ay nagtrabaho nang madali at mabilis. Ang mga naninirahan sa Abramtsevo ay nagulat: sa sandaling sumikat ang araw, si Ilya Efimovich ay nasa kanyang mga paa, na nagsasabi: "Ang mga oras ng umaga ay ang pinakamahusay na oras ng aking buhay." Ang kapaligiran ng ari-arian, ang pangkalahatang malikhaing sigasig, ang patuloy na komunikasyon ng mga artista, ang kawalan ng panghihimasok sa pagkamalikhain - lahat ng ito ay naging mabunga ang panahon ng pananatili ni Repin sa Abramtsevo. Si Ilya Efimovich ay halos hindi gumana sa estilo ng Art Nouveau - hindi ito ang kanyang istilo. Noong 1881, para sa iconostasis ng simbahan ng Abramtsevo, ipininta ni Repin ang isang malaking imahe ng Tagapagligtas na Hindi Ginawa ng mga Kamay, na isinagawa sa isang hindi pangkaraniwang akademiko para sa pagpipinta ng simbahan. Pagkalipas ng 10 taon, nagpinta si Ilya Repin ng dalawa pang icon: "The Lord in the Crown of Thorns" at "The Virgin and Child." Si Ilya Repin ay nagpinta ng mga icon sa kanyang kabataan; sa edad na 17 siya ay itinuturing na isang matalinong pintor ng icon. Ngunit pagkatapos ay iniwan niya ang pagpipinta ng icon para sa pagpipinta. Nilikha ng mahusay na artistang Ruso ang mga icon na ito noong siya ay nasa hustong gulang na, pagkamatay ng kanyang ama. Noong Mayo 1892, nakuha ng mahusay na artistang Ruso na si Ilya Repin (1844 - 1930) ang Zdravnevo estate, 16 verst mula sa Vitebsk. Dito, sa panahon ng 1892 - 1902, ang artist ay lumikha ng isang bilang ng kanyang mga sikat na pagpipinta at mga guhit. Sa listahang ito, isang espesyal na lugar ang inookupahan ng mga icon na "Christ in the Crown of Thorns" at "The Virgin and Child." Ang pananampalatayang Ortodokso ay isang mahalagang bahagi ng buhay at gawain ng artista. Higit sa isang beses na ginawa ni Ilya Efimovich sa kanyang mga pagpipinta ang mga eksena mula sa Banal na Kasulatan, ang mga gawa ng mga santo, at mga yugto mula sa kasaysayan ng Russian Orthodox Church. Alalahanin din natin na nakuha ni Ilya Repin ang kanyang mga unang aralin sa craftsmanship mula sa mga pintor ng icon sa kanyang katutubong Chuguev at nagsimula bilang isang pintor ng icon mismo, kahit na pagkatapos ay bihira siyang bumalik sa genre na ito. Sa banal na lupain ng White Rus', ang maliit na kahoy na simbahan ng Nativity of the Blessed Virgin Mary sa nayon ng Sloboda (ngayon ay ang nayon ng Verkhovye) ang naging sentro ng espirituwal na atraksyon para kay Repin at sa kanyang pamilya. At, siyempre, hindi ito mangyayari kung hindi dahil sa lakas ng pananampalataya at moral na katangian ng pari na si Dimitry Diakonov (1858 - 1907), ang rektor ng templo noong panahong iyon. Ibinigay ni Padre Dimitri ang kanyang sarili nang buo sa ministeryo:

“Mahilig siyang maglingkod, mahilig siyang mangaral, tinupad niya ang mga tungkulin sa unang tawag,” ang paggunita ng isang kontemporaryo. Ang espesyal na alalahanin ng rektor ay ang karilagan ng templo: “Fr. Si Demetrius ay isang pintor sa puso: sa kanyang simbahan, hindi lamang ito palaging napakalinis at malinis, ngunit ang lahat ng umiiral na mga sagradong bagay at mga icon ay inilagay sa pinakamataas na antas ng simetriko at may mahusay na panlasa: ang katamtamang iconostasis ay palaging eleganteng pinalamutian ng halaman. at mga bulaklak; Sa pangkalahatan, ang kamay at mata ng artist ay nakikita sa lahat ng bagay sa templo. At kaya nangyari na sa simbahang ito, nilagyan ng ganoong lasa, na parang isang gantimpala para kay Fr. Para sa kanyang pagmamahal sa sining, ang mga lokal na icon ng Tagapagligtas at Ina ng Diyos ng sikat na artistang Ruso na si Repin ay naibigay kay Dmitry.

Ilya Repin. Ang Panginoon ay pinutungan ng mga tinik. 1894.

Ilya Repin. Birhen at Bata. 1895-96.

Vitebsk. Galvanized na bakal, langis. 101x52.5 cm.

Vitebsk Regional Museum of Local Lore.

Para sa marami, ang Russian Art Nouveau ay, una sa lahat, ang hindi kapani-paniwalang magagandang mansyon ng Fyodor Shekhtel sa Moscow, malalaking kristal na chandelier, ngunit hindi maayos na bilog, ngunit hugis-itlog, na may kapritsoso na slope, mga table lamp na may makapal na binti na natatakpan ng maliwanag na linear. palamuti; kahoy na palamuti na kumikislot tulad ng isang ahas sa mahabang hubog na mga linya at barnisan sa mga lugar na may madilim, sa iba ay may liwanag na okre... Para sa iba, ito ay mga bagay ng Russian pandekorasyon at inilapat na sining, na ginawa sa aesthetics ng Art Nouveau. Halimbawa, sa Abramtsevo estate kasama ang kalikasan nito, simbahan at mga bahay na gawa sa kahoy, mga icon sa inukit at pininturahan na mga frame, inukit na kasangkapang gawa sa kahoy at Vrubel majolica. Ang Talashkino ay kilala halos kasinglawak ng Abramtsevo. Nariyan si Savva Mamontov, narito si Prinsesa Maria Tenisheva. Ito ay salamat sa kanya na ang Talashkino ay naging isang artistikong sentro na kilala sa buong Russia. Sa Flenovo, na matatagpuan humigit-kumulang 1.5 km mula sa Talashkino, mayroong gusali ng art workshop ng Tenisheva, pati na rin ang dalawang gusali sa pseudo-Russian style na may mga elemento ng Art Nouveau style - ang Teremok hut, na itinayo ayon sa disenyo ng ang artist na si Sergei Malyutin noong 1901-1902 , at ang Church of the Holy Spirit, na nilikha ayon sa disenyo nina Sergei Malyutin, Maria Tenisheva at Ivan Barshchevsky noong 1902-1908. Ang simbahan noong 1910-1914 ay pinalamutian ng mga mosaic batay sa mga sketch ni Nicholas Roerich, na binuo sa pribadong mosaic workshop ng Vladimir Frolov. Ang simbahan ay kamangha-mangha. Ito ay matatagpuan sa tuktok ng isang kagubatan na burol. Ang simbahan ay napaka pambihira. Una sa lahat, ang anyo nito ay mas pantasya kaysa sa Orthodox. okre brick; mga bubong - motley terracotta; isang manipis, walang pagtatanggol na leeg na may isang mabigat na mukhang madilim na korona at isang manipis na gintong krus; hugis pusong mga linya ng kokoshnik na nakabitin sa bawat isa sa tatlong tier at Mosaic sa harapan ng pangunahing pasukan. Ito ay tinatawag na “Savior Not Made by Hands.” Ang kulay ng mga mosaic ay napakayaman pa rin - azure, malalim na pulang-pula, purong okre. Ang mukha ni Kristo na may hiwalay at sa parehong oras maasikasong titig ay napakaganda.

Mosaic "The Savior Not Made by Hands" ni N.K. Roerich.

Noong 1905, ang pagtatayo ng Templo ay halos natapos. Noong 1908, inanyayahan siya ng prinsesa na ipinta ang Templo. sa isang malapit na kaibigan N.K. Roerich. Pagkatapos ay dumating ang desisyon na ialay ang Templo sa Banal na Espiritu.

Ang gawain ni Nicholas Roerich (kabilang ang gawaing simbahan) sa simula ng ika-20 siglo ay isa sa mga makabuluhan at lubos na iginagalang na mga phenomena ng kulturang Ruso. N.K. Si Roerich ang may-akda ng mga mosaic ng Church of Peter at Paul sa nayon ng Morozovka malapit sa Shlisselburg (1906), ang Church of the Intercession of the Blessed Virgin Mary sa village ng Parkhomovka sa Ukraine (1906), ang Trinity Cathedral ng ang Pochaev Lavra sa rehiyon ng Ternopil, din sa Ukraine (1910), ang iconostasis ng Simbahan ng Kazan Ina ng Diyos sa Perm (1907), mga kuwadro na gawa ng kapilya ng St. Anastasia sa Pskov (1913).

Pagguhit ng western facade mula sa mga pondo ng Smolensk Museum-Reserve.

"I just dropped the word, and he responded. Ang salitang ito ay isang templo... - naalala ang M.K. sa Paris noong 1920s. Tenisheva.- Sa kanya lamang, kung ang Panginoon ang mamumuno, tatapusin ko ito. Siya ay isang tao na nabubuhay sa espiritu, ang pinili ng kislap ng Panginoon, sa pamamagitan niya ay mahahayag ang katotohanan ng Diyos. Ang templo ay makukumpleto sa pangalan ng Banal na Espiritu. Ang Banal na Espiritu ay ang kapangyarihan ng Banal na espirituwal na kagalakan, nag-uugnay at sumasaklaw sa lahat ng nilalang kasama ang lihim na kapangyarihan nito... Napakalaking gawain para sa isang artista! Napakagandang larangan para sa imahinasyon! Magkano ang maiaambag mo sa Spiritual Temple of Creativity! Naiintindihan namin ang isa't isa, si Nikolai Konstantinovich ay umibig sa aking ideya, naunawaan niya ang Banal na Espiritu. Amen. Mula sa Moscow hanggang Talashkin ay mainit kaming nag-usap, nadala ng mga plano at kaisipan hanggang sa walang katapusan. Mga banal na sandali, puno ng biyaya..."

Mosaic interior surface ng entrance arch.

Iniwan din ni Nikolai Konstantinovich ang kanyang mga alaala sa pulong na ito kay Maria Klavdievna noong 1928, ang taon ng pagkamatay ng prinsesa:

“Napagpasyahan naming tawagin ang templong ito na Templo ng Espiritu. Bukod dito, ang sentral na lugar dito ay dapat na inookupahan ng imahe ng Ina ng Mundo. Ang magkasanib na gawain na nag-uugnay sa amin noon ay mas na-kristal ng karaniwang mga kaisipan tungkol sa templo. Ang lahat ng mga saloobin tungkol sa synthesis ng lahat ng mga ideya ng iconographic ay nagdala kay Maria Klavdievna ng pinakamasiglang kagalakan. Maraming kailangang gawin sa templo, na alam lang namin sa mga panloob na pag-uusap.”

"Ang pagbabalik sa isang malawak na pag-unawa sa mga prinsipyo ng relihiyon, maaari nating ipagpalagay na si Maria Klavdievna ay tumugon sa mga pangangailangan sa malapit na hinaharap nang walang pagtatangi o pamahiin."

Ang resulta ng "panloob na pag-uusap" nina Maria Klavdievna at Nikolai Konstantinovich, ang mga tagalikha ng Russia na espirituwal na malapit sa isa't isa, ay ang paglikha ng isang bagong simbahang Orthodox - ang Templo sa pangalan ng Banal na Espiritu. Mula noong sinaunang panahon sa Rus ay mayroong isang tradisyon ng pagtatayo ng mga simbahan na nakatuon sa Pagbaba ng Banal na Espiritu, kung saan ang mga kaganapan na inilarawan sa Mga Gawa ng mga Apostol ay inaawit:

“At biglang dumating ang isang ugong mula sa langit, na parang mula sa humahagibis na malakas na hangin, at pinuno nito ang buong bahay na kanilang kinauupuan. At may napakita sa kanila na mga dila na parang apoy, at isa ay nakapatong sa bawat isa sa kanila. At silang lahat ay napuspos ng Banal na Espiritu, at nagsimulang magsalita ng iba't ibang wika, ayon sa ibinigay ng Espiritu na kanilang salitain."

Nagkaroon ng isang iconograpya na binuo sa paglipas ng mga siglo na naglalarawan sa mga apostol o Ina ng Diyos kasama ng mga apostol, kung saan bumababa ang mga dila ng apoy. Ang kakaiba ng Templo sa Flenov ay hindi ito nakatuon sa Pagbaba, ngunit sa Banal na Espiritu mismo. Mayroong lahat ng dahilan upang igiit na ang Templo sa Flenov ay ang una sa Rus' at sa Russia na nagkaroon ng ganoong dedikasyon.

Sa unang pagkakataon ang imahe ng Ina ng Mundo N.K. Nakuha ito ni Roerich noong 1906. Ang sikat na orientalist, siyentipiko at manlalakbay na si V.V. Inutusan ni Golubev ang N.K. Roerich upang ipinta ang Church of the Intercession of the Virgin Mary sa kanyang ari-arian, sa nayon ng Parkhomovka, malapit sa Kiev. Noon ay lumitaw ang isang sketch ng imahe ng altar na "Ang Reyna ng Langit sa Itaas ng Ilog ng Buhay". Canon N.K. Si Roerich ay binigyang inspirasyon ng mosaic na imahe ng Our Lady Oranta - ang Unbreakable Wall (bilang sikat na tawag dito) - sa altar ng ika-11 siglong Simbahan ng St. Sophia ng Kyiv.

"Sa pagsulat ng sketch, maraming mga alamat tungkol sa mga himala na nauugnay sa pangalan ng Lady ang na-renew sa aking memorya,"- naalala ng artista.

"Sino ang hindi nakakaalala sa Kyiv Shrine na ito sa lahat ng Kanyang Byzantine na kadakilaan, Ang kanyang mga kamay ay nakataas sa panalangin, asul-asul na damit, pulang sapatos na maharlika, isang puting scarf sa likod ng kanyang sinturon, at tatlong bituin sa kanyang mga balikat at ulo. Mabagsik ang mukha, may malalaking dilat na mata, nakaharap sa mga sumasamba. Sa isang espirituwal na koneksyon sa deepened mood ng mga peregrino. Walang panandaliang araw-araw na mood sa kanya. Ang mga pumapasok sa Templo ay nahuhuli ng isang partikular na mahigpit na pagdarasal,” ― isinulat ng artista ang tungkol sa Our Lady of Kyiv.

Sa paglalarawan ng Reyna ng Langit, ang artista, umaasa tradisyon ng Orthodox, nag-synthesize din ng dalawang uri ng sinaunang Russian iconography: Hagia Sophia at ang Ina ng Diyos. Tanging mga larawan ni San Sophia at ng Ina ng Diyos ayon sa Awit 44, na mababasa: "Ang Reyna ay lumilitaw sa Iyong kanang kamay sa mga damit na ginto at mga damit", sa sinaunang tradisyong Ruso ay matatagpuan sa maharlikang kasuotan, at tanging ang Ina ng Diyos ang makikita sa mga icon na nakaupo sa isang trono na nakataas ang mga kamay sa kanyang dibdib. Ngunit ang sketch ay hindi nakatakdang magkatotoo, dahil... kuya V.V. Si Golubeva, na direktang namamahala sa gawain ng pagpipinta ng simbahan, ay hindi tinanggap ang ideya ni N.K. Roerich. Ang katotohanan ay ipinakita ng artista sa imahe hindi lamang ang sinaunang tradisyon ng Russia, ngunit pinagsama din ang pagano at oriental na mga ideya tungkol sa Ina ng Mundo sa hitsura ng Reyna ng Langit. Dapat pansinin na naisip ng artista ang imaheng ito na may kaugnayan hindi lamang sa Simbahan ng Pamamagitan ng Birheng Maria, kundi pati na rin sa Templo, ang pagtatayo nito ay sinimulan ni M.K. Tenisheva. Nakita ko si N.K. sa kanyang Templo. May imahe si Roerich kung saan "lahat ng ating kayamanan ng Banal ay hindi dapat kalimutan." Nakipagtulungan sa prinsesa simula noong 1903, at madalas na bumibisita sa kanyang ari-arian, nagsasagawa ng mga paghuhukay malapit sa Smolensk, sumulat si Nikolai Konstantinovich tungkol sa Talashkin noong 1905:

“Nakita ko rin ang simula ng templo ng buhay na ito. Malayo pa ang lalakbayin niya. Dinadala nila ang pinakamahusay sa kanya. Masayang maisasakatuparan ang mahimalang pamana sa gusaling ito matandang Rus' sa kanyang mahusay na likas na talino para sa dekorasyon. At ang nakakabaliw na saklaw ng disenyo ng mga panlabas na dingding ng Yuriev-Polsky Cathedral, at ang phantasmagoria ng mga simbahan ng Rostov at Yaroslavl, at ang kahanga-hangang mga Propeta ng Novgorod Sophia - ang lahat ng ating kayamanan ng Banal ay hindi dapat kalimutan. Maging ang mga templo ng Ajanta at Lhasa. Hayaang lumipas ang mga taon sa tahimik na gawain. Hayaan siyang mapagtanto ang mga tuntunin ng kagandahan nang lubusan hangga't maaari. Saan natin maaaring hangarin ang tugatog ng kagandahan, kung hindi sa templo, ang pinakamataas na nilikha ng ating espiritu?”.

Kaya, ayon kay N.K. Roerich, at nangyari ito: pagkaraan ng mga taon, isinama ng artista ang imahe ng Ina ng Mundo sa Templo ng Banal na Espiritu sa Flenov.Inilarawan ni Nicholas Roerich sa itaas ng altar hindi ang Ina ng Diyos ng Russia, ngunit ang kanyang Ina ng Mundo. Ano ang nakikita natin ngayon?Sa loob ay may mga hubad na pader lamang... Sa mga materyales ng All-Union Central Research Laboratory para sa Conservation and Restoration of Museum Art Values ​​​​(VTsNILKR, Moscow) para sa 1974 maaari mong basahin:

"Hindi hihigit sa one-fourth ng painting ang nakaligtas. Nawala kasama ng plaster ang bahaging iyon ng mga pintura kung saan matatagpuan ang mukha ng Reyna ng Langit, ang sentral na pigura ng komposisyon ng mga pintura. Ang pangunahing dahilan para sa pagkawala ay ang pagkasira at pagbagsak ng mga layer ng plaster kasama ang pagpipinta. Walang alinlangan, ang mga lugar ng templo, kasama ang pagpipinta, ay nakaranas ng lahat ng mga pagbabago sa kapalaran ng isang inabandunang gusali at pagkatapos ay ginamit para sa iba pang mga layunin. Ngunit sa parehong oras, malinaw na sa panahon ng pagtatayo at pagkatapos ay ang paghahanda ng dingding para sa pagpipinta, ang mga malubhang maling kalkulasyon at hindi makatwirang mga kumbinasyon ng iba't ibang hindi magkatugma na mga materyales ay ginawa.

"Sa kasalukuyan, ang departamento ng monumental na pagpipinta ng All-Russian Central Scientific Research Center ay nakabuo ng isang paraan para sa pagpapanumbalik ng mga natitirang mga fragment ng mga painting sa Church of St. Nagsimula ang gawaing espiritu at konserbasyon sa monumento. Ngunit ang teknolohikal na pagiging sopistikado sa pagpapatupad ng mga pagpipinta ay may negatibong papel din dito. Ang mga diskarte at pamamaraan sa pag-iingat ay naging napakasalimuot din, at aabutin ng napakatagal na panahon upang ganap na makumpleto ang proseso ng pagpapanumbalik."

Ngunit mayroong isang natatanging pagpipinta ni Nicholas Roerich "Ang Reyna ng Langit sa Pampang ng Ilog ng Buhay":

"Maaapoy, ginintuang iskarlata, pulang-pula, pulang hukbo ng makalangit na puwersa, ang mga dingding ng mga gusali ay nagbubukas sa itaas ng mga ulap, sa gitna nila ay ang Reyna ng Langit na nakasuot ng puting damit, at sa ibaba ay isang madilim na maulap na araw at ang nagyeyelong tubig. ng araw-araw na ilog ng buhay. Ang kakaibang kapansin-pansin at marahil ay kaakit-akit sa komposisyon na ito ay, kahit na ang lahat ng mga elemento dito ay tila Byzantine, ito ay isang purong Budista, Tibetan na karakter. Kung ang puting damit ng Ina ng Diyos sa gitna ng mga lilang hukbo, o ang higpit ng makalangit na puwersa sa madilim na kalawakan ng lupa ay nagbibigay ng impresyon na ito, ngunit sa icon na ito ay isang bagay na mas sinaunang at silangan ang nararamdaman. Lubhang kawili-wili kung ano ang magiging impresyon kapag napuno nito ang buong espasyo ng pangunahing nave ng simbahan sa itaas ng mababang kahoy na iconostasis," ay isinulat ng simbolistang makata at landscape artist na si Maximilian Voloshin, na masuwerte na makita ang mga fresco ni Nicholas Roerich sa Temple of the Spirit sa Flenov.Ang paring nayon, na naimbitahan na magkonsagra sa simbahan, ay maswerteng nakita sila. Naiisip ko kung gaano siya nabigla nang makita niya ang mga fresco na ito sa isang simbahan na walang altar, walang iconostasis, na, siyempre, ay inilatag ayon sa Orthodox canon. Hindi naiintindihan ni Itay kung ano ang isang obra maestra sa kanyang harapan, kaya hindi niya inilaan ang hindi kanonikal na templo na may mga di-kanonikal na pagpipinta. Hindi naintindihan ng pari ng nayon kung kanino at kung ano ang inilaan ng templo.Dapat pansinin na ang mga pana-panahong hindi pagkakasundo sa mga kinatawan ng Orthodox Church ay lumitaw hindi lamang sa mga N.K. Roerich. May mga katulad na problema sa gawain ni M.A. Vrubel, at V.M. Vasnetsova, at M.V. Nesterova, at K.S. Petrova-Vodkina. Ang proseso ng hindi maliwanag na paghahanap para sa isang bagong istilo sa sining ng simbahan, na sa simula ng ika-20 siglo ay mayroon nang halos 1000-taong kasaysayan, ang pagkakaiba-iba ng panlasa ng mga customer, kabilang ang mga kinatawan ng Simbahan - lahat ng ito ay maaaring mag-ambag sa hindi pagkakaunawaan sa pagitan ang artista at ang customer. Ito ay natural malikhaing proseso, at sa kaso ni Nikolai Konstantinovich ito ay palaging nagtatapos sa isang kompromiso sa magkabilang panig. kaya langSi Roerich mismo ay binibigyang kahulugan ang kaganapang ito nang ganap na naiiba. Ang mga sketch ng mga kuwadro na gawa para sa Templo sa Flenov ay tinalakay sa mga kinatawan ng diyosesis ng Smolensk at naaprubahan.

"Nang ang Simbahan ng Banal na Espiritu sa Talashkino ay ipinaglihi, ang isang imahe ng Lady of Heaven ay iminungkahi sa altar apse. Naaalala ko kung paano lumitaw ang ilang mga pagtutol, ngunit ito ay ang patunay ng Kyiv "Unbreakable Wall" na huminto sa hindi kinakailangang debate,"- naalala ng artista.

Ang Templo ng Banal na Espiritu ay hindi inilaan dahil lamang sa pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig, na pumigil sa pagkumpleto ng mga pagpipinta.

“Ngunit sa templo narinig ang unang balita ng digmaan. At ang mga karagdagang plano ay natigil, hindi na matatapos muli. Ngunit, kung ang isang makabuluhang bahagi ng mga dingding ng templo ay nanatiling puti, kung gayon ang pangunahing ideya ng hangaring ito ay naipahayag pa rin,"- naalala ni Nikolai Konstantinovich. Sa una, ang gawain ni Prinsesa Maria Klavdievna ay naaayon sa N.K. Roerich sa kanyang pag-unawa sa malalim na intertwining sa kultura ng Russia ng mga tradisyon ng Silangan at ang "estilo ng hayop" ng paganismo.

"Ngunit, sa pag-alala sa malayong duyan ng enamel, ang Silangan, gusto kong pumunta pa, upang gumawa ng isang bagay na mas kamangha-manghang, higit na nag-uugnay sa produksyon ng Russia sa malalim na simula nito," isinulat ni N.K. Roerich, na sumasalamin sa mga figure ng hayop na nilikha ng prinsesa gamit ang enamel technique at ipinakita sa eksibisyon sa Paris noong 1909. "Malapit sa mga konsepto ng Silangan, ang mga larawan ng mga hayop ay laging nagsisiksikan: mga hayop na isinumpa sa hindi gumagalaw, makabuluhang mga pose. Ang simbolismo ng mga larawan ng hayop ay maaaring napakahirap pa rin para sa atin. Ang mundong ito, na pinakamalapit sa tao, ay nagdulot ng mga espesyal na kaisipan tungkol sa mga kamangha-manghang larawan ng hayop. Ang pantasya ay malinaw na naghagis ng mga larawan ng pinakasimpleng mga hayop sa walang hanggan, hindi gumagalaw na mga anyo, at makapangyarihang mga simbolo na laging nagbabantay sa takot na buhay ng tao. Ang mga makahulang pusa, sabong, unicorn, kuwago, kabayo ay nagkaroon ng hugis... Nagtatag sila ng mga anyo na kinakailangan para sa ilan, at idolatrous para sa iba.
Sa tingin ko sa mga pinakabagong gawa ng libro. Nais ni Tenisheva na gumamit ng sinaunang craftsmanship upang makuha ang sinaunang idolatriya ng apuyan. Buhayin ang mga anyo ng mga nakalimutang talisman na ipinadala ng diyosa ng kasaganaan upang bantayan ang tahanan ng isang tao. Sa hanay ng mga naka-istilong anyo, ang isang tao ay hindi nakadarama ng isang artista ng hayop, ngunit ang mga pangarap ng mga anting-anting noong unang panahon. Ang mga burloloy na puno ng lihim na kahulugan ay lalong nakakaakit ng ating pansin, at gayundin ang tunay na gawain ng aklat. Pinalawak ni Tenisheva ang mga abot-tanaw ng mahusay na artistikong pagsasawsaw,"- nabanggit ng artist sa artikulong "The Sworn Beast".

"Ang mga simbolo na malakas sa mga spelling ay kailangan para sa paglibot ng ating sining," ― pagtatapos niya. Sa mga simbolo ng hayop ng N.K. Nakita ni Roerich ang walang hanggan, cosmic na kahulugan ng Being, na bumaba sa atin mula sa kalaliman ng mga siglo. Tatawagin ito ng artista: "nalibing na kayamanan", "mas mababa kaysa sa kalaliman". Mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon, ang ating mga ninuno, sa pamamagitan ng mga larawan ng mga hayop, ay naghatid ng kaalaman sa mga batas ng Cosmos sa pamamagitan ng wika ng mga simbolo. Ang mga simbolo ng mga hayop sa sinaunang misteryo ay nagsalita tungkol sa makalupang kalikasan ng tao, ang kanyang koneksyon sa siksik na bagay, na binago sa pamamagitan ng espirituwal na labanan ni St. George kasama ang Serpent, Theseus kasama ang Minotaur, sa pamamagitan ng "pagbaba sa impiyerno" ng Orpheus para sa Eurydice, Demeter para sa Persephone. Ang parehong "mga simbolo na makapangyarihan sa mga spell" ay dumating sa amin sa tinatawag na mga kuweba ng Panahon ng Bato, na nagsilbing puwang din para sa pagbabago ng bagay, isang templo ng mga misteryo, at isang labirint para sa bayani. Ang pagpatay sa Dragon-Minotaur sa kailaliman nito, pinalaya ng bayani mula sa mga bitag ng impiyerno mula sa kapangyarihan ng Pluto ang isang kaluluwa na maaaring magkaroon, tulad ng bayani, iba't ibang pangalan: Elizabeth, Eurydice, Persephone. Hindi nagkataon na ang mga simbahang Kristiyano ay madalas na pinalamutian sa panlabas na harapan ng mga chimera o nakakatakot na maskara.

Noong 1903, namatay si Vyacheslav Tenishev. Namatay siya sa Paris. Nagpasya si Maria Klavdievna na ang kanyang pahingahang lugar ay ang kanilang katutubong Talashkino, kung saan sila ay masaya na magkasama. Ang Templo ng Espiritu ay sabay na itinayo bilang isang crypt - ang libingan ng asawa, at sa hinaharap, sa kanya. Doon, sa basement ng templo, na parang sa isang crypt, inilibing ang embalsamadong katawan ni Prinsipe Tenishev. Noong 1923, binuksan ng "mga aktibistang Kombedov" ang Templo ng Espiritu at kinaladkad ang namatay na Prinsipe Tenishev palabas doon. Ang katawan ng "burges" ay itinapon sa isang mababaw na butas nang walang anumang karangalan. Gayunpaman, ang mga lokal na magsasaka, kung saan ang mga Tenishev ay lumikha ng isang huwarang sakahan sa kanilang ari-arian at para sa kanilang mga anak na inayos nila ang isang paaralang pang-agrikultura, kinuha ang katawan ni Vyacheslav Nikolaevich mula sa hukay sa gabi at muling inilibing sa sementeryo ng nayon. Ang lugar ng kanyang libingan ay inilihim, kaya ang kanyang libingan ay nawala.

Noong 1901, ayon sa disenyo ng artist na si S.V. Malyutin, ang kamangha-manghang "Teremok" ay itinayo. Sa una, ito ay mayroong silid-aklatan para sa mga mag-aaral ng paaralang pang-agrikultura. Ang gusali mismo ay napaka orihinal. Sa pamamagitan ng kamangha-manghang mga pagpipinta, mga kulot ng napakalaking bulaklak, mga kakaibang hayop at mga ibon, ito ay kahawig ng isang bahay mula sa mga kwentong bayan.

Sa loob ay may katibayan ng masining na buhay ni Talashkin. Dumating dito ang mga musikero, artista, artista. Marami sa kanila ang nanatili at nagtrabaho sa estate sa mahabang panahon: A.N. Benoit, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, A.A. Kurennoy, M.V. Nesterov, A.V. Prakhov, I.E. Repin, Ya.F. Tsionglinsky. Sina Repin at Korovin ay nagpinta ng mga larawan ng may-ari sa Talashkino - M.K. Tenisheva. Ngunit ang Talashkin art workshop, na binuksan noong 1900, ay nagdala ng tunay na katanyagan sa mga lugar na ito. Inanyayahan ang artist na si S.V. na pamunuan ang bagong negosyo. Mayutina.

Sa loob ng limang taon ng pag-iral nito, ang mga pagawaan ng pag-ukit, karpintero, keramika at pagbuburda ay gumawa ng maraming gamit sa bahay mula sa mga laruan ng bata at balalaikas hanggang sa buong set ng kasangkapan. Ang mga sketch ay ginawa para sa marami mga sikat na artista: Vrubel, Malyutin, Korovins, atbp. Sa gusali ng dating paaralang pang-agrikultura mayroon na ngayong isang kawili-wiling eksibisyon, na nagpapahiwatig ng isa pang direksyon ng aktibidad ng M.K. Tenisheva. Ang isa sa pinakamalaking koleksyon ng katutubong sining ay nakolekta sa Talashkino.

V.M. Vasnetsov.Icon na "Our Lady". (1882).

Tiyak na ang icon na ito na kung minsan ay itinuturing na imahe ng Ina ng Diyos ng Vasnetsov, na unang lumitaw sa iconostasis ng Abramtsevo Church at kung saan ang mga mag-aaral ng Committee of Trusteeship ng Russian Icon Painting ay tinawag upang ipinta. Tinalakay mismo ni Vasnetsov ang romantikong rapprochement sa pagitan ng ideya ng kagandahan at icon ni Kristo:

“Sa pamamagitan ng paglalagay kay Kristo bilang liwanag na sentro ng mga gawain ng sining, hindi ko pinaliit ang saklaw nito, bagkus ay pinalalawak ito. Dapat tayong umasa na ang mga artista ay maniniwala na ang gawain ng sining ay hindi lamang ang negasyon ng mabuti (ang ating panahon), kundi pati na rin ang mabuti mismo (ang imahe ng mga pagpapakita nito). Ang imahe ni Kristo sa Vladimir Cathedral ay malinaw na idinisenyo para sa isang espesyal na mystical contact sa pagitan ng artist - ang may-akda ng icon - ang artisan at ang viewer. Bukod dito, ang panloob na koneksyon na ito ay maaaring makamit sa ilalim ng isang kundisyon - ang malikhaing pang-unawa ng isang relihiyosong imahe. Ang isang espesyal na malikhaing gawa ay kinakailangan mula sa artisan at ng manonood sa pag-unawa sa ideya ng ganap na kagandahan na inilagay ng artist sa imahe ng panalangin. Dahil ang sining ay madalas na isinasaalang-alang (sumusunod kay John Ruskin) bilang pagpapahayag ng sarili ng isang bansa, kinakailangan upang mahanap ang susi sa isang espesyal na emosyonal na pang-unawa ng "pambansang manonood".

Si Vasnetsov mismo ay naghahanap ng susi na ito hindi sa landas ng pagkopya sinaunang mga icon, ngunit sa artistikong kultura ng European romanticism, gayundin sa larangan ng pambansang epiko at pilosopiyang relihiyon ng Russia. Ito ay binanggit din ni Igor Grabar:

"Nangarap si Vasnetsov na muling mabuhay ang espiritu, at hindi lamang mga primitive na pamamaraan; hindi niya nais ang isang bagong panlilinlang, ngunit isang bagong relihiyosong lubos na kaligayahan, na ipinahayag ng modernong artistikong paraan."

V.M. Vasnetsov. "Ang Birhen at Bata". 1889.

Canvas, langis. 170x102.6 cm.

Regalo ng Moscow Theological Academy mula sa

Kanyang Banal na Patriarch ng Moscow at All Rus'

Alexy I noong 1956.

Nilagdaan sa kaliwang ibaba gamit ang isang brush sa brown na pigment - "Marso 2, 1889 V. Vasnetsov"; sa ibaba, na may isang brush at isang puting-orange na pigment - "Emily at Adrien". Sa unang pagkakataon sa imahe ng Ina ng Diyos V.M. Nagbalik-loob si Vasnetsov noong 1881-1882, nagpinta ng isang icon para sa Church of the Savior Not Made by Hands sa Abramtsevo. Kasunod nito, ang temang ito ay binuo sa napakagandang komposisyon ng Vladimir Cathedral sa Kyiv (1885-1895). Ang pinuno ng trabaho sa pagpipinta ng katedral ay ang propesor ng St. Petersburg University na si A.V. Prakhov. V.M. Ang Vasnetsov ay inspirasyon ng sikat na mosaic na "Our Lady of the Unbreakable Wall" ng Kyiv St. Sophia Cathedral at ang "Sistine Madonna" ni Raphael. Sa gitna ng komposisyon ay isang naglalakad na Ina ng Diyos kasama ang Batang Kristo sa kanyang mga bisig. Ang Bata, na nakabalot sa isang saplot, ay yumuko paharap sa kanyang buong katawan at itinaas ang kanyang mga kamay, binasbasan ang mga naroroon. Ang mga ulo ng Ina ng Diyos at ng Bata ay napapalibutan ng malambot na ningning. Ang iconography na ito ay madalas na ginamit sa pagpipinta ng icon ng Russia. Ang inskripsyon ng dedikasyon sa pagpipinta na "Ang Birhen at Bata" ay nagpapahiwatig na ito ay ipininta ni V.M. Vasnetsov bilang isang regalo sa mga Prakhov pagkatapos makumpleto ang mga pagpipinta ng Vladimir Cathedral.

Dumating ang iconography Kievan Rus pagkatapos ng kanyang binyag, noong ika-9 na siglo, mula sa Byzantium. Ang mga inimbitahang pintor ng icon na Byzantine (Greek) ay nagpinta sa mga simbahan ng Kyiv at iba pang malalaking lungsod ng Rus'. Hanggang sa pagsalakay ng Tatar-Mongol (1237-1240), ang pagpipinta ng icon ng Byzantine at Kiev ay nagsilbing modelo para sa iba pang mga lokal na paaralan. Sa paglitaw ng pyudal na pagkapira-piraso sa Rus', ang mga hiwalay na icon painting school ay nagsimulang lumitaw sa bawat isa sa mga punong-guro. Noong ika-13 siglo, nagsimula ang isang agwat sa kultura sa pagitan ng Russia at Byzantium, na sumasalamin din sa katotohanan na ang mga icon na ipininta pagkatapos ng ika-13 siglo ay nagsimulang mag-iba nang higit pa mula sa kanilang mga pinagmulang Byzantine.

Ang hilagang bahagi ng Rus' ay hindi gaanong naapektuhan ng pagsalakay ng pamatok ng Tatar-Mongol. Sa Pskov, Vladimir at Novgorod, ang pagpipinta ng icon ay malakas na umuunlad noon, at namumukod-tangi para sa espesyal na pagka-orihinal nito. Sa panahon ng mabilis na pag-unlad ng punong-guro ng Moscow, ipinanganak ang paaralan ng Moscow. Noon nagsimula ang "opisyal" na kasaysayan ng pagpipinta ng icon ng Russia, na nagsisimula nang lumayo nang palayo mga tampok na istilo at ang mga tradisyon ng kanyang ninuno - Byzantium.

Natanggap ng paaralan ng Moscow ang pinakamalaking pag-unlad nito noong ika-14-15 na siglo at nauugnay ito sa mga gawa ng naturang mga pintor ng icon tulad ng Theophanes the Greek, Andrei Rublev at Daniil Cherny. Ang parehong panahon ay nakita ang kasagsagan ng paaralan ng Pskov, na nakikilala sa pamamagitan ng pagpapahayag ng mga imahe, ang talas ng mga magaan na imahe at impasto brush stroke.

Kasunod nito, ang pagka-orihinal ng pagpipinta ng icon ng Russia ay dinagdagan ng pag-unlad ng paaralan ng Stroganov ng pagpipinta ng icon, na itinayo sa kayamanan scheme ng kulay, ang paggamit ng ginto at pilak, pagiging sopistikado sa mga pose at kilos ng mga karakter.

Noong ika-16 na siglo, nagsimulang aktibong umunlad ang Yaroslavl bilang sentro ng kultura at ekonomiya. Lumilitaw ang paaralan ng Yaroslavl ng icon painting, na patuloy na umiiral sa halos dalawang siglo, at gumagawa ng malaking kontribusyon nito sa pag-unlad ng kasaysayan ng pagpipinta ng icon sa Russia. Kayamanan ng disenyo, paggamit ng mga karagdagang detalye sa disenyo, kumplikadong mga plot at marami pang iba ang lumitaw sa mga siglong iyon sa pagpipinta ng icon.

Noong ika-17 siglo, lumitaw ang paaralang Palekh. Ang pagsulat ng istilong Palekh ay kumplikado ng isang malawak na pagkakaiba-iba ng mga elemento ng komposisyon, at ang pamamaraan ay kumplikado din ng maraming anino at liwanag na mga karagdagan. Ang mga kulay ay mayaman at maliwanag. Gayundin sa panahong ito, ang pagpipinta ng langis ay ipinakilala sa pagpipinta ng icon, na nagpapahintulot sa mga imahe na maihatid nang mas masigla. Ang direksyong ito ay tinatawag na "estilo ng pagprito" ng pagpipinta ng icon.

Noong ika-18 siglo, sa pag-unlad ng Academy of Arts, ang mga kaakit-akit na icon sa istilong pang-akademiko, na ipininta sa pamamaraan ng langis, ay nagsimulang maging laganap sa pagpipinta ng icon.

Hindi ito ang buong kasaysayan ng pagpipinta ng icon; napakaraming mga paaralan ng pagpipinta ng icon, at ang bawat isa sa kanila ay maaaring italaga sa isang hiwalay na malaking artikulo.

Ang pagpipinta ng icon ng Russia, na binuo sa paglipas ng mga siglo, ay naging napakayaman at magkakaibang anupa't marami ang naniniwala na nalampasan nito ang mga pinagmulang Byzantine (Griyego) sa pamamagitan ng isang order ng magnitude.

Ang isa at ang parehong icon na ipininta sa mga tradisyon ng iba't ibang mga paaralan ng pagpipinta ng icon ay maaaring magkaiba nang malaki sa artistikong pang-unawa, na subjective; maaaring gusto ito ng ilang tao, habang ang iba ay talagang hindi.

Iba't ibang mga pagpipilian sa disenyo, estilo, diskarte, komposisyon, kulay, atbp. - lahat ng ito ay dapat isaalang-alang kapag nag-order ng isang icon.

Sa kasalukuyan, sa pangkalahatan, ang mga sumusunod na diskarte at estilo ng pagpipinta ng icon ay maaaring makilala, na dapat matukoy kapag nagsusulat ng isang bagong icon:

• Pamamaraan: tempera, langis,
• Medieval iconography at iconography ng "late" na mga siglo.
• Estilo ng pagsulat: kaakit-akit, iconographic.

Dapat itong tandaan. na sa kasalukuyan, ang mga ginawang icon ay maaaring may mga katangian ng ilang mga icon na paaralan ng pagpipinta, at minsan ay mahirap itong malinaw na tukuyin. Saang paaralan nabibilang ang icon?

Narito ang ilan lamang sa mga halimbawa ng lahat ng nasa itaas:

	Tempera, estilo ng pagpipinta ng icon, paaralan sa Moscow.		Tempera, estilo ng pagpipinta ng icon, pagpipinta ng icon ng Middle Ages, istilong Byzantine.
	Palekh. pictorial style, tempera.		Tempera, Yaroslavl icon painting school, icon painting style.		Tempera, Yaroslavl icon painting school, medieval icon painting.
	Moscow school of icon painting, tempera.		Rostov-Yaroslavl na paaralan ng pagpipinta ng icon, tempera.
	Estilo ng pagpipinta, tempera.				Estilo ng pagpipinta (akademiko), langis.

Sa panahon ng pagkakaroon ng estado ng Byzantine, ang panahon kung saan ay ang ika-4-15 na siglo, ang kultural na pananaw sa mundo ng lipunan ay nagawang magbago nang malaki, salamat sa paglitaw ng mga bagong malikhaing pananaw at mga uso sa sining. Ang kanilang kakaibang pagkakaiba-iba gawa ng sining, na naiibang sumasalamin sa kasalukuyang katotohanan sa mundo, ay nag-ambag sa hindi maiiwasang pag-unlad ng pinakamataas na espirituwal na halaga, na naghihikayat sa mga bagong henerasyon ng lipunan sa pinakadakilang kaliwanagan. Kabilang sa mga pinaka-kalat na uri ng pag-aari ng kultura ng Imperyo ng Roma, ang espesyal na pansin ay dapat bayaran sa pagpipinta ng icon.

Kasaysayan ng mga icon ng Byzantine

Ito ay isang sinaunang relihiyosong genre ng medieval na pagpipinta, kung saan kailangang biswal na ilarawan ng mga may-akda ang mga larawan ng mga mythical character na kinuha mula sa Bibliya. Ang mga imahe ng mga sagradong tao, na ganap na naipakita ng mga artistang Romano sa isang solidong ibabaw, ay nagsimulang tawaging isang icon. Ang paglikha ng mga unang icon ng Byzantine ay batay sa isang sinaunang pamamaraan ng pagsulat na nakakuha ng malawak na katanyagan noong sinaunang panahon. Tinawag itong encaustic. Sa proseso ng paggamit nito, kailangang palabnawin ng mga pintor ng icon ang kanilang mga pintura sa pamamagitan ng paghahalo ng mga ito sa waks, na siyang pangunahing aktibong sangkap. Ang natatanging pormula nito, na sumasaklaw sa panlabas na bahagi ng sagradong canvas, ay nagpapahintulot sa icon na mapanatili ang orihinal nitong hitsura sa orihinal nitong orihinal na anyo sa loob ng mahabang panahon. Bilang karagdagan, ang mga pangunahing tampok ng mukha na sumasalamin sa tunay na pananaw ng mga relihiyosong personalidad ay ipinakita ng mga artistikong tagalikha nang napakababaw, na may kakulangan ng tumpak na detalye. Iyon ang dahilan kung bakit sa mga unang gawa, ang Pre-Iconoclastic period, na sumasaklaw sa panahon ng ika-6 - ika-7 siglo, maaari agad na maakit ang pansin sa magaspang at sa ilang mga lugar ay malabo ang mga tampok ng mukha. Kabilang sa kanilang mga pangunahing gawa ay ang icon ng Sinai ni Apostol Pedro.

Dagdag pa, sa pagdating ng panahon ng Iconoclastic, ang tradisyonal na paglikha ng mga icon ng relihiyon ay naging napakahirap. Una sa lahat, ito ay dahil sa mga bagong kilusang sosyo-politikal na aktibong isinagawa sa Byzantium sa loob ng ilang daang taon. Ang masigasig na mga kalaban ng kulturang pangrelihiyon ay naghangad na ganap na ipagbawal ang daan-daang taon na pagsamba sa mga icon, sa pamamagitan ng kanilang ganap na pagkawasak.

Gayunpaman, ang mga icon ng Byzantine ay patuloy na nilikha, na isinasagawa ang prosesong ito sa mahigpit na lihim mula sa pangangasiwa ng pamahalaan. Sa puntong iyon, nagpasya ang kasalukuyang mga pintor ng icon na ganap na baguhin ang dating naitatag na saloobin patungo sa pag-unawa sa pananampalataya ng simbahan.

Simbolismo at mga larawan ng icon ng Byzantine

Ang bagong artistikong konsepto ay nag-ambag sa panghuling pagbabago sa nakaraang simbolismo, na minarkahan ng isang paglipat mula sa lumang naturalistic na pang-unawa ng pandama na mundo tungo sa isang mas relihiyoso at sagradong pagmuni-muni nito. Ngayon ang mga larawan ng mga icon ng Byzantine ay sumunod sa iba pang mga sulat-kamay na canon. Sa kanila, ang mga ordinaryong mukha ng tao ay pinalitan ng mga mukha sa paligid kung saan ang isang gintong halo ay kumikinang sa isang kalahating bilog na hugis. Depende sa antas ng kabanalan ng mga bayani na ipinakita sa mitolohiya ng Bibliya, ang mga pangalan ng kanilang mga mukha ay nagsimulang hatiin sa mga kategorya tulad ng mga Apostol; Hindi mersenaryo; Ang tapat; Mga Dakilang Martir; Mga martir, atbp. Mayroong 18 species sa kabuuan. Ang isang malinaw na halimbawa na nagpapakita ng aplikasyon ng mga bagong artistikong canon ay ang icon ni Hesukristo sa istilong Byzantine, na tinatawag na Christ Pantocrator.

Ang paglikha nito ay batay sa mga bagong anyo ng kulay, na isang kumbinasyon ng natural at pulbos na mga pintura na may halong likido. Ang mga pangunahing tampok ng mukha na pinamamahalaang ibigay ng artist sa dambana na ito ay naging natural at wastong naihatid na sa iba pang kasunod na mga gawa, ang tingin ng Diyos ay nagsimulang ipakita sa eksaktong parehong anyo na nauna sa naunang nilikha na orihinal.

Ang kahulugan ng mga icon

SA mahirap na panahon malawakang taggutom, epidemya ng salot at mga popular na pag-aalsa, nang ang buhay at kalusugan ng mga tao ay nasa malubhang panganib, ang kahalagahan ng mga dambana ng Byzantine ay napakalaki sa pagbibigay ng tulong at kaligtasan. Ang kanilang mga mahimalang pag-aari ay naging posible upang pagalingin ang mga bata at matatanda mula sa maraming sakit sa cardiovascular at sakit ng ulo. Bilang karagdagan, sinubukan ng mga tao na makipag-ugnay sa kanila nang maaga, upang lumikha ng kagalingan para sa kanilang pamilya at mga kaibigan.

Impluwensiya sa Old Russian iconography

Ang mga icon ng Byzantium, sa lahat ng kanilang aesthetic na kagandahan, ay nagawang gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pag-unlad ng sinaunang iconograpya ng Russia. Dahil ang mga pangunahing tagapagtatag ng kultural at relihiyosong edukasyon, una sa lahat, ito ay ang mga pintor ng icon ng Romano ang dapat itangi. Nagawa nilang ipasa ang kanilang naipon na kaalaman sa paglikha ng karilagan ng simbahan hindi lamang sa kanilang susunod na henerasyon, kundi pati na rin sa ibang mga estado na umiral noong panahong iyon, isa na rito ang Ancient Rus'.

>> Estilo ng Byzantine sa pagpipinta ng icon. Icon ng Our Lady of Vladimir. Theophanes ang Griyego. Deesis ng iconostasis ng Annunciation Cathedral ng Moscow Kremlin

BYZANTINE STYLE SA ICON PAINTING

Icon ng Ina ng Diyos ng Vladimir. Theophanes Griyego. Deesis ng iconostasis ng Annunciation Cathedral ng Moscow Kremlin

Ang altar, kung saan nananahan ang Diyos, ay humihiwalay sa nilikhang mundo, kung saan matatagpuan ang mga parokyano, Kristiyanong templo isang mababang hadlang sa altar - isang iconostasis, kung saan pinapayagan lamang ang mga klero.

Altar barrier ng panahon ng sinaunang Kristiyanismo binubuo ng mga inukit na marmol na sala-sala na may inilarawang mga pattern ng bulaklak at simbolikong larawan ng mga kalapati, tupa, at krus. Ang paghahalili ng mga ukit at mga voids, at sa gayon ay puti at itim, ay lumilikha ng isang paglalaro ng liwanag at anino, na sa kanyang sarili ay lubhang kaakit-akit at pinahuhusay ang kaakit-akit na epekto ng mga mosaic.

Sa ilalim ni Justinian ito ay nabuo iconostasis ng Byzantine. Binubuo ito ng mga haliging marmol na may pahalang na kisame. Isang krus ang inilagay sa itaas. Sa kanan at kaliwa ng pasukan sa altar – maharlikang pintuan- naglagay sila ng mga icon ng templo (mula sa Greek eicon - imahe) - mga imahe ng mga santo na ginawa sa mga board. Sa itaas ng gate, sa architrave, palaging may tinatawag na icon Deesis(mula sa Greek deesis - panalangin). Ang Deesis ay nagpapahayag ng ideya ng pamamagitan ng mga santo para sa sangkatauhan Huling Paghuhukom 17 Nakatayo sa kanang kamay ni Jesucristo ang Ina ng Diyos, sa kaliwa ay ang propetang si Juan Bautista 18 . Karaniwang inilalarawan ang mga ito hanggang baywang.

Ang icon ay nagbigay sa mananampalataya ng paunang lasa ng makalangit na kaligayahan at idinisenyo para sa mahaba, puro pagmumuni-muni. Dahil ang icon ay isang simbolo, hindi ito isang mukha, ngunit isang mukha. Ang mga unang icon ay ipininta sa isang libre, kaakit-akit na paraan, tulad ng, halimbawa, ang icon na "Ang Ina ng Diyos kasama ang Bata at mga Santo Theodore at George" (tingnan ang kasama ang kulay, Fig. 37). Sa kabila ng lahat ng kataimtiman ng komposisyon, ang mga figure ay medyo natural na naka-deploy sa espasyo, hindi mapaghihiwalay mula sa tunay na background ng arkitektura at mahalaga. Ang mayamang plastic sculpting ng mga form ay nagpapahiwatig ng koneksyon sa mga tradisyon ng Hellenism.

Sa paglipas ng panahon, ang isang kahanga-hangang imahe ay nagsimulang mangibabaw sa pagpipinta ng icon, kung saan ang isang dalubhasang pintor ay nagbigay ng pangunahing pansin sa kaluluwa. Ang sentro ng kaluluwa ay ang mga mata ng santo, kung saan ang libu-libong di-nakikitang mga sinulid ay tila nakaunat sa taong nagdarasal, na dinadala siya sa isa pang mundong hindi nakikita.

Ang pagnanais na ipakita ang kaluluwa hangga't maaari ay humantong sa paglitaw ng tulad ng isang espiritwal na imahe bilang mukha ng Our Lady of Vladimir iconography "Tenderness" 19 (XIII century) (tingnan ang color incl., Fig. 38). Sobrang laki ng mata niya. Ang di-maiiwasang kalungkutan ng Ina ng Diyos, na ang puso'y walang hanggan ay tinusok ng matinding pagdurusa ng kanyang Anak, ay ibinuhos ng kanyang tinging ibinaling sa manonood. Ang maliit na iskarlata na bibig ay walang kahit isang pahiwatig ng laman. Lumilitaw ang ilong sa mukha bilang isang kaaya-aya, bahagyang hubog na linya. Ang ulo ay malumanay at magiliw na nakayuko patungo sa Batang Kristo, na kumapit sa pisngi ng kanyang ina. Ang espiritwal na kagandahan ng Ina ng Diyos ay sumasaklaw sa pagiging perpekto ng kanyang kalikasan, na malaya sa kasalanang laman. Sa pangkalahatan, ang marangal na ascetic na mukha na ito na may malungkot na hitsura, na parang nagpapahayag ng kalungkutan ng buong mundo, isang tuwid na baluktot na ilong at manipis na mga labi, ay naging isang perpektong halimbawa ng Byzantine school ng icon painting.

GREEK. Serye ng Deesis. Iconostasis ng Annunciation Cathedral

Moscow Kremlin. Huling bahagi ng XIV - unang bahagi ng XV siglo.

SA mga tampok ng istilo Kasama rin sa paaralang ito ang pagtalikod sa pisikalidad. Ang mga hindi natural na pinahabang figure ay kahawig ng ethereal shadow, ang mga damit ay nahuhulog sa mga linear folds, ang mga puno at burol ay tuyo na iginuhit, ang mga gusali ay magaan at hindi matatag. Ang mga gintong pagpindot sa mga damit ay nagpapahiwatig ng espirituwalidad. Pinapalitan ng ginintuang background ang totoong three-dimensional na espasyo, na nagsasara ng mga ethereal na larawan sa magic circle nito. Ang paghiwalay na ito mula sa lahat ng panlabas na impresyon ay nagbigay-daan sa amin na kahit papaano ay ihiwalay ang ating sarili mula sa takot sa kamatayan, madaig ang makasalanang materyal na kalikasan, at makita ang Diyos gamit ang “matalinong mga mata.” Ang detatsment ay ipinakita sa pamamagitan ng kawalang-kilos, dahil sa ganitong kalagayan na ang panloob na tingin ng isang tao ay mas makakatuon sa pagmumuni-muni sa Diyos. Samakatuwid, ang bawat santo sa icon ay itinatanghal sa isang estado ng walang awa ascetic na kapayapaan.

Ang mga larawan ng mga santo na ipininta ng Byzantine artist na si Theophan the Greek (c. 1340 - pagkatapos ng 1405) para sa Deesis of the Annunciation Cathedral ng Moscow Kremlin (end of the 14th century - simula ng
XV siglo). Ang Theophanes na Griyego ay naglalarawan ng mga full-length na pigura sa mga tabla na higit sa dalawang metro ang taas, na nagbigay sa iconostasis ng dati nang hindi nakikitang monumento. Ang mga figure ay malinaw na namumukod-tangi bilang mga madilim na silhouette laban sa isang ginintuang background, ang kanilang mga maindayog na kumbinasyon ay banayad na pinag-isipan.

Ang sentro ng komposisyon ay ang icon ng Tagapagligtas sa kapangyarihan ng 20 - ang imahe ni Hesukristo, katangian ng iconograpya ng Russia, na nagpapasya sa kapalaran ng mga tao sa Huling Paghuhukom. Ngunit ang Huling Paghuhukom ay hindi lamang ang huling "ngayon", pagkatapos nito ay walang "pagkatapos", ito ay isang imahe ng kawalang-hanggan, ang sandali ng katotohanan. Ang tanda ng kawalang-hanggan ay ang imahe ng Diyos sa mga bilog ng makalangit na mga globo. Ipinakita ni Theophan na Griyego si Kristo na nakaupo sa isang trono na may puting damit at sa isang kumplikadong frame ng mga pulang diamante at isang asul-berdeng hugis-itlog. Ang mga puting damit (karaniwang puti ay itinuturing na isang simbolo ng espirituwal na kadalisayan) dito ay nangangahulugan ng kadakilaan ng Diyos, dahil kung paanong pinagsasama ng puti ang lahat ng mga kulay ng bahaghari, kaya ang Diyos ay naglalaman ng buong mundo. Ang isang walang kulay na imahe ng Tagapagligtas sa maliwanag na mga layer na nakapatong sa isang walang kulay na background ay lumilikha ng isang ganap na walang katawan na mystical na imahe na sinisingil ng enerhiya ang nakapalibot na espasyo.

Matindi ang mga ito sa isang maliwanag na background. kayumanggi kanang basbas na kamay at kaliwang paa. Kasama ang ulo sa isang magaan na halo, sila ay bumubuo ng axis ng icon at, bilang ito ay, pinagsama ang lahat ng mga katabing imahe sa isang solong kabuuan (tingnan ang kulay kasama, Fig. 40). Ang axial construction na ito ng komposisyon ng iconostasis, na idinisenyo upang makuha sa isang sulyap, ay isang bagong salita sa kasaysayan ng medieval icon painting.

GREEK. Juan Bautista. Deesis. Iconostasis
Annunciation Cathedral ng Moscow Kremlin.

Late XIV - unang bahagi ng XV na siglo.

Sa kabila ng katotohanan na ang Deesis ay tradisyonal na kumakatawan sa hiwalay na presensya ng mga nagdarasal na santo sa Huling Paghuhukom sa harap ng trono ng makapangyarihang Hari ng Langit para sa buong makasalanang lahi ng tao, ang bawat pigura ay pinagkalooban ng isang maliwanag na indibidwalidad at tila namumuhay ng isang hiwalay na buhay. . Ang panloob na dinamismo, simbuyo ng damdamin at kalungkutan ay nararamdaman sa pamamagitan ng mga kilos, pamamahagi ng liwanag at anino, mga linya at hugis ng pananamit, at kulay. Ang paglalagay ng mga santo ay ipinagkakaloob ng kanon at hindi kailanman nilalabag. Sa kanang kamay ng Tagapagligtas ay ang Ina ng Diyos, Arkanghel Michael 21, Apostol Pedro 22. Sa kaliwa ay si Juan Bautista, Arkanghel Gabriel, Apostol Pablo 23. Sa kanila ay palaging idinagdag ang mga pigura ng mga santo bilang mga nagpapatuloy ng gawain ng mga apostol, kung minsan ay mga martir bilang mga tagapagtanggol ng Fatherland, lalo na iginagalang sa simbahan.

Ang Ina ng Diyos sa Deesis ng Annunciation Cathedral ay inilalarawan na nakataas ang kanyang mga kamay sa kanyang mukha. Ang kilos na ito ay nagbibigay sa imahe ng kalunos-lunos at itinaas ang panalangin sa pag-iyak. Si Maria ay nakasuot ng madilim na asul na maforia, na nakapagpapaalaala sa makinis na kulay ng katimugang kalangitan. Ang mga light folds nito na dumadaloy sa katawan, ang mga asul na highlight sa mga balikat at mga creases ng tela ay tumutukoy sa incorporeality ng form. Ang asul na takip, na nakikita mula sa ilalim ng maforia, ay kamangha-mangha na nagmumula sa madilim, malungkot na mukha na may mga puwang sa paligid ng mga mata at bahagyang pamumula sa mga pisngi. Ang pagpapahayag ng pananamit ay napakahusay na kung ang Ina ng Diyos ay walang ulo at mga bisig, tulad ng mga estatwa ng Griyego, ang kanyang dinamikong pagsusumikap patungo sa gitna at marubdob na pagsusumamo ay mararamdaman nang hindi bababa (tingnan ang kasama sa kulay, Fig. 39) .

Sa kabilang panig ng gitnang icon, si Juan Bautista ay mapagpakumbabang nanalangin kay Kristo para sa kaligtasan ng mga tao. Ang balangkas ng pigura, ang kilos ng mga kamay, ang mga hubad na paa na pinagsama-sama ay nagbibigay-diin sa kanyang kababaang-loob at pagpapasakop. At maging ang kanyang manta, isang balabal na gawa sa magaspang na balahibo ng kamelyo, ay nahuhulog mula sa kanyang balikat bilang tanda ng isang kahihiyang kahilingan.

Isa sa mga santo na kinakatawan sa Deesis (ayon sa kaliwang kamay Christ), ay si Juan 3latoust (c. 350–407), Byzantine pinuno ng simbahan at Patriarch ng Constantinople. Hawak niya ang libro gamit ang dalawang kamay at samakatuwid ay nag-aalok ng panalangin, na tila, sa lahat ng likas na katangian ng isang madamdamin na mangangaral at masigasig ng asetisismo. Ang kanyang payat, payat na mukha at ang masikip, hindi nababaluktot na berdeng sakkos na tela, na parang ipinako sa pulang lining, ay isang panlabas na alingawngaw ng kanyang panloob na kawalang-sigla at kawalang-kompromiso sa paglaban sa karangyaan, kayamanan at malayang moral ng klero ng Byzantine at ng imperyal. hukuman.

May nararamdamang pagkabalisa sa panalangin ni Arkanghel Gabriel. Kitang-kita ito sa pagtagilid ng katawan, ulo sa manipis na leeg, baluktot na tuhod, bukas na pakpak, ngunit higit sa lahat sa halos agresibong kumbinasyon ng orange sa balabal, buhok, pakpak at dark blue sa chiton at wing flaps, sumasalamin sa asul.

* Sakkos - ang panlabas na kasuotan ng patriyarka, ang damit ng pagsisisi. Sumasagisag sa mga chlamys kung saan si Kristo ay dinamitan noong mga araw ng pagsubok at pagbitay.

Ang iba't ibang uri, karakter, kulay na Feofan ang Griyego ay mahusay na humahantong sa balanse, gamit ang iba't ibang mga diskarte para dito. Pinag-iisa nito ang mga pigura ng lahat ng mga banal na may berdeng lupa (isang strip ng lupa). Pinapataas niya ang lapad ng mga board na may mga arkanghel ng isang pangatlo, upang ang malawak na eroplano ng gitnang icon ay hindi mangibabaw sa mga makitid na gilid. Pinapalitan niya ang mga pigura sa mga simpleng damit at mamahaling kasuotan, na pantay na gumagamit ng makapal at matingkad na kulay na may hindi maikakaila na drama. Ang contrast ng brown-green lining tone na may light top layer, modeling the volume, ay nagbibigay ng epekto ng nagbabagang terracotta-red, coffee-yellow, cherry-pink tones. Ang mga mantsa ng Cinnabar ay masining sa mga labi, sa pamumula, sa linya ng ilong, sa tear duct - ang panloob na sulok ng mata. Sa ibabaw ng mga mukha at damit, ang puti at mala-bughaw na mga highlight, kulay abo at itim na "mover" ay tila sumisikat - masigla at hindi pangkaraniwang nagpapahayag ng mga maikling stroke na lumililok sa anyo at bumubuo ng pangunahing ugat ng husay ng pintor ng icon.

Ang pagkakaroon ng nakunan sa mga larawan ng mga santo ang pananabik ng mga Byzantine para sa passive espirituwal na pagmumuni-muni at pagsugpo sa laman sa landas tungo sa kaliwanagan, sa gayo'y ipinaalala ni Theophanes ang Griyego ang darating na Pagganti. Sa Rus' lamang, kasama ang matibay na paganong pinagmulan nito, napagtanto niya kung gaano kalayo ang tunay na makalupang tao mula sa mga espirituwal na mithiing iyon kung saan ginagabayan ang hindi kompromiso na mga ascetics ng Byzantine. Samakatuwid, si Kristo ay binibigyang kahulugan bilang isang kakila-kilabot na Hukom ng mundo, hindi hilig na magpatawad kaninuman. Iyon ang dahilan kung bakit ang imahe ng Ina ng Diyos ay lubhang kalunos-lunos, si Juan Bautista ay napakakumbaba, ang mga arkanghel ay napakagalang, at ang makapal, dramatikong kulay ay walang kagalakan. Sa Deesis, hindi binibigyang-diin ni Theophan na Griyego ang sandali ng pagpapatawad, kundi ang panalangin ng mga maawaing tagapamagitan para sa buong sangkatauhan sa harap ng mahigpit na Kristo.

Mga tanong at gawain
1. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga tampok ng pagpipinta ng icon ng Byzantine. Kumpletuhin ang gawain bilang 15 mula sa workbook.
2. Sa pamamagitan ng anong mga masining na pamamaraan nakamit ni Theophan na Griyego ang impresyon ng ganap na paglayo ng mga santo mula sa makasalanang materyal na mundo?
Z. (Malikhaing gawain.) Batay sa materyal mula sa SO at sa teksto ng aklat-aralin, suriin kung paano iniuugnay ni Theophan the Greek ang hiwalay na estado sa mga indibidwal na katangian ng bawat karakter.

Emokhonova L. G., Kultura ng sining ng mundo: aklat-aralin para sa grade 10: pangalawa (kumpleto) Pangkalahatang edukasyon(basic level) - M.: Publishing Center "Academy", 2008.

Online na pagpaplano ng aralin sa sining, mga problema at sagot ayon sa baitang, 10th grade art homework download

Ang eksibisyon na "Masterpieces of Byzantium" ay isang mahusay at bihirang kaganapan na hindi maaaring makaligtaan. Sa unang pagkakataon, isang buong koleksyon ng mga icon ng Byzantine ang dinala sa Moscow. Ito ay lalong mahalaga dahil upang makakuha ng isang seryosong pag-unawa sa Byzantine icon painting mula sa ilang mga gawa na matatagpuan sa Museo ng Pushkin, hindi ganoon kadali.

Kilalang-kilala na ang lahat ng sinaunang pagpipinta ng icon ng Russia ay nagmula sa tradisyon ng Byzantine, na maraming mga artistang Byzantine ang nagtrabaho sa Rus'. Mayroon pa ring mga pagtatalo tungkol sa maraming mga icon bago ang Mongol tungkol sa kung sino ang nagpinta sa kanila - mga pintor ng icon ng Greek na nagtrabaho sa Rus', o ang kanilang mga mahuhusay na estudyanteng Ruso. Alam ng maraming tao na kasabay ni Andrei Rublev, ang pintor ng icon ng Byzantine na si Theophanes the Greek ay nagtrabaho bilang kanyang senior na kasamahan at marahil ay guro. At siya, tila, ay hindi nangangahulugang isa lamang sa mga mahusay na artistang Griyego na nagtrabaho sa Rus 'sa pagliko ng ika-14-15 na siglo.

At samakatuwid, para sa amin, ang icon ng Byzantine ay halos hindi nakikilala mula sa Russian. Sa kasamaang palad, ang agham ay hindi kailanman nakabuo ng tumpak na pormal na pamantayan para sa pagtukoy ng "Russianness" kapag pinag-uusapan natin ang tungkol sa sining hanggang sa kalagitnaan ng ika-15 siglo. Ngunit ang pagkakaiba na ito ay umiiral, at makikita mo ito sa iyong sariling mga mata sa eksibisyon sa Tretyakov Gallery, dahil maraming mga tunay na obra maestra ng Greek icon painting ang dumating sa amin mula sa Athens "Byzantine and Christian Museum" at ilang iba pang mga koleksyon.

Nais kong muling pasalamatan ang mga taong nag-organisa ng eksibisyong ito, at una sa lahat ang nagpasimula at tagapangasiwa ng proyekto, ang mananaliksik Tretyakov Gallery Elena Mikhailovna Saenkova, pinuno ng departamento ng sinaunang sining ng Russia na si Natalya Nikolaevna Sharedega, at ang buong departamento ng sinaunang sining ng Russia, na aktibong bahagi sa paghahanda ng natatanging eksibisyon na ito.

Pagbuhay kay Lazarus (ika-12 siglo)

Ang pinaka maagang icon sa eksibisyon. Maliit sa laki, na matatagpuan sa gitna ng bulwagan sa isang display case. Ang icon ay bahagi ng isang tyabl (o epistilium) - isang pininturahan na kahoy na beam o malaking board, na sa tradisyon ng Byzantine ay inilagay sa kisame ng marmol na mga hadlang sa altar. Ang mga kapilya na ito ay ang batayan ng hinaharap na mataas na iconostasis, na lumitaw sa pagliko ng ika-14-15 na siglo.

Noong ika-12 siglo, ang 12 dakilang pista opisyal (ang tinatawag na Dodekaorton) ay karaniwang nakasulat sa epistyle, at ang Deesis ay kadalasang inilalagay sa gitna. Ang icon na nakikita natin sa eksibisyon ay isang fragment ng gayong epistyle na may isang eksena ng "The Raising of Lazarus." Mahalagang malaman natin kung saan nagmula ang epistyle na ito – mula sa Mount Athos. Tila, noong ika-19 na siglo ito ay pinaglagari, na nauwi sa ganap na magkakaibang mga lugar. Sa likod mga nakaraang taon ang mga mananaliksik ay nakatuklas ng ilang bahagi nito.

Ang Pagbangon kay Lazarus. XII siglo. Kahoy, tempera. Byzantine at Christian Museum, Athens

Ang Pagbangon kay Lazarus ay nasa Athens Byzantine Museum. Ang isa pang bahagi, na may imahe ng Pagbabagong-anyo ng Panginoon, ay natapos sa State Hermitage, ang pangatlo - kasama ang eksena ng Huling Hapunan - ay matatagpuan sa Vatopedi monastery sa Athos.

Ang icon, bilang hindi isang Constantinople o metropolitan na gawa, ay nagpapakita ng pinakamataas na antas na naabot ng Byzantine icon painting noong ika-12 siglo. Sa paghusga sa estilo, ang icon ay nagsimula noong unang kalahati ng siglong ito at, na may mataas na posibilidad, ay ipininta mismo sa Mount Athos para sa mga pangangailangan ng monastic. Sa pagpipinta ay hindi natin nakikita ang ginto, na noon pa man ay mamahaling materyal.

Ang tradisyonal na gintong background para sa Byzantium ay pinalitan dito ng pula. Sa isang sitwasyon kung saan ang master ay walang ginto sa kanyang pagtatapon, gumamit siya ng simbolikong kapalit para sa ginto - ang kulay na pula.

Kaya't narito ang isa sa mga pinakaunang halimbawa ng pulang-background na mga icon ng Byzantine - ang mga pinagmulan ng isang tradisyon na binuo sa Rus' noong ika-13-14 na siglo.

Birhen at Bata (unang bahagi ng ika-13 siglo)

Ang icon na ito ay kawili-wili hindi lamang para sa pangkakanyahan nitong desisyon, na hindi masyadong angkop sa purong tradisyon ng Byzantine. Ito ay pinaniniwalaan na ang icon ay ipininta sa Cyprus, ngunit marahil siya ay nakibahagi sa paglikha nito Italian master. Sa istilo, ito ay halos kapareho sa mga icon ng Southern Italy, na sa loob ng maraming siglo ay nasa orbit ng pampulitika, kultura at relihiyosong impluwensya ng Byzantium.

Gayunpaman, ang pinagmulan ng Cypriot ay hindi rin maitatapon, dahil sa simula ng ika-13 siglo, ang ganap na magkakaibang mga istilo ng estilista ay umiral sa Cyprus, at ang mga Western masters ay nagtrabaho din kasama ng mga Griyego. Posible na ang espesyal na istilo ng icon na ito ay resulta ng pakikipag-ugnayan at isang kakaibang impluwensya sa Kanluran, na ipinahayag, una sa lahat, sa paglabag sa natural na plasticity ng figure, na karaniwang hindi pinapayagan ng mga Greeks, at ang sinasadyang pagpapahayag ng disenyo, pati na rin ang mga detalye ng pandekorasyon.

Ang iconography ng icon na ito ay kakaiba. Ang Sanggol ay ipinapakita na nakasuot ng asul at puting mahabang kamiseta na may malalawak na guhit na tumatakbo mula sa mga balikat hanggang sa mga gilid, habang ang mga binti ng Sanggol ay hubad. Ang mahabang kamiseta ay natatakpan ng kakaibang balabal, na parang tela. Ayon sa may-akda ng icon, sa harap natin ay isang uri ng saplot kung saan nababalot ang katawan ng Bata.

Sa aking palagay, ang mga damit na ito ay may simbolikong kahulugan at nauugnay sa tema ng priesthood. Ang Batang Kristo ay kinakatawan din bilang isang Mataas na Saserdote. Kaugnay ng ideyang ito ay ang malalawak na mga guhit ng clave na tumatakbo mula sa balikat hanggang sa ibabang gilid - isang mahalagang natatanging katangian ng surplice ng obispo. Ang kumbinasyon ng asul-puti at mga damit na may ginto ay maliwanag na nauugnay sa tema ng mga pantakip sa trono ng altar.

Tulad ng alam mo, ang Trono sa parehong Byzantine na simbahan at ang Russian ay may dalawang pangunahing pabalat. Ang mas mababang damit ay isang saplot, isang lino na takip, na inilalagay sa Trono, at sa itaas ay inilatag ang mahalagang indium, kadalasang gawa sa mahalagang tela, pinalamutian ng gintong pagbuburda, na sumasagisag sa makalangit na kaluwalhatian at maharlikang dignidad. Sa mga interpretasyong liturhikal ng Byzantine, lalo na, sa mga sikat na interpretasyon ni Simeon ng Thessaloniki sa simula ng ika-15 siglo, tiyak na nakatagpo tayo ng ganitong pag-unawa sa dalawang belo: ang libing na Shroud at ang mga damit ng makalangit na Panginoon.

Ang isa pang napaka-katangiang detalye ng iconography na ito ay ang mga binti ng Sanggol ay hubad hanggang tuhod at ang Ina ng Diyos ay dinidiin ang Kanyang kanang sakong gamit ang kanyang kamay. Ang pagbibigay-diin na ito sa sakong ng Bata ay naroroon sa ilang mga iconograpya ng Theotokos at nauugnay sa tema ng Sakripisyo at Eukaristiya. Makikita natin dito ang alingawngaw ng tema ng ika-23 Awit at ang tinatawag na Edenic na pangako na dudurog ng anak ng babae ang ulo ng manunukso, at ang manunukso mismo ang dudurog sa sakong ng anak na ito (tingnan ang Gen. 3:15).

Kaya, ang hubad na sakong ay parehong parunggit sa sakripisyo ni Kristo at sa darating na Kaligtasan - ang sagisag ng mataas na espirituwal na "dialectic" ng kilalang Easter hymn na "Trampling on Death."

Relief icon ng St. George (kalagitnaan ng ika-13 siglo)

Ang mga icon ng relief, na hindi karaniwan para sa amin, ay kilala sa Byzantium. Sa pamamagitan ng paraan, si Saint George ay madalas na inilalarawan sa kaluwagan. Ang mga icon ng Byzantine ay gawa sa ginto at pilak, at marami sa kanila (alam namin ang tungkol dito mula sa mga imbentaryo ng mga monasteryo ng Byzantine na dumating sa amin). Ilan sa mga kahanga-hangang icon na ito ay nakaligtas at makikita sa treasury ng St. Mark's Basilica sa Venice, kung saan kinuha ang mga ito bilang mga samsam ng Fourth Crusade.

Ang mga icon ng relief na gawa sa kahoy ay isang pagtatangka na palitan ang alahas ng mas matipid na materyales. Ang nakaakit sa akin sa kahoy ay ang posibilidad ng sensual na tangibility ng isang sculptural image. Bagaman ang iskultura bilang isang icon na pamamaraan ay hindi masyadong laganap sa Byzantium, dapat nating tandaan na ang mga kalye ng Constantinople, bago ang pagkawasak nito ng mga crusaders noong ika-13 siglo, ay may linya ng mga sinaunang estatwa. At ang mga Byzantine ay may mga larawang eskultura, gaya ng sinasabi nila, "sa kanilang dugo."

Ipinapakita ng full-length na icon si Saint George na nagdarasal, na bumaling kay Kristo, na parang lumilipad mula sa langit sa kanang sulok sa itaas ng gitna ng icon na ito. Sa mga gilid ay isang detalyadong ikot ng buhay. Sa itaas ng imahe ay ipinapakita ang dalawang arkanghel na nasa gilid ng hindi napreserbang imahe ng "Inihanda na Trono (Etymasia)". Ipinakilala nito ang isang napakahalagang sukat ng oras sa icon, na nagpapaalala sa darating na Ikalawang Pagdating.

Ibig sabihin, hindi tunay na panahon, o maging ang makasaysayang dimensyon ng sinaunang kasaysayang Kristiyano ang pinag-uusapan, kundi tungkol sa tinatawag na iconic o liturgical time, kung saan ang nakaraan, kasalukuyan at hinaharap ay magkakaugnay sa iisang kabuuan.

Sa icon na ito, tulad ng sa maraming iba pang mga icon mula sa kalagitnaan ng ika-13 siglo, makikita ang ilang partikular na tampok sa Kanluran. Sa panahong ito, ang pangunahing bahagi ng Byzantine Empire ay sinakop ng mga crusaders. Maaaring ipagpalagay na ang taong nag-order ng icon ay maaaring konektado sa kapaligirang ito. Ito ay pinatutunayan ng mismong hindi-Byzantine, hindi-Griyegong kalasag ni George, na lubos na nakapagpapaalaala sa mga kalasag na may mga sandata ng mga Western knight. Ang mga gilid ng kalasag ay napapalibutan ng isang kakaibang palamuti, kung saan madaling makilala ang isang imitasyon ng pagsulat ng Arabic Kufic; sa panahong ito ito ay lalong popular at itinuturing na isang tanda ng sagrado.

Sa ibabang kaliwang bahagi, sa paanan ng St. George, mayroong isang babaeng pigurin sa mayaman, ngunit napakahigpit na mga kasuotan, na nahuhulog sa panalangin sa paanan ng santo. Ito ang hindi kilalang customer ng icon na ito, tila ang parehong pangalan ng isa sa dalawang banal na kababaihan na inilalarawan sa likod ng icon (isa ay nilagdaan na may pangalang "Marina", ang pangalawang martir sa royal robe ay isang imahe ng St. Catherine o St. Irene).

Si Saint George ay ang patron ng mga mandirigma, at isinasaalang-alang ito, maaari itong ipalagay na ang icon na iniutos ng isang hindi kilalang asawa ay isang votive na imahe na may panalangin para sa kanyang asawa, na sa napakagulong oras na ito ay nakikipaglaban sa isang lugar at nangangailangan ng pinaka-direktang pagtangkilik ng pangunahing mandirigma mula sa ranggo ng mga martir.

Icon ng Ina ng Diyos at Anak na may Pagpapako sa Krus sa likod (XIV siglo)

Ang pinaka-sining na kapansin-pansin na icon ng eksibisyon na ito ay ang malaking icon ng Ina ng Diyos at Anak na may Pagpapako sa Krus sa kabaligtaran. Ito ay isang obra maestra ng pagpipinta ng Constantinople, malamang na ipininta ng isang namumukod-tanging, masasabi pa nga ng isang mahusay na artista sa unang kalahati ng ika-14 na siglo, ang kasagsagan ng tinatawag na "Palaeologian Renaissance".

Sa panahong ito, lumitaw ang mga sikat na mosaic at fresco ng Chora Monastery sa Constantinople, na kilala ng marami sa ilalim ng Turkish na pangalan na Kahrie-Jami. Sa kasamaang palad, ang icon ay nagdusa nang husto, tila mula sa sinasadyang pagkawasak: literal na ilang mga fragment ng imahe ng Ina ng Diyos at Bata ang nakaligtas. Sa kasamaang palad, nakikita namin ang karamihan sa mga huli na pagdaragdag. Ang eksena sa pagpapako sa krus ay mas mahusay na napanatili. Pero kahit dito, may sinadyang sirain ang mga mukha.

Ngunit kahit na ang nakaligtas ay nagsasalita tungkol sa kamay ng isang natatanging artista. At hindi lamang isang mahusay na master, ngunit isang tao ng hindi pangkaraniwang talento na nagtakda ng kanyang sarili ng mga espesyal na espirituwal na layunin.

Inalis niya ang lahat ng hindi kinakailangang bagay mula sa eksena ng Pagpapako sa Krus, na nakatuon ang pansin sa tatlong pangunahing mga pigura, kung saan, sa isang banda, mababasa ng isa ang sinaunang batayan na hindi kailanman nawala sa sining ng Byzantine - nakamamanghang sculptural plasticity, na, gayunpaman, ay binago ng espirituwal na enerhiya. Halimbawa, ang mga pigura ng Ina ng Diyos at ni Juan na Ebanghelista ay tila nakasulat sa hangganan sa pagitan ng tunay at supernatural, ngunit ang linyang ito ay hindi tumawid.

Ang pigura ng Ina ng Diyos, na nakabalot sa mga damit, ay pininturahan ng lapis lazuli, isang napakamahal na pintura na literal na katumbas ng bigat nito sa ginto. Sa gilid ng maforia ay may ginintuang hangganan na may mahahabang tassel. Ang interpretasyon ng Byzantine sa detalyeng ito ay hindi nakaligtas. Gayunpaman, sa isa sa aking mga gawa ay iminungkahi ko na ito ay konektado din sa ideya ng pagkasaserdote. Dahil ang parehong mga tassel sa gilid ng robe, na kinumpleto din ng mga gintong kampana, ay mahalagang katangian damit ng mataas na saserdote ng Lumang Tipan sa templo ng Jerusalem. Ang artist ay napaka-pinong naalala ang panloob na koneksyon ng Ina ng Diyos, na nag-alay ng Kanyang Anak, na may tema ng pagkasaserdote.

Ang Bundok Golgota ay ipinapakita bilang isang maliit na burol; sa likod nito ay makikita ang mababang pader ng lungsod ng Jerusalem, na sa iba pang mga icon ay mas kahanga-hanga. Ngunit dito ay tila ipinapakita ng artista ang eksena ng Pagpapako sa Krus sa antas ng mata ng ibon. At samakatuwid, ang pader ng Jerusalem ay lumilitaw sa kalaliman, at ang lahat ng pansin, dahil sa napiling anggulo, ay nakatuon sa pangunahing pigura ni Kristo at ang mga naka-frame na pigura ni Juan na Ebanghelista at ang Ina ng Diyos, na lumilikha ng imahe ng isang kahanga-hanga. spatial na aksyon.

Ang spatial na bahagi ay may pangunahing kahalagahan para sa pag-unawa sa disenyo ng buong double-sided na icon, na karaniwang isang prusisyonal na imahe, na nakikita sa espasyo at paggalaw. Ang kumbinasyon ng dalawang imahe - ang Ina ng Diyos na si Hodegetria sa isang tabi at ang Pagpapako sa Krus - ay may sariling mataas na prototype. Ang parehong dalawang imahe ay nasa magkabilang panig ng Byzantine palladium - ang icon ng Hodegetria ng Constantinople.

Malamang, ang icon na ito ng hindi kilalang pinagmulan ay muling ginawa ang tema ng Hodegetria ng Constantinople. Posible na maiugnay ito sa pangunahing mahimalang aksyon na nangyari sa Hodegetria ng Constantinople tuwing Martes, nang dalhin siya sa plaza sa harap ng monasteryo ng Odigon, at isang lingguhang himala ang naganap doon - nagsimulang lumipad ang icon. isang bilog sa parisukat at paikutin sa paligid ng axis nito. Mayroon kaming katibayan nito mula sa maraming tao - mga kinatawan ng iba't ibang bansa: mga Latin, Espanyol, at Ruso, na nakakita ng kamangha-manghang aksyon na ito.

Ang dalawang panig ng icon sa eksibisyon sa Moscow ay nagpapaalala sa atin na ang dalawang panig ng icon ng Constantinople ay bumuo ng isang hindi malulutas na dalawahang pagkakaisa ng Incarnation at ang Redemptive Sacrifice.

Icon ng Our Lady Cardiotissa (XV century)

Ang icon ay pinili ng mga tagalikha ng eksibisyon bilang ang sentro. Narito ang isang bihirang kaso para sa tradisyon ng Byzantine kapag alam natin ang pangalan ng artist. Nilagdaan niya ang icon na ito, sa ilalim na margin ito ay nakasulat sa Greek - "Kamay ng isang Anghel". Ito ang sikat na Angelos Akotantos, isang artista ng unang kalahati ng ika-15 siglo, kung saan nananatili ang isang medyo malaking bilang ng mga icon. Mas marami kaming alam tungkol sa kanya kaysa sa ibang mga masters ng Byzantine. Maraming mga dokumento ang nakaligtas, kabilang ang kanyang kalooban, na isinulat niya noong 1436. Hindi niya kailangan ng testamento; namatay siya nang maglaon, ngunit ang dokumento ay napanatili.

Ang inskripsyon ng Greek sa icon na "Ina ng Diyos Kardiotissa" ay hindi isang tampok ng uri ng iconographic, ngunit sa halip ay isang epithet - isang katangian ng imahe. Sa palagay ko kahit na ang isang taong hindi pamilyar sa Byzantine iconography ay maaaring hulaan kung ano ang pinag-uusapan natin: alam nating lahat ang salita kardyolohiya. Cardiotissa – puso.

Icon ng Our Lady Cardiotissa (XV century)

Partikular na kawili-wili mula sa punto ng view ng iconograpya ay ang pose ng Bata, na, sa isang banda, niyakap ang Ina ng Diyos, at sa kabilang banda, ay tila yumuko paatras. At kung ang Ina ng Diyos ay tumitingin sa atin, kung gayon ang Sanggol ay tumitingin sa Langit, na parang malayo sa Kanya. Isang kakaibang pose, na kung minsan ay tinatawag na Paglukso sa tradisyon ng Russia. Iyon ay, sa icon ay tila may isang Sanggol na naglalaro, ngunit Siya ay gumaganap nang kakaiba at hindi tulad ng isang bata. Ito ay sa pose na ito ng tumaob na katawan na mayroong isang indikasyon, isang malinaw na pahiwatig ng tema ng Pagbaba mula sa Krus, at, nang naaayon, ang pagdurusa ng Diyos-Tao sa sandali ng Pagpapako sa Krus.

Dito natutugunan natin ang mahusay na drama ng Byzantine, kapag ang trahedya at tagumpay ay pinagsama sa isa, isang holiday - ito ang parehong pinakadakilang kalungkutan at sa parehong oras ay isang kamangha-manghang tagumpay, ang kaligtasan ng sangkatauhan. Nakikita ng Naglalarong Bata ang Kanyang darating na sakripisyo. At ang Ina ng Diyos, na nagdurusa, ay tinatanggap ang Banal na plano.

Ang icon na ito ay naglalaman ng walang katapusang lalim ng tradisyon ng Byzantine, ngunit kung titingnan nating mabuti, makikita natin ang mga pagbabago na hahantong sa isang bagong pag-unawa sa icon sa lalong madaling panahon. Ang icon ay ipininta sa Crete, na pag-aari ng mga Venetian noong panahong iyon. Matapos ang pagbagsak ng Constantinople, ito ang naging pangunahing sentro ng pagpipinta ng icon sa buong mundo ng Greece.

Sa icon na ito ng natitirang master na si Angelos, nakikita natin kung paano siya nagbabalanse sa bingit ng paggawa ng isang natatanging imahe sa isang uri ng cliché para sa mga karaniwang reproductions. Ang mga larawan ng light-gaps ay nagiging medyo mekanistiko na; ang mga ito ay parang isang matibay na grid na inilatag sa isang buhay na plastic base, isang bagay na hindi pinapayagan ng mga artist noong unang panahon.

Icon ng Our Lady Cardiotissa (XV century), fragment

Bago sa amin ay isang natitirang imahe, ngunit sa isang tiyak na kahulugan na borderline, nakatayo sa hangganan ng Byzantium at post-Byzantium, kapag ang mga buhay na imahe ay unti-unting nagiging malamig at medyo walang kaluluwa na mga replika. Alam namin kung ano ang nangyari sa Crete wala pang 50 taon matapos maipinta ang icon na ito. Nakarating na sa amin ang mga kontrata sa pagitan ng mga Venetian at ng mga nangungunang icon na pintor ng isla. Ayon sa isang naturang kontrata noong 1499, tatlong icon-painting workshop ang gagawa ng 700 icon ng Ina ng Diyos sa loob ng 40 araw. Sa pangkalahatan, malinaw na ang isang uri ng artistikong industriya ay nagsisimula, ang espirituwal na serbisyo sa pamamagitan ng paglikha ng mga banal na imahe ay nagiging isang bapor para sa merkado, kung saan libu-libong mga icon ang pininturahan.

Ang magandang icon ng Angelos Akotanthos ay kumakatawan sa isang kapansin-pansing milestone sa mga siglong proseso ng pagpapababa ng halaga ng mga halaga ng Byzantine, kung saan lahat tayo ay tagapagmana. Ang mas mahalaga at mahalaga ay nagiging kaalaman ng tunay na Byzantium, ang pagkakataong makita ito ng ating sariling mga mata, na ibinigay sa atin ng natatanging "eksibisyon ng mga obra maestra" sa Tretyakov Gallery.