Ang landscape ay itinuturing na isa sa mga pinaka-hinahangad at napaka-tanyag na genre. Ang mga tanawin sa mga langis ay may malaking interes sa parehong mga ordinaryong manonood at propesyonal na mga kolektor. Ang magagandang tanawin ng langis ay may natatanging pag-aari at kahit na isang tiyak na kakayahang lumikha ng isang maayos at maaliwalas na kapaligiran sa tahanan. Tila, kasama ng iba pang mga pangyayari at nuances, ang kadahilanan na ito ay gumaganap ng isang napakahalagang papel sa pag-ibig ng mga pintura ng langis.

Ang tanawin ay nagpapahayag ng pananaw sa mundo ng artist, na nagsusumikap nang buong lakas upang makuha ang kalikasan sa isang sandali lamang. Karapat-dapat, mahuhusay na artista ang kayang gawin ito. Kunin natin halimbawa ang St. Petersburg artist na si Dmitry Kustanovich at ang kanyang, na isinagawa sa pinakamahusay na mga tradisyon ng modernong impresyonismo o mga tanawin ng kalikasan sa langis Intsik na artista na si Hong Leung, na ang trabaho ay titingnan natin sa ibang pagkakataon sa artikulong ito.

Sabi nila ang pagiging simple ay pagiging perpekto. Ang postulate na ito ay angkop na naaangkop sa pinaka kumplikadong anyo ng sining - pagpipinta ng langis. Pagkatapos ng lahat, ang artist ay hindi lamang kailangang ipinta ang canvas na may talento at kalayaan, ngunit, una sa lahat, upang makita sa karaniwan at simple ang buong kakanyahan, na ang pangalan ay kagandahan. Teknik ng pagpipinta ng langis kapag ginamit nang mahusay, ito ay kahanga-hangang naghahatid ng kayamanan ng kulay at iba't ibang mga hugis. Ang mga tanawin sa mga langis ay nagbibigay sa manonood ng lahat ng kagandahan ng ating sibilisasyon. Ang halaga ng naturang mga gawa ay hindi mabibili, ngunit sa totoo lang, ang mga ito ay madalas na binili ng mga kolektor para sa malaking halaga.

Si Hong Leung ay isang self-taught na artist na lumilikha ng mga landscape sa mga langis na may kumpletong kawalan ng mga frame, mula sa mga purong kulay, na nagbibigay ng kalayaan sa paggalaw ng brush. Maaari mo ring sabihin na ang mga tanawin ng may-akda ay hindi nakasulat, ngunit inaawit mula sa puso. Sa pagsilip sa mga gawa ng Chinese artist, unti-unti kang nalunod sa abstraction at sa lalim nito. Ang kumpiyansa at lakas ng loob ay makikita sa kanyang mga ipininta. Talagang kapansin-pansin na alam niya ang kanyang ginagawa... Bawat isa sa atin ay may karapatang suriin ang antas ng kanyang katuwiran.

Sa mundo ng sining, mayroong isang malaking bilang ng mga gawa na nagulat sa buong mundo at, na sinira ang karaniwang mga stereotype, nag-iwan ng isang malaking marka sa kasaysayan. Ang mga tagalikha ng sikat na mundo na mga obra maestra ng pagpipinta ay nagbigay ng isang natatanging hamon sa lipunan, na nagbago ng ideya ng kagandahan at nagtulak sa mga itinatag na mga hangganan. Dahil maraming tulad ng mga rebolusyonaryong gawa sa kasaysayan ng sining at imposibleng masakop ang lahat ng ito, nagpasya kaming bigyang pansin ang 10 pinakasikat na mga pagpipinta ng mga artista mula sa iba't ibang siglo.

Mona Lisa (La Gioconda) - Leonardo da Vinci

Mona Lisa

Ang pagpipinta na "Mona Lisa" ("La Gioconda") ni Leonardo da Vinci ay marahil ang pinakatanyag na gawa ng henyo. Ang pagpipinta na ito ay tunay na maganda at hindi mabibili ng salapi. Ito ay matatagpuan sa Louvre Museum. Ang obra maestra ay nilikha noong 1514 - 1515. Hanggang kamakailan lamang, ipinapalagay na ang pagpipinta ay pininturahan nang mas maaga - noong 1503.

Inilalarawan ng pagpipinta ang asawa ng isang mangangalakal ng sutla mula sa Florence, Francesco del Gioconda, Lisa Gherardini, kaya una ang mga Italyano at pagkatapos ay sinimulan ng Pranses na tawagan ang pagpipinta na "Gioconda". Ang sikat na istoryador ng ika-16 na siglo na si Giorgio Vasari ay natuwa sa larawan at sa kanyang aklat na "The Lives of Eminent Italian Architects, Sculptors and Artists" ay tinawag itong pinaikling bersyon ng salitang madonna ("my lady") - Mona Lisa.

Sa proseso ng pagtatrabaho sa pagpipinta, ang artist, sa pamamagitan ng maingat na komposisyon, isang malambot na hanay ng mga tono at mga diskarte sa pagpipinta, ay nakamit ang pagkakaisa, salamat sa kung saan nakikita natin ang imahe na parang sa pamamagitan ng isang hindi nakikitang manipis na ulap. Sinasaklaw ng light coating na ito ang maliliit na detalye, pinapalambot ang mga balangkas at lumilikha ng hindi nakikitang paglipat sa pagitan ng hugis at mga kulay. Ibinigay ni Leonardo da Vinci ang aming imahinasyon, kaya hindi tumitigil si Gioconda na humanga sa mga mahilig sa sining sa loob ng maraming siglo, habang tinitingnan kami mula sa larawan na parang buhay.

Ang larawan ay napakahirap ilarawan sa mga salita: habang mas matagal ang tumitingin dito, mas nakakaapekto ito sa kanya. Siya ay napuno ng pang-akit nito at nagsimulang madama ang kaakit-akit na alindog na hindi tumitigil sa pag-akit sa mga tao sa buong mundo sa loob ng maraming siglo.

Black Square - Kazimir Malevich

Ang pagpipinta ni Kazimir Malevich na "Black Suprematist Square", na ipininta noong 1915, ay nananatiling isa sa mga pinaka-iskandalo, sikat at tinalakay na mga gawa sa sining ng Russia. Ang obra maestra na ito ay bahagi ng serye ng mga gawa ng Suprematist ng artist, na kasama rin ang mga kuwadro na "Black Circle" at "Black Cross". Sa siklo na ito, sinubukan ni Malevich na galugarin ang mga pangunahing posibilidad ng kulay at komposisyon.

Ang canvas ay ipinakita sa anyo ng isang maliit na canvas na may lapad at haba na 79.5 sentimetro. Ang pangunahing background ng trabaho ay puti, sa gitna mayroong isang imahe ng isang malaking itim na parisukat. Ayon sa artist, nagtrabaho siya sa canvas nang ilang buwan.

Kapansin-pansin na hindi kaagad dumating si Malevich upang ipinta ang pagpipinta. Ang pagtatrabaho sa tanawin ng opera na "Victory over the Sun" ay isang harbinger ng hitsura nito. Sa partikular, nagpasya ang master na palitan ang isa sa mga dekorasyon (ang araw) ng isang itim na parisukat. Ayon sa ideya ng artist, ang pamamaraan na ito ay makakatulong sa kanya na ihatid ang ideya ng tagumpay ng pagkamalikhain ng tao sa kalikasan.

Ang mga kritiko ay hindi malinaw na tumugon sa gawaing ito ni Malevich. Ang ilan sa kanila ay nagtalo pa na ang pagpipinta ay isang modernong alternatibo sa mga icon, na ang pagpipinta ay nagpapatotoo sa paghahanap ng ilang bagong relihiyon, tungkol sa kaguluhan ng mundo. Ayon sa artist mismo, ang "Black Square" ay isang uri ng simbolo ng tugatog ng sining at sa parehong oras ang pagtatapos nito.

Nananatiling hindi maikakaila na ang larawan ay naglalarawan ng isang mahiwagang kailaliman na nakakaakit at nagbibigay ng walang katapusang paglipad ng imahinasyon.

Self-Portrait na may Crown of Thorns at Hummingbird - Frida Kahlo

Ang sikat na pagpipinta ng Mexican artist na si Frida Kahlo, Self-Portrait with a Crown of Thorns and a Hummingbird, ay ipininta noong 1940. Ang self-portrait na ito ng isang napakatalino na babae ay nagpapahayag ng matinding sakit sa pag-iisip na naranasan niya pagkatapos ng kanyang diborsyo sa kanyang asawa, ang artist na si Diego Rivera. Ang sakit na ito ay ipinadala sa anyo ng mga tinik na nagbubuklod sa kanyang leeg. Kasunod nito, pagkatapos makipaghiwalay sa kanyang asawa, sinabi ni Frida Kahlo: "Mayroong dalawang aksidente sa aking buhay," sabi ni Frida. - Ang una ay isang tram, ang pangalawa ay si Diego. Ang pangalawa ay mas malala."

Ang Sigaw - Edvard Munch

Ang pagpipinta na "The Scream" ng Norwegian expressionist artist na si Edvard Munch ay nilikha sa pagitan ng 1893 at 1910. Ang unang bagay na pumukaw sa iyong mata ay ang pigura ng isang sumisigaw na lalaki na inilalarawan sa gitna ng canvas. Sa mukha, nababalot ng takot, nakikita ng manonood ang walang katapusang kawalan ng pag-asa sa bingit ng kabaliwan. Ang artista ay naghatid ng makapangyarihang damdamin ng tao gamit ang medyo simpleng paraan.

Ang "The Scream" ay isang simbolo ng expressionism, isang uri ng prelude sa sining ng ika-20 siglo. Ang gawa ni Munch ay isa pa rin sa pinakapambihira at misteryoso sa pagpipinta ng mundo ngayon. Iminumungkahi pa nga ng ilang eksperto na ang balangkas ng gawain ay isang kathang-isip ng hindi malusog na imahinasyon ng isang taong may sakit sa pag-iisip.

Iba rin ang nakikita ng mga manonood: ang ilan ay nagpapakilala nito sa isang premonisyon ng sakuna, ang iba ay naniniwala na ang may-akda ay nagpinta ng larawan, na inspirasyon ng imahe ng isang mummy. Iba ang nakikita ng lahat sa kanya.

Babae na may Pearl Earring - Jan Vermeer

Ang sikat na gawa ng Dutch artist na si Jan Vermeer "Girl with a Pearl Earring" ("Girl in a Turban") ay madalas na tinatawag na Dutch Mona Lisa. Ang pagpipinta ay pininturahan noong 1665. Kaunti ang nalalaman tungkol sa pagpipinta na ito. Mayroong ilang mga bersyon kung sino ang inilalarawan sa pagpipinta, kung ipininta ito ng may-akda upang mag-order at kung sino ang customer. Ayon sa isa sa kanila, inilarawan ni Vermeer ang kanyang anak na si Mary sa canvas.

Talagang, ito ay isang hindi pangkaraniwang gawain, na may natatanging dinamika. Ibinahagi ng artista sa trabaho ang sandaling lumingon ang sitter at tumingin sa taong ngayon lang niya napansin. Itinuon ng may-akda ang atensyon ng manonood sa hikaw na perlas sa tenga ng dalaga. Nagawa ng master na ihatid ang koneksyon sa pagitan ng kabataang babae at ng artist. Ang kanyang pigura ay nabubuhay sa isang hiwalay na buhay, at ang kanyang ulo ay tumitingin sa ibang direksyon.

Self-portrait na may pinutol na tainga at tubo - Vincent Van Gogh

Ang Dutch at French artist na si Vincent van Gogh ay nagpinta ng kanyang sikat na "Self-Portrait with a Cut-off Ear and Pipe" noong 1889 habang nasa Arles. Ang artista ay nagdusa mula sa sakit sa isip dahil sa kanyang mas mataas na pang-unawa sa katotohanan at kawalan ng timbang sa pag-iisip.

Ang larawan ay ipininta matapos putulin ni Van Gogh, sa sobrang kabaliwan, ang kanyang earlobe matapos ang isang away kay Gauguin dahil sa mga pagkakaiba sa creative. Una, binato ni Van Gogh ang isang baso sa ulo ng artista, pagkatapos ay sinugod siya ng isang labaha. Nang gabi ring iyon ay pinutol niya ang kanyang sarili.

Ang pagkakaroon ng pagsusuri sa larawan, mapapansin natin na ang background ay nahahati sa dalawang pantay na bahagi: ang mas mababang zone ay pula, ang itaas na zone ay orange na may dilaw na splashes. Inilarawan ng may-akda ang kanyang sarili na may mga pangit na tampok ng mukha at isang nawawalang hitsura.

Ang Huling Hapunan - Salvador Dali

Ang sikat na master ng surrealism na si Salvador Dali ay lumikha ng kanyang "Huling Hapunan" noong 1955. Ang pagpipinta ay nasa Washington National Gallery. Ipininta ng pintor ang gawaing ito gamit ang mga kumplikadong pamamaraan gamit ang mga materyales sa photographic. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng isang tradisyonal na balangkas na inihatid mula sa isang futuristic na pananaw.

Inilarawan ni Dali si Jesu-Kristo at ang kanyang mga tagasunod na nagtitipon sa isang mesa. Ang gawa ay umaalingawngaw at malinaw na naiiba sa sikat na pagpipinta ni Leonardo da Vinci. Gayunpaman, sa canvas ni Dali ay iba ang setting at mga character, na inilalarawan nang may minimalism at authenticity.

Ang larawan ay naghahatid sa manonood ng isang uri ng moral na mensahe. Ang gawain ay puno ng liwanag at liwanag. Mula sa mga bintanang nakalarawan dito, nakikita namin ang isang hindi kapani-paniwalang magandang tanawin na may malinaw na asul na kalangitan at kulay-pilak na mga hanay ng bundok.

Olympia - Edouard Manet

Olympia - Edouard Manet

Ang pagpipinta na "Olympia" ay ipininta ng Pranses na impresyonista na si Edouard Manet noong 1863. Ito ay nararapat na sumasakop sa isang lugar ng karangalan sa tabi ng iba pang mga obra maestra ng pagpipinta sa mundo.

Gayunpaman, noong 1865, isang malakas na iskandalo ang naganap sa Paris Salon dahil sa gawaing ito. Ang katotohanan ay bago si Manet, ang mga hubad na babae ay inilalarawan sa mga kuwadro na gawa bilang isang pamantayan ng espirituwal na kagandahan. At ang gawaing ito ni Manet ay kinilala bilang parehong pisikal na pangit at masama. Para sa mga kadahilanang moral, pinahintulutan ang mga artista na ilarawan ang mga hubad na bayani lamang ng mga sinaunang alamat, makasaysayang o biblikal na mga pigura. Samantalang ang impresyonista ay lumabag sa panuntunang ito.

Ang kanyang Olympia ay napagkamalan bilang isang kinatawan ng "pinaka sinaunang propesyon" na nakatanggap lamang ng isang palumpon mula sa kanyang kasintahan. Hindi rin tinanggap ng lipunan ang pangalan ng pagpipinta, dahil tinawag ang mga tiwaling babae sa pangalang ito, at insulto ang pangungutya sa artista.

Dora Maar na may pusa - Pablo Picasso

Dora Maar na may kasamang pusa

Isa sa mga pinakamahal na painting sa mundo, "Dora Maar with a Cat" ni Pablo Picasso, ay ipininta ng artist noong 1941. Inilalarawan nito ang manliligaw ng artista, si Dora Maar, na nakaupo sa isang upuan na may maliit na pusa sa kanyang balikat.

Sa halos lahat ng mga pagpipinta ni Picasso, ang Dora ay mukhang katakut-takot, ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay ipininta sa isang mahirap na panahon ng kanilang relasyon. Bilang karagdagan, ang Digmaang Pandaigdig ay nag-iwan ng marka sa buhay at gawain ng master ng Espanyol. Ang relasyon sa pagitan nina Dora Maar at Pablo Picasso ay hindi nangangahulugang romantiko; sa halip, ito ay isang unyon ng dalawang malikhaing personalidad.

Sa gawaing "Dora Maar na may isang pusa," binigyang diin ng artist ang talas ng mga kuko sa pamamagitan ng imahe ng isang itim na pusa.

Isa: numero 31 - Jackson Pollock

Noong huling bahagi ng 1940s, ang Amerikanong artista na si Jackson Pollock ay nag-imbento ng isang bagong pamamaraan sa pagpipinta - nagpinta siya sa malalaking canvases, inilalagay ang mga ito sa sahig. Ang kanyang mga pintura ay nilikha sa pamamagitan ng pag-splash ng pintura mula sa kanyang mga brush; hindi niya ito hinawakan sa canvas.

Sa paggawa ng kanyang mga pintura, gumamit siya ng mga stick, scoop, kutsilyo at pagbuhos ng pintura o pinaghalong pintura na may buhangin at basag na salamin.

Sa mundo o kung sino ang pinakanamumukod-tanging artista sa Uniberso, maaaring magpatuloy ang isa. Sa ganitong mga bagay mahirap makamit ang isang layunin na pagtatasa. Pagkatapos ng lahat, naiintindihan ng bawat tao ang pagpipinta at nakikita ang kagandahan nito sa kanyang sariling paraan. Ang mga obra maestra ng mga sikat na artista ay nananatiling malalim sa memorya at nagpapasaya sa sangkatauhan sa loob ng maraming siglo. Ang ilan sa kanila ay nasa ilalim ng martilyo sa mga pribadong kamay, at ang ilan ay nasa mga sikat na museo sa mundo. Ang magagandang tanawin ng taglagas, mga nakamamanghang larawan at buhay na buhay, pati na rin ang mga gawa sa istilo ng historical at genre na pagpipinta ay nakakabighani sa kaluluwa ng libu-libong mga tagahanga ng sining.

Mga obra maestra noong ika-15 siglo

Ang "Trinity", na ipininta ni Andrei Rublev noong 1425-1427, ay maaaring tawaging pinakamagandang pagpipinta sa mundo, hindi lamang sa mga gawa ng sining, kundi pati na rin sa mga sikat na icon ng Russia. Ngayon ang lokasyon nito ay ang State Tretyakov Gallery sa Moscow. nilikha ng isang master, mukhang isang patayong board. Sa ilalim ng Tsars Ivan the Terrible, Boris Godunov at Mikhail Fedorovich, ang pagpipinta ay natatakpan ng mga mahalagang bato, ginto at pilak.

Ang pagpipinta, sa perpektong artistikong anyo, nang hindi lumalabag sa mga teolohikong konsepto, ay naglalarawan ng tatlong anghel, na sumasagisag sa pagkakaisa at pagkakaisa. Ang kanilang karangyaan, pagkakalagay ng komposisyon at ang kagandahan ng mga robe ay lumikha ng pangkalahatang kagandahan ng icon.

Ang pagpipinta na "The Birth of Venus," na ipininta ni Sandro Botticelli noong 1486, ay nararapat na ituring na isang obra maestra ng Renaissance. Inilalarawan nito sa buong kaluwalhatian nito ang alamat ng kapanganakan ni Aphrodite, na lumulutang sa isang bukas na shell, na hinimok ng isang liwanag simoy ng hangin. Ang hanging kanlurang si Zephyr, kasama ang kanyang asawang si Chloris, ay humihip sa shell, na bumubuo ng mga alon ng hangin na puno ng mga bulaklak. Sa pampang, isa sa mga biyayang naghihintay sa hubad na diyosa ng pag-ibig.

Mga sikat na gawa ng pagpipinta noong ika-16 na siglo

Ang fresco ni Michelangelo ng Paglikha ni Adan, na nilikha noong 1511, ay maaari ding maging karapat-dapat bilang "pinakamagandang pagpipinta sa mundo."

Ang paglikha ay nakatuon sa mga eksena mula sa Aklat ng Genesis at naging simbolo ng sining ng Kanlurang Europa. Ang pagpipinta ay naglalarawan kay Adan, na may mahusay na pangangatawan, hindi gumagalaw habang papalapit ang Diyos, lumulutang sa langit at napapaligiran ng mga anghel. Lumapit ang Makapangyarihan sa Kanyang nilikha upang bigyan ito ng buhay. Ngayon ang gawaing ito ay iniingatan sa Vatican sa Sistine Chapel.

Sa Dresden, sa Gallery of Old Masters, mayroong isang pagpipinta ng Sistine Madonna, na ipininta noong 1512 ni Raphael Santi. Sa una, tila may mga ulap sa likuran, ngunit kung titingnan mong mabuti, makikita mo ang mga ulo ng mga anghel. Nakukuha ng manonood ang impresyon na si Madonna ay bumababa sa kanya mula sa langit, nakatingin nang diretso sa kanyang mga mata. Ang dalawang maliliit na anghel sa ibaba ng larawan ay madalas na inilalarawan sa iba't ibang mga poster at mga postkard sa mga araw na ito.

Mga gawa ni Leonardo da Vinci

Ang mga pagpipinta ng mga sikat na artista na sina Vincent Van Gogh, Salvador Dali, Pablo Picasso, Paul Cezanne, Peter Paul Rubens at Leonardo da Vinci ay maaaring ituring na pambihira sa kagandahan, gayundin ang ilan sa mga pinakamahal. Ang mga gawa ng huli ay hindi lamang gumagawa ng mga art connoisseurs, kundi pati na rin ang mga ordinaryong contemplator na nakakahanap ng kagandahan sa lahat.

Ang isa sa mga pambihirang painting ni Da Vinci ay itinuturing na "The Last Supper," na nilikha niya sa loob ng halos tatlong taon. Sa fresco na ito, ang mga pigura ni Kristo at Hudas ay partikular na kahalagahan. Ang isang kawili-wiling katotohanan ay ang tagapag-ayos para sa mga larawang ito ay naging parehong tao. Noong una, ipininta ng master si Kristo mula sa isang batang mang-aawit, at pagkaraan ng ilang taon, isang lalaking may edad na mula sa pagkalasing ang nagsilbing modelo para sa imahe ni Judas.

Milyun-milyong tao ang humahanga sa obra maestra na "Mona Lisa" araw-araw; ito ay nakaimbak sa Paris sa Louvre. Ang misteryosong ngiti ni Madame Gioconda, kung saan ipininta ang larawan noong 1503, ay patuloy na nakakabighani sa manonood hanggang ngayon.

Mga painting ni Caravaggio

Hindi maaaring balewalain ng isa ang mga gawa ng Italian artist na si Michelangelo Merisi da Caravaggio. Ang mga pagpipinta ng master ay nagpapakita ng kagalakan ng buhay at ang kasiyahan sa mga bunga na ibinigay sa tao sa likas na katangian. Ito ay ang “Young Man with a Basket of Fruit”, at “Young Man with a Lizard”, at “Lute Player”, at “Mary Magdalene”.

Nagpinta rin ang pintor ng mga eksena ng karahasan at kalupitan. Sa mga taong 1595-1956, lumikha siya ng mga pintura na naglalarawan ng tunay na barbarity. Ito ay mga gawa tulad ng "Judith at Holofernes".

Ang pamagat na "Ang pinakamagandang pagpipinta sa mundo" ay nararapat din sa isang pagpipinta na tinatawag na "The Transfiguration of St. Paul", na pininturahan nang nagmamadali. Ang artist ay hindi gumamit ng mga draft at agad na inilipat ang lahat ng kanyang inspirasyon sa canvas. Ang lumikha ng mga obra maestra sa mundo ay nagawang lumikha ng espesyal, hindi natural na pag-iilaw sa kanyang mga kuwadro na gawa, na nakatulong sa pagdaragdag ng drama sa pagpipinta.

Magagandang taglagas na landscape

Ang mga likas na phenomena na sinasalamin ng mga artista sa kanilang mga gawa ay nagbibigay sa manonood ng isang espesyal na pakiramdam ng paghanga. Ang mga namumulaklak na parang, mga snow-white winter field, marilag na bundok, makulay na rainbows, sea sunsets ay nagbibigay-daan sa iyo upang tamasahin ang natural na kagandahan. Ang mga canvases ng Japanese artist, na kilala bilang Pan Mossi, ay nabighani sa kaguluhan ng mga kulay sa taglagas.

Ipininta din ng self-taught Australian artist na si Graham Gerken ang mga tanawin ng mga nahuhulog na dahon at dilaw na puno. "Ang Russia ay isang estado ng mga tanawin" -naisip ng maraming artistang Ruso. Ang mga tanawin ng taglagas na kalikasan ay inilalarawan sa mga canvases ng mga pintor tulad nina Ivan Shishkin at Ivan Aivazovsky, Isaac Levitan at marami sa kanilang mga gawa ay maaaring maangkin ang pamagat ng "Ang pinakamagandang pagpipinta sa mundo."

Guys, inilalagay namin ang aming kaluluwa sa site. Salamat para diyan
na natuklasan mo ang kagandahang ito. Salamat sa inspirasyon at goosebumps.
Sumali sa amin sa Facebook At Sa pakikipag-ugnayan sa

Ang mga European artist ay nagsimulang gumamit ng pintura ng langis noong ika-15 siglo, at mula noon ito ay ginamit upang lumikha ng pinakasikat na mga pintura sa lahat ng panahon. Ngunit sa mga high-tech na araw na ito, ang langis ay nananatili pa rin ang kagandahan at misteryo nito, at ang mga artista ay patuloy na nag-iimbento ng mga bagong pamamaraan, pinupunit ang amag at tinutulak ang mga hangganan ng modernong sining.

website pumili ng mga gawa na nagpasaya sa atin at nagpaalala sa atin na ang kagandahan ay maaaring ipanganak sa anumang panahon.

Ang may-ari ng hindi kapani-paniwalang kasanayan, ang Polish na artist na si Justyna Kopania, sa kanyang nagpapahayag, nakamamanghang mga gawa, ay nagawang mapanatili ang transparency ng fog, ang liwanag ng layag, at ang makinis na pag-ulog ng barko sa mga alon.
Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay humanga sa kanilang lalim, dami, kayamanan, at ang texture ay tulad na imposibleng alisin ang iyong mga mata sa kanila.

Primitivist artist mula sa Minsk Valentin Gubarev hindi humahabol sa kasikatan at ginagawa lang ang gusto niya. Ang kanyang trabaho ay hindi kapani-paniwalang sikat sa ibang bansa, ngunit halos hindi alam ng kanyang mga kababayan. Noong kalagitnaan ng 90s, umibig ang Pranses sa kanyang pang-araw-araw na sketch at pumirma ng kontrata sa artist sa loob ng 16 na taon. Ang mga pagpipinta, na, tila, ay dapat na maunawaan lamang sa atin, ang mga maydala ng "katamtamang kagandahan ng hindi maunlad na sosyalismo," ay umapela sa publiko sa Europa, at nagsimula ang mga eksibisyon sa Switzerland, Germany, Great Britain at iba pang mga bansa.

Si Sergei Marshennikov ay 41 taong gulang. Nakatira siya sa St. Petersburg at nagtatrabaho sa pinakamahusay na mga tradisyon ng klasikal na paaralang Russian ng makatotohanang portraiture. Ang mga bida sa kanyang mga canvases ay mga babaeng malambing at walang pagtatanggol sa kanilang kalahating kahubaran. Marami sa mga pinakatanyag na pagpipinta ay naglalarawan sa muse at asawa ng artist, si Natalya.

Sa modernong panahon ng mga high-resolution na imahe at ang pagtaas ng hyperrealism, ang gawa ni Philip Barlow ay agad na umaakit ng pansin. Gayunpaman, kailangan ng isang tiyak na pagsisikap mula sa manonood upang pilitin ang kanyang sarili na tingnan ang malabong silhouette at maliwanag na mga spot sa mga canvases ng may-akda. Ganito marahil ang nakikita ng mga taong may myopia sa mundo nang walang salamin at contact lens.

Ang pagpipinta ni Laurent Parcelier ay isang kamangha-manghang mundo kung saan walang kalungkutan o kawalan ng pag-asa. Wala kang makikitang makulimlim at maulan na mga larawan mula sa kanya. Ang kanyang mga canvases ay naglalaman ng maraming liwanag, hangin at maliliwanag na kulay, na inilalapat ng artist na may katangian, nakikilalang mga stroke. Lumilikha ito ng pakiramdam na ang mga kuwadro ay hinabi mula sa isang libong sunbeam.

Ang American artist na si Jeremy Mann ay nagpinta ng mga dynamic na portrait ng isang modernong metropolis sa langis sa mga wood panel. "Mga abstract na hugis, linya, kaibahan ng liwanag at madilim na mga spot - lahat ay lumilikha ng isang larawan na pumukaw sa pakiramdam na nararanasan ng isang tao sa karamihan ng tao at pagmamadalian ng lungsod, ngunit maaari ring ipahayag ang kalmado na makikita kapag pinag-iisipan ang tahimik na kagandahan," sabi ng artista.

Sa mga painting ng British artist na si Neil Simone, walang katulad sa unang tingin. "Para sa akin, ang mundo sa paligid ko ay isang serye ng mga marupok at pabago-bagong mga hugis, anino at mga hangganan," sabi ni Simon. At sa kanyang mga pagpipinta ang lahat ay tunay na ilusyon at magkakaugnay. Ang mga hangganan ay malabo, at ang mga kuwento ay dumadaloy sa isa't isa.

Ang kontemporaryong Amerikanong artista na ipinanganak sa Italya na si Joseph Lorasso (