Ang M. Glinka ay kabilang sa mga innovator, mga tumutuklas ng mga bagong landas sa pag-unlad ng musika, at ang tagalikha ng mga bagong genre na may husay sa opera ng Russia:

- heroic-historical opera ayon sa uri ng katutubong musikal na drama ("Ivan Susanin", o "Buhay para sa Tsar");

Epic opera ("Ruslan at Lyudmila").

Ang dalawang opera na ito ni Glinka ay nilikha nang 6 na taon ang pagitan. Noong 1834 nagsimula siyang magtrabaho sa opera na "Ivan Susanin" ("Buhay para sa Tsar"), na orihinal na ipinaglihi bilang isang oratorio. Pagkumpleto ng trabaho sa trabaho (1936) - taon ng kapanganakan ang unang Russian classical opera sa isang makasaysayang balangkas, ang pinagmulan kung saan ay ang pag-iisip ni K. Ryleev.

Ang kakaiba ng dramaturgy ng "Ivan Susanin" ay nakasalalay sa kumbinasyon ng ilang mga genre ng opera:

• heroic-historical opera(plot);
• mga tampok ng katutubong musikal na dula. Mga tampok (hindi kumpletong sagisag) - dahil sa katutubong musikal na drama ang imahe ng mga tao ay dapat na nasa pag-unlad (sa opera ito ay isang aktibong kalahok sa aksyon, ngunit static);
• katangian ng epikong opera(bagal ng pagbuo ng plot, lalo na sa simula);
• katangian ng drama(pagpapalakas ng pagkilos mula sa sandaling lumitaw ang mga Pole);
• katangian ng liriko-sikolohikal na drama, pangunahing nauugnay sa imahe ng pangunahing karakter.

Ang mga choral scenes ng opera na ito ni Glinka ay bumalik sa oratorio ni Handel, ang mga ideya ng tungkulin at pagsasakripisyo sa sarili - kay Gluck, ang kasiglahan at ningning ng mga tauhan - kay Mozart.

Ang opera ni Glinka na "Ruslan at Lyudmila" (1842), na lumitaw nang eksaktong 6 na taon, ay natanggap nang negatibo, sa kaibahan sa "Ivan Susanin," na masigasig na natanggap. Si V. Stasov ay marahil ang isa lamang sa mga kritiko noong panahong iyon na nakaunawa sa tunay na kahulugan nito. Nagtalo siya na ang "Ruslan at Lyudmila" ay hindi isang hindi matagumpay na opera, ngunit isang gawaing isinulat ayon sa ganap na bagong mga dramatikong batas, na dati ay hindi kilala sa yugto ng opera.

Kung "Ivan Susanin", nagpapatuloy linya ng tradisyong Europeo mas nakahilig sa uri ng dramatic opera na may mga tampok ng folk musical drama at lyrical-psychological opera, pagkatapos ay ang "Ruslan at Lyudmila" ay isang bagong uri ng dramaturhiya, tinatawag na epiko. Ang mga katangiang nakikita ng mga kontemporaryo bilang mga pagkukulang ay naging pinakamahalagang aspeto ng bagong genre ng opera, na bumalik sa sining ng mga epiko.

Ilan sa mga katangiang katangian nito:

• espesyal, malawak at masayang katangian ng pag-unlad;
• kawalan ng direktang salungatan sa pagitan ng mga kaaway na pwersa;
• kaakit-akit at makulay (romantic tendency).

Ang opera na "Ruslan at Lyudmila" ay madalas na tinatawag na "textbook ng mga musical form."

Sa opera na "Ruslan at Lyudmila," gumamit si Glinka ng isang tradisyunal na fairy-tale plot na may mga pagsasamantala, pantasya, at mahiwagang pagbabago upang ipakita ang iba't ibang mga karakter at kumplikadong relasyon sa pagitan ng mga tao, na lumilikha ng isang buong gallery ng mga uri ng tao. Kabilang sa mga ito ay ang magalang na marangal at matapang na Ruslan, ang magiliw na Lyudmila, ang inspiradong Bayan, ang masigasig na Ratmir, ang tapat na Gorislava, ang duwag na Farlaf, ang mabait na Finn, ang taksil na si Naina, at ang malupit na Chernomor.

Ang kabuuang komposisyon ng opera ay napapailalim sa mahigpit na prinsipyo ng simetrya. Tinutukoy ng mga tipikal na pamamaraan ng Glinka ng reprise at pagkakumpleto ng anyo ang mga indibidwal na elemento ng opera at ang buong komposisyon nito sa kabuuan. Isang prologue at epilogue ang balangkas ng akda. Ito ay ganap na tumutugma sa epikong karakter ng opera. Ang pagkakatugma ng operatic form ay nilikha sa pamamagitan ng pag-frame. Ang thematic material ng overture ay naulit muli sa finale ng Act V, sa solemne final chorus sa parehong key ng D major. Ang mga matinding kilos ay nagpinta ng mga marilag na larawan ni Kievan Rus. Sa pagitan nila, ang magkakaibang mga eksena ng mahiwagang pakikipagsapalaran ng bayani sa kaharian ng Naina at Chernomor ay nagbubukas, nabuo ang isang tatlong bahaging pagkakasunud-sunod. Ang prinsipyong ito ay magiging tipikal para sa fairy-tale at epic operas ng Russian lyric poetry. Kasabay nito, ang opera ay symphonic; ang magkasalungat, matinding dramatikong pag-unlad ay pinalitan ng prinsipyo ng kaibahan.

Ang bagong genre ng fairy-tale-epic opera ay tumutukoy sa mga tampok ng musical dramaturgy ng "Ruslan at Lyudmila". Batay sa klasikal na tradisyon ng sarado, natapos na mga numero, si Glinka ay gumagawa ng sarili niyang uri ng pagsasalaysay ng operatic dramaturgy ng isang epikong plano. Ang hindi padalus-dalos na kurso ng pagsasalaysay ng pag-unlad na may malalawak na pampakay na mga arko sa malalayong distansya, ang kabagalan ng pagkilos sa entablado, at ang kasaganaan ng mga tema ay naging mahirap na maunawaan ang gawain.

Ang kritiko ng musika na si Stasov, na nagtataglay ng pambihirang lawak ng mga masining na pananaw, ay nakita sa musika ni Glinka ang buong direksyon ng sining ng Russia - interes sa katutubong epiko, sa katutubong tula. Ang epikong istilo ng opera ni Glinka ay nagbunga ng isang sistema ng mga imahe at mga dramatikong pamamaraan na nagpapanatili ng kanilang kahalagahan sa tula ng liriko ng Russia noong mga sumunod na panahon.

Ang kahulugan ng gawa ni Glinka. Tinukoy ng mga opera ni Glinka ang landas ng pag-unlad ng genre ng opera sa Russia. Sa mga prinsipyo ng musikal na dramaturhiya, sa makasagisag na istraktura at sa mga pamamaraan ng pagbuo ng katutubong-pambansang tema, ang mga opera ni Glinka ay ang batayan para sa gawain ng mga klasikal na kompositor ng Russia.

Ang unang opera ni Glinka na "Ivan Susanin" ay isang pinakamahalagang kontribusyon sa kultura ng mundo. Ang landas na ito ay sinundan ni Mussorgsky sa mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina", Rimsky-Korsakov sa mga opera sa mga tema ng kasaysayan ng Russia na "The Woman of Pskov", "The Tsar's Bride", "The Tale of the Invisible City of Kitezh ” at Borodin sa opera na “Prince Igor”. Ang opera ng Russia ay dumaan sa mahabang landas ng pag-unlad, ngunit ang mga sumusunod ay nanatiling hindi nagbabago: isang malalim na pag-unawa sa makasaysayang tema mula sa pananaw ng modernidad, ang nangungunang papel ng mga tao, ang end-to-end na pagpapatupad ng nangungunang kaisipan at ang pangunahing salungatan na ipinahayag sa pamamagitan ng pag-unlad ng symphonic; makatotohanang sagisag ng mga pangunahing tauhan at malikhaing paggamit ng katutubong-pambansang pinagmulan. Ang mga prinsipyo ng pagsulat ng ensemble, ang likas na plasticity ng kompositor at kalinawan ng mga independiyenteng melodic na linya, ay ipinagpatuloy sa mga opera ng Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, at Borodin.

Makabago sa konsepto, ang "eksena ng ballet na may isang koro" sa napakatalino na suite ng mga sayaw ng Poland ng Act II ay hindi isang ipinasok, pandekorasyon na numero, na naobserbahan sa mga gawa ng mga kompositor bago si Glinka. Bilang isa sa mga mahahalagang elemento ng dramatikong aksyon, binabalangkas nito ang landas ng symphonization ng Russian ballet, na kasunod na ipinagpatuloy ni Tchaikovsky.

Pagkatapos ng "Ruslan at Lyudmila," nagsimulang magtrabaho si Glinka sa opera-drama na "The Bigamist" (huling dekada) batay sa A. Shakhovsky, na nanatiling hindi natapos.

3. Opera "Ivan Susanin".

Ivan Susanin" ay nagbukas ng mature na panahon ng trabaho ni Glinka. Ang balangkas ng opera ay iminungkahi ni Zhukovsky, ito ay batay sa isang makasaysayang katotohanan - ang kabayanihan ng magsasaka na si Ivan Osipovich Susanin noong 1612, nang ang Russia ay sinakop ng mga mananakop. Ang Moscow ay napalaya na. Ngunit isa sa mga natitirang Polish detatsment ang pumasok sa nayon ng Domnino. Ang magsasaka na si Ivan Susanin, na sumang-ayon na maging isang gabay, ay humantong sa kanila sa isang malalim na kagubatan, sa gayon ay pinatay sila at namamatay sa kanyang sarili. Si Glinka ay inspirasyon ng ideya ng patriotismo ng mga mamamayang Ruso.

Ang ideya ng pagmamahal sa amang bayan ay laganap sa opera. Ang pare-parehong pag-unlad ng salungatan ay ganap na makikita sa komposisyon ng musikal.

Nagsisimula ang opera sa isang overture. Ang overture ay ganap na binuo sa mga tema na matatagpuan sa opera, at naglalaman ng pangunahing ideya ng opera sa isang pangkalahatang anyo. Ito ay nakasulat sa anyo ng isang sonata allegro na may panimula. Ang pangunahing bahagi (G minor) ay ang nakababahala, mabilis na tema ng folk choir mula sa finale ng Act III, kung saan ang mga tao ay ipinakita sa isang makabayang pagsiklab. Sa pagbuo ng overture, ang temang ito ay tumatagal sa isang kapansin-pansing matinding karakter. Ang isang side theme ay ang tema ni Vanya na "Paano pinatay ang ina." Nasa eksibisyon na ang kaibahan - ang nag-uugnay na bahagi sa three-beat meter na may mga intonasyon ng isang mazurka ay kumakatawan sa mga Poles. Ang parehong tema ay naririnig sa opera sa eksena ng pagdating ng mga Polo sa kubo ni Susanin. Kaya, ang "arko" ay itinapon sa isa sa mga climactic na sandali ng opera. Sa coda ang pagkakatugma ay mas malinaw - ang nakakagambalang mga motibo ng pangunahing bahagi ay nagiging frozen chords na tutunog sa mga sagot ni Susanin sa mga Pole sa kagubatan. Pagkatapos ang mga mazur na parirala ay parang banta mula sa mga Poles. Ang mga pariralang ito ay lumalaki, ngunit ang tatlong-bahaging pagkakasunud-sunod ay nagbibigay daan sa isang dalawang-bahaging pagkakasunud-sunod, at nagreresulta ito sa mga pagtunog ng kampana. Nagwagi ang tema ng pangunahing bahagi sa G major. Kaya, ang overture ay nagpapakita ng buong kurso ng opera.

Ang opera ay may apat na acts at isang epilogue. Sa unang kilos, ibinibigay ang mga katangian ng mga taong Ruso at ang mga pangunahing tauhan ng opera. Ito ay si Ivan Susanin, ang kanyang anak na babae na si Antonida, ang ampon na si Vanya, ang kasintahang Antonida - mandirigma na si Sobinin, mga tao. Nagsisimula ang Act 1 sa isang napakalaking eksena sa pagpapakilala ng choral. Sa panahon ng pagpapakilala, dalawang choir ang humalili ng ilang beses - lalaki at babae. Ang tema ng male choir ay malapit sa mga kanta ng magsasaka at sundalo ng isang heroic-epic na kalikasan ("You rise, red sun"). Sa unang pagkakataon sa sining ng Russia, ang musika ng isang natatanging katutubong karakter ay naghahatid ng mataas na kabayanihan.

Ang himig ng pangalawang koro - ang babae - ay tumutunog sa simula sa orkestra, at ilang sandali ay lumilitaw sa vocal na bahagi. Masigla at masaya, ito ay kahawig ng mga round dance na kanta ng mga batang babaeng magsasaka na nakatuon sa spring awakening ng kalikasan.

Ang mga pangunahing melodic na imahe ng pagpapakilala ay magkasalungat sa bawat isa. Kaya, ang pagpapakilala ay nagpapakita ng iba't ibang aspeto ng hitsura ng mga tao: ang kanilang kalooban at kabaitan, ang kanilang matapang na katatagan at mapagmahal na pang-unawa; katutubong kalikasan.

Pagkatapos ng isang monumental na pagpapakilala ng koro, nagbigay si Glinka ng isang musikal na larawan ng isa sa mga karakter - ang anak na babae ni Susanin na si Antonida.

Ang aria ni Antonida ay binubuo ng dalawang seksyon: cavatina at rondo. Ang mabagal, maalalahanin na cavatina ay nasa diwa ng mga lyrical na kanta ng Russia. Isang malumanay na cavatina ang nagbibigay daan sa isang masigla, matikas na rondo. Ang kanyang magaan at sariwang musika ay katulad din ng kanta.

Sagot ni Antonida kay Susanin. Ito ay isang "paglalahad" ng pangunahing imahe ng opera. Ang mga recitatives ni Susanin ay tipikal sa istilo ni Glinka. Ang mga ito ay malambing, mayroon silang maraming makinis na mga galaw sa malawak na pagitan, mga pag-awit sa mga indibidwal na pantig. Kaya, agad na ipinakita ng kompositor ang organikong pagkakaisa ni Susanin at "ang mga tao."

Lumilitaw din ang isang bagong bayani ng opera - Bogdan Sobinin. Ang pangunahing tampok ni Sobinin ay ang kanyang "matapang na karakter." Ito ay nagpapakita ng sarili sa tulong ng masigasig at nakamamanghang mga parirala ng kanta na may nababanat, malinaw na ritmo, sa diwa ng mga kanta ng matapang na sundalo.

Ang finale ng Act I ay nakatakda sa isang martsang kilusan at puno ng makabayang inspirasyon. Sina Susanin, Antonida at Sobinin ay gumaganap bilang mga nangungunang mang-aawit at soloista ng koro

Ang Act II ay nagpapakita ng kapansin-pansing kaibahan sa una. Sa halip na mga simpleng magsasaka sa entablado ay may mga panginoon na nagpipista sa kastilyo ng hari ng Poland. Apat na sayaw: polonaise, krakowiak, waltz at mazurka ay bumubuo ng isang malaking dance suite. Ang pangunahing tema ng Krakowiak, salamat sa syncopated ritmo, ay partikular na nababanat; Ang waltz sa 6/8 ay elegante; ang pagkakaroon ng syncopation sa pangalawang beat ay ginagawa itong katulad ng mazurka, na nagbibigay ito ng Polish na lasa. Ang waltz ay nakikilala sa pamamagitan ng partikular na subtlety at transparency ng orkestrasyon. Ang polonaise at ang panghuling mazurka ay ganap na naiibang kalikasan. Ang polonaise ay parang mapagmataas, seremonyal at militante. Ang kanyang mga intonasyon ay kahawig ng mga fanfare na tawag. Ang walang malasakit, bravura mazurka na may nakamamanghang himig at makikinig na mga chord ay puno ng pangahas at kinang.

Gamit ang mga intonasyon at ritmo ng sayaw na ito, nagpinta si Glinka ng larawan ng mga mananakop na Polish, na ang panlabas na ningning ay nagtatago ng kasakiman, pagmamataas at walang ingat na kawalang-kabuluhan.

Bago ang Glinka, ang mga numero ng sayaw ay ipinakilala sa opera, ngunit kadalasan lamang sa anyo ng isang nakapasok na divertisement, ngunit hindi sila direktang nauugnay sa aksyon. Si Glinka ang unang nagbigay ng mahalagang dramatikong kahalagahan sa pagsasayaw. Sila ay naging isang paraan ng matalinghagang katangian ng mga tauhan. Ang Russian classical ballet music ay nagmula sa "Polish" na mga eksena ng Act II.

Ang Act III ay maaaring nahahati sa dalawang halves: ang una - bago ang pagdating ng mga kaaway, ang pangalawa - mula sa sandali ng kanilang hitsura. Ang unang kalahati ay pinangungunahan ng isang kalmado at maliwanag na kalooban. Ang karakter ni Susanin ay ipinakita dito - isang mapagmahal na ama sa bilog ng pamilya.

Ang aksyon ay nagsisimula sa kanta ng anak na ampon ni Susanin na si Vanya. Ang kanta, sa pagiging simple nito at natural na melodiousness, ay malapit sa Russian folk songs. Sa pagtatapos ng kanta, ang boses ni Susanin ay kasama dito at ang kanta ay napupunta sa isang eksena, at pagkatapos ay sa isang duet. Ang duet ay pinangungunahan ng mala-martsa na mga intonasyon at ritmo; ang diwang makabayan ng mag-ama ay makikita rito.

Ang dramatikong kasukdulan ng buong opera ay ang eksena kasama ang mga Poles sa Act IV. Dito napagpasyahan ang kapalaran ng pangunahing karakter ng opera.

Nagsisimula ang larawan sa isang koro ng mga Pole na gumagala sa dilim ng gabi sa isang masukal na kagubatan na natatakpan ng niyebe. Upang makilala ang mga Poles, ginagamit ni Glinka ang ritmo ng mazurka. Narito ito ay wala ng bravura at belligerence, ito tunog madilim, conveying ang nalulumbay estado ng pag-iisip ng mga Polo, ang kanilang premonition ng nalalapit na kamatayan. Ang mga hindi matatag na chord (nadagdagan na triad, pinaliit na ikapitong chord) at mapurol na timbre ng orkestra ay nagpapaganda ng pakiramdam ng dilim at mapanglaw.

Ang mga pangunahing tampok ng hitsura ng bayani sa mapagpasyang oras ng kanyang buhay ay ipinahayag sa kanyang namamatay na aria at kasunod na recitative monologue. Ang pambungad na maikling recitative na "They sense the truth" ay batay sa karaniwang malawak, nakakalibang at tiwala na mga intonasyon ng estilo ng kanta ni Susanin. Ito ay isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng melodic recitative ni Glinka (halimbawa No. 8). Ang aria mismo ("Darating ka, aking bukang-liwayway...") ay pinangungunahan ng isang mood ng malalim na malungkot na pagmuni-muni. Pinananatili ni Susanin ang kanyang likas na pagkalalaki, kadakilaan at lakas ng loob. Walang melodrama dito. Ang aria ni Susanina ay isang kapansin-pansing halimbawa ng makabagong diskarte ni Glinka sa katutubong awit. Ito ay dito na, batay sa Russian folk song intonation, musika, tiomak na may tunay na trahedya, unang lumitaw. Kasama sa aria na ito ang mga salita ni Odoevsky na si Glinka ay "nakagawa ng bago, hanggang ngayon ay hindi pa naririnig na karakter, upang iangat ang katutubong tono sa trahedya."

Ang opera ay nagtatapos sa isang napakagandang larawan ng isang pambansang pagdiriwang sa Red Square sa Moscow.

Ang epilogue ay binubuo ng tatlong seksyon: 1) ang koro "Kaluwalhatian" sa unang pagtatanghal; 2) mga eksena at trio nina Vanya, Antonida at Sobinin "Oh, hindi para sa akin, kaawa-awang bagay..." kasama ang koro; at 3) ang pangwakas—isang bago, huling pagtatanghal ng “Mabuhay."

Sa makinang na "Kaluwalhatian" ang kabayanihan na imahe ng mga matagumpay na tao ay kinakatawan ng matinding umbok at kalinawan.

Ang "Ivan Susanin" ay ang unang opera batay sa tuluy-tuloy na pag-unlad ng musika; walang isang pasalitang diyalogo. Ipinatupad ni Glinka ang prinsipyo ng symphonism sa opera at inilatag ang mga pundasyon ng pamamaraang leitmotif, na kalaunan ay binuo ng ganoong kasanayan nina Tchaikovsky at Rimsky-Korsakov. Kasama ni Ivan Susanin, ang musikang Ruso ay nagsimula sa landas ng pag-unlad ng symphonic. Ang tuktok ng Russian dramatic symphonism ay ang eksena sa kagubatan, isang halimbawa ng isang malalim na symphonic na paghahayag ng sikolohikal na subtext ng drama.

Sa pagkilala sa kanyang mga bayani, gumagamit si Glinka ng iba't ibang anyo - mula sa ariosous recitative hanggang sa isang kumplikadong multi-part aria ng klasikal na uri. Ang isang partikular na tampok ng opera ay ang pagkakaroon ng mga Polish na eksena ng cross-cutting development, na aktibong nagpo-promote ng aksyon ng drama. Ngunit ang aria ay isang mahalagang sentro ng komposisyon ng opera; sa aria, ito ay isang katangian ng karakter.

Ang mataas na kasanayan ni Glinka ay ipinakita sa mga ensemble, na pinagsama ang mga prinsipyo ng klasikal na polyphony sa likas na katangian ng istilong polyphonic ng Russian. Sa finale ng Act I sa trio na "Huwag kang pahirapan, mahal ko," ginagamit ni Glinka ang anyo ng polyphonic variations sa isang bagong paraan, na may unti-unting layering ng mga boses. Sa trio ng libing mula sa epilogue, ginagamit ang mga diskarte ng Russian folk subvocal polyphony. Ang monumental na quartet mula sa Act III ay lumalapit sa isang symphonic cycle - pagpapakilala, anedgeio, mabagal na paggalaw at mabilis na pagtatapos,

Ang opera na "Ivan Susanin" ay may tunay na symphonic na paraan ng end-to-end na pag-unlad. Ang kahulugan ng dramatikong paghahambing ni Glinka ng dalawang magkasalungat na pwersa ay hindi lamang sa pambansang-genre contrast - Russian at Polish, kanta at sayaw, vocal at instrumental, symphonic na simula bilang pangunahing paraan ng characterization. Iba ang kahulugan ng kaibahan - ang mga tao ang bida ng malagim na tagapagtanggol ng Inang Bayan. Kaya't ang iba't ibang diskarte at iba't ibang mga sukat sa interpretasyon ng parehong grupo. Ang mga maharlikang Polish ay ipinapakita sa pangkalahatan. At ang mga taong Ruso ay ipinapakita sa iba't ibang paraan; Kaya naman napakayaman ng wikang katutubong awit ng opera. Tinutukoy ng mga choral scenes ng opera ang pambansang istilo ng opera ni Glinka. Ang batayan ay kanta ng Ruso sa lahat ng mga uri ng genre nito. Sa kauna-unahang pagkakataon lamang sa Glinka, ang pinakamagagandang tampok ng intonasyon at istruktura ng modal ng mga awiting katutubong Ruso ay ganap na nakasama, na ipinahayag, halimbawa, sa limang-beat na ritmo ng koro ng mga batang babae, sa nababaluktot na pagkakaiba-iba ng modal sa ang koro ng rowers. Ang mga katutubong intonasyon ay malayang binuo, muling binibigyang kahulugan sa mga klasikong magkakatugmang anyo ng musika ni Glinka. anyo ng pagkakaiba-iba, na naaayon sa likas na katangian ng mga tema ng katutubong Ruso, ay malawakang ginagamit ng kompositor.

Ang pangunahing papel ay nabibilang sa dalawang eksena ng koro. Ang mga tao sa kanila ay lumilitaw bilang isang "dakilang personalidad", pinagsama ng isang pakiramdam, isang kalooban. Ang mga katutubong koro na ito, kasama ang kanilang istilong oratorio, ay isang hindi pa nagagawang kababalaghan noong panahong iyon.

Ang huling eksena ng opera - ang epilogue - ay nagpapahayag ng isang eksena ng popular na pagsasaya. Ang kontemporaryong Serov ni Glinka ay sumulat: "Sa orihinal nitong Ruso, sa tapat na paghahatid ng makasaysayang sandali, ang koro na ito ay isang pahina ng kasaysayan ng Russia."

Pinagsasama ng tema ng koro ang mga katangian ng pag-awit at paggalaw. Ang buong makasagisag na istraktura nito ay naghahatid ng masayang takbo ng isang popular na prusisyon.

Iba-iba ang pinagmulan ng choir. Narito ang isang katutubong awit, isang istilo ng pag-awit ng choral part, at isang solemne na kanta ng ika-18 siglo. Sa kabuuang komposisyon ng choral scene, ginagamit ni Glinka ang kanyang paboritong anyo ng mga variation at subvocal-polyphonic development techniques.

Upang makamit ang isang pangkalahatang impresyon ng kagalakan at pagdiriwang, gumagamit din si Glinka ng mga coloristic na diskarte - ang finale ay nagsasangkot ng isang buong orkestra ng symphony at isang brass band sa entablado, ang pangunahing koro ay sinamahan ng isang grupo ng mga basses at kampana, ang diatonic (C major) ay pinayaman. may maharmonya na kulay (E major, B major) . Ang lahat ng paraan ay ginagamit na may isang pakiramdam ng proporsyon, pagkakaisa at kagandahan ng anyo.

MIKHAIL IVANOVICH GLINKA
(1804-1857)

Si Mikhail Ivanovich Glinkar ay ipinanganak noong Mayo 20 (Hunyo 1), 1804, sa nayon ng Novospasskoye, na ngayon ay distrito ng Elninsky ng rehiyon ng Smolensk.

Ang mga taon ng aking pagkabata ay ginugol sa nayon, sa kapaligiran ng isang may-ari ng lupa, buhay ng manor. Ang kanyang mga unang musical impression ay konektado sa mga katutubong kanta. Napakaaga, ang hinaharap na kompositor ay nakilala sa propesyonal na musikang European. Bilang isang bata, nakinig siya sa mga konsyerto ng serf orchestra, madalas na nakikilahok sa kanila mismo (naglalaro ng biyolin at plauta). Ang mga taon ng pag-aaral sa St. Petersburg (1818-22) ay may kapaki-pakinabang na epekto sa pagbuo ng personalidad at pananaw sa mundo ni Glinka. Nag-aaral sa isa sa mga pinakamahusay na institusyong pang-edukasyon - ang Noble boarding school sa Pedagogical School, kung saan ang kanyang guro ay ang hinaharap na Decembrist at kaibigan ni A. S. Pushkin V. K. Kuchelbecker, at ang mga guro ay mga progresibong pag-iisip na siyentipiko A. P. Kunitsyn, K. I. Arsenyev , A.I. Galich, tinanggap niya ang mga anti-serfdom na pananaw na laganap sa mga bilog ng oposisyon.

Ang kanyang kabataan ay lumipas sa panahon ng pagbuo ng mga lihim na lipunan, sa isang kapaligiran ng matinding ideolohikal na pakikibaka. Ang pagkilala sa tula ng mga batang Pushkin at Ryleev, na nakikipagkita sa hinaharap na mga Decembrist, ang batang Glinka ay naging pamilyar sa kapaligiran ng pagkamamamayan at pag-ibig sa kalayaan. Nang maglaon, pagkatapos ng trahedya na pagkatalo ng pag-aalsa ng Decembrist, dinala siya para sa interogasyon: ang kanyang mga personal na koneksyon sa "mga rebelde" ay kilala sa pulisya.

Mabilis na nag-mature ang talento sa musika ni Glinka sa ilalim ng impluwensya ng artistikong kapaligiran ng St. Petersburg. Sa kanyang mga taon ng pag-aaral, madalas siyang bumisita sa teatro, naging pamilyar sa mga opera ni W. A. ​​​​Mozart, L. Cherubini, G. Rossini, kumuha ng mga aralin ng violin mula kay F. Boehm, piano mula sa J. Field, at pagkatapos ay sistematikong mula sa S. Mayer. Noong 1824, pumasok si G. sa serbisyo sa opisina ng Council of Railways. Ngunit ang kanyang pangunahing trabaho ay musika. Pagsapit ng 20s. Kabilang dito ang kanyang mga unang malikhaing karanasan: chamber works (2 string quartets, isang sonata para sa viola at piano), isang hindi natapos na symphony sa B flat major at iba pang mga gawa para sa orkestra; ilang piraso ng piano, kabilang ang mga cycle ng variation.

Ang talento ni Glinka sa genre ng romansa ay partikular na binibigkas. Ang lalim ng poetic mood at pagiging perpekto ng anyo ay nakikilala ang pinakamahusay na mga pag-iibigan sa unang bahagi ng panahon - "Huwag tuksuhin", "Mahina mang-aawit", "Georgian song" (sa mga salita ni Pushkin). Napakahalaga para sa kompositor na makilala ang mga pinakadakilang makata at manunulat - A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.A. Delvig, V.F. Odoevsky, sa pakikipag-usap kung kanino ang
Ang kanyang mga malikhaing prinsipyo, aesthetic na pananaw. Ang batang kompositor ay walang pagod na pinahusay ang kanyang mga kasanayan, nag-aral ng opera at symphonic na literatura, at maraming nagtrabaho sa home orchestra bilang isang konduktor (sa Novospassky).

Noong 1830-34 bumisita siya sa Italya, Austria at Alemanya. Sa Italya, nakilala ni G. si G. Berlioz, F. Mendelssohn, V. Bellini, G. Donizetti, ay mahilig sa Italyano na romantikong opera, at nagsanay ng sining ng bel canto (magandang pag-awit). Ngunit sa lalong madaling panahon ang paghanga sa kagandahan ng Italian melos ay nagbigay daan sa iba pang mga adhikain: “...Taos-puso akong hindi maaaring maging Italyano. Ang pananabik sa aking tinubuang-bayan ay unti-unting nagbigay sa akin ng ideya na magsulat sa wikang Ruso. Sa taglamig ng 1833-34 sa Berlin, si Glinka ay seryosong nag-aral ng pagkakaisa at counterpoint sa ilalim ng patnubay ni Z. Dehn, sa tulong kung saan siya ay nag-systematize ng kanyang teoretikal na kaalaman at pinahusay ang pamamaraan ng polyphonic writing. Noong 1834 isinulat niya ang "Symphony on Two Russian Themes," na nagbigay daan para sa. Sa tagsibol ng parehong taon, bumalik si Glinka sa kanyang tinubuang-bayan at nagsimulang bumuo ng kanyang nakaplanong opera.

Ang pag-aaral ni Glinka sa Berlin ay nagambala ng balita ng pagkamatay ng kanyang ama. Nagpasya si Glinka na pumunta kaagad sa Russia. Ang paglalakbay sa ibang bansa ay natapos nang hindi inaasahan, ngunit karaniwang nagawa niya ang kanyang mga plano. Sa anumang kaso, ang likas na katangian ng kanyang mga malikhaing hangarin ay natukoy na. Nakahanap kami ng kumpirmasyon nito, lalo na, sa pagmamadali kung saan si Glinka, na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan, ay nagtatakda tungkol sa pagbuo ng isang opera, nang hindi man lang naghihintay para sa pangwakas na pagpipilian ng balangkas - ang likas na katangian ng musika ng hinaharap na gawain ay napakalinaw. sa kanya: "Ang pag-iisip ng Russian opera ay bumagsak sa akin; mga salita na wala ako, ngunit "Maryina Roshcha" ay umiikot sa aking ulo.

Saglit na nakuha ng opera na ito ang atensyon ni Glinka. Sa kanyang pagdating sa St. Petersburg, siya ay naging madalas na panauhin ng Zhukovsky, kung saan ang isang piling grupo ay nagpupulong lingguhan; Pangunahing nakatuon sila sa panitikan at musika. Ang mga regular na bisita sa mga gabing ito ay sina Pushkin, Vyazemsky, Gogol, Pletnev. "Nang ipahayag ko ang aking pagnanais na kumuha ng opera ng Russia," isinulat ni Glinka, "Taimtim na inaprubahan ni Zhukovsky ang aking intensyon at inalok sa akin ang balangkas ni Ivan Susanin. Ang tanawin sa kagubatan ay malalim na nakaukit sa aking imahinasyon; Nakita ko sa kanya ang maraming pagka-orihinal, katangian ng mga Ruso. Ang sigasig ni Glinka ay napakahusay na "na parang sa pamamagitan ng mahika, ... isang plano para sa isang buong opera ay biglang nalikha ...". Isinulat ni Glinka na ang kanyang imahinasyon ay "nagbabala" sa librettist; “...maraming paksa at maging ang mga detalye ng pag-unlad - lahat ng ito ay biglang pumasok sa aking isipan.”

Ngunit hindi lamang mga malikhaing problema ang nag-aalala kay Glinka sa oras na ito. Iniisip niya ang tungkol sa kasal. Ang napili ni Mikhail Ivanovich ay si Marya Petrovna Ivanova, isang magandang babae, ang kanyang malayong kamag-anak. "Bilang karagdagan sa isang mabait at pinaka-walang kapintasan na puso," sumulat si Glinka sa kanyang ina kaagad pagkatapos ng kasal, "Nakuha kong mapansin sa kanya ang mga katangian na palaging nais kong makita sa aking asawa: kaayusan at pagtitipid... sa kabila ng kanyang kabataan at kasiglahan ng pagkatao, siya ay napaka-makatwiran at lubhang katamtaman sa mga pagnanasa." Ngunit ang hinaharap na asawa ay walang alam tungkol sa musika. Gayunpaman, ang damdamin ni Glinka para kay Marya Petrovna ay napakalakas at taos-puso na ang mga pangyayari na kasunod na humantong sa hindi pagkakatugma ng kanilang mga tadhana ay maaaring hindi masyadong makabuluhan sa oras na iyon.

Nagpakasal ang batang mag-asawa noong katapusan ng Abril 1835. Di-nagtagal pagkatapos nito, si Glinka at ang kanyang asawa ay pumunta sa Novospasskoye. Ang kaligayahan sa kanyang personal na buhay ay nag-udyok sa kanyang malikhaing aktibidad, at kinuha niya ang opera nang may mas malaking sigasig. Mabilis na umunlad ang opera, ngunit hindi madali ang pagtatanghal nito sa St. Petersburg Bolshoi Theater. Direktor ng Imperial Theaters A.M. Si Gedeonov na may mahusay na pagtitiyaga ay humadlang sa pagtanggap ng bagong opera para sa produksyon. Tila, sinusubukang protektahan ang kanyang sarili mula sa anumang mga sorpresa, ibinigay niya ito sa konduktor na si Kavos, na, tulad ng nabanggit na, ay ang may-akda ng isang opera sa parehong balangkas. Gayunpaman, binigyan ni Kavos ang gawa ni Glinka ng pinakakahanga-hangang pagsusuri at inalis ang kanyang sariling opera mula sa repertoire. Kaya, si Ivan Susanin ay tinanggap para sa paggawa, ngunit obligado si Glinka na huwag humingi ng kabayaran para sa opera.

Binubuksan ang mature na panahon ng trabaho ni Glinka. Sa pagtatrabaho sa opera na ito, umasa siya sa mga pangunahing prinsipyo ng realismo at nasyonalismo, na itinatag sa panitikang Ruso noong 30s. ika-19 na siglo Ang balangkas ng opera ay iminungkahi ni Zhukovsky, ngunit sa pagbibigay-kahulugan sa makasaysayang tema, sinunod ng kompositor ang kanyang prinsipyo ng pagsasama ng isang trahedya ng bayan. Ang ideya ng walang humpay na katapangan at pagkamakabayan ng mga Ruso ay natagpuan ang isang pangkalahatang pagpapahayag sa imahe ni Susanin, na nabuo ni Glinka sa ilalim ng impluwensya ng "Duma" ng Decembrist na makata na si Ryleev. Ang may-akda ng libretto, ang makata ng korte na si G. F. Rosen, ay nagbigay sa teksto ng isang mahilig sa monarkiya. Ipinakita ni Nicholas I ang malapit na atensyon sa bagong opera, na pinalitan ang orihinal nitong pamagat na "Ivan Susanin" ng "A Life for the Tsar".

Ang premiere ng "Ivan Susanin" ay naganap noong Nobyembre 27, 1836. Napakalaki ng tagumpay, sumulat si Glinka sa kanyang ina kinabukasan: “Kahapon ng gabi, sa wakas ay natupad ang aking mga hangarin, at ang aking mahabang trabaho ay nakoronahan ng pinakamatalino na tagumpay. Tinanggap ng madla ang aking opera nang may pambihirang sigasig, ang mga aktor ay naging ligaw sa kasigasigan... ang Emperador... nagpasalamat sa akin at nakipag-usap sa akin nang mahabang panahon...”

Ang katalinuhan ng pang-unawa sa pagiging bago ng musika ni Glinka ay kapansin-pansing ipinahayag sa "Mga Sulat tungkol sa Russia" ni Henri Mérimée: "A Life for the Tsar" ni Mr. Glinka ay nakikilala sa pamamagitan ng matinding pagka-orihinal nito... Ito ay isang makatotohanang buod ng lahat ng dinanas at ibinuhos ng Russia sa awit; sa musikang ito maririnig ang isang kumpletong pagpapahayag ng poot at pagmamahal ng Russia, kalungkutan at kagalakan, ganap na dilim at nagniningning na bukang-liwayway... Ito ay higit pa sa isang opera, ito ay isang pambansang epiko, ito ay isang liriko na drama, na nakataas sa marangal na taas ng orihinal nitong layunin, noong hindi pa ito walang kabuluhang kasiyahan, ngunit isang makabayan at relihiyosong ritwal."

Sumulat si Odoevsky: "Sa unang opera ni Glinka mayroong isang bagay na matagal nang hinahanap at hindi natagpuan sa Europa - isang bagong elemento sa sining, at isang bagong panahon ang nagsisimula sa kasaysayan nito: ang panahon ng musikang Ruso." Sa Ivan Susanin, lumikha si Glinka ng isang katutubong kabayanihan na trahedya, malalim na pambansa sa paraan ng pagpapahayag nito. Sa panimula ito ay naiiba sa genre ng grand opera sa mga makasaysayang tema na sikat noong panahong iyon (J. Rossini, G. Meyerbeer, F. Ober, F. Halévy). Batay sa Russian folk song, inihahatid ng kompositor ang makasaysayang balangkas sa isang malawak na komposisyon ng operatic oratorio, na itinatampok ang imahe ng isang malakas, hindi masisira na puwersa ng mga tao. Si Glinka ang unang "nagtaas ng katutubong tono sa trahedya" (Odoevsky).

Ang makabagong imahe ni Susanin ay isang pagpapahayag ng pagiging totoo. Ang imaheng ito ay naglalaman ng mga pinakamahusay na katangian ng pambansang karakter ng Russia, sa parehong oras ang kompositor ay nakapagbigay nito ng mga tiyak, mahahalagang tampok. Ang vocal part ni Susanin ay naglalaman ng isang bagong uri ariot-chantful recitative. Sa opera, sa unang pagkakataon, ang prinsipyo ng synthesis ng vocal at symphonic na mga prinsipyo, na katangian ng paaralan ng opera ng Russia, ay itinatag. Ang pagkakaisa ng symphonic development ay ipinahayag, sa isang banda, sa cross-cutting na pagpapatupad ng dalawang katutubong tema, sa kabilang banda, sa isang matalim, magkasalungat na paghahambing ng matalinghaga. mga pangkat na pampakay: Ruso at Polish. Ang makinis, malawak na mga tema ng mga taong Ruso, Susanin, Vanya, Sobinin, Antonida ay kaibahan sa matalas, dinamikong mga tema ng "Polish knights", batay sa mga ritmo ng sayaw ng Poland. Ang paglago ng sigalot na ito ay ang pinakamahalagang katangian dramaturhiya ng "Ivan Susanin" bilang isang opera ng trahedya na genre.

Ang ideya ng isang bagong opera batay sa balangkas ng tula nagmula sa kompositor sa panahon ng buhay ni Pushkin. Naalala ni Glinka sa "Mga Tala": "... Inaasahan kong gumawa ng isang plano ayon sa mga tagubilin ni Pushkin; ang kanyang napaaga na kamatayan ay pumigil sa katuparan ng aking hangarin."

Ang unang pagganap ng "Ruslan at Lyudmila" ay naganap noong Nobyembre 27, 1842, eksakto - hanggang sa araw - anim na taon pagkatapos ng premiere ng "Ivan Susanin". Sa hindi kompromiso na suporta para kay Glinka, tulad ng anim na taon na ang nakalilipas, nagsalita si Odoevsky, na nagpapahayag ng kanyang walang pasubali na paghanga sa henyo ng kompositor sa mga sumusunod na ilang, ngunit maliwanag, patula na mga linya: "... isang marangyang bulaklak ang lumaki sa musikal na lupa ng Russia - ito ang iyong kagalakan, ang iyong kaluwalhatian. Hayaang subukan ng mga uod na gumapang papunta sa tangkay nito at mantsang ito - mahuhulog ang mga uod sa lupa, ngunit mananatili ang bulaklak. Alagaan ito: ito ay isang pinong bulaklak at namumulaklak nang isang beses lamang sa isang siglo."

Ang tagumpay ng opera sa pangkalahatang publiko ay tumaas sa bawat pagtatanghal. Nakatanggap siya ng mataas na papuri sa mga artikulo ng O. A. Senkovsky, F. A. Koni. Hinangaan nina F. Liszt at G. Berlioz ang kanyang musika. Ngunit sa mga lupon ng korte, ang "natutunan" na musika ni Glinka ay mahigpit na kinondena. Mula 1846 ang opera ay umalis sa St. Petersburg stage at pagkatapos ng ilang mga pagtatanghal sa Moscow (1846-47) ito ay tumigil sa yugto ng buhay sa mahabang panahon.

Ang opera na "Ruslan at Lyudmila" ay nagtatanghal ng ibang uri ng musikal na dramaturhiya. Dahil sa optimismo ni Pushkin, ang opera ay epically majestic, monumental, at epic. Ang kompositor ay nagbibigay ng kanyang sariling interpretasyon ng plot ng fairy tale, na parang pinalaki ang mga imahe ni Pushkin, na pinagkalooban sila ng kadakilaan, kahalagahan, at lakas. Ang epikong pagkukuwento at lalim ng pilosopikal sa interpretasyon ng balangkas ay nakikilala ang epikong opera ni Glinka mula sa mas tradisyonal na "mahiwagang" romantikong opera ng ibang mga may-akda. Ang "Ruslan at Lyudmila" ay isang alamat ng opera na nagsilang ng mga kabayanihan na imahe ng A. P. Borodin, N. A. Rimsky-Korsakov, M. P. Mussorgsky, A. K. Glazunov. Alinsunod sa planong ito, hindi gaanong paraan ng pag-unlad ng salungatan ang nangingibabaw dito, tulad ng sa "Ivan Susanin," ngunit sa halip ang pamamaraan ng magkakaibang mga paghahambing, ang prinsipyo ng alternating painting. Ang pamamaraan ng pag-frame, "splash at ending", ay magiging isang tipikal na nakabubuo na prinsipyo ng Russian fairy-tale opera. Ang pangunahing ideya ng folk heroic epic - ang tagumpay ng kabutihan laban sa mga puwersa ng kasamaan - ay puro sa overture, na isang prototype ng hinaharap na epic na "heroic" na mga symphony ng Russia, pati na rin sa Ruslan's aria (2nd act) , ayon sa tema na malapit sa overture.

Kasabay ng opera, ang Glinka ay lumilikha ng isang bilang ng mga gawa. mataas na kasanayan: romansa sa mga salita ni Pushkin (, "Nasaan ang aming rosas", "Night marshmallow"), elehiya na "Pag-aalinlangan", ikot ng boses , unang bersyon, musika para sa trahedya ni N. V. Kukolnik na "Prince Kholmsky".

Sa oras na ito, ang mga aktibidad ni Glinka bilang isang vocalist, performer at guro ay nakakuha ng malaking kahalagahan. Taglay ang perpektong sining ng boses, ipinasa niya ang kanyang karanasan sa sining sa mahuhusay na mang-aawit na Ruso na si S.S. Gulak-Artemovsky, mamaya - D. M. Leonova, L. I. Belenitsyna-Karmalina at iba pa, ay nagpapatunay sa mga metodolohikal na pundasyon ng paaralan ng pag-awit ng Russia sa kanyang mga sketch at pagsasanay. Ang payo ni Glinka ay ginamit ng mga nangungunang artista ng Russian opera - O. A. Petrov at A. Ya. Petrova-Vorobyova (ang unang gumanap sa mga tungkulin ni Susanin at Vanya).

Lalong naging mahirap ang buhay ng kompositor. Ang "royal mercy" ni Nicholas I, na nagtalaga kay Glinka bilang gantimpala bilang bandmaster ng Court Singing Chapel, ay naging isang mabigat na pasanin. Inilagay ng serbisyo ang kompositor sa dependent na posisyon ng isang opisyal ng korte. Ang tsismis ng mga Filisteo "sa mundo" ay sanhi ng mga paglilitis sa diborsiyo. Ang kasal kay M.P. Ivanova, isang mahinang pinag-aralan, limitadong babae na malayo sa mga malikhaing interes ng kanyang asawa, ay nagdala ng mapait na pagkabigo. Nakipaghiwalay si Glinka sa mga dating kakilala at naghahanap ng kanlungan sa artistikong mundo. Gayunpaman, ang rapprochement sa sikat na manunulat na si N.V. Kukolnik at ang kanyang lipunan ay hindi nasiyahan sa loob ng kompositor; lalo niyang nalaman ang kanyang kalungkutan sa isang kapaligiran ng inggit, tsismis at maliit na kahirapan.

Ang opera na "Ruslan at Lyudmila", kung ihahambing sa "Ivan Susanin", ay pumukaw ng mas malakas na pagpuna. Ang pinakamabangis na kalaban ni Glinka sa pamamahayag ay si F. Bulgarin, noong panahong iyon ay isang napaka-impluwensyang mamamahayag. Pinaghirapan ito ng kompositor. Noong kalagitnaan ng 1844, nagsagawa siya ng isa pang mahabang paglalakbay sa ibang bansa - sa pagkakataong ito sa France at Spain. Sa lalong madaling panahon, ang maliwanag at iba't ibang mga impression ay nagbabalik sa Glinka sa isang mataas na sigla.

Kinumpirma ng paglalakbay na ito ang katanyagan sa Europa ng master ng Russia. Si Berlioz ay naging isang mahusay na tagahanga ng kanyang talento, na gumaganap ng kanyang mga gawa sa kanyang konsiyerto noong tagsibol ng 1845. Naging matagumpay ang konsiyerto ng may-akda sa Paris.

Ang buhay ni Glinka sa Spain (higit sa 2 taon) ay isang maliwanag na pahina sa malikhaing talambuhay ng artist. Pinag-aralan niya ang kultura, kaugalian, at wika ng mga Espanyol; nagrekord ng mga himig mula sa mga katutubong mang-aawit at gitarista, nanood ng mga pagdiriwang. Ang resulta ng mga impression na ito ay 2 symphonic overtures: (1845) at "Memory of Castile" (1848, 2nd ed. - "Memory of a Summer Night in Madrid", 1851).

Ginugol ni Glinka ang huling dekada ng kanyang buhay sa Russia (Novospasskoye, Smolensk, St. Petersburg) at sa ibang bansa (Paris, Berlin). Siya ay nanirahan nang mahabang panahon sa Warsaw, kung saan noong tag-araw ng 1848 ang napakatalino na "Russian scherzo" ay nilikha.

Ang pag-usbong ng makatotohanang mga prinsipyo ng "likas na paaralan", ang malakas na pag-agos ng mga batang pwersa sa panitikang Ruso, ang proseso ng demokratisasyon ng sining ng Russia, na tumindi sa bisperas ng reporma ng magsasaka - ito ang mga phenomena na pumapaligid sa kompositor at nakaimpluwensya sa kanyang mga plano. Noong unang bahagi ng 50s. iniisip niya symphony ng programa"Taras Bulba" (batay sa kwento ni Gogol), noong 1855 - isang opera mula sa katutubong buhay na "The Bigamist" (batay sa drama ng parehong pangalan ni A. A. Shakhovsky). Ang mga produktong ito nanatiling hindi natupad, ngunit ang mga malikhaing plano ni Glinka ay nagbigay daan para sa hinaharap. Ang ideya ng paglikha ng isang folk-heroic symphony sa mga tema ng Ukrainian ay malapit sa mga prinsipyo ng genre programming, na kalaunan ay binuo sa gawain ng mga kompositor ng "Mighty Handful".

Noong 50s Isang grupo ng mga taong may katulad na pag-iisip ang bumubuo sa paligid ng Glinka. Kabilang sa kanila ang kabataan, magiging pinuno ng "Mighty Handful". Ginamot ni Glinka ang kanyang unang malikhaing mga eksperimento na may espesyal na init. Kasama sa kanyang bilog ang mga kritiko ng musika na sina A. N. Serov at V. V. Stasov. Patuloy na nakikipagkita si Glinka kay A. S. Dargomyzhsky, na nagtatrabaho sa opera na "Rusalka" sa oras na iyon. Ang mga pag-uusap kay Serov tungkol sa mga problema ng musikal na estetika ay napakahalaga. Noong 1852, idinikta ni Glinka ang kanyang "Mga Tala sa Instrumentasyon" kay Serov; noong 1854-55 isinulat niya ang "Mga Tala" - ang pinakamahalagang dokumento sa kasaysayan ng kultura ng musika.

Noong tagsibol ng 1856, ginawa ng kompositor ang kanyang huling paglalakbay sa ibang bansa - sa Berlin. Nabighani sa sinaunang polyphony, nagtrabaho siya nang malalim sa pamana ng Palestrina, G. F. Handel, J. S. Bach. Kasabay nito, sa mga pag-aaral na ito ay itinuloy niya ang espesyal na layunin ng paglikha ng isang orihinal na sistema ng Russian counterpoint. Ang ideya ng "pagkonekta ng Western fugue sa mga kondisyon ng aming musika sa pamamagitan ng mga bono ng legal na pag-aasawa" ay nag-udyok kay Glinka na malapit na pag-aralan ang mga sinaunang Russian melodies ng Znamenny chant, kung saan nakita niya ang batayan ng polyphony ng Russia. Hindi nakatadhana ang kompositor na isabuhay ang mga planong ito. Ngunit kalaunan ay kinuha sila ni S.I. Taneyev, S. V. Rachmaninov at iba pang mga Russian masters.

Namatay si Glinka noong Pebrero 15, 1857 sa Berlin. Ang kanyang mga abo ay dinala sa St. Petersburg at inilibing sa sementeryo ng Alexander Nevsky Lavra.

Ang gawa ni Glinka ay katibayan ng malakas na pagtaas ng Russian Pambansang kultura, na nabuo ng mga kaganapan ng Patriotic War noong 1812 at ng kilusang Decembrist. Nagawa ni Glinka sa musika ang pinakamahalagang gawain na iniharap ng panahon: ang paglikha ng makatotohanang sining na sumasalamin sa mga mithiin, adhikain at kaisipan ng mga tao. Sa kasaysayan ng musikang Ruso, si Glinka, tulad ni Pushkin sa panitikan, ay kumilos bilang tagapagtatag ng isang bagong makasaysayang panahon: sa kanyang makikinang na mga likha ang pambansa at global na kahalagahan Ruso sining ng musika. Sa ganitong diwa na siya ang unang klasiko ng musikang Ruso. Ang kanyang gawain ay konektado sa makasaysayang nakaraan: hinihigop nito ang mga tradisyon ng sinaunang sining ng koro ng Russia, ipinatupad sa isang bagong paraan ang pinakamahalagang tagumpay ng paaralan ng komposisyon ng Russia noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo, at lumaki sa katutubong lupa ng Russian. awiting bayan.

Ang pagbabago ni Glinka ay namamalagi, una sa lahat, sa isang malalim na pag-unawa sa mga tao, "Ang mga tao ay lumilikha ng musika, at kami, ang mga artista, ay nag-aayos lamang nito" - ang mga salita ng kompositor, na naitala ni Serov, ay naging pangunahing ideya kanyang pagkamalikhain. Matapang na pinalawak ni Glinka ang limitadong pag-unawa sa folk at lumampas sa pang-araw-araw na paglalarawan ng katutubong buhay. Ang nasyonalidad ni Glinka ay isang salamin ng karakter, pananaw sa mundo, "paraan ng pag-iisip at pakiramdam ng mga tao" (Pushkin). Hindi tulad ng kanyang mga nakatatandang kontemporaryo (pangunahin si A.N. Verstovsky, ), nakikita niya ang katutubong musika sa kabuuan nito, na binibigyang pansin hindi lamang ang romansa sa lunsod, kundi pati na rin ang sinaunang kanta ng magsasaka.

G. Kaloshina

OPERA WORK NG GLINKA AT WESTERN EUROPEAN MUSICAL THEATER NG UNANG KALAHATE NG 19TH CENTURY

Dahil sa kapanganakan nito, ang romantikong teatro ng unang kalahati ng ika-19 na siglo sa mga bansa Kanlurang Europa ay nabuo, una sa lahat, bilang isang sintetikong teatro. Ito ay tinutukoy ng mga pangkalahatang tendensya ng pagbuo sa bawat romantikong gawain ng isang tiyak na integral na sintetikong Uniberso. Kasabay nito, ang mga romantiko ay nagsusumikap na lubos na gawing indibidwal ang masining na hitsura ng bawat gawa, upang bigyan ito ng espesyal, natatanging mga tampok sa pamamagitan ng pagkolekta, pagsasama-sama, pagsasama-sama ng mga tradisyon ng opera at teatro ng iba't ibang panahon at pambansang kultura. Ito ay eksakto kung paano nagpapatuloy ang proseso ng pagbuo ng mga bago, aktwal na romantikong mga uri ng mga theatrical genre. Typology (pagkita ng kaibhan, delineasyon ng mga genre), indibidwalisasyon (bawat komposisyon ay natatangi sa mga katangian nito) sa pamamagitan ng synthesis sa lahat ng antas ng artistikong kabuuan - ito ang tatlong pangunahing canon kung saan nakabatay ang parehong teorya at praktika ng romantikong dramatiko at musikal na teatro .

Sa teorya ng dramaturhiya ng simula at unang kalahati ng ika-19 na siglo, sinusubukan ng mga may-akda ng Pranses, Aleman, Italyano na matukoy ang mga bagong alituntunin at pamantayan na mangingibabaw sa umuusbong na teatro ng Romantikong panahon1. Sa France, ito ay isinasagawa sa mga gawaing pamamahayag nina Hugo, Stendhal, Balzac, at A. Vigny. Sa Alemanya, ang mga kinatawan ng paaralan ng mga romantikong Jena - ang magkapatid na A. at F. Schlegel, L. Tieck, Novalis, ang paaralan ng mga makata at manunulat ng dulang Heidelberg, na nauugnay dito E. T. A. Hoffmann at A. Müllner, kalaunan X - italaga ang kanilang pananaliksik sa D. Grabbe na ito, K. Immermann, mga pigura ng Young Germany, halimbawa, L. Wienbarg, at marami pang iba. Sa Italya, ang mga problema ng modernong teatro ay tinalakay sa mga manifesto nina G. Berche at A. Manzoni, G. Mazzini.

Ang mga paaralang Pranses at Italyano ay higit na nakikibahagi sa pagbuo ng konsepto ng makasaysayang romantikong teatro, na idineklara.

1 Gumawa kami ng klasipikasyon ng mga teoretikal na konsepto ng mga romantiko batay sa kanilang pagsusuri sa aklat ni A. Anikst.

Pinakamalapit na natugunan ni Hugo ang pamantayan ng nakakasakit na aktibo, epektibong romantikismo ("progresibo", "rebolusyonaryo" bilang domestic aesthetics ng mga nakaraang taon na tinukoy ang kanyang pamamaraan), bagaman ang mga pambansang katangian ay nagdikta ng iba't ibang mga diskarte sa pagtukoy sa mga makasaysayang pundasyon ng artistikong pagkamalikhain. Ang balangkas ay dapat na batay sa mga pagbabago sa kasaysayan na nauugnay sa mga digmaan, mga salungatan sa pagitan ng etniko, kapag ang mga kontradiksyon sa lipunan sa estado at sa kamalayan ng publiko ay nakalantad, at ang lahat ng ito ay humuhubog at nagpapalubha sa mga panloob na salungatan ng isang indibidwal.

Ang pangalawang uri ng teatro, na isinulat ni Stendhal, O. de Balzac, at A. Vigny sa kanilang mga gawa, ay iniuugnay nila sa emosyonal, liriko na kalikasan ng romantikong pagkamalikhain. Tinawag ito ni Balzac na "theater of passions." Tinawag ito ni Stendhal na "theater of emotions." At parehong patuloy na binibigyang-diin na ang "tunay" na romantikong teatro ay dapat pagsamahin ang "historikal-sosyal, intelektwal" at "emosyonal" na mga sinehan, na nagiging "eclectic" (tulad ng tinukoy ni Balzac sa synthesis na ito) at "unibersal" (sa mga salita ni Stendhal). Sa mga gawa ng mga romantikong Italyano, ang mismong kalikasan ng romantisismo ay naiintindihan nang iba. Kaya, hindi lamang tinatalakay ni A. Manzoni ang pagsunod sa mga klasikal na prinsipyo ng pagkakaisa ng oras, lugar at pagkilos, ngunit tinukoy din ang ibang uri ng romantikong bayani - isang aktibong manlalaban para sa kalayaan ng amang bayan na may ipinag-uutos na pagkilos ng kabayanihan sa sarili. -sakripisyo (redemptive sacrifice), na naglalapit sa tradisyon ng Italyano sa Russian theatrical aesthetics. G. Mazzini pangarap ng pagsasama-sama ng "aktibo", mayaman panlabas na mga salungatan Italian at religious-mystical German theater.

Ang nangungunang linya ng mga teorya ng teatro ng Aleman ay naglalayong maunawaan ang mga katangian ng husay ng "bagong" Uniberso, ang konsepto na lumitaw na sa pagtatapos ng ika-18 siglo sa mga gawa ng magkapatid na Schlegel. Nakikita ni A. Schlegel ang romantikong teatro bilang "isang motley spectacle ng buhay sa kabuuan," na ipinakita

sa pamamagitan ng mahiwagang kristal ng pantasiya ng artista - kung minsan sa malapitan (mga detalye ng panloob na mundo), kung minsan sa malayong hinaharap (ang pakikibaka ng mga pangkat ng mga character), kung minsan sa pangkalahatan (mga salungatan ng mga ideya). Ang aksyon ay dapat na multi-temporal at multi-spatial. Ayon kay L. Tick, ang konsepto lamang ng "kahanga-hanga" ang magpapahayag ng tunay na romantikong katangian ng teatro. Simula sa mga komedya ni Shakespeare, ipinakita niya na batay sa "game" comedy theater, ang kamangha-manghang bilang "totoo" at ang tunay bilang "nakamamanghang" ay madaling pagsamahin. Sa paghahanap ng isang bagong romantikong trahedya, iniharap ni F. Schlegel ang konsepto ng trahedya sa relihiyon o Kristiyano, na pinagsasama ang "theater ng talakayan ng pilosopikal"2 ni Shakespeare sa ideya ng paliwanag, ang pagbabago ng bayani, ang kanyang pag-unawa sa mga Banal na katotohanan ng pag-iral sa sandali ng sakuna-denouement ng aksyon. Ang lahat ng ito ay makikita sa mga konsepto ng musikal na teatro bilang "mapaghimala" at "synthetic" ni Hoffmann at Weber, pagkatapos ay sa pamamagitan ng Winbarg, at sa wakas sa konsepto ng mythological at synthetic na teatro ni Wagner. Kaya, sa Alemanya ang ideya ng "kahanga-hanga", "kamangha-manghang", hindi kapani-paniwala, kung minsan ay mystical, at sa pangkalahatan ay mythological na teatro ang nananaig.

Ang mga paghahanap sa larangan ng theatrical aesthetics, na katangian ng "Foggy Albion," ay kawili-wili din. Kaya, sa mga gawa ni Walter Scott, nabuo ang prinsipyo ng "quantization of times"3 sa nobelang pangkasaysayan at teatro sa kasaysayan. Ang "larawan" ng isang holistic na "hindi mahahati na fragment ng makasaysayang pag-iral, kung saan ang mga bayani ay tila nakahiwalay," ay lumilitaw sa tatlong "projections", tatlong anggulo. Lumilitaw ang "Kasaysayan bilang nakaraan" na isinasaalang-alang ang isang tiyak na makasaysayang distansya, iyon ay, ang epikong prinsipyo ng dramaturhiya ay gumagana. Ang "Kasaysayan bilang isang hindi natapos na regalo" ay naglalahad na parang nasa harap ng ating mga mata at nauugnay sa pagpapakita ng mga makasaysayang yugto bilang isang kusang proseso. Ito ay kung paano ito gumagana dramatikong prinsipyo. Ang “History as the Future” ay naghahatid ng pagtatasa ng mga kaganapang binago ng “puso” ng mga romantikong bayani. Ang "hinaharap," iyon ay, ang ika-19 na siglo, ay "nabubuhay" sa makasaysayang pag-iral sa pamamagitan ng sikolohikal na mga salungatan at ang liriko na pananaw sa mundo ng mga bayani nito. Si Byron, ang lumikha, ay pumili ng ibang landas

2 Naniniwala si F. Schlegel na si Shakespeare ay nag-aalok ng "bugtong ng pagiging", ay nagbibigay ng pinakamahalagang unibersal na mga problema, ngunit hindi nilulutas ang mga ito. Posibleng maunawaan ang mga supermeaning na ito sa pamamagitan lamang ng pag-unawa sa Ganap. Ito ang nangyayari sa akto ng pagbabago.

3 Ang terminong "quantization" ng mga oras ay ipinakilala ni L. Gumilev. Inilarawan ni V. Scott ang prinsipyong ito bilang isang imahe ng isang makasaysayang kaganapan sa tatlong projection (para sa higit pang mga detalye, tingnan).

romantic dramatic mystery (“Cain”) at dramatized poem (“Manfred”), ang landas na sinundan ni Goethe sa “Faust” (at kalaunan ay ni Wagner), na lumikha ng isang uri ng kumplikadong organisadong pilosopikal, dramatiko at mitolohikong aksyon.

Kaya, noong 20-30s ng ika-19 na siglo, sa musika ng mga kompositor mula sa iba't ibang bansa, ang proseso ng pagbuo ng ilang mga uri ng genre ay naganap: romantikong makasaysayang opera (grand, French heroic tragedy nina Auber at Meyerbeer, Italian epic trahedya ni Rossini), romantikong liriko na drama nina Bu -Aldier at Bellini, romantikong fairy-tale-fantastic na teatro at maalamat na teatro (Weber, Spohr, Marschner, Wagner).

Ang pangkalahatang ugali patungo sa isang "unibersal" na romantikong teatro, tulad ng isinulat ni Wagner sa kanyang maagang artikulo, iyon ay, isang teatro na pinagsasama-sama ang lahat ng pambansang katangian at lahat ng balangkas at dramatikong mga uri, ay partikular na malinaw na tinukoy sa romantikong opera noong 40s. Sa Wagner mismo, ang proseso ng synthesis ng mga pambansang tradisyon ay naramdaman mula noong 30s ("The Ban of Love", "Rienzi", " Lumilipad na Dutchman", "Tannhäuser") at sa 40s ay humahantong sa pagsilang ng mythological theater. Sa Italian opera noong 40s, halimbawa, sa gawa ni Donizetti, ang mga palatandaan ng historical opera at lyrical drama (Lucrezia Borgia), comedy at lyric theater (Elisir of Love) ay nakikipag-ugnayan. Ang mga katulad na proseso ay katangian ng mga paghahanap ni Verdi noong 40s. Dito, sa isang banda, ang mga pagkakaiba ay ginawa sa pagitan ng mga uri ng genre ng opera. Kaya, "Macbeth" at "Louise Miller" gravitate sa genre ng sikolohikal na trahedya, "The Battle of Legnano", "Ernani" ay mas malapit sa konsepto ng "grand" French historical-heroic opera. Sa kabilang banda, sa mga opera na "Atilla" at "Nabucco" ang mga batas ng makasaysayang, liriko na teatro ay nakikipag-ugnayan sa mga tampok ng mythological theater, na bahagyang ipinatupad nina Bellini ("Norma") at Rossini ("William Tell").

Ang takbo ng pagsasama-sama ng iba't ibang uri ng teatro ay nagpapatuloy sa gawain ni Verdi ng sentral na panahon. Minsan mahirap tukuyin nang tumpak ang ilang uri ng genre sa kanyang mga opera. Halimbawa, sa opera na "Ballo in Masquerade" ang makasaysayang, liriko at sikolohikal na mga uri ng teatro ay pinagsama sa konsepto ng "laro" at ang mga tampok ng isang mitolohiko na pagganap ng karnabal.

Tulad ng nakikita natin, ang pagbuo ng alinman sa mga uri ng romantikong genre ng opera ay naganap sa mga kondisyon ng pakikipag-ugnayan at kahit na synthesis sa iba pang mga subtype ng romantikong teatro. Sa madaling salita, lahat ng bagay na "naiiba" ay agad na "na-synthesize." Nalalapat din ito sa romantikong makasaysayang-bayanihang trahedya sa lahat ng mga pambansang uri nito: Ruso (epiko), Italyano, Pranses (grand opera), Aleman.

Kasabay nito, ang mga prinsipyo ng dramaturgy ng epikong romantiko, sikolohikal, genre-araw-araw na romantikong - sa komedya at pang-araw-araw na drama, ang mga prinsipyo ng dramaturhiya ng trahedya sa relihiyon at pilosopikal ay binuo. Ang lahat ng ito ay nag-iiwan ng imprint sa interaksyon ng mga bahagi ng intonasyon at genre sa mga prosesong pampakay. Sa mga opera noong 20-30s, ang mga stylistic clichés ng classical thematicism, mga elemento ng baroque (rhetorical formula, chorale, operatic at instrumental stereotypes) ay malinaw na nakikita, at ang mga romantikong complex mismo ay lumilitaw. Ang disenyong pampakay ng katutubong genre ay nagpapahiwatig ng pagnanais ng mga may-akda para sa isang malinaw na pambansang oryentasyon at pagpapakita ng lokal na kulay. Ang mga liriko na katangian ay batay sa mga tampok ng kulturang romansa sa lunsod, ang tradisyon ng pagbabasa ng romantikong tula, at puspos ng mga prosaic na intonasyon ng buhay na pananalita. Sa melodic na "spill" ng mga opera ni Bellini, na puspos ng lahat ng mga elementong ito, isang bagong kalidad ang ipinanganak - isang romantikong, sintetikong bel canto. Ang pampakay na larangan ng opera, kumplikado sa komposisyon, ay nagbibigay-daan sa kompositor na pag-isipang muli ang mga tradisyonal na mga kumplikadong intonasyon, i-highlight ang mga magdadala ng simboliko o sikolohikal na pagkarga, pag-iba-iba ang mga patong ng dramaturhiya, tukuyin ang mga salungatan sa tema ng musika, na sa huli ay humahantong sa upang makumpleto ang symphonization ng ang proseso ng musika. Ang pagkakaroon ng mga pampakay na complex na may iba't ibang pinagmulan at ang multilinggwalismo ng romantikong teatro ay ipinakita kapwa sa Rossini, Meyerbeer, maagang Wagner, at sa gawain ni Mikhail Glinka.

Ang isang mahalagang aspeto ng nais na romantikong sintetikong Uniberso ay ang paghahanap para sa organicity sa kumbinasyon ng mga multidirectional at multi-level na bahagi nito. Sa katunayan, natural na pag-isahin ang "nakaraan, kasalukuyan at hinaharap", kung paano itanghal ang "motley spectacle ng buhay sa kabuuan"

(A. Schlegel) mula sa iba't ibang mga anggulo ng sagisag nito (mahaba at malapit na pananaw, pagkakaiba-iba ng mga mukha at posisyon, pansin sa panloob na mundo, multidimensionality ng mga oras at espasyo), paano pagsamahin ang trahedya at komiks, kahanga-hanga at base, mystical, hindi kapani-paniwala at totoong mga imahe? Ano ang magiging magic crystal na ito? Ang mga romantikong Jena ay naglagay ng ilang mga ideya ng pagkakaisa ng kabuuan. Ang una ay isang mapaglarong, karnabal na Uniberso sa pangalawang aesthetic na katotohanan ng artistikong espasyo ng komposisyon, kung saan ang komiks at hindi kapani-paniwala ay natural na pinagsama. Iyon ang dahilan kung bakit ang mga kamangha-manghang at fairy-tale na opera ay kinakailangang umasa sa mga pamantayan at prinsipyo ng komiks at irony bilang isang paraan ng pag-uugnay ng mga di-organikong bahagi ng kabuuan, kabilang ang Ruslan ni Glinka.

Ang ikalawang paraan upang makamit ang pagkakaisa ng kabuuan ay ang pag-isahin ang mga di-organikong bahagi ng Uniberso sa pamamagitan ng mito. Ang prinsipyong ito ay nagbibigay-daan para sa magkakasamang buhay ng kongkreto at ang symbolic, ang kanilang katumbasan, ang pagkakaroon ng iba't ibang mga coordinate ng oras: transtemporal, matibay; panloob na epektibo, sikolohikal; bastos (diachronic) at sagrado (circular) na oras sa panlabas na yugto ng pagkilos. Ang artistikong proseso sa kabuuan ay nakakakuha ng mga tampok ng simultaneity, pagguhit sa lahat ng iba pang mga mythological na kategorya - ang mga kategorya ng Pananampalataya, ritwal, catharsis, at iba pa. Ang mga tampok na ito ay kinakatawan kapwa sa mga kondisyon ng makasaysayang teatro - sa pamamagitan ng mythologization at poeticization ng isang makasaysayang kaganapan, at sa loob ng balangkas ng isang fairy-tale, kamangha-manghang opera, na natural na sumisipsip ng mga mythological na bahagi, hanggang, sa wakas, sa panahon ni Wagner , ito ay lumiliko mula sa fairy-tale-fantastic tungo sa mythological theater .

Ang ikatlong paraan ng pag-iisa sa kabuuan ay paunang natukoy ng konsepto ng trahedya ng Kristiyano, kung saan ang mga kaganapan ay tinalakay, isinasadula at "nabubuhay", at sa parehong oras, ang mga koneksyon sa makasaysayang prototype ng opera ay malinaw na inihayag - ang misteryo ng medieval. , ang mga tampok na kung saan sa romantikong tradisyon ay makikita sa iba't ibang mga gawa.

Ang tatlong pananaw na ito sa artistikong kasanayan ay ipinatupad sa iba't ibang modelo ng operatic dramaturgy, na tinutukoy ang pagkakaiba-iba ng mga uri ng genre nito. Kaya, sa pamamagitan ng pagpapalalim ng mga koneksyon sa mito sa romantikong musikal na teatro, unti-unting pinalalakas ang mga simbolikong pangkalahatan.

tions hanggang, sa wakas, sila ay nabuo bilang isang espesyal na supra-existential na antas ng dramaturgical na proseso.

Ruso kultura ng musika Sa buong ika-18 siglo, nabuo ito sa malapit na pakikipag-ugnay sa kultura ng Kanlurang Europa, nakikipag-usap dito, na sinasalungat ang pananaw sa mundo dito. Sa kontekstong ito, ang operatic work ni Glinka, bilang isang generalization ng pinaka makabuluhang phenomena ng kulturang Ruso noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo sa larangan ng teatro, ay sabay-sabay na sumisipsip ng maraming mga tampok na katangian ng Western European operatic tradition. Ang henyong Ruso, sa dalawang gawa lamang, ay sumunod sa landas na katulad ng nilakbay nina Gluck at Mozart noong ika-18 siglo, at nina Rossini, Meyerbeer, Wagner at Verdi noong ika-19 na siglo. Ang bawat isa sa kanila ay nag-alay ng bahagi ng kanyang trabaho o ilang komposisyon sa isa sa mga genre ng opera o pambansang mga barayti na makasaysayang nauna o kontemporaryo sa kanya. Sina Gluck at Meyerbeer ay naglakbay sa iba't ibang bansa (Italy, England, Austria, France para sa una, Germany, Italy, France para sa pangalawa), pinag-aaralan ang kanilang karanasan sa genre ng opera, hanggang sa wakas ay lumabas sila ng kanilang sariling dramatic at compositional-technological mga inobasyon. Sina Mozart at Wagner ay pinagkadalubhasaan ang mga umiiral na operatic genre at operatic form sa medyo mas mabilis na bilis, na nagpapakilala ng bago sa bawat akda, na nag-synthesize ng mga operatic form at mga uri ng thematics, ngunit sa parehong oras ay gumagawa ng kanilang sariling mga gawa para sa mga teatro ng kanilang bansa. Sina Rossini at Bellini, na umaasa sa tradisyon ng Italyano, na sa kanilang mga unang gawa ay malinaw na ginamit ang mga tagumpay ng Gluck, Salieri at Mozart, at ginamit din ni Bellini ang Beethoven (sa larangan ng pag-iisip ng orkestra at mga pamamaraan ng pag-unlad ng musika).

Dumaan si Glinka sa buong paghahandang paglalakbay, wika nga, "sa kanyang isipan," nang hindi gumagawa ng halos anumang bagay sa papel. Pareho sa kanyang mga obra maestra sa opera ay isinulat nang walang mahabang paunang paghahanda. Siyempre, ang kanyang trabaho ay hindi lumitaw nang wala saan. Pinagkadalubhasaan niya ang pinakamayamang karanasan ng tula at tuluyan, teatro ng drama at musikal na drama, at maraming aktwal na tradisyon ng opera, Western European at domestic. Kabilang sa huli ay ang mga malikhaing paghahanap ng Bortnyansky, Fomin, ngunit lalo na ang Verstovsky, Kavos. Sa Russian opera, ang iba't ibang uri ng genre ay nabuo - liriko-araw-araw, makasaysayang, komiks, fairy-tale. Isinasaalang-alang

mga tagumpay ng iba pang mga genre, sa partikular, historical-epic oratorio.

Sa isa sa mga pinaka-produktibong romantikong may-akda ng panahon ni Glinka, si Verstovsky, nakatagpo kami ng isang kakaibang synthesis ng hindi kapani-paniwala at makasaysayang opera. Kasama sa lahat ng kanyang makasaysayang opera ang tema ng Faustian ng pakikibaka para sa kaluluwa ng Banal at mga prinsipyo ng demonyo, pinagsama ang konsepto ng Aleman ng "mahimalang" Tieck, mga pagmuni-muni sa diwa ng trahedya sa relihiyon at pilosopikal ni Schlegel, at sa parehong oras araw-araw. mga detalye, kaya katangian ng pang-araw-araw na komedya at burges na drama, pati na rin ang mga lyrical na karanasan, sikolohikal na banggaan. Halimbawa, sa "Askold's Grave" ang mistisismo ay kasabay ng mga yugto ng relihiyon at sekular na mga ritwal at mga larawan ng katutubong buhay, mga dramatikong yugto - kasama ang mga komedya. Ang epikong Boyan sa princely sacristy ay "nagsasabi" tungkol sa mga pagsasamantala ng mga bayani sa panahon ng paghahari ni Svyatoslav4, at isang katutubong musikero, isang buffoon at isang gudoshnik ay ipinapakita sa malapit. Bilang mga numero ng opera, gumamit na siya ng ballad (bilang plot ng aksyon sa opera na "Vadim" - pagkatapos ng "The White Lady" ni Boualdier, ang ballad ni Torop sa climax ng "Askold's Grave"), at isang romansa (sa ang bahagi ng Nadezhda, sa mga koro ng mga batang babae ang eksena ay inaasahang Antonida at mga kasintahan mula sa Act III ng "Life for the Tsar"), at isang kanta (sa bahagi ng Torop, sa mga katutubong eksena).

Ang ganitong malakihang synthesis ay hindi personal na karanasan ni Glinka. Ito ang karanasan ng isang buong layer ng kulturang musikal ng Russia. Ngunit ganoon ang likas na katangian ng pandinig ng musikero, ganoon ang kanyang henyo, na tila "nabasa" niya ang mga panloob na code ng pambansang kultura, kapwa katutubong at propesyonal. Ang tampok na ito ng kanyang pandinig ay itinuro ni B. Asafiev sa artikulong "Glinka's Hearing", kung saan isinulat niya na ang kompositor, na nasa pagkabata, dahil sa kanyang likas na henyo, ay nakakuha ng mga tiyak na tampok, pambansang tradisyon ng paglikha ng mga melodies, pagpapanatili ng isang melodic. linya at umalingawngaw. "Oh, maniwala ka sa akin, ang isang marangyang bulaklak ay lumago sa Russian musical soil - ito ang aming kagalakan, aming kaluwalhatian," sabi ni Odoevsky tungkol sa "Ruslan," ngunit ang parehong mga salitang ito ay maaaring maiugnay sa may-akda ng opera mismo. Ang kanyang karunungan sa boses, na ginawang perpekto sa Italya, ay nagpapahintulot din sa kanya na ipahayag sa kanyang sarili ang lahat ng bagay na ipinanganak sa hindi malay, at sa parehong oras ay intuitively.

4 Ang Boyan sa Verstovsky, tulad ng kalaunan sa Glinka, ay inilagay sa panahon ng paghahari ni Svyatoslav, at hindi si Vladimir, kung kanino siya iniuugnay ng mga epiko.

aktibong iwasto ang pagbuo ng melodic layers ng artistikong kabuuan. Ito ay ipinahayag sa lahat ng kanyang mga isinulat.

Ang sensitivity ng pandinig ni Glinka ay hindi kapani-paniwala. Napansin ng maraming mananaliksik ang kanyang pagkahumaling sa mga wika (Latin, Aleman, Pranses, Ingles, pagkatapos ay Persian), sa pagmamasid sa kanilang istraktura ng intonasyon at sa tumpak na pagpaparami nito. Bago maglakbay sa Espanya, nag-aaral siya ng Espanyol. Ang paglalakbay sa Caucasus ay naging parehong matingkad na linguistic at musikal na impresyon, ayon kay Asafiev, "na pumasok sa mga tainga ni Glinka." Sa lahat ng apat na buwan siya ay "nabuhay na nakadepende sa kanyang pandinig" nang walang mga aralin sa musika sa instrumento. At sa paghusga sa mga pahina ng opera na "Ruslana at Lyudmila", ang mga tunog na impresyon ng musika ng Silangan, "nagri-ring" sa hangin ng Caucasus Mountains, ay hindi mapaglabanan at matatag na nakabaon sa kanyang memorya, na nakakaapekto sa kanyang trabaho.

Ang solusyon ng kompositor sa panlabas at panloob na mga salungatan at ang kanilang relasyon sa dramaturgy ng "A Life for the Tsar" ay konektado din sa mga auditory impression ng kanyang kabataan. Ang pamilya Glinka ay bumangon mula sa pagsasama ng mga linya ng Polish at Ruso ng mga marangal na pamilya. Ang makasaysayang tunggalian ng mga bansang ito ay maaaring madama lalo na masakit sa kanya. Marahil ito ang dahilan kung bakit parehong malinaw at orihinal na ipinakita ang parehong mga Pole at Ruso, epically tama at walang kinikilingan. Kaya naman napakaganda ng “hymn to war” sa Polish act, kung saan ang digmaan ay binibigyang-kahulugan bilang isang maningning na matagumpay na kapistahan ng bola, isang tagumpay ng lakas, katapangan, at isang labanan sa pagsusugal na may espasyo at oras. Ang buhay ay inihalintulad sa isang kahanga-hangang bola ng kabalyero sa gitna ng kampo ng militar. Ang kampo ng militar ay isang spatio-temporal na modelo, isang simbolo ng panandaliang kasalukuyan at ang agresibong pang-unawa sa espasyo: ang tinubuang-bayan ay kung nasaan ang mga magigiting na mandirigma nito.

Kung isasaalang-alang natin ang katotohanan na, ayon sa plano ni Glinka, ang bola ay nagaganap sa teritoryo ng estado ng Russia, na inookupahan ng mga mananakop, kung gayon ang holiday ay tumatagal ng lalo na mga masasamang tampok. Ang pagsasayaw ay binuo bilang isang mapang-akit na laro sa pagitan ng mga laban. Kaya, ang ritwal na kumpetisyon sa sayaw, ang imahe ng isang kabalyero na paligsahan ay inilalarawan sa polonaise, ang imahe ng mga laro ng pag-ibig-kumpetisyon - sa mga pampakay na pagbabago ng mazurka. Ngunit sa parehong oras, ang pinakamahalagang paraan ng characterization ay sayaw na may isang koro. Ang pangingibabaw ng instrumental na prinsipyo ay kumikilos bilang isang simbolo ng panlabas, makinang, "pisikal", isang simbolo ng "makalupang" mundo, na sa opera ay sumasalungat sa panalangin, awit at pagmamahalan - ang vocal na prinsipyo,

nauugnay sa mga taong Ruso at kanilang mga bayani at sumasagisag sa "music humanus" - ang musika ng pagkakaisa ng kaluluwa at katawan, ang musika ng Pananampalataya5. Ang "war zone" at ang "peace zone" bilang magkaibang sistema ng relihiyon at pilosopikal, dahil ang iba't ibang pananaw sa mundo sa opera na "A Life for the Tsar" ay binibigyang kahulugan at pinaghahambing sa pamamagitan ng mga uri at anyo ng thematism. Sa isang banda, nariyan ang kagalakan ng mga samsam, ang karilagan ng pagdiriwang ng korte sa inaasahang tagumpay. Ang lahat ng "Polish" na musika ay isang himno na lumuluwalhati sa digmaan, sayaw bilang isang simbolo ng isang buhay na puno ng kasiyahan at libangan, ang kumpirmasyon kung saan ay matatagpuan sa mga teksto ng mga koro ng Act II. Ang kanilang ideal ay ang mabilis na pagpapatibay sa sarili sa pagkilos, ang kabalyero ay pinarangalan ang isang magiting na gawa, kahit na ano, mula sa isang etikal na pananaw, ito ay naglalayong. Sa finale ng Act IV, ang isang detatsment ng mga Poles ay sumisimbolo sa imahe ng mga mangangaso na humahampas sa kagubatan, tinutunton ang biktima at sa wakas ay tinatanggap ang biktima sa pinangyarihan ng pagkamatay ni Susanin.

Ang "kampo" ng Russia ay ipinapakita sa pamamagitan ng mga larawan ng mapayapang buhay. Ang buhay dito ay ang Matuwid na Landas, moral na kadalisayan, ang kabagalan ng paglalahad ng pabilog na mitolohiyang panahon kung saan nakatira ang mga Ruso. Ang mythological space ay malinaw na nakabalangkas at simboliko; isang kagubatan, ilog, bukid, nayon, lungsod, kremlin, monasteryo o suburb ay tinitirhan ng tao; ang bukang-liwayway dito ay isang simbolikong tanda na nagbabadya ng pagbabago ng lupain ng Russia. Si Misha Glinka ay lumaki sa ganitong kapaligiran. Para sa kanya, siya ay isang uri ng hindi matitinag na ibinigay.

Ang dramatikong pagsalungat ay kapansin-pansin hindi lamang sa genre na pinagmulan ng thematics: ang mazurka, polonaise, krakowiak, waltz ay tutol sa liriko, sayaw, ritwal na mga kanta sa kasal, pang-araw-araw na pag-iibigan, mga pag-awit ng panalangin ng isang espirituwal na himno at espirituwal na taludtod. Ang mga uri ng yugto ng oras sa kanilang mga sarili ay contrasted. Hinahangaan ang inang bayan, nakikiramay sa mga problema nito - sa isang kaso, naglalaro - sa isa pa. Tandaan natin na sa eksaktong parehong paraan, sa pamamagitan ng salungatan ng vocal at instrumental na mga prinsipyo, ang kaharian ng Chernomor at ang punong-guro ng Kiev ay sumasalungat sa musika ng opera na "Ruslan at Lyudmila". Mayroong kahit isang istilong kaibahan sa pagitan ng Slavic na pag-awit ng mga sinaunang melodies at ang silangan, instrumental-vocal, kumplikadong estilo ng ornamental.

Sa mga opera ni Glinka, marami tayong makikitang pagkakatulad sa teatro sa Europa. Ang mga dayandang ng "opera ng kaligtasan" ay kakaibang lumilitaw sa "Ruslan", kung saan

5 Sa bagay na ito, halos hindi patas na makita sa opera ang pagkakaroon ng isang confessional conflict sa pagitan ng Katolisismo at Orthodoxy, na lumaganap, halimbawa, sa Boris Godunov ni Mussorgsky o Alexander Nevsky ni Prokofiev.

ang pangunahing karakter ay sabay-sabay na kumikilos, iginiit ang kanyang sarili, bilang angkop sa isang epikong karakter, sa dalawang pakikipaglaban sa dalawang kapatid - ang simbolikong knight-head at Chernomor, at sa parehong oras ay naghihintay para sa isang mahimalang pagliligtas mula kay Finn pagkatapos ng pag-atake ng mga mandirigma ni Naina. Nang dumaan sa kanyang tulong ang yugto ng muling pagkabuhay sa pamamagitan ng patay at buhay na tubig - isang purong simbolikong pagkilos ng Pagbabagong-anyo, ibinalik niya ang kanyang katayuan at isinagawa ang pagkilos ng pagbabagong-anyo ng kanyang asawa.

Sa parehong mga opera ay may malakas at maraming koneksyon sa mahusay na trahedya sa kasaysayan ng Pransya, ang klasikal na oratorio at ang pambansang-epikong opera na "William Tell" ni Rossini, na dating nakaranas ng mga impluwensyang ito. Tandaan natin, una sa lahat, ang mga tradisyonal na uri ng arias: isang malaking French aria na binubuo ng tatlong seksyon ni Ruslan; ang makinang na magiting na cavatina, na naging isang dramatikong pagbubuhos ng damdamin, sa Gorislava; Ang malawak at malayang ginawang monoscenes ni Lyudmila.

Ngunit, ang pinakamahalaga, ipinapakita nila ang katangiang kalidad ng teatro nina Meyerbeer at Ober na aming napansin—ang kumbinasyon ng tatlong temporal at spatial na coordinate. "Kasaysayan bilang nakaraan" - ang muling pagtatayo ng isang makasaysayang kaganapan mula sa pananaw ng isang temporal na distansya - ay naroroon sa Glinka at kahit na nananaig sa pareho ng kanyang mga obra maestra. Lumilitaw ang "History as the present" sa hindi mahuhulaan na mga plot twists at turns, sa pare-parehong akumulasyon ng magkasalungat na pakikipag-ugnayan mula sa simula hanggang sa katapusan ng trabaho. Kaya, tulad ng isang snowball, ang sistema ng mga salungatan sa teatro ni Meyerbeer ay lumalaki. Ang diskarteng ito ay lalong makapangyarihan dahil sa pagsasama ng sandali ng eksistensyal na pagpili na kinakaharap ng bayani sa mapagpasyang sandali ng kanyang buhay: Ang reaksyon ni Raoul sa hitsura ni Valentina bilang isang nobya sa pagtatapos ng Act II ng The Huguenots, ang desisyon ni Valentina na pumunta sa pananampalatayang Protestante sa harap ng tiyak na kamatayan. Ang mga katulad na sitwasyon ay lumitaw sa "A Life for the Tsar": sa Susanin - sa Act III, sa Vanya - sa Act IV. Ang koneksyon sa Meyerbeer ay matatagpuan din sa interpretasyon ng imahe ng bola at kapistahan bilang isang laro ng pag-ibig at pseudo-valor, pati na rin sa mga parallel na pangkakanyahan. Ang musika ng "The Huguenots," pati na rin ang "A Life for the Tsar," ay nagsasama-sama ng kulto, folk-genre, klasikal, baroque na mga tema, at ang vocal melodicism ng Italian bel canto. Ang pagkakaiba ay hindi nakakamit ni Meyerbeer ang stylistic integrity sa kanyang opera (itinuro ng mga mananaliksik ang eclecticism ng kanyang estilo), pagkatapos

kung paano pinagsama-sama ng Glinka ang lahat ng mga sangkap at, sa gayon, inilatag ang pundasyon ng isang pambansang tradisyon na tumitingin sa hinaharap. At ginagamit niya ang estilistang kontradiksyon ng mga pampakay na layer, katulad ng kay Meyerbeer, sa "Ruslan" para sa isang tiyak na dramatikong layunin - para sa magkaibang pagsalungat ng mga antas ng espasyo-oras sa mythological continuum ng kabuuan.

Ang "Kasaysayan bilang hinaharap" ay naroroon sa hindi pagkakapare-pareho ng emosyonal, sikolohikal, pag-uugali na reaksyon ng mga bayani sa mga kaganapang nagaganap: Antonida at Vanya sa mga gawa III at IV ng "A Life for the Tsar", Lyudmila at Ratmir sa mga gawa. III at IV ng "Ruslan".

Mayroong higit pang mga pagkakatulad sa gawa ni Rossini. Alam na alam ni Glinka ang kanyang mga opera at pamilyar sa marami sa mga ito bago ang Tel-lyu. Gamit ang mga dramatikong prinsipyo ng mahusay na Italyano, ang dramaturgy ng parehong mga obra maestra ni Glinka ay nauugnay sa pag-asa sa maraming mga yugto ng ritwal, ang prinsipyo ng oratorio ng isang malaking stroke, na sa kasong ito ay ipinahayag ng organisasyon ng aksyon bilang isang kahalili ng monumental, medyo natapos ang mga dramatic na "blocks"6. Umaasa si Glinka sa qualitatively na bagong "fusion" ng oratorio at opera na nakamit na ni Rossini. Ang buong istraktura ng kabuuan, ang layout nito, ang kasaganaan ng mga eksena ng choral, ang "mga bloke" ng artistikong proseso, ang mga palatandaan ng mythological na oras at espasyo, kahit na ang choral interpretasyon ng orkestra na marka sa "A Life for the Tsar" - echo "William Tell."

Tulad ng sa Tell, ang parehong Glinka opera ay nagpapakita ng walang katapusang string ng iba't ibang mga ritwal: pagano sa Ruslan, Christian sa A Life for the Tsar. Sa parehong opera, ang isang katulad na through line ay nabuo sa pamamagitan ng pagkilos ng natural at cosmic na pwersa: ang paglapit ng tagsibol bilang simbolo ng pagpapalaya at pag-renew. Sa partikular, hindi lamang ang seremonya ng kasal ang nag-tutugma (sa opera ni Rossini sa Act I, sa opera ni Glinka - paghahanda para sa seremonya at ang naantalang bachelorette party sa Act III), ngunit isa ring bukas na paghaharap ng mga kolektibong imahe, isang magiting na gawa ng isang bayani na handa para sa isang nagbabayad-salang sakripisyo.

Ang artistikong espasyo ng "William Tell" ay binuo bilang isang mitolohiyang natural na kosmos (bundok, buwan, bagyo, lawa, langit), mga tao at kanilang

6 Malamang, ang modelo ni Rossini ay ang oratorio ni Meyerbeer, hindi si Haydn o Handel.

pananampalataya bilang mga bahagi ng kosmos na ito. Ang kumbinasyon ng mga mythological theater at folk epic na imahe sa "A Life for the Tsar" ay magkatulad. Sa tradisyong Ruso, ang mythologem ng Landas ay mahalaga. Sa opera, ang "tatlong bayani" ay nauugnay sa kanya - Susanin, Vanya, Sobinin. Ang bawat isa ay pumipili ng kanilang sariling paraan ng krus, ngunit ang tatlo ay parang mga bahagi ng isang puno: Susanin ang ugat, Sobinin at Vanya ang pagpapatuloy nito. Ang isang mahalagang aspeto ng mythologem ng Path ay ang libangan ng simbolikong landas ng ulila (Vani) - ang landas ng kabataan ng Diyos, gumagala sa kagubatan, pinoprotektahan ang kanyang ama = hari = Diyos. Ang opera ay naglalaman din ng mga likas na simbolo ng kosmiko: bukid - ilog - kagubatan - latian, at mga simbolo ng pagkakaroon ng tao: bahay - kuta - Kremlin - lungsod. Ang epikong simbolismo ay nakikipag-ugnay sa simbolismong Kristiyano: ama - anak, Sobinin (ang kanyang pangalan ay simboliko - Bogdan) at Antonida ay mga simbolo ng kadalisayan ng relasyon ng isang Kristiyanong kasal. Ang landas ng kabayanihan ay binibigyang kahulugan sa opera bilang isang landas ng pagsunod sa Kristiyanong moral na tungkulin, at bilang isang malayang eksistensyal na pagpili7.

Naturally, binabalangkas lamang namin ang mga simbolikong alituntunin na nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng mga tampok ng mitolohiya at maalamat na teatro sa makasaysayang opera ng Glinka. Ito ay higit na katangian ng "Ruslan". Kapitbahay dito

mga tampok ng isang fairy-tale extravaganza (Weber's Oberon), isang komiks (at kahit ironic) na konsepto ng "mahimala" alinsunod sa mga ideya ni Ludwig Tieck, isang pilosopiko na relihiyosong drama na may mahiwagang at kamangha-manghang mga pagbabago. Ngunit ang pinakamahalagang bagay: ito ay "Ruslan" na naglalaman ng halos lahat ng mga tampok ng mythological theater, na noong 40s, kasabay ng Glinka, si Richard Wagner ay patuloy na binuo. Siyempre, ang likas na talino at talento ni Pushkin ay paunang natukoy ang synthesis na ito ng mga epiko, engkanto at alamat, ngunit ang henyo ni Glinka ang nagbigay inspirasyon sa obra maestra ng batang makata, na lumilikha ng pagsasanib ng indibidwal at ng kolektibo na likas sa kaisipang Ruso.

Ang istraktura ng intonasyon ng parehong mga opera ni Glinka ay pare-parehong natatangi: ang kompositor ay nagkuwento sa ngalan ng mga tao bilang kanilang epikong mananalaysay, nagsasalita sa wika ng kanilang mga kanta at romansa, epiko, panalangin at ritwal.

Kaya, ang teatro ni Glinka sa kanyang dalawang obra maestra ay naglalakbay sa isang landas na katumbas ng nalakbay ng European opera sa loob ng tatlo o apat na dekada. Naging posible ito salamat sa pangkalahatan ng iba't ibang mga layer ng kulturang Ruso at Kanlurang Europa, isang pangkalahatan na lapidary at, sa parehong oras, monumental. Sa ganitong paraan lamang maaaring muling malikha ang hitsura ng isang pambansang bayani at ang kaisipan ng bansa.

PANITIKAN

1. Anikst A. Teorya ng dula sa Kanluran: Una

kalahati ng ika-19 na siglo. Ang panahon ng romanticism. M., 1970.

2. Pagdinig ni Asafiev B. Glinka // Musical psycho-

logy. M., 1979.

3. Beketova N., Kaloshina G. Opera at mito // Mu-

Teatro ng musikal noong ika-19-20 siglo: mga tanong ng ebolusyon: Sat. siyentipiko gumagana Rostov n/d, 1999.

4. Wagner R. Mga piling gawa. M., 1935.

5. Literary manifestos ng mga romantiko. M.,

6. Odoevsky V. Musical at pampanitikan na pamana. M., 1958.

7. Stendhal. Koleksyon op. Sa 15 volume. T. 7. M., 1959.

8. Cherkashina M. Historical opera ng panahon ng romanticism. (Karanansan sa pananaliksik). Kiev, 1986.

9. Schlegel F. Aesthetics, pilosopiya, kritisismo. SA

2 t. T.1. M., 1983.

7 Ang mga mitolohikong aspeto ng opera ni Glinka na "Life for the Tsar" ay tinalakay din sa aklat ni M. Cherkashina, artikulo ni N. Beketova at G. Kaloshina.

2.1.1. Pangkalahatang katangian ng pagkamalikhain

1. Livanova, T. M.I. Glinka / T. Livanova, V. Protopopov. – M., 1988.
2. Levasheva, O. M.I. Glinka / O. Levasheva. – M., 1987, 1988.
3. M.I. Glinka. Sa ika-100 anibersaryo ng kanyang kamatayan / ed. KUMAIN. Gordeeva. – M., 1958.
4. Sa alaala ni Glinka. Pananaliksik at materyales. – M., 1958.
5. M.I. Glinka. Pananaliksik at materyales / ed. A.V. Ossovsky. – L.-M., 1950.
6. M.I. Glinka. Koleksyon ng mga materyales at artikulo / ed. T.N. Livanova. – M.-L., 1950.
7. Stasov, V. M.I. Glinka / V. Stasov // Mga napiling gawa. Op.: sa 3 volume / V. Stasov. – M., 1952. – T. 1. – M., 1952.
8. Serov, A.N. Mga artikulo tungkol kay Glinka / A.N. Serov // Mga napiling artikulo: sa 2 volume / A.N. Serov. – M.–L., 1950 – 1957.
9. Laroche, G.A. Mga napiling artikulo tungkol sa Glinka / G.A. Laroche // Napili mga artikulo: sa. 1-5. / GA. Laroche. – M., 1953. – T. 1.
10. Asafiev, B. M.I. Glinka / B. Asafiev. – M.-L., 1950.

Ang gawain ni Mikhail Ivanovich Glinka ay partikular na kahalagahan para sa pagpapaunlad ng kulturang Ruso: sa kanyang mga gawa mayroong isang Mga klasikong musikal ng Russia . Kahit na sa panahon ng buhay ng kompositor, ang kanyang pangalan ay natatakpan ng walang kupas na kaluwalhatian (Odoevsky, Serov, Stasov). Siya ay nagtataglay ng matinding, orihinal na talento, na pinagsama ang karunungan at kaalaman sa lahat ng musikang European, mga natatanging kakayahan sa malikhaing, at ang talento ng isang pianista at bokalista. Binubuod ni Glinka sa kanyang trabaho hindi lamang ang lahat ng mahalaga sa pag-unlad ng musikal ng Russia, simula sa ika-17 siglo, ngunit idinagdag din sa lahat ng ito ang mga nakamit ng modernong paaralan sa Europa (Meyerbeer, Mendelssohn, Liszt, Chopin, Berlioz). Si Glinka ay mananatili magpakailanman sa kasaysayan bilang unang kompositor ng Russia global na kahalagahan.

Pamana :

– mga opera: "Ivan Susanin", "Ruslan at Lyudmila".

– symphonic genre : "Overture-Symphony" sa dalawang temang Ruso (hindi natapos); "Aragonese Jota", "Kamarinskaya", "Night in Madrid", "Waltz-Fantasy", musika para sa trahedya ng Puppeteer na "Prince Kholmsky".

– genre ng boses ng silid: higit sa 70 mga romansa at kanta.

– genre ng instrumental ng silid: sonata para sa viola at piano; "Pathetic Trio", 2 string quartets, atbp. Para sa piano: mga cycle ng variation, waltzes, mazurkas, polonaises, atbp.

Pinagmulan ng pagkamalikhain:

• Ang buhay panlipunan sa Russia XIX na siglo Ang pananaw sa mundo ng kompositor ay nabuo sa panahon ng mabilis na paglaki ng pambansang kamalayan sa sarili at rebolusyonaryong pag-iisip sa pagpapalaya (ang digmaan ng 1812, 1825). Ang batayan ng lahat ng mga aktibidad ni Glinka ay ang ideya ng pagiging makabayan at nasyonalidad . Ang mga nauna kay Glinka ay itinuturing na "katutubo" lamang bilang "araw-araw". Para kay Glinka, ang nasyonalidad ay isang malalim at magkakaibang pagmuni-muni ng buhay ng mga tao, kanilang pananaw sa mundo at karakter, kanilang karanasan sa kasaysayan. Kaya, si Glinka ang una sa mga kompositor ng Russia na naglagay ng ideya ng nasyonalidad sa batayan ng isang malawak na malikhaing konsepto.

Ang problema ng nasyonalidad sa isip ni Glinka ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa makatotohanang pamamaraan pagkamalikhain. At dito, pagtagumpayan ang pang-araw-araw na realismo ng ika-18 siglo, dumating siya sa mga prinsipyo ng aesthetic ng mataas na typification at poetic generalization ng phenomena ng realidad.

• sining ng musikal ng Russia . Posibleng ipahayag ang mundo ng pambansang kamalayan sa sarili lamang sa ilalim ng kondisyon ng kumpletong pagmamay-ari masining na paraan katutubong musikal na talumpati. Bilang resulta, nagawa ni Glinka ibuod ang iba't ibang sangay at direksyon ng alamat ng Russia alinsunod sa propesyonal na sining: Pag-awit ng lumang simbahan ng Russia; awit ng magsasaka; urban romance song. Ipinatupad din niya ang mga artistikong tagumpay ng kanyang mga nauna sa isang bagong paraan - Mga kompositor ng RussiaXVIII – simulaXIX na siglo.
• Kultura ng musika sa ibang bansa . Ang sining ni Glinka ay hindi lamang isang pambansang kababalaghan. Dumating siya sa kanyang pinakamataas na tagumpay sa pamamagitan ng pag-aaral ng karanasan ng mga dakilang masters sa Kanlurang Europa.

a) klasisismo.Maringal na higpit at lalim ng pag-iisip, pagkakatugma ng architectonics, lawak at monumentalidad ng mga musical form - impluwensya Handel At Gluck.Elegance of form, melodic richness, soulful and subtle lyricism - influence Mozart. Oratorial style - mula sa Haydn. Symphony - impluwensya Beethoven.

b) romantikismo. Sa kabila ng lahat ng "klasikal" na pag-iisip, si Glinka ay malayo sa normative aesthetics ng classicism. Naakit siya sa bagong sistema ng damdaming ipinahayag ng mga romantiko. Isang bago, romantikong pananaw sa mundo ang naglapit sa kanya kay Chopin, Weber, Berlioz, Liszt, at Bellini. Gayunpaman, ang kanyang hindi hinawakan ang sukdulan ng romantikismo: romantikong indibidwalismo, pag-aalinlangan, mystical detachment mula sa "makalupang kagalakan." Ang kanyang trabaho ay puno ng isang malusog, mahalagang pananaw sa mundo. Ang pinakamahalagang link sa aesthetics musical romanticism- ang masigasig na pagnanais ng mga romantiko para sa pambansang katangian ng pagpapahayag ng musikal.

Ang bagong nilalaman ng sining ni Glinka ay nauugnay sa bagong pag-unawa sa mga nasyonalidad. Ang pinakamataas na layunin ay upang ipakita ang mga tipikal na tampok ng espirituwal na hitsura ng mga taong Ruso at kanilang mga kinatawan. Sa kanyang mga gawa, inihayag ni Glinka ang pinakamahalagang aspeto Ruso katutubong katangian : kabayanihan, pagmamahal sa tinubuang-bayan, pananampalataya sa maliwanag na malikhaing puwersa ng buhay. Sa kanila, nakuha ng kompositor ang kasaysayan at epiko ng mga tao, ang kanilang mataas na dignidad sa moral, ang kanilang mga pananaw sa buhay at kalikasan. Kung paano inihayag ang romantikong Glinka sa kanyang trabaho tema ng liriko. Matingkad ding isinalin mga larawan ng Silangan.

Partikular na kahalagahan sa malikhaing pamamaraan nakukuha ng kompositorproblema sa kasanayan. Wala sa kanyang mga nauna ang nagbigay ng labis na pansin sa mga isyu ng artistikong anyo, arkitekto, at komposisyon. Ang anumang gawa ni Glinka ay umaakit sa integridad ng anyo, katumpakan at kalinawan ng pagpapahayag ng musika. Sa pamamagitan ng patuloy na paghahanap, dumating si Glinka sa paglikhapambansang istilo at wikang Ruso Klasikong musika , na naging pundasyon para sa buong hinaharap na pag-unlad ng paaralan ng komposisyon ng Russia. Likas sa Glinkasintetikong paraan ng pag-iisippinahintulutan kaming sumipsip at mag-generalize ng iba't ibang aspeto ng Russian folk melody at Russian speech at muling tunawin ang mga ito sa maayos na anyo ng propesyonal na musika.

• Melodica . Ang pinakadakilang melodista, ang tungkulin ng melody ay nangunguna. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng binibigkas na melodiousness, kinis, at "cohesion" ng mga intonasyon. Karaniwan ay ang ikaanim at hexachord na pag-awit, ikalimang tono na pag-awit, at isang pababang pag-unlad ng V-I. Ang boses ay nailalarawan sa pamamagitan ng kinis, kadalisayan at kaluwagan ng mga melodic na linya. Umasa siya sa mga tradisyon ng subvocal polyphony.
• Mga pamamaraan ng pag-unlad . Sinubukan niya sa lahat ng posibleng paraan upang maiwasan ang "German rut" - ang mga diskarte ng klasikal na symphonism ni Haydn (paraan ng thematic development). Nilinang niya ang isang anyo na binuo sa pangangalaga ng melody. Kaya naman – variant-singing at variational development.
• Harmony . Sa isang banda, nagbabago ito Kulay ng katutubong Ruso: plagality, pagkakaiba-iba ng modal, malawakang paggamit ng mga side step ng mode, variable na mode, mga mode katutubong musika. Sa kabilang banda, ginagamit nito ang mga pamantayan ng modernong romantikong pagkakaisa: tumaas na triad, nangingibabaw na hindi chord, major-minor na paraan, buong-tono na sukat.
• Form . "Ang pakiramdam at anyo ay kaluluwa at katawan" (Glinka). Ang pamamaraan ni Glinka ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkakaisa ng pakiramdam at katwiran, emosyonal at makatuwiran. Ito ang koneksyon sa pagitan ng mga aesthetics ng Glinka at Pushkin: ang rational-logical na prinsipyo ay hindi pinipigilan, ngunit nagtuturo sa lahat ng kapangyarihan ng inspirasyon.
• Orchestra . Isang napakatalino na master ng kulay ng orkestra, na gumawa ng pinakamahalagang kontribusyon sa musikang orkestra sa mundo. Ang kanyang orkestra orkestra ng mga purong timbre. Ang pagkakaroon ng maingat na pag-aaral sa likas na katangian ng bawat instrumento, siya ay bumuo ng kanyang sariling pamamaraan pagkakaiba-iba ng orkestra. Sa "Mga Tala sa Instrumentasyon" tinukoy ni Glinka ang mga tungkulin ng bawat pangkat ng orkestra. Strings - "ang kanilang pangunahing karakter ay paggalaw." Ang Woodwinds ay mga exponents ng pambansang kulay. Ang mga instrumentong tanso ay "mga dark spot sa larawan." Ang mga espesyal na coloristic na nuances ay nilikha sa pamamagitan ng paggamit ng mga karagdagang instrumento (harp, piano, bells, celesta) at isang rich group of percussion.

Mga tanong sa pagkontrol:

1. Ano ang kahalagahan ng M. Glinka sa kulturang musikal ng Russia?
2. Ilista ang legacy ng kompositor.
3. Ano ang mga pinagmulan ng pagkamalikhain ni M. Glinka?
4. Ano ang pagiging bago ng nilalaman ng musika ni M. Glinka?
5. Ipakita ang mga tampok ng musikal na wika ng kompositor.

Mga tanong para sa malayang gawain:

1. Mga tradisyon ng M. Glinka sa mga gawa ng kasunod na mga kompositor ng Russia.

Ang papel na ginagampanan ng pagkamalikhain ni M. I. Glinka sa pagbuo ng kultura ng propesyonal na musikal ng Russia.

Yarygina Galina Grigorievna

guro

MBU DO Samara "Paaralan ng musika ng mga bata No. 9 na pinangalanan. G.V. Belyaeva"

1. Panimula.

Kultural na buhay ng bansa bago ang Glinka:

1. Pangunahing bahagi.

Si Glinka ang nagtatag ng Russian classical school.

1. Konklusyon.

Ang makasaysayang papel ni Glinka.

1. Kultural na buhay ng bansa bago si Glinka.

Ang simula ng ika-19 na siglo, sa unang sulyap, ay hindi minarkahan ng anumang partikular na bago sa musikang Ruso. Ang maikling comedy opera na may pasalitang diyalogo ay patuloy na naging tanyag. Lalong lumaganap ang romance song. Ang ganitong uri ng opera at kanta, kasama ang musika ng sayaw, ay ang pangunahing, pinaka-tinatanggap na ginagamit na anyo ng musikal na kultura. Kasabay nito, maraming mga bagong phenomena at proseso ang naobserbahan sa pag-unlad ng kultura ng Russia; maraming bagay sa kulturang ito ang nagbago nang hindi mahahalata, unti-unting inihahanda ang lupa para sa hitsura ni Glinka kasama ang kanyang makikinang na mga opera, magagandang romansa at instrumental na komposisyon.

Sa pag-unlad ng sining ng Russia, ang mga unang dekada ng ika-19 na siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang masiglang kilusan sa lawak, isang mapagpasyang hakbang na lampas sa nakaraang medyo makitid na mga hangganan ng patyo, marangal na bahay at ari-arian, at isang pangkalahatang demokratisasyon ng mga simpleng anyo ng sining. . Ito ay isang panahon ng mahusay na pambansang pagtaas ng sining, na humantong sa pagpapalakas at pagpapayaman ng pambansa, Russian na mga katangian nito. Sa oras na ito, mayroon ding unti-unting komplikasyon at pag-unlad ng mga paraan at pamamaraan ng sining, at ang malikhaing asimilasyon ng mga bago at progresibong tagumpay sa mundo.

Sa kabila ng pagkakaroon ng serfdom, dibisyon ng klase ng lipunan at iba pang kahirapan, nabuo ang propesyonal na sining ng musika sa Russia. Ang musika ay isa sa mga mahalagang aspeto ng sining.

Ang mga lokal na musikero at mga mahilig sa musika ay aktibong nag-aaral ng mga musikal na teoretikal at musikal na makasaysayang mga gawa ng mga kilalang kinatawan ng sining ng Kanlurang Europa: D. Tsarlino, M. Maibom, M. Mersenne, J.-J. Rousseau, J. Delembert, atbp. Ang mga aklat-aralin sa Kanlurang Europa sa pagtuturo sa mga estudyante ng teorya ng komposisyon, pagtugtog ng iba't ibang instrumento, at sekular na pag-awit ay ipinakilala sa pagsasanay ng propesyonal na edukasyon sa musika: V. Manfredini "Harmonic and Melodic Rules", G. S. Lelein "Clavicord School" , L. Kellner "Tunay na pagtuturo sa komposisyon ng pangkalahatang bass," atbp.

Lumilitaw ang unang domestic musical teaching aid: D. Petrunkevich "Instruction for young students in musical singing with the clearest correspondence of tones belonging to the entire musical rule", M. Pomerantsev "The ABC, o ang pinakamadaling paraan upang tumugtog ng alpa ayon sa mga tala nang walang tulong ng isang guro", I. Prach " Kumpletuhin ang paaralan para sa piano." Ang paggamit ng literatura na pang-edukasyon ay pinadali ng pagbuo ng pag-print ng musika at librarianship. Noong 1801, isang utos ni Alexander I ang inilabas, na nagpapahintulot sa pag-import ng mga dayuhang libro at musika, ang pagbubukas ng mga pribadong bahay sa pag-print at ang pag-print ng mga libro at musika nang walang mga espesyal na paghihigpit sa censorship.

Noong 1802, ang publishing house ni G. Dalmas ay lumitaw sa St. Petersburg at sa parehong taon sa Moscow A. O. Sihra ay nagsimulang mag-publish ng "Magazine para sa Seven-String Guitar"; noong 1806 ang Moscow publishing house nina J. Peyron at F. L. Weisgeirber ay itinatag, at sa parehong oras ay sinimulan ni D. N. Kashin na i-publish ang "Journal of Russian Music". Bawat taon ang bilang ng mga nai-publish na mga libro sa teorya ng musika at pedagogy, kabilang ang mga may-akda ng Ruso, ay lumago.

Ang paglaganap ng kultura ng musika ay ipinahayag sa pagtaas ng bilang ng mga sinehan, paggawa ng opera, at sa paglaki ng mga manonood sa teatro. Noong 1802, nilikha ang Philharmonic Society sa St. Petersburg, na nagbigay ng dalawa hanggang limang malalaking pampublikong konsiyerto bawat panahon: sa unang pagkakataon sa Russia, ang mga oratorio at cantatas ni Handel, Haydn, Mozart, Beethoven at iba pa ay ginanap (sa partikular , sa Russia ang Solemne Mass ni Beethoven). Ang kalawakan ng Russian performing musician ay lumalaki.

Ang mga aralin sa musika sa tahanan ay umaabot sa mas malawak na lunsod at lokal na mga lupon. Ang mga taludtod sa opera, mga kanta, pagtugtog ng gitara, at naka-istilong pagsasayaw ay nagiging paboritong libangan sa maraming tahanan ng Russia. Ang pinakamahalagang bagay ay ang musikang Ruso ay nakahanap ng mga bagong tema at bagong artistikong pamamaraan.

Ito ang kasagsagan ng mga pribadong salon ng musika sa mga tahanan ng mga aristokrata ng Russia (halimbawa, ang salon ni Odoevsky, na isang napaliwanagan na musikero at isang malalim na kritiko ng musika; ang kanyang salon ay binisita din ng mga natatanging European tour na musikero, kasama si Liszt).

Sa tula ng Russia, pagpipinta at musika, lumitaw ang mga tampok ng kilusang iyon, na tinatawag na romanticism. Sa mga opera at romansa, ang mga bagong romantikong katangian ay nagpapakita ng kanilang sarili sa isang matalas na interes sa misteryoso, patula at makulay na katutubong sinaunang panahon, sa isang fairy tale, sa mga personal na liriko na karanasan ng isang tao, sa espesyal na pagiging makulay sa pag-render ng mga larawan ng kalikasan at buhay ng tao. , sa pangkalahatan - sa lahat ng katangian, espesyal, maliwanag.

Ang pinakamahalaga at makabuluhang tema ay ang tema ng kabayanihan. Kasama ng mga fairy-tale, mahiwagang, comedic opera at masasayang, magaan na vaudeville na nakakabighani sa mga manonood ng teatro noong panahong iyon, isang bagong uri ng opera ang umuusbong, na kalaunan ay papalitan ng mga dakilang gawa gaya ng Ivan Susanin ni Glinka.

Ang Digmaang Patriotiko noong 1812, na pumukaw sa buong mamamayang Ruso upang labanan ang pagsalakay ng Napoleoniko, ay nagdulot ng malaking pagsulong ng pagkamakabayan, na hindi maiwasang maipakita sa sining ng Russia. Ang pagkamakabayan ng mga mamamayang Ruso ay ipinakita sa pagtaas ng pagmamalasakit para sa pangkalahatang kabutihan, sa isang malawak na kamalayan sa mga karaniwang interes ng bansa, sa pagnanais na itaas ang antas ng pambansang kultura at kagalingan.

Ang pag-aalsa ng Decembrist noong 1825 ay nagpatotoo sa paghahanda ng isang bagong panahon sa pag-unlad ng lipunang Ruso, sa lumalagong mga kontradiksyon sa lipunan sa loob ng estado ng serfdom.

Ang lahat ng mga damdamin, kaisipan, mga karanasan ay makikita sa maraming mga musikal na gawa noong panahong iyon. Ang panahon ng mga Decembrist ay minarkahan ang simula ng pag-unlad ng rebolusyonaryong kanta sa Russia. Ang mahusay na merito sa bagay na ito ay kabilang sa mga numero ng kilusang Decembrist - Ryleev at Bestuzhev. Ang mga tradisyon ng rebolusyonaryong awit, na inilatag ng mga makatang Decembrist, ay kinuha at binuo ng kanilang mga kontemporaryo. Ang mga tema ng pag-ibig sa kalayaan at protesta, ang paglaban sa panlipunang pang-aapi, ay tumagos nang malalim sa pang-araw-araw na mga kanta.

Habang lumalago at lumaganap ang mga ideya sa pagpapalaya, tumindi ang pagtutol ng pamahalaan sa kanila. Nasa ikalawang kalahati na ng paghahari ni Alexander I, ang reaksyunaryong kursong ito ay natukoy, na ipinahayag sa pagkawasak ng mga unibersidad at pagpapalakas ng censorship. Isang mahabang panahon ng walang uliran na malupit, bingi at walang awa na reaksyon ang naghari sa buhay ng Russia pagkatapos ng pagsupil sa pag-aalsa ng Decembrist, kasama ang pag-akyat sa trono ni Nicholas I. Ang pagkakaroon ng demokratikong pamamahayag, at higit pa sa mga organisasyong pampulitika na nagsasagawa ng praktikal na rebolusyonaryo mga aktibidad, ay imposible sa Russia.

Sa ilalim ng mga kundisyong ito, ang panitikan ay nagiging lalong mahalaga; ang mga gawa nina Pushkin, Gogol, at Lermontov ay naging pangunahing tagapagsalita ng pag-iisip ng pagpapalaya.

Ang lahat ng nasa itaas ay lumilikha ng mga kinakailangan para sa pagbuo ng mga klasikal na paaralan ng pambansang panitikan at sining ng Russia.

1. M. I. Glinka - una ika- Russian musical classic.

Unang kalahati ng ika-19 na siglo siglo - ang simula ng klasikal na panahon ng musikang Ruso.

Ang unang lumabas mula sa kapaligiran ng semi-amateur at semi-propesyonal na aristokratikong paggawa ng musika ay musikal na Ruso klasiko - Mikhail Ivanovich Glinka. Ang henyo ni Glinka ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang genre - symphonic, chamber-vocal, chamber-instrumental, ngunit ang pinakamataas na tagumpay ng kompositor ay ang kanyang mga opera - patriotic folk tragedy Buhay para sa Tsar (1836) at epikong kuwentoRuslan at Ludmila(1842); isinulat sa antas ng pinakamahusay na mga gawa sa Europa noong panahong iyon at sa parehong oras ay medyo orihinal sa istilo, higit na tinutukoy nila ang pangingibabaw ng genre ng opera sa musikang Ruso noong ika-19 na siglo. at ang mga pangunahing paraan ng pag-unlad nito.

Sa kasaysayan ng pambansang kultura ay may mga pangyayaring tumutukoy sa kapalaran nito sa darating na mga dekada. Ang nasabing isang makasaysayang milestone ay ang paglikha ng opera ni Glinka na "Ivan Susanin", na inihanda ng mga makasaysayang kaganapan at isang bagong panahon sa sining ng musikal ng Russia. Ang opera ay bumagsak sa kasaysayan bilang ang unang malalim na makatotohanang katutubong musikal na drama, na may ganoong kalaliman, pagpapakita at paglutas ng mga problema ng relasyon sa pagitan ng bayani at ng mga tao.

Ang nilikha ni Glinka sa "Ruslan at Lyudmila" ay kalaunan ay naiba-iba sa musikang Ruso. Ang mga kompositor ay binigyang inspirasyon din ng apela ng tagapagtatag ng musikang klasikal ng Russia kay Pushkin. Ang mga gawa tulad ng "Boris Godunov" ni Mussorgsky, "Eugene Onegin" at "The Queen of Spades" ni Tchaikovsky, "The Tale of Tsar Saltan" at "The Golden Cockerel" ni Rimsky-Korsakov ay katibayan ng lakas at sigla ng mahusay na tradisyon ng Pushkin sa sining ng musikal ng Russia.

Tinukoy ng mga opera ni Glinka ang landas ng pag-unlad ng genre ng opera sa Russia. Sa mga prinsipyo ng musikal na dramaturhiya, sa makasagisag na istraktura at sa mga pamamaraan ng pagbuo ng katutubong-pambansang tema, ang mga opera ni Glinka ay ang batayan para sa gawain ng mga klasikal na kompositor ng Russia.

Ang unang opera ni Glinka na "Ivan Susanin" ay isang pinakamahalagang kontribusyon sa kultura ng mundo. Ang landas na ito ay sinundan ni Mussorgsky sa mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina", Rimsky-Korsakov sa mga opera sa mga tema ng kasaysayan ng Russia na "The Woman of Pskov", "The Tsar's Bride", "The Tale of the Invisible City of Kitezh ” at Borodin sa opera na “Prince Igor”. Ang opera ng Russia ay dumaan sa mahabang landas ng pag-unlad, ngunit ang mga sumusunod ay nanatiling hindi nagbabago: isang malalim na pag-unawa sa makasaysayang tema mula sa pananaw ng modernidad, ang nangungunang papel ng mga tao, ang end-to-end na pagpapatupad ng nangungunang kaisipan at ang pangunahing salungatan na ipinahayag sa pamamagitan ng pag-unlad ng symphonic; makatotohanang sagisag ng mga pangunahing tauhan at malikhaing paggamit ng katutubong-pambansang pinagmulan. Ang mga prinsipyo ng pagsulat ng ensemble, ang likas na plasticity ng kompositor at kalinawan ng mga independiyenteng melodic na linya, ay ipinagpatuloy sa mga opera ng Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, at Borodin.

Makabago sa konsepto, ang "eksena ng ballet na may isang koro" sa napakatalino na suite ng mga sayaw ng Poland ng Act II ay hindi isang ipinasok, pandekorasyon na numero, na naobserbahan sa mga gawa ng mga kompositor bago si Glinka. Bilang isa sa mga mahahalagang elemento ng dramatikong aksyon, binabalangkas nito ang landas ng symphonization ng Russian ballet, na kasunod na ipinagpatuloy ni Tchaikovsky.

Pinagsasama-sama ng musika ni Glinka ang pinakamahusay na mga tagumpay ng kulturang musikal sa Europa sa pambansang tradisyon. Ang legacy ng unang Russian musical classic na istilo ay pinagsasama ang tatlong direksyon:

1. Bilang isang kinatawan ng kanyang panahon, si Glinka ay isang natitirang kinatawan ng artistikong realismo ng Russia;

2. Klasisismo. Sa mga terminong ideolohikal, ito ay ipinahayag sa kahalagahan ng imahe huwarang bayani, mga halaga ng mga ideya ng tungkulin, pagsasakripisyo sa sarili, moralidad.

3. Romantisismo (ibig sabihin pagpapahayag ng musika sa larangan ng pagkakaisa, instrumentasyon).

Ang klasisismo ni Glinka ay ang sagisag ng mga perpektong larawan ng mga bayani na naglalagay ng mga karaniwang interes kaysa sa mga personal, at isang ugali sa mga monumental na anyo at napakagandang istilo. Mga kabayanihan at kalunos-lunos na mga imahe, na puno ng mahigpit, marilag na kalunos-lunos, kalinawan, transparency at pagkakaiba ng wika, lohikal na pag-iisip at balanse ng anyo ("proporsyonalidad ng mga bahagi upang bumuo ng isang maayos na kabuuan" - mahalagang kondisyon ayon kay Glinka) - lahat ng ito ay nag-uugnay kay Glinka sa klasisismo.

Ang kompositor ay nagkakaisa sa romantisismo sa pamamagitan ng kanyang interes sa paglalarawan ng katutubong buhay na may natatanging pambansang kulay, kalikasan, makasaysayang sinaunang panahon, malalayong bansa at lupain, mga larawan ng katutubong fiction. Kulay, ang kagandahang-loob ng sound palette, ang iba't ibang mga bagong harmonic na paraan at orchestral sonorities, ang sharpness ng contrasts ay ang mga romantikong katangian ng gawa ni Glinka.

Itinuring ni Glinka ang realista na ang pangunahing bagay ay isang matapat na pagsisiwalat ng kakanyahan ng mga totoong kaganapan na nagaganap sa buhay mismo, ang mga emosyonal na karanasan ng isang tao. Sa bawat indibidwal na kababalaghan, hinahangad niyang hanapin ang pangkalahatan, tipikal, at sa kabilang banda, isinama niya ang pag-generalize ng mga kaisipan sa mga partikular na larawan - buong-dugo, mahalaga, totoo.

Mula sa buong iba't ibang mga phenomena sa buhay, ang kompositor ay pangunahing pinipili ang mga kung saan ang matataas na pag-iisip at malakas na damdamin ng malalaking, espirituwal na makabuluhang personalidad ay ipinahayag. Siya ay higit na interesado sa mga makasaysayang kaganapan kung saan ang panloob na mga kontradiksyon sa lipunan ay hindi lumilitaw, at ang mga tao at lipunan ay kumikilos bilang isang solong kabuuan. Sa panloob na buhay Ang kompositor ay hindi nagha-highlight ng mga sikolohikal na kontradiksyon at mga sandali ng pakikibaka sa pag-iisip, ngunit mahalagang mga damdamin at karanasan.

Ang lahat ng sining noong panahong iyon ay pinaliwanagan ng henyo ni Pushkin, na ang gawain ay kasabay ng resulta, ang rurok ng mahabang proseso ng pag-unlad ng panitikang Ruso at ang simula ng isang bagong panahon.

Ang "Pushkin ng musikang Ruso" ay bumaba sa kasaysayan ni Glinka. Tulad ni Pushkin, binuksan niya ang "ginintuang panahon" ng sining ng musikal ng Russia: ang nilalaman at antas ng artistikong mga gawa na nilikha niya ay naglatag ng pundasyon para sa mga klasikong musikal ng Russia.

"Sa maraming aspeto, si Glinka," ang isinulat ni V.V. Stasov, "ay may parehong kahalagahan sa musikang Ruso bilang Pushkin sa tula ng Russia. Parehong mahusay na mga talento, parehong tagapagtatag ng bagong artistikong pagkamalikhain ng Russia - parehong malalim na pambansa, na direktang kumukuha ng kanilang mahusay na lakas mula sa mga katutubo. mga elemento ng kanilang mga tao, parehong lumikha ng isang bagong wikang Ruso - isa sa tula, ang isa sa musika."

Tulad ni Pushkin, malawak na sinasalamin ni Glinka ang modernong katotohanan sa kanyang trabaho at nagbigay ng bagong sagisag ng nasyonalidad at nasyonalidad sa sining ng musika.

Ang pagpaparami ng katotohanan ay aesthetically elevated - isang mahalagang tampok masining na pamamaraan, na inilalapit si Glinka kay Pushkin. Ang sining ni Glinka ay pinalaki ng pinagmulan ng katutubong sining. Nangangahulugan ito hindi lamang ang pag-unlad ng musikal ng mga katutubong kanta, kundi pati na rin ang isang malalim, multifaceted na pagmuni-muni sa musika ng buhay, damdamin at kaisipan ng mga tao, na nagpapakita ng mga katangian ng kanilang espirituwal na hitsura. Hindi nililimitahan ng kompositor ang kanyang sarili sa pagsasalamin sa katutubong buhay, ngunit isinama sa musika ang mga tipikal na tampok ng pananaw sa mundo ng mga tao.. Ang mga tao ang naging pangunahing tauhan ng kanyang gawain, at ang mga awiting bayan ay naging batayan ng kanyang musika.

Bago ang Glinka, sa musikang Ruso, ang "mga tao" - mga magsasaka at taong-bayan - ay halos hindi kinakatawan bilang mga bayani ng mahahalagang kaganapan sa kasaysayan. Dinala ni Glinka ang mga tao sa yugto ng opera bilang aktibong karakter sa kasaysayan. Sa kauna-unahang pagkakataon, lumitaw siya bilang isang simbolo ng buong bansa, isang tagapagdala ng pinakamahusay na espirituwal na mga katangian nito. Siya ang unang nag-angat ng isang katutubong himig sa trahedya. At sa gayon ay ipinahayag niya sa musika ang kanyang pag-unawa sa mga tao bilang pinakamataas at pinakamaganda. Ang "mga sipi" ng alamat (tumpak na ginawang tunay na katutubong melodies) sa musika ni Glinka ay mas bihira kaysa sa karamihan ng mga kompositor ng Russia noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ngunit marami sa kanyang sariling mga musikal na tema ay hindi maaaring makilala mula sa mga katutubong. Ang intonasyon at musikal na wika ng mga katutubong awit ay naging katutubong wika ni Glinka, kung saan ipinapahayag niya ang iba't ibang uri ng mga kaisipan at damdamin.

Sa Glinka, magsisimula ang isang bagong yugto sa mga koneksyon sa pagitan ng propesyonal na sining ng musika at katutubong sining.

Ang sining ni Glinka ay pinalusog ng mga pinagmulan ng katutubong sining, hinihigop sinaunang tradisyon Ang kultura ng koro ng Russia, muling binibigyang kahulugan ang mga masining na prinsipyo ng paaralan ng mga kompositor ng Russia noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo sa isang bagong paraan. Ang Russian monumental choral style na a cappella, unang bahagi ng Russian opera, pang-araw-araw na mga awiting romansa, at mga tradisyon ng katutubong awit sa mga genre ng instrumental na musika noong ika-18 siglo ay humantong sa sining ni Glinka. Siyempre, ang lahat ng elementong ito ay natunaw ng Glinka sa isang bagong kalidad ng mas advanced, klasikal na istilo. Siya ang unang nagbigay sa Russian propesyonal na musika ng malawak na saklaw, lakas ng ideolohikal na nilalaman at pagiging perpekto ng mga artistikong anyo.

Ang bagong nilalaman ng sining ni Glinka ay konektado, una sa lahat, sa isang bagong pag-unawa sa pinakamahalagang prinsipyo ng Russian school of composition - ang prinsipyo ng nasyonalidad. Isinulat ng kompositor ang magagandang salitang ito: "...ang mga tao ay lumilikha ng musika, at kami, ang mga artista, ay nag-aayos lamang nito."

Si Glinka ang unang kompositor ng Russia na nakamit ang pinakamataas na antas ng propesyonal na kasanayan para sa kanyang panahon sa larangan ng form, harmony, polyphony, orchestration, at pinagkadalubhasaan ang kumplikado, binuo na mga genre ng musikal na sining ng kanyang panahon (kabilang ang opera na may cross-cutting. pag-unlad ng musika, walang pasalitang diyalogo). At nilapitan niya ang alamat na ganap na armado ng kanyang mga kasanayan sa pagbuo. Nakatulong ito sa kanya na "iangat" at - gaya ng sinabi niya mismo - "palamutihan" ang isang simpleng katutubong awit, ipakilala ito sa pangunahing mga anyong musikal. Umaasa sa mga katutubong at natatanging tampok ng katutubong awit ng Russia, pinagsama sila ni Glinka sa lahat ng kayamanan ng mga nagpapahayag na paraan na naipon ng kultura ng musika sa mundo, atlumikha ng kakaibang pambansang istilo ng musika, na naging batayan ng musikang Ruso ng mga sumunod na panahon.

Ang musikal na wika ng mga gawa ni Glinka,tulad ng wika ni Pushkin sa panitikan, ito ay at nananatili hanggang sa araw na ito ay isang hindi mauubos na mapagkukunan ng masining na pagpapahayag. Kasama niya, ang pagbuo ng Russian classical musical na wika ay nakumpleto, na kinuha sa isang partikular na masinsinang karakter noong ika-18 siglo dahil sa pagsasanib ng mga elemento ng pambansa at pan-European.

Ang depining element ng kanyang musika ay melody. Ang melody ay nailalarawan sa pamamagitan ng singsongness, smoothness, tipikal na mga liko: ikaanim at hexachord chants, pag-awit ng ikalimang tono, pababang paggalaw mula sa ikalima hanggang sa tonic ng mode. Ang pagiging songful ay katangian ng kanyang vocal at instrumental compositions, kung saan ang "singing harmony" ay tumatagos sa buong orkestra na tela.

Ang isa pang salik sa pagtukoy sa wikang musikal ni Glinka ay ang pagiging malapit at panloob na pagkakamag-anak sa alamat: kapwa sa pang-araw-araw na mga larawang pangmusika at sa mga kabayanihan, liriko, at trahedya. Ang intonasyon ng mga katutubong awit at ang kanilang musikal na wika ay naging katutubong wika ni Glinka, kung saan siya ay nagpapahayag ng iba't ibang uri ng mga kaisipan at damdamin. Ang mga pangunahing tampok ng Russian folk music - mahusay na panloob na emosyonalidad na may panlabas na pagpigil at kalubhaan ng pagpapahayag, malawak na pag-awit, maindayog na kalayaan, variable na karakter ng pag-unlad - ang naging batayan ng lahat ng gawain ng kompositor.

Hindi nililimitahan ang kanyang sarili sa pagkilala sa mga pang-araw-araw na kanta ng kanyang kapaligiran (na kadalasang nagsisilbing pangunahing "landmark" para sa kanyang mga kontemporaryo) at hindi nagpapasakop sa pamilyar na pampakay na materyal sa karaniwang mga pamantayan ng istilong Kanlurang Europa, malalim siyang tumagos sa pinagmulan ng katutubong awit. melodies at naiintindihan hindi kaya magkano ang mga tema sa kanilang sarili bilang matatag na mga prinsipyo ang kanilang mga embodiments - kabilang ang mga pangunahing pundasyon ng Russian modal na pag-iisip, ang mga prinsipyo ng subvocal polyphony at libreng variant pag-unlad. Ang lahat ng ito ay namangha sa mga tagapakinig sa oras na iyon sa pagiging bago nito at pinilit ang pinaka-maunawaing mga kontemporaryo ni Glinka na makita sa kanyang bagong musika "isang buong sistema ng melody at pagkakaisa ng Russia, na nakuha mula sa katutubong musika mismo at hindi katulad ng alinman sa mga nakaraang paaralan" (kritiko N. A. Melgunov).

Patula na isinalin ni Glinka ang Russian folk color, gamit ang orihinal na modal turns, ang prinsipyo ng modal variability, tipikal na mode ng Russian folk songs - Mixolydian major, natural minor.

Ang kinis ng boses, ang lunas ng melodic pattern - lahat ng ito ay ang mga katutubong tradisyon ng folk subvocal polyphony. Ang kalayaan at hindi mapigil na boses na katangian ng harmonic at polyphonic na pag-iisip ni Glinka, ang kanyang pamamaraan ng layering na mga boses, ang kanyang pagmamahal sa transparent na dalawa at tatlong boses - lahat ng ito ay nauugnay sa estilo ng folk polyphony. Si Glinka ay matatas sa paraan ng pag-unlad ng variant. Ang polyphony ni Glinka ay pareho at hindi katulad ng mga klasikal na halimbawa. Gumagamit ang kompositor ng klasikal na Western European na mga anyo ng fugue, canon, imitation, at moving counterpoint, ngunit ang mga ito ay isang pambansang karakter na Ruso. Kasunod ng Glinka, Tchaikovsky, Rachmaninov at maraming iba pang mga kompositor ng mga sumusunod na henerasyon ay gumamit ng mga pamamaraan ng pag-unlad ng variant-singing.

Ang gawain ni Glinka ay ang impetus para sa masinsinang pag-unlad ng kaisipang Ruso tungkol sa musika.

Ang domestic musical science noong panahong iyon ay nagtakda ng sarili nitong mga makabagong gawain, ang solusyon kung saan humantong sa paglitaw ng isang bilang ng mga orihinal na teoretikal at makasaysayang mga konsepto na may kapansin-pansing epekto sa pag-unlad ng hindi lamang Russian, kundi pati na rin sa mundo ng musikal na pag-iisip. Kabilang dito ang mga pahayag ng mga namumukod-tanging kompositor na Ruso, at ang pagbuo ng mga indibidwal na teoretikal na disiplina sa musika, at gawain sa pagkolekta at pag-aaral ng katutubong sining, at pananaliksik sa larangan ng kasaysayan ng musikang klasikal ng Russia. Nagkaroon din ng mga aktibong debate tungkol sa karagdagang pag-unlad ng mga klasiko, ang mga resulta nito ay maraming mga gawaing pang-agham. Malaking pansin ang binayaran sa pagrepaso sa mga konsyerto at pagsulat ng mga kritikal na pagsusuri para sa mga pahayagan at magasin. Ang mga epistolary publication - sulat ng mga kompositor at memoir - ay may malaking kahalagahan para sa pag-aaral ng panahon, estilo ng kompositor at buhay ng konsiyerto.

Sa gawa ni Glinka, ang musicology sa Russia ay nakakuha ng isang karapat-dapat na bagay ng pag-aaral para sa pag-post ng mga pangunahing problema sa musika at aesthetic; batay sa pagsusuri ng kanyang trabaho, lumitaw ang propesyonal na panitikan sa musika. Ang mga gawa ni Glinka ay sinusuri sa historikal, aesthetic, musikal at malikhaing aspeto. Ang kanyang mga gawa ay paksa ng mga kritikal na artikulo na nakatuon sa mga problema ng musikal na teatro at musikal na pagtatanghal, mga problema ng operatic drama, ang mga prinsipyo ng symphonism, at ang mga detalye ng musikal na wika. V.F. Odoevsky, A.N. Serov, V.V. Stasov, G.A. Larosh, P.P. Weinmarn, N.F. Findeizen, N.D. Kashkin, A.N. Rimsky-Korsakov, B.V. Asafiev, D.D. Shostakovich, V.V. Protopopov Liva, T.N.

Mga aktibidad na pang-edukasyon ng M.I. Glinka.

Noong 50s Ang isang pangkat ng mga katulad na tao, mga tagataguyod ng kanyang sining, ay nagkakaisa sa paligid ng Glinka, kabilang ang A. N. Serov, V. V. Stasov, A. S. Dargomyzhsky, M. A. Balakirev. Sa mga taong ito, lumitaw ang mga plano para sa symphony na "Taras Bulba" at ang opera na "The Bigamist" (hindi natanto). Ang pagkakaroon ng nagpasya na lumikha ng isang orihinal na sistema ng Russian counterpoint. Si Glinka, na naninirahan sa Berlin noong 1856, ay nag-aral ng malalim sa polyphony ng mga lumang masters at sa parehong oras ang mga melodies ng Znamenny chant, kung saan nakita niya ang batayan ng Russian polyphony. Ang mga ideyang ito ng Glinka ay kasunod na binuo ng mga kompositor ng Russia na sina S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov at iba pa.

Symphonic na pagkamalikhain.

Natukoy ang mga symphonic na gawa ni Glinka karagdagang pag-unlad Russian symphonic na musika. Sa "Kamarinskaya" ipinahayag ni Glinka ang mga tiyak na tampok ng pambansang pag-iisip ng musikal, synthesized ang kayamanan ng katutubong musika at mataas na propesyonal na kasanayan. Ang mga tradisyon ng Spanish overtures (mula sa kanila - ang landas sa genre symphonism ng Kuchkists) at ang Waltz-Fantasy (ang mga liriko nitong imahe ay katulad ng ballet music at mga symphonic waltzes ni Tchaikovsky) ay ipinagpatuloy ng mga klasikal na kompositor ng Russia. Isinulat ni A. N. Serov ang kanyang Mga Tala sa Instrumentasyon (unang inilathala sa Musical and Theater Bulletin, 1856, No. 2, 6).

Binalangkas ng musika ni Glinka ang mga sumusunod na landas para sa pagbuo ng symphonism ng Russia:

1. Pambansang-genre (folk-genre);
2. Liriko-epiko;
3. Madula;
4. Liriko-sikolohikal.

Ang dramatic symphonism ay tradisyonal na nauugnay sa pangalan, una sa lahat, ng L. Beethoven; sa musikang Ruso ang pinakakapansin-pansing pag-unlad ay may kaugnayan sa gawain ni P. Tchaikovsky.

Innovation sa mga gawa ni M. Glinka

ganap na ipinahayag na may kaugnayan sa linya ng folk-genre symphony, na nailalarawan sa pamamagitan ng mga sumusunod na tampok at prinsipyo:

1. Ang pampakay na batayan ng mga gawa, bilang panuntunan, ay tunay na katutubong awit at katutubong sayaw na materyal;
2. Malawakang paggamit sa symphonic na musika ng pag-unlad ay mga paraan at mga pamamaraan na katangian ng katutubong musika, halimbawa: iba't ibang mga pamamaraan ng variational development;
3. Paggaya ng tunog sa isang orkestra mga instrumentong bayan(o kahit na ipakilala sila sa orkestra). Kaya, sa "Kamarinskaya" (1848) ang mga violin ay madalas na ginagaya ang tunog ng balalaika, at sa mga marka ng mga Espanyol na overture na "Aragonese Jota" (1845) at "Night in Madrid" (1851) ay ipinakilala ang mga castanets.

M. Glinka ay gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa pagbuo ng instrumentasyon, na lumikha ng unang manu-manong Ruso sa lugar na ito, "Mga Tala sa Instrumentasyon." Kasama sa gawain ang dalawang seksyon:

1. Pangkalahatang aesthetic, na nagpapahiwatig ng mga gawain ng orkestra, kompositor, pag-uuri, atbp.;
2. Isang seksyon na naglalaman ng mga katangian ng bawat instrumentong pangmusika at ang mga kakayahan nito sa pagpapahayag.

Ang orkestrasyon ni Glinka ay nakikilala sa pamamagitan ng katumpakan, kahusayan, at "transparency," gaya ng sinabi ni G. Berlioz:

"Ang kanyang orkestra ay ilan sa pinakamagaan na buhay sa ating panahon."

Si Glinka ang nagtatag ng pambansang paaralan ng pag-awit ng Russia.

Ang Russian vocal school ay unti-unting umunlad, na nakakahanap ng buong pagpapahayag sa vocal na paraan ng M. I. Glinka. Ang synthesis ng Orthodox singing art, folk song at bel canto melodies na isinagawa sa kanyang trabaho ay nagsilang ng phenomenon ng Russian music, na maaaring matalinhagang tawaginRussian bel canto.

Unti-unti, ang Russian vocal school ay nagiging isang kilalang malayang kilusan sa sining. Ayon kay B.V. Asafiev, "ang mga tradisyon ng paaralang ito, na dumaan sa ika-19 na siglo, sa pamamagitan ng isang kalawakan ng mga kompositor at tagapalabas, ay naging isang kababalaghan sa mundo sa karunungan ng Chaliapin. Ang pinakadakilang mang-aawit ng opera na si Chaliapin ay naging tagapagtaguyod ng vocal at aesthetic ideals, ang utos ni Glinka." Asafiev B. M. I. Glinka. L., 1978.

Vocal at methodological instructions ni M.I. Si Glinka ay ganap na naaayon sa kung ano ang nilalaman ng mga gawa ng kanyang mga kontemporaryo. A. Varlamov, F. Evseev, G. Lomakin, na dumating sa amin mula sa mga tradisyon ng mga gurong Ruso ng mas malayong mga siglo. M.I. Itinuring ni Glinka na hindi nararapat at hindi kinakailangan na ilipat ang mga pamamaraan ng katutubong pag-awit sa klasikal na sining; nilapitan niya ang repraksyon ng mga tradisyon ng katutubong awit na may mahusay na pag-unawa at panlasa.

Mga manwal ng pamamaraan M.I. Lumitaw si Glinka sa unang kalahati ng ika-19 na siglo: Pitong Etudes para sa Contralto (isinulat noong 1829 para sa mang-aawit na N.I. Gedeonova), Etudes para sa Soprano (1833) at iba pa.

Vocal at methodological na mga tagubilin ni M.I. Ang Glinka ay mahalagang inilatag ang pundasyon para sa pagbuo ng Russian school of singing - isang buong panahon ng vocal education sa Russia. Maraming mga pamamaraan at pamamaraan pagsasanay sa boses, na itinakda ni Glinka sa kanyang mga gawa, ay nagsilbi bilang isang sistemang metodolohikal, na kalaunan ay nagsimulang gamitin sa parehong solo at choral practice. Ang lahat ng mga prinsipyo kung saan nakabatay ang pag-awit ay makikita dito, at ang mga tampok ng pag-unlad ng boses ng isang bata ay isinasaalang-alang.

Ang pinakamahusay na kondisyon para sa pagbuo ng boses ng isang bata ay M.I. Isinasaalang-alang ni Glinka ang pagbuo ng isang matunog, kulay-pilak at banayad na tunog na may libreng pagbuo ng boses, average na lakas ng boses, pantay sa timbre sa buong hanay. Kahit na ang kanyang mga viola ay kinakailangang magaan. Binigyang-diin ni Glinka ang espesyal na kahalagahan sa pandinig, at hindi pinahintulutan ang tunog na ipilit sa melodiousness.

Ang mga problema ng vocal performance na itinaas at nalutas ng Glinka ay may kaugnayan pa rin.

Mga gawang tinig ni Glinka.

Sa oras ng kasagsagan ng henyo ni Glinka, ang Russia ay mayroon nang mayamang tradisyon sa larangan ng genre ng Russian romance. Ang makasaysayang merito ng vocal creativity ni Glinka ay nakasalalay sa generalization ng karanasan na naipon sa Russian music noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. at dinadala ito sa klasikal na antas.

Sa kanyang vocal work, si Glinka ay nananatiling isang lyricist, na isinasaalang-alang ang pangunahing bagay na ang pagpapahayag ng mga emosyon, damdamin, at mood. Kaya't ang pangingibabaw ng melody (sa mga huling romansa lamang lumilitaw ang mga tampok ng declamation). Ang mga genre, bilang panuntunan, ay tradisyonal - elehiya, kanta ng Ruso, balad, romansa. SA vocal lyrics Naabot ni Glinka sa unang pagkakataon ang antas ng tula ni Pushkin, na nakamit ang kumpletong pagkakaisa ng musika at patula na teksto.

1. Konklusyon.

Ang makasaysayang papel ni Glinkayun ba:

1. Siya summed up ang nakaraang pananaliksik at synthesized ang mga tradisyon ng Western European musikal kultura at ang mga tampok ng Russian katutubong sining.
2. Naging tagapagtatag ng musikang klasikal ng Russia.
3. Pinatunayan niya ang kanyang sarili bilang ang pinakamaliwanag na innovator at nakatuklas ng mga bagong landas sa pag-unlad ng pambansang kultura ng musika.

Sa Glinka, ang musikang Ruso ay bumangon upang malutas ang mga problema ng pandaigdigan, unibersal na kahalagahan at kumilos bilang pantay sa mga nangungunang kulturang musikal ng Europa.

Ang mga likha ni Glinka ay napakayaman sa mga buto ng hinaharap na ang bawat isa sa mga kompositor ng Russia ng mga susunod na henerasyon ay maaaring isaalang-alang ang kanyang sarili bilang tagapagmana at kahalili ng tagapagtatag ng mga klasikong musikal ng Russia.

M.I. Si Glinka, na nakuha ang mga tagumpay ng kulturang musikal ng Kanlurang Europa, na ganap na pinagkadalubhasaan ang mataas na kasanayan, ay bumuo ng kanyang sariling sistema ng mga aesthetic na pananaw, kung saan ang kanyang istilo ay nasasakop. Nilikha niya ang pambansang istilo at wika ng musikang klasikal ng Russia, na siyang pundasyon para sa buong hinaharap na pag-unlad ng klasikal na paaralan ng Russia.

Kinakatawan ng gawa ni Glinka ang halos lahat ng pangunahing genre ng musika, at higit sa lahat opera. Ang "A Life for the Tsar" at "Ruslan and Lyudmila" ay nagbukas ng klasikal na panahon sa Russian opera at inilatag ang pundasyon para sa mga pangunahing direksyon nito: folk musical drama at fairy tale opera, epic opera. Ang inobasyon ni Glinka ay nagpakita rin ng sarili sa larangan ng musikal na dramaturhiya: sa unang pagkakataon sa musikang Ruso, nakahanap siya ng isang paraan para sa holistic na symphonic na pag-unlad ng operatic form, ganap na inabandona ang pasalitang diyalogo. Ang parehong opera ay ang kanilang kabayanihan-makabayan na oryentasyon, isang malawak na istilo ng epiko, at ang monumentalidad ng mga eksena ng koro.

Diverse ayon sa genre vocal na pagkamalikhain Si Glinka ay ang kanyang napakahalagang kontribusyon sa larangan ng Russian romance at lyrics ng kanta. Siya ang una sa mga kompositor ng Russia na nakamit ang isang mataas na pagsasanib ng musika at teksto sa isang solong patula na kabuuan. Sumasaklaw sa isang malawak na hanay ng mga karanasan ng tao, na nakadamit sa isang maayos na magkakasuwato na anyo, ito ay naaayon sa mga liriko na tula ng Pushkin, at hindi nagkataon na ang pinakamahusay sa mga pag-iibigan ni Glinka ay partikular na binubuo batay sa mga tula ng mahusay na makatang Ruso.

Sa kauna-unahang pagkakataon, isinama ni Glinka ang mundo ng Silangan (dito nagmula ang Orientalism sa klasikal na opera ng Russia), na ipinakita sa malapit na koneksyon sa Russian, Slavic na mga tema.

Tinukoy ng mga symphonic na gawa ni Glinka ang karagdagang pag-unlad ng Russian symphonic music. Sa "Kamarinskaya" inihayag ni Glinka ang mga tiyak na tampok ng pambansang pag-iisip ng musikal, synthesized ang kayamanan ng katutubong musika at mataas na propesyonal na kasanayan.

Si Glinka ang unang kompositor ng Russia na nakamit ang pinakamataas na antas ng propesyonal na kasanayan para sa kanyang panahon sa larangan ng anyo, pagkakaisa, polyphony, at orkestrasyon. Pinagkadalubhasaan niya ang pinaka-kumplikado, binuo na mga genre ng sining ng musikal sa mundo noong kanyang panahon. Ang lahat ng ito ay nakatulong sa kanya na "itaas" at, tulad ng sinabi niya mismo, "palamutihan ang isang simpleng katutubong awit", ipakilala ito sa malalaking anyo ng musikal.

Ang pag-asa sa kanyang trabaho sa mga katutubo at natatanging tampok ng Russian folk song, pinagsama niya ang mga ito sa lahat ng kayamanan ng nagpapahayag na paraan at lumikha ng isang orihinal na pambansang istilo ng musikal, na naging batayan ng lahat ng musikang Ruso ng mga sumunod na panahon.

Ang mga makatotohanang hangarin ay katangian ng musikang Ruso bago pa man si Glinka. Si Glinka ang una sa mga kompositor ng Russia na tumaas sa mahusay na generalizations sa buhay, sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan sa kabuuan. Ang kanyang trabaho ay nagsimula sa panahon ng pagiging totoo sa musikang Ruso.

"Ang pagbabago at kapangyarihan ng musika ni Glinka ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay tunay na katutubong, tunay na Ruso, at dumating sa amin mula sa kalawakan ng bansa. Lahat ng ningning ng tula na nabubuhay sa kamalayan ng ating bayan ay ipinahahayag dito nang may pambihirang puwersa. Samakatuwid, ang musikang ito ay walang kamatayan, tulad ng mga tula ni Pushkin. Ito ay hindi mapaghihiwalay mula sa malambing na mga saknong ni Pushkin."

K. G. Paustovsky

Ang lahat ng mga kasunod na henerasyon ng mga musikero ng Russia ay itinuturing siyang kanilang guro, at para sa marami, ang impetus para sa pagpili ng isang karera sa musika ay ang kanilang kakilala sa mga gawa ng dakilang master, ang malalim na moral na nilalaman na kung saan ay pinagsama sa isang perpektong anyo.

Mga monumento na nakatuon sa M.I. Glinka.

1885 Smolensk. Ginawa gamit ang mga pampublikong pondo na nakolekta sa pamamagitan ng subscription. Iskultor A. R. von Bock. Isang openwork cast fence na may pattern ng musical lines - mga sipi mula sa 24 na gawa ng kompositor.

sa St. Petersburg, na binuo sa inisyatiba ng City Duma, binuksan noong 1899 sa Alexander Garden, malapit sa fountain sa harap ng Admiralty; iskultor V. M. Pashchenko, arkitekto A. S. Lytkin;

Sa Veliky Novgorod sa Monumento na "1000th Anniversary of Russia" kasama ng 129 na mga pigura ng mga pinakatanyag na personalidad sa kasaysayan ng Russia(para sa 1862) mayroong isang pigura ng M. I. Glinka Cultural heritage Pederasyon ng Russia, object No. 7810109000 object No. 7810109000;

sa St. Petersburg, na binuo sa inisyatiba ng Imperial Russian Musical Society, binuksan noong Pebrero 3, 1906 sa parke malapit sa Conservatory (Teatralnaya Square); iskultor R. R. Bach, arkitekto A. R. Bach. Monumento ng monumental na sining ng Pederal na kahalagahan;

sa Kyiv binuksan noong Disyembre 21, 1910 (Pangunahing artikulo: Monumento sa M. I. Glinka sa Kyiv);

Memorial plaque sa 8 Franzosische Strase sa Berlin;

sa Zaporozhye binuksan noong 1956 sa tapat ng pasukan sa Glinka Concert Hall;

sa Dubna na naka-install malapit sa gusali ng music school No.

sa Chelyabinsk binuksan noong Hulyo 20, 2004 sa parisukat sa harap ng Academic Opera at Ballet Theater; iskultor Vardkes Avakyani, arkitekto Evgeny Alexandrov;

Noong Mayo 20, 1899, ang bahay sa Berlin kung saan namatay si M. I. Glinka ay na-immortalized na may isang memorial plaque.

Mga parangal at pagdiriwang na pinangalanang M. I. Glinka:

Noong 1884, itinatag ni M.P. Belyaev ang Glinkin Prizes, na umiral hanggang 1917;

Mula 1965 hanggang 1990 nagkaroon ng Glinka State Prize ng RSFSR;

Mula noong 1958, ang All-Russian Music Festival na pinangalanang M. I. Glinka ay ginanap sa Smolensk;

Mula noong 1960, ginanap ang International (dating All-Union) Glinka Vocal Competition.

Ang mga sumusunod ay pinangalanan bilang parangal kay M. I. Glinka:

State Academic Chapel ng St. Petersburg (noong 1954);

Moscow Museum of Musical Culture (noong 1954);

Novosibirsk State Conservatory (Academy) (noong 1956);

Nizhny Novgorod State Conservatory (noong 1957);

Magnitogorsk State Conservatory;

Minsk Music College;

Chelyabinsk Academic Opera at Ballet Theater;

St. Petersburg Choral School (noong 1954);

Dnepropetrovsk Music Conservatory na pinangalanan. Glinka (Ukraine);

Concert hall sa Zaporozhye;

State String Quartet;

Mga kalye ng maraming lungsod sa Russia, pati na rin ang mga lungsod sa Ukraine at Belarus;

Kalye sa Berlin;

Noong 1973, pinangalanan ng astronomer na si Lyudmila Chernykh ang menor de edad na planeta na natuklasan niya bilang parangal sa kompositor - 2205 Glinka;

Crater sa Mercury.

Bibliograpiya.

1. Asafiev B. M. I. Glinka. L., 1978
2. Alekseevsky, N. Sa co-author circle [Text]: [lit. entourage ng kompositor M. I. Glinka] / N. Alekseevsky // Buhay ng musika. – 2004. – Bilang 4. - P. 31-33.
3. Great Soviet Encyclopedia
4. Vadetsky, B. Glinka [Text]: nobela / B. Vadetsky. – M.: Sov. manunulat, 1984. – 463 p.
5. Vasina-Grossman, V. A. Mikhail Ivanovich Glinka [Text] / V. A. Vasina-Grossman. – M.: Muzyka, 1979. – 104 p. : may sakit.
6. Levasheva, O. E. Mikhail Ivanovich Glinka [Text]: sa 2 libro. / O. E. Levasheva. – M.: Music, 1987. – (Classics of world musical culture).
7. Levashova O., Keldysh Y. History of Russian music-M., 1980
8. Chronicle ng buhay at gawain ni M. I. Glinka [Text]: sa 2 bahagi / pinagsama-sama ni A. A. Orlova. – Ed. Ika-2, binago – M.: Muzyka, 1978.
9. M. I. Glinka. Koleksyon ng mga materyales at artikulo, ed. T. Livanova, M. - L., 1950;
10. Moiseev, Y. Pangalawang premiere [Text]: [kasaysayan ng paglikha ng opera ni M. Glinka na "Ruslan at Lyudmila"] / Y. Moiseev // Buhay ng musika. – 2003. – Bilang 6. - P. 27-32.
11. Moiseev, Y. Happy Beginning [Text]: [ang kasaysayan ng paglikha ng opera ni M. Glinka na "Ivan Susanin"] / Y. Moiseev // Buhay ng musika. – 2003. – Hindi. 5. – P. 2-11.
12. Sa memorya ng M.I. Glinka, M., 1958: Protopopov Vl., "Ivan Susanin" ni Glinka. Musical theoretical research, M., 1961.
13. Rytslina, L. Opera pagkamalikhain ng M. I. Glinka [Text]: paraan. allowance / L. Rytslina. – M.: Muzyka, 1979. – 88 p.: mga tala.
14. Tretyakova L. S. "Russian musika XIX siglo." M., "Enlightenment", 1976
15. Cherny O. "Mga Kuwento ng mga musikero ng Russia." M., Detgiz, 1980
16. Yakovenko S. M. I. Glinka at domestic vocal at gumaganap na kultura // Musika. akademya. 2004. No. 3. The same // South Russian Musical Almanac 2004. Rostov n/d, 2005

http://www.classic-music.ru/glinka.html – Personal na pahina ng kompositor sa websiteKlasikong musika

http://mus-info.ru/composers/glinka.shtml – M.I. Glinka sa Musical Directory.