Impresyonismo (fr. impressionnisme, mula sa impresyon- impression) - isang kilusan sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, na nagmula sa France at pagkatapos ay kumalat sa buong mundo, na ang mga kinatawan ay naghangad na bumuo ng mga pamamaraan at pamamaraan na naging posible upang makuha ang pinaka natural at malinaw tunay na mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito, upang maihatid ang iyong mga panandaliang impression. Karaniwan ang terminong "impressionism" ay tumutukoy sa isang direksyon sa pagpipinta (ngunit ito ay, una sa lahat, isang pangkat ng mga pamamaraan), bagaman ang mga ideya nito ay natagpuan din ang kanilang sagisag sa panitikan at musika, kung saan ang impresyonismo ay lumitaw din sa isang tiyak na hanay ng mga pamamaraan at mga pamamaraan sa paglikha ng pampanitikan at mga gawang musikal, kung saan hinangad ng mga may-akda na ihatid ang buhay sa isang sensual, direktang anyo, bilang salamin ng kanilang mga impression

Ang gawain ng artist sa oras na iyon ay upang ilarawan ang katotohanan bilang kapani-paniwala hangga't maaari, nang hindi ipinapakita ang subjective na damdamin ng artist. Kung inutusan siya seremonyal na larawan- pagkatapos ay kinakailangan upang ipakita ang customer sa isang kanais-nais na liwanag: walang mga deformidad, hangal na mga ekspresyon ng mukha, atbp. Kung ito ay isang relihiyosong balangkas, kung gayon kinakailangan na pukawin ang isang pakiramdam ng pagkamangha at pagkamangha. Kung ito ay isang tanawin, pagkatapos ay ipakita ang kagandahan ng kalikasan. Gayunpaman, kung hinamak ng artista ang mayamang tao na nag-utos ng larawan, o isang hindi naniniwala, kung gayon walang pagpipilian at ang natitira lamang ay upang bumuo ng kanyang sariling natatanging pamamaraan at pag-asa para sa swerte. Gayunpaman, sa ikalawang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, ang pagkuha ng litrato ay nagsimulang aktibong umunlad at ang makatotohanang pagpipinta ay nagsimulang unti-unting lumihis, dahil kahit na noon ay napakahirap na ihatid ang realidad na kapani-paniwala tulad ng sa isang larawan.

Sa maraming paraan, sa pagdating ng mga Impresyonista, naging malinaw na ang sining ay maaaring magkaroon ng halaga bilang subjective na representasyon ng may-akda. Pagkatapos ng lahat, ang bawat tao ay nakikita ang katotohanan nang iba at tumutugon dito sa kanilang sariling paraan. Mas nakakatuwang makita kung paano sa mga mata iba't ibang tao sumasalamin sa realidad at kung anong emosyon ang kanilang nararanasan.

Ang artista ay mayroon na ngayong hindi kapani-paniwalang bilang ng mga pagkakataon para sa pagpapahayag ng sarili. Bukod dito, ang pagpapahayag ng sarili mismo ay naging mas malaya: kumuha ng hindi karaniwang balangkas, tema, magsabi ng iba maliban sa relihiyon o makasaysayang mga paksa, gumamit ng iyong sariling natatanging pamamaraan, atbp. Halimbawa, nais ng mga impresyonista na magpahayag ng panandaliang impresyon, ang unang damdamin. Ito ang dahilan kung bakit malabo at tila hindi natapos ang kanilang trabaho. Ginawa ito upang magpakita ng instant na impresyon, kapag ang mga bagay ay hindi pa nahuhubog sa isipan at kaunting kislap lamang ng liwanag, mga halftone at malabong contour ang nakikita. Maiintindihan ako ng mga myopic na tao) isipin na hindi mo pa nakikita ang buong bagay, nakikita mo ito mula sa malayo o hindi lamang tumingin malapit, ngunit nakabuo ka na ng ilang uri ng impresyon tungkol dito. Kung susubukan mong ilarawan ito, malamang na mapupunta ka sa isang bagay tulad ng mga impresyonistang pagpipinta. Isang uri ng sketch. Iyon ang dahilan kung bakit naging para sa mga impresyonista, ang mas mahalaga ay hindi kung ano ang inilalarawan, ngunit kung paano.

Ang mga pangunahing kinatawan ng genre na ito sa pagpipinta ay: Monet, Manet, Sisley, Degas, Renoir, Cezanne. Hiwalay, kinakailangang tandaan si Umlyam Turner bilang kanilang hinalinhan.

Sa pagsasalita tungkol sa balangkas:

Ang kanilang mga pagpipinta ay nagpakita lamang ng mga positibong aspeto ng buhay, nang hindi nakikialam sa mga problema sa lipunan, kabilang ang gutom, sakit, at kamatayan. Nang maglaon, humantong ito sa pagkakahati sa mga Impresyonista mismo.

Mga scheme ng kulay

Ang mga Impresyonista ay nagbigay ng malaking pansin sa kulay, sa panimula ay iniiwan ang mga madilim na lilim, lalo na ang itim. Ang gayong pansin sa scheme ng kulay ng kanilang mga gawa ay nagdala ng kulay mismo sa isang napakahalagang lugar sa larawan at nagtulak sa mga karagdagang henerasyon ng mga artista at designer na maging matulungin sa kulay tulad nito.

Komposisyon

Ang impresyonistang komposisyon ay nakapagpapaalaala sa Japanese painting, ginamit ang mga kumplikadong compositional scheme, iba pang mga canon (hindi gintong ratio o sentro). Sa pangkalahatan, ang istraktura ng larawan ay naging mas madalas na walang simetriko, mas kumplikado at kawili-wili mula sa puntong ito ng view.

Ang komposisyon sa mga Impresyonista ay nagsimulang magkaroon ng isang mas independiyenteng kahulugan; ito ay naging isa sa mga paksa ng pagpipinta, sa kaibahan sa klasikal, kung saan ito ay mas madalas (ngunit hindi palaging) gumaganap ng papel ng isang pamamaraan ayon sa kung saan ang anumang gawain ay binuo. . Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, naging malinaw na ito ay isang patay na dulo, at ang komposisyon mismo ay maaaring magdala ng ilang mga emosyon at suportahan ang balangkas ng larawan.

Mga nangunguna

El Greco - dahil gumamit siya ng mga katulad na pamamaraan sa paglalagay ng pintura at nakuha ang kulay mula sa kanya simbolikong kahulugan. Nakilala rin niya ang kanyang sarili sa isang napaka-orihinal na paraan at sariling katangian, na siyang pinagsikapan din ng mga impresyonista.

Pag-ukit ng Hapon - dahil nakakuha ito ng mahusay na katanyagan sa Europa sa mga taong iyon at ipinakita na ang isang larawan ay maaaring itayo ayon sa ganap na magkakaibang mga patakaran kaysa sa mga klasikal na canon ng sining ng Europa. Nalalapat ito sa komposisyon, paggamit ng kulay, pagdedetalye, atbp. Gayundin, sa mga guhit at ukit sa Hapon at sa pangkalahatan ay oriental, ang mga pang-araw-araw na eksena ay mas madalas na inilalarawan, na halos wala sa sining ng Europa.

Ibig sabihin

Ang mga Impresyonista ay nag-iwan ng maliwanag na marka sa sining ng mundo sa pamamagitan ng pag-unlad natatanging mga pamamaraan mga liham at pagkakaroon ng malaking impluwensya sa lahat ng kasunod na henerasyon ng mga artista sa kanilang maliwanag at di malilimutang mga gawa, protesta laban sa klasikal na paaralan at natatanging gawain na may kulay. Nagsusumikap para sa maximum na spontaneity at katumpakan sa paghahatid ng nakikitang mundo, nagsimula silang magpinta pangunahin sa open air at itinaas ang kahalagahan ng mga sketch mula sa buhay, na halos pinalitan tradisyonal na uri maingat at dahan-dahang ginawa ang mga pagpipinta sa studio.

Patuloy na nilinaw ang kanilang palette, pinalaya ng mga Impresyonista ang pagpipinta mula sa makalupang at kayumanggi na barnis at pintura. Ang conventional, "museum" blackness sa kanilang mga canvases ay nagbibigay daan sa isang walang katapusang magkakaibang paglalaro ng mga reflexes at may kulay na mga anino. Hindi nila masusukat na pinalawak ang mga posibilidad ng pinong sining, na nagbubukas hindi lamang sa mundo ng araw, liwanag at hangin, kundi pati na rin ang kagandahan ng London fogs, ang hindi mapakali na kapaligiran ng buhay. malaking lungsod, ang pagkalat ng mga ilaw nito sa gabi at ang ritmo ng walang humpay na paggalaw.

Dahil sa mismong paraan ng pagtatrabaho sa bukas na hangin, ang tanawin, kabilang ang tanawin ng lungsod na kanilang natuklasan, ay sinakop ang isang napakahalagang lugar sa sining ng mga Impresyonista. Gayunpaman, hindi dapat isipin ng isang tao na ang kanilang pagpipinta ay nailalarawan lamang ng isang "landscape" na pang-unawa sa katotohanan, kung saan sila ay madalas na sinisiraan. Medyo malawak ang thematic at plot range ng kanilang trabaho. Interes sa mga tao, at lalo na sa modernong buhay Ang France, sa isang malawak na kahulugan, ay katangian ng isang bilang ng mga kinatawan ng kalakaran na ito. Ang kanyang nagpapatibay sa buhay, sa saligang demokratikong kalunos-lunos ay malinaw na sumasalungat sa burges na kaayusan sa daigdig.

Kasabay nito, ang impresyonismo at, gaya ng makikita natin mamaya, ang post-impressionism ay dalawang panig, o sa halip, dalawang magkakasunod na yugto ng panahon ng pangunahing pagbabagong iyon na nagmarka ng hangganan sa pagitan ng sining ng Bago at Kontemporaryong panahon. Sa ganitong diwa, ang impresyonismo, sa isang banda, ay nakumpleto ang pag-unlad ng lahat pagkatapos sining ng renaissance, ang nangungunang prinsipyo kung saan ay ang pagmuni-muni ng nakapaligid na mundo sa mga visual na maaasahang anyo ng katotohanan mismo, at sa kabilang banda, ito ang simula ng pinakamalaking rebolusyon sa kasaysayan ng pinong sining mula noong Renaissance, na naglatag ng mga pundasyon para sa isang qualitatively bagong yugto -

sining ng ikadalawampu siglo.

Para sa akin, ang istilo ng impresyonismo ay, una sa lahat, isang bagay na mahangin, panandalian, hindi maiiwasang mailap. Ito ang nakamamanghang sandali na ang mata ay halos walang oras upang makuha at pagkatapos ay nananatili sa memorya ng mahabang panahon bilang isang sandali ng pinakamataas na pagkakaisa. Ang mga masters ng impressionism ay sikat sa kanilang kakayahang madaling ilipat ang sandaling ito ng kagandahan sa canvas, na pinagkalooban ito ng mga nasasalat na sensasyon at banayad na panginginig ng boses na, kasama ang lahat ng katotohanan, ay lumitaw kapag nakikipag-ugnayan sa isang pagpipinta. Kung titingnan mo ang mga gawa ng mga natitirang artista ng istilong ito, palaging mayroong isang tiyak na aftertaste ng mood.

Impresyonismo(mula sa impression - impression) ay isang kilusang sining na nagmula sa France noong huling bahagi ng 1860s. Sinikap ng mga kinatawan nito na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito sa pinaka natural at walang pinapanigan na paraan, at upang maihatid ang kanilang panandaliang mga impression. Espesyal na atensyon binigyang pansin ang paghahatid ng kulay at liwanag.

Ang salitang "impressionism" ay nagmula sa pamagat ng pagpipinta ni Monet na Impression. Sunrise, ipinakita sa 1874 exhibition. Ang hindi kilalang mamamahayag na si Louis Leroy sa kanyang artikulo sa magasin ay tinawag ang mga artista na "impresyonista" upang ipahayag ang kanyang paghamak. Gayunpaman, ang pangalan ay natigil at nawala ang orihinal na negatibong kahulugan nito.

Ang unang mahalagang eksibisyon ng mga Impresyonista ay naganap mula Abril 15 hanggang Mayo 15, 1874 sa studio ng photographer na si Nadar. 30 artista ang ipinakita doon, na may kabuuang 165 na gawa. Ang mga kabataang artista ay siniraan dahil sa "hindi natapos" at "palutang pagpipinta," kawalan ng panlasa at kahulugan sa kanilang trabaho, "pag-atake sa tunay na sining," suwail na damdamin at maging imoralidad.

Ang mga nangungunang kinatawan ng impresyonismo ay sina Alfred Sisley at Frederic Bazille. Ipinakita nina Edouard Manet at Eduard Manet ang kanilang mga ipininta kasama nila. Si Joaquin Sorolla ay itinuturing ding impresyonista.

Ang mga tanawin at tanawin mula sa buhay lungsod ay marahil ang pinaka mga genre ng katangian impresyonistikong pagpipinta - pininturahan "sa bukas na hangin", i.e. direkta mula sa kalikasan, at hindi batay sa mga sketch at preparatory sketch. Ang mga impresyonista ay tumingin nang mabuti sa kalikasan, na napansin ang mga kulay at lilim na karaniwang hindi nakikita, tulad ng asul sa mga anino.

Ang kanilang masining na pamamaraan Binubuo ng nabubulok na mga kumplikadong tono sa kanilang bumubuo ng mga purong kulay ng spectrum. Ang mga resulta ay may kulay na mga anino at dalisay, magaan, makulay na pagpipinta. Ang mga Impresyonista ay naglapat ng pintura sa magkahiwalay na mga stroke, kung minsan ay gumagamit ng magkakaibang mga tono sa isang lugar ng pagpipinta. Ang pangunahing tampok ng mga impresyonistang pagpipinta ay ang epekto ng buhay na pagkutitap ng mga kulay.

Upang maihatid ang mga pagbabago sa kulay ng isang bagay, ang mga impresyonista ay nagsimulang mas gusto na gumamit ng mga kulay na kapwa nagpapatibay sa isa't isa: pula at berde, dilaw at lila, orange at asul. Ang parehong mga kulay ay lumilikha ng epekto ng pare-parehong kaibahan. Halimbawa, kung titingnan natin ang pula saglit at pagkatapos ay ilipat ang ating tingin sa puti, ito ay lilitaw na maberde sa atin.

Ang impresyonismo ay hindi nagtaas ng mga problemang pilosopikal at hindi man lang sinubukang tumagos sa ilalim ng makulay na ibabaw ng pang-araw-araw na buhay. Sa halip, nakatuon ang mga artista sa kababawan, ang pagkalikido ng isang sandali, mood, liwanag o anggulo ng view. Ang kanilang mga pagpipinta ay nagpakita lamang ng mga positibong aspeto ng buhay, nang hindi nakikialam sa mga talamak na problema sa lipunan.

Ang mga artista ay madalas na nagpinta ng mga tao sa paggalaw, habang nagsasaya o nagrerelaks. Ang mga paksa ng paglalandi, pagsasayaw, pagiging nasa isang cafe at teatro, pamamangka, sa mga dalampasigan at sa mga hardin ay kinuha. Sa paghusga sa pamamagitan ng mga pagpipinta ng mga Impresyonista, ang buhay ay isang tuluy-tuloy na serye ng mga maliliit na pista opisyal, mga partido, mga kaaya-ayang libangan sa labas ng lungsod o sa isang magiliw na kapaligiran.

Ang impresyonismo ay nag-iwan ng mayamang pamana sa pagpipinta. Una sa lahat, ito ay isang interes sa mga problema sa kulay at hindi karaniwang mga diskarte. Ipinahayag ng impresyonismo ang pagnanais para sa pag-renew masining na wika at isang pahinga sa tradisyon, bilang isang protesta laban sa maingat na pamamaraan ng mga masters klasikal na paaralan. Kaya, ikaw at ako ay maaari na ngayong humanga sa mga kahanga-hangang gawa ng mga natatanging artista.

Ang impresyonismo ay isang masining na kilusan na umusbong noong dekada 70. ika-19 na siglo French painting, at pagkatapos ay ipinakita ang sarili sa musika, panitikan, teatro.

Ang impresyonismo sa pagpipinta ay nagsimulang magkaroon ng hugis bago pa ang sikat na eksibisyon noong 1874. Si Edouard Manet ay tradisyonal na itinuturing na tagapagtatag ng mga Impresyonista. Siya ay napaka-inspirasyon ng mga klasikal na gawa ng Titian, Rembrandt, Rubens, Velazquez. Ipinahayag ni Manet ang kanyang pangitain sa mga larawan sa kanyang mga canvases, idinagdag ang "vibrating" na mga stroke na lumikha ng epekto ng hindi pagkakumpleto. Noong 1863, nilikha ni Manet ang Olympia, na naging sanhi malaking iskandalo sa isang kultural na lipunan.

Sa unang sulyap, ang larawan ay ginawa alinsunod sa mga tradisyonal na canon, ngunit sa parehong oras ay nagdala na ito ng mga makabagong uso. Humigit-kumulang 87 review ang isinulat tungkol sa Olympia sa iba't ibang publikasyong Parisian. Siya ay tinamaan ng maraming negatibong kritisismo - ang artista ay inakusahan ng kahalayan. At ilang artikulo lamang ang matatawag na pabor.

Gumamit si Manet ng single-layer paint technique sa kanyang trabaho, na lumikha ng stained effect. Kasunod nito, ang pamamaraang ito ng paglalapat ng pintura ay pinagtibay ng mga impresyonistang artista bilang batayan para sa mga larawan sa mga pagpipinta.

Ang isang natatanging katangian ng impresyonismo ay ang pinakamadaling pag-record ng mga panandaliang impression, sa isang espesyal na paraan ng pagpaparami ng liwanag na kapaligiran sa tulong ng isang kumplikadong mosaic ng mga purong kulay at mga pandekorasyon na pandekorasyon na stroke.

Nakapagtataka na sa simula ng kanilang paghahanap, gumamit ang mga artista ng cyanometer - isang instrumento para sa pagtukoy ng bughaw ng kalangitan. Ang itim na kulay ay hindi kasama sa palette, pinalitan ito ng iba pang mga kulay na kulay, na naging posible na hindi masira ang maaraw na mood ng mga kuwadro na gawa.

Ang mga Impresyonista ay ginabayan ng mga pinakabagong natuklasang siyentipiko sa kanilang panahon. Ang teorya ng kulay ng Chevreul at Helmholtz ay bumagsak sa mga sumusunod: ang sinag ng araw ay nahahati sa mga kulay ng bahagi nito, at, nang naaayon, ang dalawang pintura na inilagay sa canvas ay nagpapahusay sa epekto ng larawan, at kapag pinaghalo ang mga pintura ay nawawalan ng intensity.

Ang mga estetika ng impresyonismo ay nabuo, sa bahagi, bilang isang pagtatangka na tiyak na palayain ang ating sarili mula sa mga kumbensyon ng klasisismo sa sining, gayundin mula sa patuloy na simbolismo at kalaliman ng huling romantikong pagpipinta, na nag-imbita sa lahat na makita ang mga naka-encrypt na plano na nangangailangan ng maingat na interpretasyon. Iginiit ng impresyonismo hindi lamang ang kagandahan ng pang-araw-araw na katotohanan, ngunit ang pagkuha ng isang makulay na kapaligiran, nang walang detalye o pagbibigay-kahulugan, na naglalarawan sa mundo bilang isang patuloy na nagbabagong optical phenomenon.

Ang mga impresyonistang artista ay bumuo ng isang kumpletong sistema ng plein air. Ang mga nauna nito tampok na istilo may mga pintor ng landscape na nagmula sa paaralan ng Barbizon, ang pangunahing kinatawan nito ay sina Camille Corot at John Constable.

Ang pagtatrabaho sa isang bukas na espasyo ay nagbigay ng mas maraming pagkakataon upang makuha ang kaunting pagbabago sa kulay magkaibang panahon araw.

Gumawa si Claude Monet ng ilang serye ng mga pagpipinta sa parehong paksa, halimbawa, "Rouen Cathedral" (isang serye ng 50 mga pagpipinta), "Haystacks" (isang serye ng 15 mga kuwadro na gawa), "Pond na may Water Lilies", atbp. Ang pangunahing tagapagpahiwatig ng mga seryeng ito ay nagkaroon ng pagbabago sa liwanag at kulay sa imahe ng parehong bagay na ipininta sa iba't ibang oras ng araw.

Ang isa pang tagumpay ng impresyonismo ay ang pagbuo ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, kung saan ang mga kumplikadong tono ay nabubulok sa mga dalisay na kulay na inihatid ng mga indibidwal na stroke. Ang mga artista ay hindi naghalo ng mga kulay sa palette, ngunit ginustong maglapat ng mga stroke nang direkta sa canvas. Ang pamamaraan na ito ay nagbigay sa mga kuwadro na gawa ng isang espesyal na pangamba, pagkakaiba-iba at kaluwagan. Napuno ng kulay at liwanag ang mga gawa ng mga artista.

Ang eksibisyon noong Abril 15, 1874 sa Paris ay ang resulta ng panahon ng pagbuo at pagtatanghal ng isang bagong kilusan sa pangkalahatang publiko. Ang eksibisyon ay naganap sa studio ng photographer na si Felix Nadar sa Boulevard des Capucines.

Ang pangalang "Impresyonismo" ay lumitaw pagkatapos ng isang eksibisyon kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Monet na "Impression". Pagsikat ng araw". Ang kritiko na si L. Leroy, sa kanyang pagsusuri sa publikasyong Charivari, ay nagbigay ng isang nakakatawang paglalarawan ng eksibisyon ng 1874, na binabanggit ang halimbawa ng gawa ni Monet. Tinutuligsa ng isa pang kritiko, si Maurice Denis, ang mga impresyonista dahil sa kanilang kawalan ng sariling katangian, damdamin, at tula.

Sa unang eksibisyon, humigit-kumulang 30 artista ang nagpakita ng kanilang mga gawa. Ito ay ang pinaka malaking bilang ng, kumpara sa mga kasunod na eksibisyon hanggang 1886.

Ang isa ay hindi maaaring makatulong ngunit banggitin ang positibong feedback mula sa lipunang Ruso. Ang mga artista ng Russia at mga demokratikong kritiko, na palaging interesado sa artistikong buhay ng Pransya - I. V. Kramskoy, I. E. Repin at V. V. Stasov - lubos na pinahahalagahan ang mga nagawa ng mga Impresyonista mula sa pinakaunang eksibisyon.

Ang bagong yugto sa kasaysayan ng sining, na nagsimula sa eksibisyon noong 1874, ay hindi isang biglaang pagsabog ng mga rebolusyonaryong tendensya - ito ay ang paghantong ng isang mabagal at unti-unting pag-unlad.

Habang ang lahat ng mga dakilang masters ng nakaraan ay nag-ambag sa pagbuo ng mga prinsipyo ng impresyonismo, ang mga agarang ugat ng kilusan ay pinakamadaling matuklasan sa dalawampung taon bago ang makasaysayang eksibisyon.

Kaayon ng mga eksibisyon sa Salon, ang mga impresyonistang eksibisyon ay nakakakuha ng momentum. Ang kanilang mga gawa ay nagpakita ng mga bagong uso sa pagpipinta. Ito ay isang pagsisisi sa kultura ng salon at mga tradisyon ng eksibisyon. Kasunod nito, ang mga impresyonistang artista ay nagawang makaakit ng mga tagahanga ng mga bagong uso sa sining sa kanilang panig.

Ang teoretikal na kaalaman at mga pormulasyon ng impresyonismo ay nagsimulang umunlad nang huli. Mas gusto ng mga artista ang higit pang pagsasanay at ang kanilang sariling mga eksperimento na may liwanag at kulay. Sa impresyonismo, pangunahin sa larawan, ang legacy ng realismo ay maaaring masubaybayan; malinaw na ipinapahayag nito ang anti-akademiko, anti-salon na oryentasyon at pag-install ng naglalarawan sa nakapaligid na katotohanan ng panahong iyon. Napansin ng ilang mananaliksik na ang impresyonismo ay naging isang espesyal na sangay ng realismo.

Walang alinlangan, sa impresyonistikong sining, tulad ng sa bawat masining na kilusan na lumilitaw sa panahon ng pagliko at krisis ng mga lumang tradisyon, iba't iba at kahit na magkasalungat na mga uso ay magkakaugnay, para sa lahat ng panlabas na integridad nito.

Ang mga pangunahing tampok ay ang mga tema ng mga gawa ng mga artista, ang paraan masining na pagpapahayag. Ang aklat ni Irina Vladimirova tungkol sa mga impresyonista ay may kasamang ilang mga kabanata: "Landscape, kalikasan, mga impression", "Lungsod, mga lugar ng mga pagpupulong at paghihiwalay", "Mga libangan bilang isang paraan ng pamumuhay", "Mga tao at mga karakter", "Mga larawan at self-portraits" , “Buhay pa rin”. Inilalarawan din nito ang kasaysayan ng paglikha at lokasyon ng bawat gawa.

Sa panahon ng kasagsagan ng impresyonismo, natagpuan ng mga artista ang isang maayos na balanse sa pagitan ng layunin na katotohanan at ang pang-unawa nito. Sinubukan ng mga artista na kunin ang bawat sinag ng liwanag, ang paggalaw ng simoy ng hangin, at ang pagbabago ng kalikasan. Upang mapanatili ang pagiging bago ng kanilang mga kuwadro na gawa, ang mga Impresyonista ay lumikha ng isang orihinal na sistema ng pagpipinta, na kalaunan ay naging napakahalaga para sa karagdagang pag-unlad ng sining. Sa kabila ng mga pangkalahatang uso sa pagpipinta, natagpuan ng bawat artist ang kanyang sariling malikhaing landas at pangunahing mga genre sa pagpipinta.

Ang klasikal na impresyonismo ay kinakatawan ng mga artista tulad nina Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frédéric Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.

Isaalang-alang natin ang kontribusyon ng ilang mga artista sa pag-unlad ng impresyonismo.

Edouard Manet (1832-1883)

Natanggap ni Manet ang kanyang unang mga aralin sa pagpipinta mula sa T. Couture, salamat sa kung saan ang hinaharap na artist ay nakakuha ng maraming kinakailangang propesyonal na kasanayan. Dahil sa kakulangan ng tamang atensyon mula sa guro sa kanyang mga estudyante, iniwan ni Manet ang master's atelier at nakikibahagi sa self-education. Dumadalo siya sa mga eksibisyon sa mga museo; ang kanyang malikhaing pormasyon ay naimpluwensyahan ng mga matandang master, lalo na ng mga Espanyol.

Noong 1860s, sumulat si Manet ng dalawang gawa kung saan makikita ang mga pangunahing prinsipyo ng kanyang artistikong istilo. Ipinakita ni Lola ng Valencia (1862) at The Flutist (1866) si Manet bilang isang pintor na nagpapakita ng karakter ng kanyang paksa sa pamamagitan ng pagbibigay ng kulay.

Ang kanyang mga ideya sa brushstroke at ang kanyang diskarte sa kulay ay pinagtibay ng iba pang mga Impresyonistang artista. Noong 1870s, naging mas malapit si Manet sa kanyang mga tagasunod at nagtrabaho ng plein air na walang itim sa palette. Ang pagdating sa impresyonismo ay resulta ng malikhaing ebolusyon ni Manet mismo. Ang pinaka-impresyonistikong mga pagpipinta ni Manet ay ang “In a Boat” (1874) at “Claude Monet in a Boat” (1874).

Nagpinta rin si Manet ng maraming larawan ng iba't ibang kababaihan sa lipunan, artista, modelo, magagandang babae. Ang bawat larawan ay naghatid ng pagiging natatangi at sariling katangian ng modelo.

Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, pininturahan ni Manet ang isa sa kanyang mga obra maestra - "Bar Folies-Bergère" (1881-1882). Pinagsasama ng pagpipinta na ito ang ilang mga genre: portrait, still life, araw-araw na eksena.

Sumulat si N. N. Kalitina: "Ang salamangka ng sining ni Manet ay tulad na ang batang babae ay nakaharap sa kanyang kapaligiran, salamat sa kung saan ang kanyang kalooban ay malinaw na inihayag, at sa parehong oras ay isang bahagi, para sa buong background, malabo na nakikita, hindi malinaw, nag-aalala, ay nalutas din sa asul-itim , maasul na puti, dilaw na mga tono."

Claude Monet (1840-1926)

Si Claude Monet ay ang walang alinlangan na pinuno at tagapagtatag ng klasikal na impresyonismo. Ang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta ay landscape.

Sa kanyang kabataan, si Monet ay mahilig sa karikatura at karikatura. Ang mga unang modelo para sa kanyang mga gawa ay ang kanyang mga guro at kasama. Gumamit siya ng mga cartoon sa mga pahayagan at magasin bilang isang modelo. Kinopya niya ang mga guhit sa Gaulois ni E. Carge, isang makata at caricaturist, isang kaibigan ni Gustave Coubret.

Sa kolehiyo, ang pagpipinta ni Monet ay itinuro ni Jacques-François Hauchard. Ngunit makatarungang pansinin ang impluwensya kay Monet ng Boudin, na sumuporta sa artista, nagbigay sa kanya ng payo, at nag-udyok sa kanya na ipagpatuloy ang kanyang trabaho.

Noong Nobyembre 1862, ipinagpatuloy ni Monet ang kanyang pag-aaral sa Paris kasama si Gleyre. Dahil dito, nakilala ni Monet sina Basil, Renoir, at Sisley sa kanyang studio. Naghanda ang mga batang artista na pumasok sa School of Fine Arts, na iginagalang ang kanilang guro, na naniningil ng kaunti para sa kanyang mga aralin at nagbigay ng payo sa banayad na paraan.

Nilikha ni Monet ang kanyang mga kuwadro na gawa hindi bilang isang kuwento, hindi bilang isang paglalarawan ng isang ideya o tema. Ang kanyang pagpipinta, tulad ng buhay, ay walang malinaw na layunin. Nakita niya ang mundo nang hindi nakatuon sa mga detalye, sa ilang mga prinsipyo, pumunta siya sa isang "pangitain ng tanawin" (ang termino ng art historian na si A. A. Fedorov-Davydov). Nagsumikap si Monet para sa walang plot at isang pagsasanib ng mga genre sa canvas. Ang mga paraan ng pagpapatupad ng kanyang mga inobasyon ay mga sketch, na dapat ay maging mga natapos na pagpipinta. Ang lahat ng mga sketch ay iginuhit mula sa buhay.

Nagpinta siya ng mga parang, burol, bulaklak, bato, hardin, kalye ng nayon, dagat, dalampasigan at marami pang iba; bumaling siya sa paglalarawan ng kalikasan sa iba't ibang oras ng araw. Madalas niyang isinulat ang parehong lugar sa iba't ibang oras, sa gayon ay lumilikha ng buong mga siklo mula sa kanyang mga gawa. Ang prinsipyo ng kanyang trabaho ay hindi ang paglalarawan ng mga bagay sa larawan, ngunit ang tumpak na paghahatid ng liwanag.

Magbigay tayo ng ilang mga halimbawa ng mga gawa ng artist - "Field of Poppies at Argenteuil" (1873), "Splash Pool" (1869), "Pond with Water Lilies" (1899), "Wheat Stacks" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Si Renoir ay isa sa mga natatanging master ng sekular na portraiture; bilang karagdagan, nagtrabaho siya sa mga genre ng landscape, pang-araw-araw na eksena, at buhay pa rin.

Ang kakaiba ng kanyang trabaho ay ang kanyang interes sa personalidad ng isang tao, ang paghahayag ng kanyang pagkatao at kaluluwa. Sa kanyang mga canvases, sinubukan ni Renoir na bigyang-diin ang pakiramdam ng kapunuan ng pag-iral. Ang artista ay naaakit sa libangan at mga pagdiriwang; nagpinta siya ng mga bola, naglalakad sa kanilang paggalaw at iba't ibang karakter, at mga sayaw.

Ang pinaka mga tanyag na gawa artist - "Portrait ng aktres na si Jeanne Samary", "Umbrellas", "Bathing in the Seine", atbp.

Ito ay kagiliw-giliw na si Renoir ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang musika at bilang isang bata ay kumanta sa isang koro ng simbahan sa ilalim ng direksyon ng natitirang kompositor at guro na si Charles Gounod sa Paris sa Saint-Eustache Cathedral. Mahigpit na inirerekomenda ni C. Gounod na mag-aral ng musika ang bata. Ngunit kasabay nito, natuklasan ni Renoir ang kanyang artistikong talento - mula sa edad na 13 ay natuto na siyang magpinta ng mga pinggan na porselana.

Naimpluwensyahan ng mga aralin sa musika ang pag-unlad ng personalidad ng artist. Ang ilan sa kanyang mga gawa ay nauugnay sa mga tema ng musika. Sinasalamin nila ang pagtugtog ng piano, gitara, at mandolin. Ito ang mga painting na "Guitar Lesson", "Young Spanish Woman with a Guitar", "Young Lady at the Piano", "Woman Playing the Guitar", "Piano Lesson", atbp.

Jean Frédéric Bazille (1841-1870)

Ayon sa kanyang mga kaibigang artista, si Basil ang pinaka-promising at namumukod-tanging impresyonista.

Ang kanyang mga gawa ay masigla scheme ng kulay at espirituwalidad ng mga imahe. Malaking impluwensya Naimpluwensyahan nina Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley at Claude Monet ang kanyang malikhaing landas. Ang apartment ni Jean Frederic ay isang uri ng studio at pabahay para sa mga naghahangad na pintor.

Pangunahing pininturahan ni Basil ang en plein air. Ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho ay ang imahe ng tao laban sa backdrop ng kalikasan. Ang kanyang mga unang bayani sa mga pagpipinta ay ang kanyang mga kaibigang artista; maraming mga impresyonista ang nahilig sa pagguhit sa isa't isa sa kanilang mga gawa.

Si Frédéric Bazille, sa kanyang malikhaing gawain, ay binalangkas ang kilusan ng makatotohanang impresyonismo. Ang kanyang pinakatanyag na pagpipinta, Family Reunion (1867), ay autobiographical. Inilalarawan ng artista ang mga miyembro ng kanyang pamilya dito. Ang gawaing ito ay ipinakita sa Salon at nakatanggap ng pag-apruba mula sa publiko.

Noong 1870, namatay ang artista sa Prussian-French War. Matapos ang pagkamatay ng artista, ang kanyang mga kaibigan sa artista ay nag-organisa ng ikatlong eksibisyon ng mga impresyonista, kung saan ipinakita rin ang kanyang mga pagpipinta.

Camille Pissarro (1830-1903)

Si Camille Pissarro ay isa sa pinakamalaking kinatawan ng mga landscape artist pagkatapos ng C. Monet. Ang kanyang mga gawa ay patuloy na ipinakita sa mga impresyonistang eksibisyon. Sa kanyang mga gawa, ginusto ni Pissarro na ilarawan ang mga naararo na bukid, buhay magsasaka at paggawa. Ang kanyang mga pintura ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang mga istrukturang anyo at kalinawan ng komposisyon.

Nang maglaon, nagsimulang magpinta ang artista ng mga kuwadro na gawa sa mga tema ng lunsod. Sinabi ni N. N. Kalitina sa kaniyang aklat: “Tinitingnan niya ang mga lansangan ng lungsod mula sa mga bintana sa itaas na palapag o mula sa mga balkonahe, nang hindi ipinapasok ang mga ito sa komposisyon.”

Sa ilalim ng impluwensya ni Georges-Pierre Seurat, kinuha ng artist ang pointillism. Ang pamamaraan na ito ay nagsasangkot ng paglalapat ng bawat stroke nang hiwalay, na parang naglalagay ng mga tuldok. Ngunit ang mga malikhaing prospect sa lugar na ito ay hindi natanto, at bumalik si Pissarro sa impresyonismo.

Ang pinakatanyag na mga pintura ni Pissarro ay ang “Boulevard Montmartre. Hapon, maaraw", "Opera Passage sa Paris", "Square Pranses na teatro sa Paris", "Hardin sa Pontoise", "Anihin", "Paggawa ng Haymay", atbp.

Alfred Sisley (1839-1899)

Ang pangunahing genre ng pagpipinta ni Alfred Sisley ay landscape. Sa kanyang mga unang gawa ay makikita pangunahin ang impluwensya ni K. Corot. Unti-unti, sa proseso ng pakikipagtulungan sa C. Monet, J. F. Bazille, P. O. Renoir, ang mga ilaw na kulay ay nagsisimulang lumitaw sa kanyang mga gawa.

Ang artista ay naaakit sa paglalaro ng liwanag, ang pagbabago sa estado ng kapaligiran. Ilang beses lumingon si Sisley sa parehong tanawin, na kinukunan ito sa iba't ibang oras ng araw. Ang artist ay nagbigay ng priyoridad sa kanyang mga gawa sa mga larawan ng tubig at langit, na nagbabago bawat segundo. Nagawa ng artist na makamit ang pagiging perpekto sa tulong ng kulay; ang bawat lilim sa kanyang mga gawa ay nagdadala ng isang natatanging simbolismo.

Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa: "Rural Alley" (1864), "Frost in Louveciennes" (1873), "View of Montmartre from the Flower Island" (1869), "Early Snow in Louveciennes" (1872), "Bridge at Argenteuil" (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Si Edgar Degas ay isang artista na nagsimula sa kanyang malikhaing karera sa pamamagitan ng pag-aaral sa School of Fine Arts. Na-inspire siya sa mga artista Italian Renaissance, na nakaimpluwensya sa kanyang trabaho sa kabuuan. Sa simula ay sumulat si Degas mga makasaysayang pagpipinta, halimbawa, “Hinahamon ng mga babaeng Spartan ang mga lalaking Spartan sa isang kompetisyon. (1860). Ang pangunahing genre ng kanyang pagpipinta ay portrait. Sa kanyang mga gawa, umaasa ang artista sa mga klasikal na tradisyon. Gumagawa siya ng mga gawang may marka matinding sensasyon ng panahon nito.

Hindi tulad ng kanyang mga kasamahan, hindi ibinabahagi ni Degas ang masaya, bukas na pananaw sa buhay at mga bagay na likas sa impresyonismo. Ang artista ay mas malapit sa kritikal na tradisyon ng sining: pakikiramay sa kapalaran karaniwang tao, ang kakayahang makita ang mga kaluluwa ng mga tao, ang kanilang panloob na mundo, hindi pagkakapare-pareho, trahedya.

Para kay Degas, ang mga bagay at panloob na nakapalibot sa isang tao ay may malaking papel sa paglikha ng isang larawan. Narito ang ilang mga gawa bilang mga halimbawa: "Désirée Dio with Orchestra" (1868-1869), " Larawan ng babae"(1868), "The Morbilli Couple" (1867), atbp.

Ang prinsipyo ng portraiture sa mga gawa ni Degas ay maaaring masubaybayan sa kabuuan ng kanyang kabuuan malikhaing landas. Noong 1870s, inilarawan ng artista ang lipunan ng France, lalo na ang Paris, sa buong kaluwalhatian nito sa kanyang mga gawa. Kasama sa mga interes ng artist ang buhay urban na gumagalaw. "Para sa kanya, ang paggalaw ay isa sa pinakamahalagang pagpapakita ng buhay, at ang kakayahan ng sining na ihatid ito ay ang pinakamahalagang tagumpay. modernong pagpipinta"- isinulat ni N.N. Kalitina.

Sa panahong ito, ang mga pelikulang gaya ng "The Star" (1878), "Miss Lola in Fernando's Circus", "Horsing at Epsom", atbp.

Ang isang bagong yugto ng pagkamalikhain ni Degas ay ang kanyang interes sa ballet. Ito ay nagpapakita ng behind-the-scenes na buhay ng mga ballerina, na pinag-uusapan ang kanilang pagsusumikap at mahigpit na pagsasanay. Ngunit, sa kabila nito, ang artist ay namamahala upang makahanap ng airiness at lightness sa pag-render ng kanilang mga imahe.

Sa serye ng ballet ng mga pagpipinta ni Degas, ang mga tagumpay sa larangan ng pagpapadala ng artipisyal na ilaw mula sa entablado ay nakikita; nagsasalita sila tungkol sa coloristic talent ng artist. Ang pinakasikat na mga painting ay ang "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer with a Bouquet" (1877), "Dancers in Pink" (1885) at iba pa.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, dahil sa lumalalang paningin, sinubukan ni Degas ang kanyang kamay sa paglililok. Ang kanyang mga bagay ay ang parehong ballerinas, babae, kabayo. Sa iskultura, sinusubukan ni Degas na ihatid ang paggalaw, at upang pahalagahan ang eskultura, kailangan mong tingnan ito mula sa iba't ibang mga anggulo.

Ang impresyonismo ay isang kilusan sa pagpipinta na nagmula sa France noong XIX-XX na siglo, na isang masining na pagtatangka upang makuha ang ilang sandali ng buhay sa lahat ng pagkakaiba-iba at kadaliang kumilos nito. Ang mga impresyonistang kuwadro ay parang litratong nahugasan ng mabuti, na muling binubuhay sa pantasya ang pagpapatuloy ng kwentong nakita. Sa artikulong ito titingnan natin ang 10 pinakasikat na impresyonista sa mundo. Sa kabutihang palad, mayroong higit sa sampu, dalawampu o kahit isang daang mahuhusay na artista, kaya't tumutok tayo sa mga pangalan na tiyak na kailangan mong malaman.

Upang hindi masaktan ang alinman sa mga artista o ang kanilang mga admirer, ang listahan ay ibinibigay sa Russian alphabetical order.

1. Alfred Sisley

Ito Pranses na pintor Ang pinagmulan ng Ingles ay itinuturing na pinaka sikat na pintor ng landscape pangalawa kalahati ng ika-19 na siglo siglo. Ang kanyang koleksyon ay naglalaman ng higit sa 900 mga pintura, kung saan ang pinakasikat ay ang "Rural Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge in Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring", at marami pang iba.

2. Van Gogh

Kilala sa buong mundo malungkot na kwento tungkol sa kanyang tainga (nga pala, hindi niya pinutol ang kanyang buong tainga, ngunit ang lobe lamang), si Wang Gon ay naging tanyag lamang pagkatapos ng kanyang kamatayan. At sa kanyang buhay ay nakapagbenta siya ng isang solong pagpipinta, 4 na buwan bago siya namatay. Sinabi nila na siya ay parehong negosyante at isang pari, ngunit madalas niyang natagpuan ang kanyang sarili mga psychiatric na ospital dahil sa depresyon, kaya ang lahat ng pagiging mapaghimagsik ng kanyang pag-iral ay nagresulta sa mga maalamat na gawa.

3. Camille Pissarro

Si Pissarro ay ipinanganak sa isla ng St. Thomas, sa isang pamilya ng mga burges na Hudyo, at isa sa ilang mga impresyonista na ang mga magulang ay hinikayat ang kanyang hilig at hindi nagtagal ay ipinadala siya sa Paris upang mag-aral. Higit sa lahat, nagustuhan ng artista ang kalikasan, inilarawan niya ito sa lahat ng mga kulay, at upang maging mas tumpak, si Pissarro ay may isang espesyal na talento para sa pagpili ng lambot ng mga kulay, pagiging tugma, pagkatapos kung saan ang hangin ay tila lumitaw sa mga kuwadro na gawa.

4. Claude Monet

Mula pagkabata, nagpasya ang batang lalaki na maging isang artista, sa kabila ng mga pagbabawal ng pamilya. Ang paglipat sa Paris sa kanyang sarili, Claude Monet plunged sa kulay abong pang-araw-araw na buhay ng isang mahirap na buhay: dalawang taon ng serbisyo sa armadong pwersa sa Algeria, paglilitis sa mga nagpapautang dahil sa kahirapan at sakit. Gayunpaman, ang isang tao ay nakakakuha ng pakiramdam na ang mga paghihirap ay hindi nang-aapi, ngunit, sa kabaligtaran, ay nagbigay inspirasyon sa artist na lumikha ng mga matingkad na pagpipinta tulad ng "Impression, Sunrise", "Houses of Parliament in London", "Bridge to Europe", "Autumn. sa Argenteuil", "On the Shore" Trouville", at marami pang iba.

5. Konstantin Korovin

Nakakatuwang malaman na sa mga Pranses, ang mga magulang ng impresyonismo, maaari nating ipagmalaki ang ating kababayan, si Konstantin Korovin. Ang isang madamdamin na pag-ibig para sa kalikasan ay nakatulong sa kanya na intuitively magbigay ng hindi mailarawan ng isip kasiglahan sa isang static na larawan, salamat sa kumbinasyon ng mga angkop na kulay, ang lapad ng mga stroke, at ang pagpili ng tema. Imposibleng dumaan sa kanyang mga kuwadro na "Pier in Gurzuf", "Fish, Wine and Fruit", " Landscape ng taglagas"," Gabi ng liwanag ng buwan. Winter" at isang serye ng kanyang mga gawa na nakatuon sa Paris.

6. Paul Gauguin

Hanggang sa edad na 26, hindi man lang naisip ni Paul Gauguin ang tungkol sa pagpipinta. Isa siyang entrepreneur at nagkaroon malaking pamilya. Gayunpaman, nang una kong makita ang mga pagpipinta ni Camille Pissarro, nagpasya akong tiyak na magsisimula akong magpinta. Sa paglipas ng panahon, nagbago ang istilo ng artist, ngunit ang pinakasikat na impresyonistikong mga pagpipinta ay "Hardin sa Niyebe", "Sa Cliff", "Sa Beach sa Dieppe", "Hubad", "Mga Palm Tree sa Martinique" at iba pa.

7. Paul Cezanne

Si Cezanne, hindi tulad ng karamihan sa kanyang mga kasamahan, ay naging tanyag sa kanyang buhay. Nagawa niyang ayusin ang kanyang sariling eksibisyon at kumita ng malaking kita mula rito. Maraming alam ang mga tao tungkol sa kanyang mga pagpipinta - siya, tulad ng walang iba, ay natutong pagsamahin ang paglalaro ng liwanag at anino, naglagay ng isang malakas na diin sa regular at hindi regular na mga geometric na hugis, ang kalubhaan ng tema ng kanyang mga kuwadro na gawa ay naaayon sa pagmamahalan.

8. Pierre Auguste Renoir

Hanggang sa edad na 20, nagtrabaho si Renoir bilang fan decorator para sa kanyang nakatatandang kapatid, at pagkatapos lamang lumipat sa Paris, kung saan nakilala niya sina Monet, Basil at Sisley. Ang kakilala na ito ay nakatulong sa kanya sa hinaharap na tahakin ang landas ng impresyonismo at maging sikat dito. Si Renoir ay kilala bilang may-akda ng mga sentimental na larawan, kabilang sa kanyang pinakanamumukod-tanging mga gawa ay ang "On the Terrace", "A Walk", "Portrait of the Actress Jeanne Samary", "The Lodge", "Alfred Sisley and His Wife", " On the Swing", "The Paddling Pool" at marami pang iba.

9. Edgar Degas

Kung wala ka pang narinig tungkol sa "Blue Dancers", "Ballet Rehearsal", "Ballet School" at "Absinthe", magmadali at alamin ang tungkol sa gawa ni Edgar Degas. Ang pagpili ng mga orihinal na kulay, mga natatanging tema para sa mga kuwadro na gawa, isang pakiramdam ng paggalaw ng larawan - lahat ng ito at higit pa ay ginawa Degas isa sa mga pinaka mga sikat na artista kapayapaan.

10. Edouard Manet

Huwag malito si Manet kay Monet - dalawa sila iba't ibang tao, na nagtrabaho sa parehong oras at sa parehong oras masining na direksyon. Si Manet ay palaging naaakit sa mga eksena ng pang-araw-araw na buhay, hindi pangkaraniwang mga pagpapakita at mga uri, na parang hindi sinasadyang "nahuli" na mga sandali, pagkatapos ay nakunan ng maraming siglo. Among sikat na mga painting Manet: "Olympia", "Luncheon on the Grass", "Bar at the Folies Bergere", "The Flutist", "Nana" at iba pa.

Kung mayroon kang kahit na kaunting pagkakataon na makita ang mga kuwadro na gawa ng mga master na ito nang live, magpakailanman ay umibig ka sa impresyonismo!

Alexandra Skripkina,

fr. impression - impression) - isang direksyon sa sining ng huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo - ang simula. Ika-20 siglo, na ang mga kinatawan ay nagsimulang magpinta ng mga tanawin at mga eksena sa genre nang direkta mula sa buhay, sinusubukang ihatid ang liwanag ng araw, ang ihip ng hangin, ang kaluskos ng damo, at ang paggalaw ng karamihan ng tao sa lungsod na may napakadalisay at matinding kulay. Sinikap ng mga impresyonista na makuha ang totoong mundo sa kadaliang kumilos at pagkakaiba-iba nito sa pinaka natural at walang kinikilingan na paraan, at upang maihatid ang kanilang panandaliang mga impression.

Napakahusay na kahulugan

Hindi kumpletong kahulugan ↓

IMPRESSIONISMO

Pranses impressionnisme, mula sa impression - impression), isang direksyon sa sining ng con. 1860 – maaga 1880s Pinaka malinaw na ipinakita sa pagpipinta. Mga nangungunang kinatawan: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte at J. F. Bazille. Ipinakita nina E. Manet at E. Degas ang kanilang mga pagpipinta kasama nila, bagaman ang estilo ng kanilang mga gawa ay hindi matatawag na ganap na impresyonistiko. Ang pangalang "Impresyonista" ay itinalaga sa isang grupo ng mga batang artista pagkatapos ng kanilang unang pinagsamang eksibisyon sa Paris (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, atbp.), na nagdulot ng matinding galit sa publiko at mga kritiko. Ang isa sa mga iniharap na painting ni C. Monet (1872) ay tinawag na “Impression. Sunrise” (“L’impression. Soleil levant”), at mapanuksong tinawag ng reviewer ang mga artist na “impressionists” - “impressionists.” Ang mga pintor ay gumanap sa ilalim ng pangalang ito sa ikatlong magkasanib na eksibisyon (1877). Kasabay nito, sinimulan nilang i-publish ang Impressionist magazine, na ang bawat isyu ay nakatuon sa gawain ng isa sa mga miyembro ng grupo.

Ang mga impresyonista ay naghangad na mahuli ang mundo sa patuloy nitong pagkakaiba-iba, pagkalikido, upang walang kinikilingan na ipahayag ang iyong mga agarang impression. Ang impresyonismo ay batay sa pinakabagong mga natuklasan optika at teorya ng kulay (spectral decomposition sinag ng araw pitong kulay ng bahaghari); sa ito siya ay naaayon sa diwa ng siyentipikong pagsusuri na katangian ng con. ika-19 na siglo Gayunpaman, ang mga impresyonista mismo ay hindi sinubukan na tukuyin ang mga teoretikal na pundasyon ng kanilang sining, iginigiit ang spontaneity at intuitiveness ng pagkamalikhain ng artist. Mga prinsipyong masining hindi nagkakaisa ang mga impresyonista. Ipininta lang ni Monet ang mga landscape sa direktang pakikipag-ugnayan sa kalikasan, sa open air (en plein air), at nagtayo pa ng workshop sa isang bangka. Nagtrabaho si Degas sa workshop mula sa mga alaala o paggamit ng mga litrato. Hindi tulad ng mga kinatawan ng mga susunod na radikal na paggalaw, ang mga artista ay hindi lumampas sa Renaissance illusory-spatial system batay sa paggamit ng direktang pananaw. Mahigpit silang sumunod sa paraan ng pagtatrabaho mula sa buhay, na kanilang itinaas sa pangunahing prinsipyo ng pagkamalikhain. Sinikap ng mga artista na "ipinta ang iyong nakikita" at "ang paraan ng nakikita mo." Ang pare-parehong aplikasyon ng pamamaraang ito ay nangangailangan ng pagbabago ng lahat ng mga pundasyon ng umiiral na pictorial system: kulay, komposisyon, spatial na istraktura. Ang mga purong pintura ay inilapat sa canvas sa maliliit na magkakahiwalay na mga stroke: ang maraming kulay na "mga tuldok" ay magkatabi, na hinahalo sa isang makulay na panoorin hindi sa palette o sa canvas, ngunit sa mata ng manonood. Nakamit ng mga Impresyonista ang isang hindi pa naganap na sonority ng kulay at isang walang uliran na kayamanan ng mga shade. Ang brushstroke ay naging isang independiyenteng paraan ng pagpapahayag, na pinupuno ang ibabaw ng pagpipinta ng isang buhay, kumikinang na vibration ng mga particle ng kulay. Ang canvas ay inihalintulad sa isang mosaic na kumikinang na may mahalagang mga kulay. Sa mga nakaraang painting, nangingibabaw ang itim, kulay abo, at kayumanggi; Sa mga pintura ng mga Impresyonista, ang mga kulay ay kumikinang nang maliwanag. Ang mga Impresyonista ay hindi gumamit ng chiaroscuro upang maghatid ng mga volume; iniwan nila ang mga madilim na anino, at ang mga anino sa kanilang mga pintura ay naging kulay din. Ang mga artista ay malawakang gumamit ng mga karagdagang tono (pula at berde, dilaw at kulay-lila), ang kaibahan nito ay nagpapataas ng intensity ng tunog ng kulay. Sa mga pintura ni Monet, ang mga kulay ay lumiwanag at natunaw sa ningning ng mga sinag sikat ng araw, ang mga lokal na kulay ay nakakuha ng maraming shade.

Inilarawan ng mga impresyonista ang mundo sa paligid natin sa walang hanggang paggalaw, paglipat mula sa isang estado patungo sa isa pa. Nagsimula silang magpinta ng isang serye ng mga pagpipinta, na gustong ipakita kung paano nagbabago ang parehong motif depende sa oras ng araw, pag-iilaw, kondisyon ng panahon, atbp. (cycles "Boulevard Montmartre" ni C. Pissarro, 1897; "Rouen Cathedral", 1893 – 95, at "Parliament of London", 1903–04, C. Monet). Nakahanap ang mga artista ng mga paraan upang maipakita sa kanilang mga pagpipinta ang paggalaw ng mga ulap (A. Sisley. "Loing in Saint-Mamme", 1882), ang paglalaro ng silaw ng sikat ng araw (O. Renoir. "Swing", 1876), pagbugso ng hangin ( C. Monet. "Terrace in Sainte-Adresse", 1866), stream ng ulan (G. Caillebotte. "Hierarch. The Effect of Rain", 1875), bumabagsak na snow (C. Pissarro. "Opera Passage. The Effect of Snow ", 1898), mabilis na pagtakbo ng mga kabayo (E. Manet "Racing at Longchamp", 1865).

Ang mga Impresyonista ay bumuo ng mga bagong prinsipyo ng komposisyon. Dati, ang espasyo ng isang pagpipinta ay inihalintulad sa isang entablado; ngayon ang mga nakunan na eksena ay kahawig ng isang snapshot, isang photographic frame. Naimbento noong ika-19 na siglo. Ang photography ay may malaking impluwensya sa komposisyon ng mga impresyonistikong pagpipinta, lalo na sa gawa ni E. Degas, na siya mismo ay isang madamdamin na photographer at, sa kanyang sariling mga salita, hinahangad na kunin ang mga ballerina na inilalarawan niya nang sorpresa, upang makita ang mga ito "na parang through a keyhole,” kapag natural, expressive at authentic ang kanilang mga poses, body lines. Ang paglikha ng mga kuwadro na gawa sa bukas na hangin, ang pagnanais na makuha ang mabilis na pagbabago ng pag-iilaw ay pinilit ng mga artista na pabilisin ang kanilang trabaho, pagpipinta ng "alla prima" (sa isang pagkakataon), nang walang mga paunang sketch. Ang pagkapira-piraso, "randomness" ng komposisyon at dynamic na istilo ng pagpipinta ay lumikha ng isang pakiramdam ng espesyal na pagiging bago sa mga pagpipinta ng mga Impresyonista.

Ang paboritong impresyonistikong genre ay landscape; ang portrait ay kumakatawan din sa isang uri ng "landscape of a face" (O. Renoir. "Portrait of the Actress J. Samary", 1877). Bilang karagdagan, ang mga artista ay makabuluhang pinalawak ang hanay ng mga paksa ng pagpipinta, na bumabaling sa mga paksang dating itinuturing na hindi karapat-dapat ng pansin: mga katutubong pagdiriwang, karera ng kabayo, piknik ng artistikong bohemia, ang buhay sa likod ng entablado ng mga sinehan, atbp. Gayunpaman, ang kanilang mga pagpipinta ay walang detalyadong plot o detalyadong pagsasalaysay; ang buhay ng tao ay natunaw sa kalikasan o sa kapaligiran ng lungsod. Ang mga impresyonista ay hindi nagpinta ng mga kaganapan, ngunit mga mood, mga lilim ng damdamin. Ang mga artista sa panimula ay tinanggihan ang kasaysayan at pampanitikan na mga tema, iniiwasang ilarawan ang madula, madilim na bahagi ng buhay (mga digmaan, sakuna, atbp.). Hinahangad nilang palayain ang sining mula sa katuparan ng mga gawaing panlipunan, pampulitika at moral, mula sa obligasyon na suriin ang mga itinatanghal na phenomena. Kinanta ng mga artista ang kagandahan ng mundo, na nagawang gawing isang kaakit-akit na panoorin ang pinakapang-araw-araw na motif (pagkukumpuni ng silid, kulay abong London fog, usok ng mga steam lokomotive, atbp.) (G. Caillebotte. "Parquet Boys", 1875; C. Monet. “Gare Saint-Lazare” , 1877).

Noong 1886, naganap ang huling eksibisyon ng mga Impresyonista (hindi nakilahok dito sina O. Renoir at C. Monet). Sa oras na ito, ang mga makabuluhang hindi pagkakasundo ay lumitaw sa pagitan ng mga miyembro ng grupo. Ang mga posibilidad ng impresyonistang pamamaraan ay naubos, at ang bawat isa sa mga artista ay nagsimulang maghanap ng kanilang sariling landas sa sining.

Impresyonismo sa kabuuan malikhaing pamamaraan ay isang kababalaghan ng nakararami sa Pranses na sining, ngunit ang gawain ng mga Impresyonista ay nagkaroon ng epekto sa kabuuan European painting. Ang pagnanais na i-renew ang masining na wika, pagpapatingkad sa makulay na palette, at paglalantad ng mga diskarte sa pagpipinta ay naging matatag na ngayon sa arsenal ng mga artista. Sa ibang mga bansa, si J. Whistler (England at USA), M. Lieberman, L. Corinth (Germany), at H. Sorolla (Spain) ay malapit sa impresyonismo. Maraming mga artistang Ruso ang nakaranas ng impluwensya ng impresyonismo (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar, atbp.).

Bilang karagdagan sa pagpipinta, ang impresyonismo ay nakapaloob sa gawain ng ilang mga iskultor (E. Degas at O. Rodin sa France, M. Rosso sa Italya, P. P. Trubetskoy sa Russia) sa buhay na libreng pagmomolde ng mga likidong malambot na anyo, na lumilikha ng isang kumplikadong paglalaro ng liwanag sa ibabaw ng materyal at isang pakiramdam ng hindi kumpleto ng trabaho; kinukuha ng mga poses ang sandali ng paggalaw at pag-unlad. Sa musika, ang mga gawa ni C. Debussy ("Sails", "Mists", "Reflections in Water", atbp.) ay malapit sa impresyonismo.

Napakahusay na kahulugan

Hindi kumpletong kahulugan ↓