Ο αριθμός των στυλ και των τάσεων είναι τεράστιος, αν όχι ατελείωτος. Τα στυλ στην τέχνη δεν έχουν σαφή όρια, περνούν ομαλά το ένα στο άλλο και βρίσκονται σε συνεχή ανάπτυξη, ανάμειξη και αντίθεση. Μέσα στο πλαίσιο ενός ιστορικού καλλιτεχνικού στυλ, γεννιέται πάντα ένα νέο και αυτό με τη σειρά του περνά στο επόμενο. Πολλά στυλ συνυπάρχουν ταυτόχρονα και επομένως δεν υπάρχουν καθόλου «καθαρά στυλ».

Αφαίρεση (από το λατινικό abstractio - αφαίρεση, απόσπαση της προσοχής) - μια καλλιτεχνική κατεύθυνση στην τέχνη που έχει εγκαταλείψει την εικόνα των μορφών κοντά στην πραγματικότητα.

avant-garde, avant-garde (από τη γαλλική πρωτοπορία - προχωρημένο απόσπασμα) - η γενική ονομασία των καλλιτεχνικών τάσεων στην τέχνη του 20ου αιώνα, που χαρακτηρίζονται από την αναζήτηση νέων μορφών και μέσων καλλιτεχνικής προβολής, την υποτίμηση ή την πλήρη άρνηση των παραδόσεων και την απολυτοποίηση της καινοτομίας .

Ακαδημαϊσμός (από το γαλλικό academisme) - μια κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική του 16ου-19ου αιώνα. Βασίστηκε στη δογματική προσκόλληση στις εξωτερικές μορφές της κλασικής τέχνης. Οι οπαδοί χαρακτήρισαν αυτό το στυλ ως προβληματισμό για τη μορφή τέχνης του αρχαίου αρχαίου κόσμου και της Αναγέννησης. Ο ακαδημαϊσμός αναπλήρωσε τις παραδόσεις της αρχαίας τέχνης, στις οποίες εξιδανικεύτηκε η εικόνα της φύσης, αντισταθμίζοντας παράλληλα τον κανόνα της ομορφιάς. Οι Annibale, Agostino και Lodovico Carracci έγραψαν με αυτό το στυλ.

Ακτιονισμός (από την αγγλική τέχνη δράσης - η τέχνη της δράσης) - χάπενινγκ, περφόρμανς, εκδήλωση, τέχνη διαδικασίας, τέχνη επίδειξης και μια σειρά από άλλες μορφές που προέκυψαν στην πρωτοποριακή τέχνη της δεκαετίας του 1960. Σύμφωνα με την ιδεολογία της δράσης, ο καλλιτέχνης πρέπει να οργανώνει εκδηλώσεις και διαδικασίες. Ο ακτιονισμός επιδιώκει να θολώσει τη γραμμή μεταξύ τέχνης και πραγματικότητας.

Αυτοκρατορία (από τη γαλλική αυτοκρατορία - αυτοκρατορία) - ένα στυλ στην αρχιτεκτονική και τη διακοσμητική τέχνη που προέκυψε στη Γαλλία στις αρχές του 19ου αιώνα, κατά τη διάρκεια της Πρώτης Αυτοκρατορίας του Ναπολέοντα Βοναπάρτη. Αυτοκρατορία - η τελική ανάπτυξη του κλασικισμού. Για την ενσάρκωση της μεγαλοπρέπειας, της πολυτέλειας, της δύναμης και της στρατιωτικής δύναμης, η Αυτοκρατορία χαρακτηρίζεται από μια έκκληση στην αρχαία τέχνη: αρχαίες αιγυπτιακές διακοσμητικές μορφές (πολεμικά τρόπαια, φτερωτές σφίγγες ...), ετρουσκικά βάζα, πίνακες της Πομπηίας, ελληνικές και ρωμαϊκές ντεκόρ, αναγεννησιακές τοιχογραφίες και στολίδια. Ο κύριος εκπρόσωπος αυτού του στυλ ήταν ο J. L. David (πίνακες "The Oath of the Horatii" (1784), "Brutus" (1789))

υπόγειος (από το αγγλικό underground - underground, dungeon) - μια σειρά από καλλιτεχνικές τάσεις στη σύγχρονη τέχνη που αντιτίθενται στη μαζική κουλτούρα, το mainstream. Το underground απορρίπτει και παραβιάζει τους πολιτικούς, ηθικούς και ηθικούς προσανατολισμούς και τύπους συμπεριφοράς που είναι αποδεκτοί στην κοινωνία, εισάγοντας την αντικοινωνική συμπεριφορά στην καθημερινή ζωή. Στη σοβιετική περίοδο, λόγω της αυστηρότητας του καθεστώτος, σχεδόν κάθε ανεπίσημος, δηλ. δεν αναγνωρίζεται από τις αρχές, η τέχνη αποδείχθηκε ότι ήταν υπόγεια.

Art Nouveau (από το γαλλικό art nouveau, κυριολεκτικά - νέα τέχνη) - το όνομα του στυλ Art Nouveau που είναι κοινό σε πολλές χώρες (Βέλγιο, Γαλλία, Αγγλία, ΗΠΑ κ.λπ.). Ο πιο διάσημος καλλιτέχνης αυτής της κατεύθυνσης ζωγραφικής: Alphonse Mucha.

Διακοσμητική τέχνη (από το γαλλικό art deco, συντομογραφία από το decoratif) - μια τάση στην τέχνη στα μέσα του 20ού αιώνα, που σηματοδότησε τη σύνθεση της πρωτοπορίας και του νεοκλασικισμού, αντικατέστησε τον κονστρουκτιβισμό. Χαρακτηριστικά αυτής της κατεύθυνσης: κούραση, γεωμετρικές γραμμές, πολυτέλεια, κομψά, ακριβά υλικά (ελεφαντόδοντο, δέρμα κροκόδειλου). Η πιο διάσημη καλλιτέχνης αυτής της τάσης είναι η Tamara de Lempicka (1898-1980).

Μπαρόκ (από το ιταλικό μπαρόκο - παράξενο, παράξενο ή από το λιμάνι. perola barroca - ένα μαργαριτάρι με ακανόνιστο σχήμα, υπάρχουν και άλλες υποθέσεις για την προέλευση αυτής της λέξης) - ένα καλλιτεχνικό στυλ στην τέχνη της ύστερης Αναγέννησης. Χαρακτηριστικά αυτού του στυλ: υπερβολή μεγέθους, σπασμένες γραμμές, πληθώρα διακοσμητικών λεπτομερειών, βαρύτητα και κολοσσιαία.

Η Αναγέννηση, ή Αναγέννηση (από τη γαλλική αναγέννηση, ιταλικό rinascimento) είναι μια εποχή στην ιστορία του ευρωπαϊκού πολιτισμού που αντικατέστησε τον πολιτισμό του Μεσαίωνα και προηγήθηκε του πολιτισμού της σύγχρονης εποχής. Κατά προσέγγιση χρονολογικό πλαίσιο της εποχής - XIV-XVI αιώνες. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα της Αναγέννησης είναι η κοσμική φύση του πολιτισμού και ο ανθρωποκεντρισμός του (δηλαδή το ενδιαφέρον, πρώτα απ 'όλα, για ένα άτομο και τις δραστηριότητές του). Υπάρχει ενδιαφέρον για τον αρχαίο πολιτισμό, υπάρχει, λες, η «αναβίωση» του - και έτσι εμφανίστηκε ο όρος. Σχεδιάζοντας εικόνες παραδοσιακών θρησκευτικών θεμάτων, οι καλλιτέχνες άρχισαν να χρησιμοποιούν νέες καλλιτεχνικές τεχνικές: χτίζοντας μια τρισδιάστατη σύνθεση, χρησιμοποιώντας ένα τοπίο στο φόντο, που τους επέτρεψε να κάνουν τις εικόνες πιο ρεαλιστικές και ζωντανές. Αυτό ξεχώριζε έντονα το έργο τους από την προηγούμενη εικονογραφική παράδοση, γεμάτη συμβάσεις στην εικόνα. Οι πιο διάσημοι καλλιτέχνες αυτής της περιόδου: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Titian (1477-1576), Antonio Correggio (1489 -1534), Ιερώνυμος Μπος (1450-1516), Άλμπρεχτ Ντύρερ (1471-1528).

Woodland (από τα αγγλικά - δασική γη) - ένα στυλ στην τέχνη, που προέρχεται από τον συμβολισμό της ροκ τέχνης, τους μύθους και τους θρύλους των Ινδιάνων της Βόρειας Αμερικής.

Γοτθικό (από το ιταλικό gotico - ασυνήθιστο, βάρβαρο) - μια περίοδος στην ανάπτυξη της μεσαιωνικής τέχνης, που καλύπτει σχεδόν όλους τους τομείς του πολιτισμού και αναπτύσσεται στη Δυτική, Κεντρική και εν μέρει την Ανατολική Ευρώπη από τον 12ο έως τον 15ο αιώνα. Η γοτθική ολοκλήρωσε την ανάπτυξη της ευρωπαϊκής μεσαιωνικής τέχνης, έχοντας προκύψει με βάση τα επιτεύγματα του ρωμανικού πολιτισμού, και κατά την Αναγέννηση, η τέχνη του Μεσαίωνα θεωρήθηκε "βάρβαρη". Η γοτθική τέχνη ήταν λατρεία ως προς τον σκοπό και θρησκευτική ως προς το θέμα. Απευθυνόταν στις υψηλότερες θεϊκές δυνάμεις, την αιωνιότητα, τη χριστιανική κοσμοθεωρία. Το γοτθικό στην ανάπτυξή του χωρίζεται σε πρώιμο γοτθικό, ακραίο, ύστερο γοτθικό.

Ο ιμπρεσιονισμός (από το γαλλικό impression - impression) είναι μια τάση στην ευρωπαϊκή ζωγραφική που ξεκίνησε στη Γαλλία στα μέσα του 19ου αιώνα, ο κύριος σκοπός της οποίας ήταν να μεταφέρει φευγαλέες, μεταβλητές εντυπώσεις.

Kitsch, kitsch (από το γερμανικό kitsch - κακό γούστο) είναι ένας όρος που δηλώνει ένα από τα πιο απεχθή φαινόμενα της μαζικής κουλτούρας, συνώνυμο της ψευδο-τέχνης, στην οποία η κύρια προσοχή δίνεται στην υπερβολή της εμφάνισης, την ένταση των στοιχείων της. . Στην πραγματικότητα, το κιτς είναι ένα είδος μεταμοντερνισμού. Το κιτς είναι μαζική τέχνη για την ελίτ. Ένα έργο που ανήκει στο κιτς πρέπει να είναι φτιαγμένο σε υψηλό καλλιτεχνικό επίπεδο, πρέπει να έχει μια συναρπαστική πλοκή, αλλά αυτό δεν είναι ένα πραγματικό έργο τέχνης με την υψηλή έννοια, αλλά ένα επιδέξιο ψεύτικο για αυτό. Μπορεί να υπάρχουν βαθιές ψυχολογικές συγκρούσεις στο κιτς, αλλά δεν υπάρχουν γνήσιες καλλιτεχνικές ανακαλύψεις και αποκαλύψεις.

Ο κλασικισμός (από το λατινικό classicus - υποδειγματικό) είναι ένα καλλιτεχνικό στυλ στην τέχνη, η βάση του οποίου ήταν η έκκληση, ως ιδανικό αισθητικό πρότυπο, στις εικόνες και τις μορφές της αρχαίας τέχνης και της Αναγέννησης, που απαιτεί αυστηρή τήρηση ορισμένων κανόνων και κανόνων.

Ο κοσμισμός (από τον ελληνικό κόσμο - οργανωμένος κόσμος, kosma - διακόσμηση) είναι μια καλλιτεχνική και φιλοσοφική κοσμοθεωρία, η οποία βασίζεται στη γνώση του Κόσμου και στην ιδέα ενός ατόμου ως πολίτη του Κόσμου, καθώς και σε έναν μικρόκοσμο παρόμοιο στον Μακρόκοσμο. Ο κοσμισμός συνδέεται με την αστρονομική γνώση για το σύμπαν.

Ο κυβισμός (από το γαλλικό cube - cube) είναι μια μοντερνιστική τάση στην τέχνη που απεικόνιζε αντικείμενα της πραγματικότητας αποσυντεθειμένα σε απλά γεωμετρικά σχήματα.

Ο λετρισμός (από το αγγλικό γράμμα - επιστολή, μήνυμα) είναι μια κατεύθυνση στον μοντερνισμό που βασίζεται στη χρήση εικόνων παρόμοιων με γραμματοσειρά, μη αναγνώσιμο κείμενο, καθώς και συνθέσεις με βάση γράμματα και κείμενο.

Ο μεταρεαλισμός, ο μεταφυσικός ρεαλισμός (από τα ελληνικά. meta - μεταξύ και healis - υλικό, πραγματικό) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη, η κύρια ιδέα της οποίας είναι να εκφράσει την υπερσυνείδηση, την υπερφυσική φύση των πραγμάτων.

Ο μινιμαλισμός (προέρχεται από το αγγλικό minimal art - minimal art) είναι μια καλλιτεχνική κίνηση που προέρχεται από την ελάχιστη μεταμόρφωση των υλικών που χρησιμοποιούνται στη διαδικασία της δημιουργικότητας, την απλότητα και την ομοιομορφία των μορφών, τη μονόχρωμη, δημιουργική αυτοσυγκράτηση του καλλιτέχνη. Ο μινιμαλισμός χαρακτηρίζεται από την απόρριψη της υποκειμενικότητας, της αναπαράστασης, της ψευδαίσθησης. Απορρίπτοντας τις κλασικές τεχνικές και τα παραδοσιακά υλικά τέχνης, οι μινιμαλιστές χρησιμοποιούν βιομηχανικά και φυσικά υλικά με απλά γεωμετρικά σχήματα και ουδέτερα χρώματα (μαύρο, γκρι), μικρούς όγκους, χρησιμοποιούν σειριακές, μεταφορικές μεθόδους βιομηχανικής παραγωγής.

Το μοντέρνο (προέρχεται από το γαλλικό moderne - το πιο πρόσφατο, μοντέρνο) είναι ένα καλλιτεχνικό στυλ στην τέχνη, στο οποίο τα χαρακτηριστικά της τέχνης διαφορετικών εποχών αναθεωρούνται και σχηματοποιούνται με τη βοήθεια καλλιτεχνικών τεχνικών που βασίζονται στις αρχές της ασυμμετρίας, της διακόσμησης και της λεπτομέρειας. .

Ο νεοπλαστικισμός είναι μια από τις πρώτες ποικιλίες αφηρημένης τέχνης. Δημιουργήθηκε το 1917 από τον Ολλανδό ζωγράφο P. Mondrian και άλλους καλλιτέχνες που συμμετείχαν στην ένωση «Style». Ο νεοπλαστικισμός χαρακτηρίζεται, σύμφωνα με τους δημιουργούς του, από την επιθυμία για «καθολική αρμονία», που εκφράζεται σε αυστηρά ισορροπημένους συνδυασμούς μεγάλων ορθογώνιων μορφών, που χωρίζονται σαφώς από κάθετες μαύρες γραμμές και ζωγραφίζονται σε τοπικά χρώματα του κύριου φάσματος (με την προσθήκη λευκού και γκρι τόνοι).

Πρωτογονισμός, αφελής τέχνη, αφελής - ένα στυλ ζωγραφικής στο οποίο η εικόνα απλοποιείται σκόπιμα, οι μορφές της γίνονται πρωτόγονες, όπως η λαϊκή τέχνη, το έργο ενός παιδιού ή ενός πρωτόγονου ατόμου.

Η op art (από την αγγλική οπτική τέχνη - οπτική τέχνη) είναι μια νεο-αβανγκάρντ τάση στις εικαστικές τέχνες, στην οποία τα εφέ της χωρικής κίνησης, της συγχώνευσης και της «αιώρησης» των μορφών επιτυγχάνονται με την εισαγωγή έντονων χρωμάτων και τονικών αντιθέσεων. ρυθμικές επαναλήψεις, διασταύρωση σπειροειδών και δικτυωτών διαμορφώσεων, στραγγιστικές γραμμές.

Οριενταλισμός (από το λατινικό oriens - ανατολή) - μια κατεύθυνση στην ευρωπαϊκή τέχνη που χρησιμοποιεί τα θέματα, τα σύμβολα και τα μοτίβα της Ανατολής και της Ινδοκίνας

Ορφισμός (από το γαλλικό orphisme, από το Orp?ee - Orpheus) - μια κατεύθυνση στη γαλλική ζωγραφική της δεκαετίας του 1910. Το όνομα δόθηκε το 1912 από τον Γάλλο ποιητή Apollinaire στον ζωγράφο Robert Delaunay. Ο ορφισμός συνδέεται με τον κυβισμό, τον φουτουρισμό και τον εξπρεσιονισμό. Τα κύρια χαρακτηριστικά αυτού του στυλ ζωγραφικής είναι η αισθητική, η πλαστικότητα, ο ρυθμός, η κομψότητα των σιλουετών και των γραμμών.
Δάσκαλοι του Ορφισμού: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossine, Fernand Léger, Morgan Russell.

ποπ αρτ

Ο μεταμοντερνισμός (από το γαλλικό postmodernisme - μετά τον μοντερνισμό) είναι ένα νέο καλλιτεχνικό στυλ που διαφέρει από τον μοντερνισμό στην επιστροφή του στην ομορφιά της δευτερεύουσας πραγματικότητας, στην αφήγηση, στην έλξη στην πλοκή, στη μελωδία και στην αρμονία των δευτερευουσών μορφών. Ο μεταμοντερνισμός χαρακτηρίζεται από την ενοποίηση στο πλαίσιο ενός έργου στυλ, εικονιστικών μοτίβων και καλλιτεχνικών τεχνικών δανεισμένων από διαφορετικές εποχές, περιοχές και υποκουλτούρες.

Ο ρεαλισμός (από το λατ. gealis - υλικό, πραγματικό) είναι μια τάση στην τέχνη που χαρακτηρίζεται από την απεικόνιση κοινωνικών, ψυχολογικών και άλλων φαινομένων όσο το δυνατόν πιο κοντά στην πραγματικότητα.

Το ροκοκό (προέρχεται από το γαλλικό ροκοκό, rocaille) είναι ένα στυλ στην τέχνη και την αρχιτεκτονική που ξεκίνησε στη Γαλλία στις αρχές του 18ου αιώνα. Διακρίθηκε από χάρη, ελαφρότητα, οικείο-φλερτ χαρακτήρα. Έχοντας αντικαταστήσει το βαρύ μπαρόκ, το ροκοκό ήταν τόσο το λογικό αποτέλεσμα της ανάπτυξής του όσο και ο καλλιτεχνικός του αντίποδας. Με το μπαρόκ στυλ, το ροκοκό ενώνεται από την επιθυμία για πληρότητα των μορφών, αλλά αν το μπαρόκ τραβάει προς τη μνημειακή επισημότητα, τότε το ροκοκό προτιμά την κομψότητα και την ελαφρότητα.

Ο συμβολισμός (από το γαλλικό symbolisme - ένα σημάδι, ένα σημάδι αναγνώρισης) είναι μια καλλιτεχνική κατεύθυνση στην τέχνη, που βασίζεται στην ενσάρκωση των κύριων ιδεών του έργου μέσα από την πολύτιμη και πολύπλευρη συνειρμική αισθητική των συμβόλων.

Ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός, ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός είναι μια καλλιτεχνική τάση στην τέχνη, η οποία είναι μια αισθητική έκφραση μιας σοσιαλιστικής συνειδητής αντίληψης του κόσμου και του ανθρώπου, λόγω της εποχής της σοσιαλιστικής κοινωνίας.

Ο υπερρεαλισμός, ο υπερρεαλισμός, ο φωτορεαλισμός (από τον αγγλικό υπερρεαλισμό - πάνω από τον ρεαλισμό) είναι μια κατεύθυνση στην τέχνη που βασίζεται σε μια ακριβή φωτογραφική αναπαραγωγή της πραγματικότητας.

Ο σουρεαλισμός (από το γαλλικό σουρεαλισμός - πάνω + ρεαλισμός) είναι μια από τις κατευθύνσεις του μοντερνισμού, η κύρια ιδέα του οποίου είναι να εκφράσει το υποσυνείδητο (να συνδυάσει το όνειρο και την πραγματικότητα).

Η transavant-garde (από τα λατινικά trans - through, through και τα γαλλικά avantgarde - avant-garde) είναι μια από τις σύγχρονες τάσεις του μεταμοντερνισμού που προέκυψε ως αντίδραση στον εννοιολογισμό και την ποπ αρτ. Η transavant-garde καλύπτει την ανάμειξη και τη μεταμόρφωση στυλ που γεννήθηκαν στην πρωτοπορία, όπως ο κυβισμός, ο φοβισμός, ο φουτουρισμός, ο εξπρεσιονισμός κ.λπ.

Ο εξπρεσιονισμός (που προέρχεται από τη γαλλική έκφραση - εκφραστικότητα) είναι μια μοντερνιστική τάση στην τέχνη που θεωρεί την εικόνα του έξω κόσμου μόνο ως μέσο έκφρασης των υποκειμενικών καταστάσεων του συγγραφέα.

Γλυπτική και συμφωνία, ζωγραφική και ιστορία, ταινία και παλάτι, παιχνίδι και χορός - όλα αυτά είναι έργα διαφόρων ειδών τέχνης.

Η τέχνη ταξινομείται σύμφωνα με διαφορετικά κριτήρια. Καλές τέχνεςδείχνουν την εξωτερική πραγματικότητα σε καλλιτεχνικές εικόνες, οι μη γραφικές τέχνες εκφράζουν τον εσωτερικό κόσμο. Μη καλών τεχνών: μουσική, χορός και λογοτεχνία, καθώς και αρχιτεκτονική. Υπάρχουν επίσης ανάμεικτο (συνθετικό)τέχνες: κινηματογράφος, θέατρο, μπαλέτο, τσίρκο κ.λπ.
Μέσα σε κάθε μορφή τέχνης υπάρχουν τμήματα που ονομάζονται είδησύμφωνα με τα θέματα και τα αντικείμενα της εικόνας. Αυτό είναι που θα μιλήσουμε μαζί σας σήμερα.

Είδη τέχνης

καλές τέχνες

Ζωγραφική

Ίσως αυτό είναι ένα από τα πιο κοινά είδη τέχνης. Τα πρώτα έργα ζωγραφικής ανήκουν στην αρχαιότητα, βρέθηκαν στους τοίχους των σπηλαίων των αρχαίων ανθρώπων.
Μνημειακή ζωγραφική, η οποία αναπτύχθηκε με τη μορφή μωσαϊκάκαι τοιχογραφίες(ζωγραφική σε βρεγμένο σοβά).

Άγιος Νικόλαος. Τοιχογραφία του Διονυσίου. Μονή Ferapontov
καβαλέτο ζωγραφική- αυτοί είναι πίνακες διαφορετικών ειδών, ζωγραφισμένοι σε καμβά (χαρτόνι, χαρτί), πιο συχνά με λαδομπογιές.

Είδη ζωγραφικής

Στη σύγχρονη ζωγραφική υπάρχουν τα εξής είδη: πορτραίτο, ιστορικό, μυθολογικό, μάχη, καθημερινή ζωή, τοπίο, νεκρή φύση, ζωϊκό είδος.
είδος πορτρέτουαντανακλά την εξωτερική και εσωτερική εμφάνιση ενός ατόμου ή μιας ομάδας ανθρώπων. Αυτό το είδος είναι ευρέως διαδεδομένο όχι μόνο στη ζωγραφική, αλλά και στη γλυπτική, τα γραφικά κ.λπ. Το κύριο καθήκον του είδους πορτρέτου είναι να μεταφέρει την εξωτερική ομοιότητα και να αποκαλύψει τον εσωτερικό κόσμο, την ουσία του χαρακτήρα ενός ατόμου.

I. Kramskoy "Πορτρέτο της Sophia Ivanovna Kramskoy"
ιστορικό είδος(εικόνα ιστορικών γεγονότων και χαρακτήρων). Φυσικά, τα είδη στη ζωγραφική είναι πολύ συχνά αλληλένδετα, γιατί. όταν απεικονίζει, για παράδειγμα, κάποιο ιστορικό γεγονός, ο καλλιτέχνης πρέπει να στραφεί στο είδος του πορτρέτου κ.λπ.
μυθολογικό είδος- μια απεικόνιση μύθων και παραδόσεων διαφορετικών λαών.

S. Botticelli "Η γέννηση της Αφροδίτης"
Είδος μάχης- μια εικόνα από μάχες, στρατιωτικά κατορθώματα, στρατιωτικές επιχειρήσεις, δοξαστικές μάχες, θρίαμβος της νίκης. Το είδος μάχης μπορεί επίσης να περιλαμβάνει στοιχεία άλλων ειδών - νοικοκυριό, πορτρέτο, τοπίο, ζωώδη, νεκρή φύση.

V. Vasnetsov "Μετά τη μάχη του Igor Svyatoslavich με τους Polovtsy"
οικιακό είδος- η εικόνα των σκηνών της καθημερινής, προσωπικής ζωής ενός ατόμου.

A. Venetsianov "Σε καλλιεργήσιμη γη"
Τοπίο– απεικόνιση της φύσης, του περιβάλλοντος, της θέας της υπαίθρου, των πόλεων, των ιστορικών μνημείων κ.λπ.

Και Σαβρασόφ "Οι πύργοι έχουν φτάσει"
Μαρίνα- θαλασσογραφία.
Νεκρή φύση(μετάφραση από τα γαλλικά - "νεκρή φύση") - μια εικόνα ειδών οικιακής χρήσης, εργασίας, δημιουργικότητας, λουλουδιών, φρούτων, νεκρών θηραμάτων, πιασμένων ψαριών, τοποθετημένη σε πραγματικό οικιακό περιβάλλον.
Ζωικό είδος- εικόνα των ζώων.

ΓΡΑΦΙΚΕΣ ΤΕΧΝΕΣ

Το όνομα αυτού του είδους καλών τεχνών προέρχεται από την ελληνική λέξη γράφω - γράφω, σχεδιάζω.
Τα γραφικά περιλαμβάνουν, πρώτα απ 'όλα, το σχέδιο και τη χάραξη, στα οποία το σχέδιο δημιουργείται κυρίως με τη βοήθεια μιας γραμμής σε ένα φύλλο χαρτιού ή με έναν κόφτη σε ένα σκληρό υλικό, από το οποίο η εικόνα αποτυπώνεται σε ένα φύλλο χαρτιού.

Τύποι γραφικών

Χαρακτική- ένα σχέδιο εφαρμόζεται σε μια επίπεδη επιφάνεια του υλικού, η οποία στη συνέχεια καλύπτεται με χρώμα και αποτυπώνεται σε χαρτί. Ο αριθμός των αποτυπωμάτων ποικίλλει ανάλογα με την τεχνική και το υλικό χάραξης. Τα κύρια υλικά χάραξης είναι μέταλλο (χαλκός, ψευδάργυρος, χάλυβας), ξύλο (πυξάρι, φοίνικας, αχλάδι, κεράσι κ.λπ.), λινέλαιο, χαρτόνι, πλαστικό, πλεξιγκλάς. Η επεξεργασία της σανίδας χάραξης πραγματοποιείται με μηχανικά μέσα, χαλύβδινα εργαλεία ή όξινη χάραξη.
Τυπώνω- αποτύπωμα από χαρακτικό πίνακα (χαρακτική, λιθογραφία, μεταξοτυπία, μονοτυπία), που είναι ένα καβαλέτο καλλιτεχνικής γραφικής παράστασης. Η γκραβούρα είναι τυπωμένη από πίνακα χαραγμένο από τον ίδιο τον καλλιτέχνη, συχνά κάνει και εκτυπώσεις. Τέτοια έργα είναι συνήθως υπογεγραμμένα, αντίγραφα του συγγραφέα, θεωρούνται πρωτότυπα. Οι εκτυπώσεις είναι διαθέσιμες σε ασπρόμαυρο και έγχρωμο.
γραφικά βιβλίου- ο σχεδιασμός του βιβλίου, ο διακοσμητικός σχεδιασμός του, η εικονογράφηση.
Βιομηχανικά γραφικά - δημιουργία ετικετών προϊόντων, εμπορικών σημάτων, σημάτων έκδοσης, συσκευασίας, διαφημιστικών εκδόσεων, επιστολόχαρτα και φακέλους. Έρχεται σε επαφή με τη διαφήμιση, περιλαμβάνεται στο σύστημα σχεδιασμού.
ex libris- μια πινακίδα που δείχνει τον ιδιοκτήτη του βιβλίου. Το ex-libris είναι προσαρτημένο στο εσωτερικό της βιβλιοδεσίας ή του εξωφύλλου. Οι σελιδοδείκτες είναι χαραγμένοι σε μεθόδους ξύλου, χαλκού, λινοτάπητα, ψευδαργύρου ή λιθογραφίας.

Βιβλιοθήκη της Γκρέτα Γκάρμπο

Αφίσα- μια εικόνα σχεδιασμένη για γενική προσοχή, που δημιουργήθηκε για προπαγανδιστικούς ή εκπαιδευτικούς σκοπούς.
Linocut- χάραξη σε λινέλαιο.
Λιθογραφία- είδος χαρακτικής: σχεδίαση εικόνας σε πέτρα και αποτύπωση από αυτήν.
Ξυλογραφία- ξυλογραφία.

Katsushika Hokusai «The Great Wave off Kanagawa», ξυλογραφία
Χαλκογραφία- τύπος χάραξης σε μέταλλο, μέθοδος χάραξης και εκτύπωση που λαμβάνεται με αυτή τη μέθοδο.
Γραφικά υπολογιστή– οι εικόνες μεταγλωττίζονται σε υπολογιστή, εμφανίζονται σε δυναμική ή στατική. Κατά τη δημιουργία αυτού του τύπου γραφικών, μπορείτε να δείτε πώς σχηματίζεται η εικόνα σε όλα τα στάδια και να πραγματοποιήσετε απεριόριστες ρυθμίσεις.

Γλυπτική

Αυτό το είδος τέχνης ξεκίνησε επίσης από την αρχαιότητα. Έχουν βρεθεί πολλές εικόνες ζώων γλυπτών από πηλό ή λαξευμένες σε πέτρα, που αποδίδουν με ακρίβεια την εμφάνισή τους. Έχουν διατηρηθεί πολλά γυναικεία ειδώλια, τα οποία ενσωματώνουν την ισχυρή γυναικεία αρχή. Ίσως πρόκειται για πρωτόγονες εικόνες θεών. Οι αρχαίοι γλύπτες υπερέβαλαν τις γόνιμες δυνάμεις τους, απεικονίζοντάς τους με ισχυρούς γοφούς και οι αρχαιολόγοι τους αποκαλούν «Αφροδίτες».

Αφροδίτη του Willendorf, περίπου 23 χιλιάδες χρόνια π.Χ ε., Κεντρική Ευρώπη
Η γλυπτική χωρίζεται σε στρογγυλά, ελεύθερα τοποθετημένα στο χώρο και ανάγλυφα, στα οποία βρίσκονται τρισδιάστατες εικόνες σε ένα επίπεδο.
Όπως και στη ζωγραφική, υπάρχουν και μνημειακές μορφές στη γλυπτική. μνημειακή γλυπτικήσχεδιασμένο για δρόμους και πλατείες, ένα τέτοιο μνημείο δημιουργείται για μεγάλο χρονικό διάστημα, επομένως είναι συνήθως κατασκευασμένο από μπρούτζο, μάρμαρο, γρανίτη. γλυπτό καβαλέτο- πρόκειται για πορτρέτα ή μικρές ομάδες ειδών από ξύλο, γύψο και άλλα υλικά.

Μνημείο στον ταχυδρόμο. Νίζνι Νόβγκοροντ

Τέχνες και χειροτεχνήματα

Οι δημιουργοί έργων τέχνης και χειροτεχνίας θέτουν δύο στόχους: να δημιουργήσουν ένα πράγμα που είναι απαραίτητο για την καθημερινή ζωή, αλλά ταυτόχρονα αυτό το πράγμα πρέπει να έχει ορισμένες καλλιτεχνικές ιδιότητες. Τα αντικείμενα της καθημερινής ζωής δεν πρέπει μόνο να εξυπηρετούν ένα άτομο πρακτικά, αλλά και να διακοσμούν τη ζωή, να ευχαριστούν το μάτι με την τελειότητα των μορφών και των χρωμάτων.
Βέβαια, πλέον πολλά έργα τέχνης και χειροτεχνίας έχουν κυρίως αισθητική αξία, αλλά αυτό δεν ίσχυε πάντα.

Τα κύρια είδη τεχνών και χειροτεχνίας

Μάθοδος τυπώματος υφασμάτων– ζωγραφισμένο στο χέρι σε ύφασμα

Εργασία στην τεχνική του ζεστού μπατίκ (με χρήση κεριού)
συσκευή αναδίπλωσης
Κέντημα
Πλέξιμο

Κατασκευή δαντέλας
Ταπητουργία
Ταπισερί
quilling- η τέχνη της κατασκευής επίπεδων ή ογκωδών συνθέσεων από μακρόστενες λωρίδες χαρτιού στριμμένες σε σπείρες.

Τεχνική Quilling
Κεραμικά
Μωσαϊκό
Τέχνη κοσμήματος
Μινιατούρα λάκας

Μινιατούρα λάκας Palekh
Ζωγραφική τέχνης σε ξύλο
Ζωγραφική τέχνης σε μέταλλο

Δίσκος Zhostovo
Καλλιτεχνική σκάλισμα
Καλλιτεχνική επεξεργασία δέρματος

Ζωγραφική τέχνης σε κεραμικά

Καλλιτεχνική επεξεργασία μετάλλων
πυρογραφία(κάψιμο σε ξύλο, δέρμα, ύφασμα κ.λπ.)
Γυαλί εργασία

Επάνω μισό παράθυρο του καθεδρικού ναού του Canterbury, UK
Origami

Φωτογραφία τέχνη

Η τέχνη της καλλιτεχνικής φωτογραφίας. Τα είδη είναι βασικά τα ίδια όπως στη ζωγραφική.

Γκράφιτι

Εικόνες σε τοίχους ή άλλες επιφάνειες. Το γκράφιτι αναφέρεται σε κάθε είδους ζωγραφική δρόμου σε τοίχους, στους οποίους μπορείτε να βρείτε τα πάντα, από απλές γραπτές λέξεις έως εξαιρετικά σχέδια.

Γκράφιτι

Κόμικς

Ζωγραφισμένες ιστορίες, ιστορίες σε εικόνες. Το κόμικ συνδυάζει τα χαρακτηριστικά μορφών τέχνης όπως η λογοτεχνία και οι καλές τέχνες.

Καλλιτέχνης Winsor McKay "Little Sammy Sneezes"

Μη Εικαστικές Τέχνες

Αρχιτεκτονική

Αρχιτεκτονική- η τέχνη του σχεδιασμού και της κατασκευής κτιρίων. Οι αρχιτεκτονικές κατασκευές μπορούν να υπάρχουν με τη μορφή χωριστών κτιρίων ή με τη μορφή συνόλων. Μερικές φορές όμως συγκροτούνται ιστορικά σύνολα: ένα ενιαίο σύνολο σχηματίζεται από κτίρια που χτίστηκαν σε διαφορετικούς χρόνους. Ένα παράδειγμα είναι η Κόκκινη Πλατεία στη Μόσχα.
Η αρχιτεκτονική καθιστά δυνατή την κρίση των τεχνικών επιτευγμάτων και των καλλιτεχνικών στυλ διαφορετικών εποχών. Μέχρι την εποχή μας σώζονται οι αιγυπτιακές πυραμίδες, που χτίστηκαν πριν από περίπου 5 χιλιάδες χρόνια, οι ναοί της Αρχαίας Ελλάδας και της Ρώμης. Οποιαδήποτε πόλη σε οποιαδήποτε χώρα είναι διάσημη για τις αρχιτεκτονικές της δομές.

Πλατεία παλατιών στην Αγία Πετρούπολη

Βιβλιογραφία

Με την ευρεία έννοια του όρου: το σύνολο των οποιωνδήποτε γραπτών κειμένων.
Είδη λογοτεχνίας: μυθοπλασία, παραστατική πεζογραφία, απομνημονεύματα, επιστημονική και λαϊκή επιστήμη, αναφορά, εκπαιδευτική, τεχνική.

Είδη λογοτεχνίας

Ένα λογοτεχνικό έργο μπορεί να αποδοθεί σε ένα συγκεκριμένο είδος σύμφωνα με διάφορα κριτήρια: κατά μορφή (διήγημα, ωδή, έργο, δοκίμιο, ιστορία, θεατρικό έργο, διήγημα, μυθιστόρημα, σκίτσο, έπος, έπος, δοκίμιο), κατά περιεχόμενο (κωμωδία, φάρσα, βοντβίλ).
επικό γένος: μύθος, έπος, μπαλάντα, μύθος, διήγημα, ιστορία, ιστορία, μυθιστόρημα, επικό μυθιστόρημα, παραμύθι, έπος.
λυρικό γένος: ωδή, μήνυμα, στροφές, ελεγεία, επίγραμμα.
Λυρο-επικό γένος: μπαλάντα, ποίημα.
δραματικό φύλο: δράμα, κωμωδία, τραγωδία.

ΜΟΥΣΙΚΗ

ΜΟΥΣΙΚΗ- πρόκειται για μια τέχνη, τα μέσα ενσωμάτωσης καλλιτεχνικών εικόνων για τις οποίες είναι ο ήχος και η σιωπή, οργανωμένες με έναν ιδιαίτερο τρόπο στο χρόνο. Αλλά γενικά, είναι αδύνατο να δοθεί ένας εξαντλητικά ακριβής ορισμός της έννοιας της «μουσικής». Αυτό είναι ένα ειδικό είδος δημιουργικής δραστηριότητας, συμπεριλαμβανομένης μιας χειροτεχνίας, ενός επαγγέλματος.
Μεγάλη οπτική και στυλιστική ποικιλομορφία μουσικής.
Κλασικό (ή σοβαρό)- επαγγελματικές μουσικές συνθέσεις που γεννήθηκαν στον πολιτισμό της Ευρώπης κυρίως από τη Νέα Εποχή (την αλλαγή του 16ου-17ου αιώνα) και τον Μεσαίωνα.
Δημοφιλής- κυρίως τραγούδια και χορευτικά είδη μουσικής.
Μη ευρωπαϊκός (μη ευρωπαϊκός)- τη μουσική εκείνων των λαών (της Ανατολής), των οποίων ο πολιτισμός διαφέρει από τον πολιτισμό του δυτικοευρωπαϊκού πολιτισμού.
Εθνοτική (λαϊκή)- λαογραφικά μουσικά έργα διαφορετικών λαών, με έμφαση στην ταυτότητα της εθνικής ομάδας, του έθνους, της φυλής.
Ποικιλία (ελαφριά)- μουσική διασκεδαστικής φύσης, που προορίζεται για χαλάρωση.
Τζαζ- ερμηνεία παραδόσεων Αμερικανών μαύρων που αναθεωρήθηκαν από Ευρωπαίους, βασισμένες στη σύνθεση αφρικανικών και ευρωπαϊκών μουσικών στοιχείων.
Βράχος- μουσική μικρών φωνητικών και οργανικών ομάδων νέων, που χαρακτηρίζεται από την υποχρεωτική παρουσία κρουστών και ηλεκτρικών μουσικών οργάνων, κυρίως κιθάρων.
Avant-garde (πειραματικό)- κατεύθυνση στη δημιουργικότητα των επαγγελματιών συνθετών στον 20ο αιώνα.
Εναλλακτική λύση- νέες μουσικές συνθέσεις ή παραστάσεις (ηχητικές παραστάσεις, «παραστάσεις»), θεμελιωδώς διαφορετικές από όλα τα είδη μουσικής που είναι γνωστά σήμερα.
Τα είδη μουσικής μπορούν επίσης να καθοριστούν από τη λειτουργία που εκτελεί: στρατιωτική, εκκλησιαστική, θρησκευτική, θεατρική, χορευτική, κινηματογραφική μουσική κ.λπ.
Ή από τη φύση της παράστασης: φωνητική, οργανική, δωματίου, φωνητική-οργανική, χορωδιακή, σόλο, ηλεκτρονική, πιάνο κ.λπ.

Κάθε είδος μουσικής έχει τα δικά του είδη. Σκεφτείτε για παράδειγμα είδη ορχηστρικής μουσικής.
Ορχηστρική μουσική- πρόκειται για μουσική που παίζεται σε όργανα, χωρίς τη συμμετοχή της ανθρώπινης φωνής. Η ενόργανη μουσική είναι συμφωνική και δωματίου.
Μουσική δωματίου- συνθέσεις που προορίζονται για παράσταση σε μικρά δωμάτια, για μουσική στο σπίτι, "δωμάτιο". Η μουσική δωματίου έχει μεγάλες δυνατότητες να μεταφέρει λυρικά συναισθήματα και λεπτές καταστάσεις του νου ενός ατόμου. Τα είδη μουσικής δωματίου περιλαμβάνουν: σονάτες, κουαρτέτα, θεατρικά έργα, κουιντέτα κ.λπ.
Σονάτα- ένα από τα κύρια είδη της ορχηστρικής μουσικής δωματίου. Συνήθως αποτελείται από 3 (4) μέρη.
Etude- ένα μουσικό κομμάτι που έχει σχεδιαστεί για να βελτιώσει τις τεχνικές δεξιότητες του παιξίματος ενός οργάνου.
Νυχτερινό(Γαλλικά "νύχτα") - ένα είδος μικρού μονομερούς μελωδικού λυρικού κομματιού για πιάνο.
Προανάκρουσμα(λατ. "εισαγωγή") - ένα μικρό οργανικό κομμάτι. Αυτοσχεδιαστική εισαγωγή στο κύριο κομμάτι. Μπορεί όμως να είναι και αυτόνομο έργο.

Κουαρτέτο- ένα μουσικό κομμάτι για 4 ερμηνευτές.
Μέσα σε κάθε είδος μουσικής, μπορούν να προκύψουν και να αναπτυχθούν τα δικά του στυλ και τάσεις, που διακρίνονται από σταθερά και χαρακτηριστικά δομικά και αισθητικά χαρακτηριστικά: κλασικισμός, ρομαντισμός, ιμπρεσιονισμός, εξπρεσιονισμός, νεοκλασικισμός, σειραλικότητα, πρωτοπορία κ.λπ.

Χορογραφία

Η χορογραφία είναι η τέχνη του χορού.

Θεαματικές (μικτές ή συνθετικές) μορφές τέχνης

Θέατρο

Θεαματική μορφή τέχνης, που είναι μια σύνθεση διαφόρων τεχνών: λογοτεχνία, μουσική, χορογραφία, φωνητική, καλές τέχνες και άλλες.

Κουκλοθέατρο
Τύποι θεάτρων: δράμα, όπερα, μπαλέτο, κουκλοθέατρο, θέατρο παντομίμας, κ.λπ. Η τέχνη του θεάτρου είναι γνωστή από παλιά: το θέατρο γεννήθηκε από αρχαία τελετουργικά φεστιβάλ που αναπαρήγαγαν φυσικά φαινόμενα ή εργασιακές διαδικασίες σε αλληγορική μορφή.

ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ

Ένα είδος τέχνης όπου η ποίηση και η δραματική τέχνη, η φωνητική και οργανική μουσική, οι εκφράσεις του προσώπου, οι χοροί, η ζωγραφική, τα σκηνικά και τα κοστούμια συγχωνεύονται σε ένα ενιαίο σύνολο.

Θέατρο La Scala (Μιλάνο)

Στάδιο

Είδος τέχνης μικρών μορφών, κυρίως λαϊκής και διασκεδαστικής κατεύθυνσης. Η ποικιλία περιλαμβάνει κατευθύνσεις: τραγούδι, χορός, τσίρκο στη σκηνή, ψευδαίσθηση, είδος συνομιλίας, κλόουν.

Τσίρκο

Ένα είδος θεαματικής τέχνης, σύμφωνα με τους νόμους του οποίου χτίζεται μια διασκεδαστική παράσταση. Το περιεχόμενο των παραστάσεων του σύγχρονου τσίρκου είναι μια επίδειξη κόλπων, παντομίμας, κλόουν, επανάληψης, επίδειξης εξαιρετικών ικανοτήτων, που συχνά συνδέονται με κίνδυνο (σωματική δύναμη, ακροβατικά, σχοινάκι,), εκπαιδευμένα ζώα.

Κινηματογραφία

Ένα είδος θεαματικής τέχνης, που είναι και σύνθεση των τεχνών: λογοτεχνία, θέατρο, χορός, καλές τέχνες (διακόσμηση) κ.λπ.

Μπαλέτο

Είδος παραστατικών τεχνών; παράσταση, το περιεχόμενο της οποίας ενσωματώνεται σε μουσικές και χορογραφικές εικόνες. Μια παράσταση κλασικού μπαλέτου βασίζεται σε μια συγκεκριμένη πλοκή, μια δραματική ιδέα. Τον ΧΧ αιώνα. εμφανίστηκε ένα μπαλέτο χωρίς πλοκή, η δραματουργία του οποίου βασίζεται στην ανάπτυξη που είναι εγγενής στη μουσική.

Ένας από τους εφαρμοζόμενους τύπους ζωγραφικής με καβαλέτο είναι η θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική - σκίτσα κοστουμιών για ήρωες και μίζα-σκηνές.

Μνημειακή ζωγραφική - ζωγραφική κτιρίων

Η ζωγραφική σε στεγνό γύψο - secco - ήταν επίσης συνηθισμένη, αλλά τέτοια έργα έχουν επιβιώσει χειρότερα μέχρι την εποχή μας. Το πιο διάσημο παράδειγμα μνημειακής ζωγραφικής είναι η μεγάλης κλίμακας ζωγραφική της Καπέλα Σιξτίνα, στην οποία συμμετείχε ο Μιχαήλ Άγγελος. Σύμφωνα με τους κριτικούς, οι τοιχογραφίες του παρεκκλησίου μπορούν να εξισωθούν με το Όγδοο Θαύμα του Κόσμου.

Τα αρχαιότερα έργα μνημειακής ζωγραφικής είναι βραχογραφίες των πρώτων ανθρώπων.

Διακοσμητική ζωγραφική - εφαρμοσμένη τέχνη

Μινιατούρα ζωγραφικής - χαριτωμένα μικρά πράγματα

Αργότερα, οι μινιατούρες άρχισαν να ονομάζονται οποιοιδήποτε πίνακες μικρής κλίμακας. Χρησιμοποιήθηκαν ως αναμνηστικά και αναμνηστικά δώρα. Παρά το μικρό του μέγεθος, αυτός ο τύπος ζωγραφικής απαιτούσε μεγάλη ακρίβεια και επιδεξιότητα. Τα πιο δημοφιλή υλικά για αναμνηστικές μινιατούρες ήταν το ξύλο, το κόκκαλο, η πέτρα και οι μεταλλικές πλάκες.

Η ζωγραφική είναι μια από τις αρχαίες τέχνες, η οποία κατά τη διάρκεια πολλών αιώνων έχει εξελιχθεί από την παλαιολιθική βραχογραφία στις τελευταίες τάσεις του 20ού και ακόμη και του 21ου αιώνα. Αυτή η τέχνη γεννήθηκε σχεδόν με την έλευση της ανθρωπότητας. Οι αρχαίοι άνθρωποι, ούτε καν συνειδητοποιούσαν πλήρως τον εαυτό τους ως άτομο, ένιωθαν την ανάγκη να απεικονίσουν τον κόσμο γύρω τους στην επιφάνεια. Ζωγράφισαν όλα όσα έβλεπαν: ζώα, φύση, σκηνές κυνηγιού. Για τη ζωγραφική χρησιμοποιούσαν κάτι παρόμοιο με χρώματα από φυσικά υλικά. Αυτά ήταν γήινα χρώματα, κάρβουνο, μαύρη αιθάλη. Τα πινέλα ήταν κατασκευασμένα από τρίχες ζώων ή απλά βαμμένα με δάχτυλα.

Ως αποτέλεσμα των αλλαγών, προέκυψαν νέοι τύποι και είδη ζωγραφικής. Την αρχαία περίοδο ακολούθησε η περίοδος της Αρχαιότητας. Υπήρχε η επιθυμία των ζωγράφων και των καλλιτεχνών να αναπαράγουν την πραγματική περιβάλλουσα ζωή, όπως αυτή τη βλέπει ένας άνθρωπος. Η επιθυμία για ακρίβεια μετάδοσης προκάλεσε την ανάδυση των θεμελίων της προοπτικής, τα θεμέλια των φωτεινών και σκιερών κατασκευών διαφόρων εικόνων και τη μελέτη αυτού από καλλιτέχνες. Και πρώτα απ' όλα μελέτησαν πώς να απεικονίσουν τον τρισδιάστατο χώρο στο επίπεδο του τοίχου, σε τοιχογραφία. Ορισμένα έργα τέχνης, όπως ο τρισδιάστατος χώρος, το chiaroscuro, άρχισαν να χρησιμοποιούνται για τη διακόσμηση δωματίων, θρησκευτικών κέντρων και ταφών.

Η επόμενη σημαντική περίοδος στο παρελθόν της ζωγραφικής είναι ο Μεσαίωνας. Εκείνη την εποχή, η ζωγραφική ήταν πιο θρησκευτική και η κοσμοθεωρία άρχισε να αντανακλάται στην τέχνη. Η δημιουργικότητα των καλλιτεχνών κατευθυνόταν στην εικονογραφία και σε άλλες μελωδίες της θρησκείας. Τα κύρια σημαντικά σημεία που έπρεπε να τονίσει ο καλλιτέχνης δεν ήταν τόσο μια ακριβής αντανάκλαση της πραγματικότητας όσο η μεταφορά της πνευματικότητας ακόμη και στους πιο διαφορετικούς πίνακες. Οι καμβάδες των δασκάλων εκείνης της εποχής ήταν εντυπωσιακοί ως προς την εκφραστικότητα των περιγραμμάτων, τον χρωματισμό και τη χρωματικότητα. Η μεσαιωνική ζωγραφική μας φαίνεται επίπεδη. Όλοι οι χαρακτήρες των καλλιτεχνών εκείνης της εποχής βρίσκονται στην ίδια γραμμή. Και τόσα πολλά έργα μας φαίνονται κάπως στυλιζαρισμένα.

Η περίοδος του γκρίζου Μεσαίωνα αντικαταστάθηκε από τη φωτεινότερη περίοδο της Αναγέννησης. Η Αναγέννηση έκανε και πάλι σημείο καμπής στην ιστορική εξέλιξη αυτής της τέχνης. Νέες διαθέσεις στην κοινωνία, μια νέα κοσμοθεωρία άρχισε να υπαγορεύει στον καλλιτέχνη: ποιες πτυχές στη ζωγραφική πρέπει να αποκαλύπτονται πληρέστερα και ξεκάθαρα. Τα είδη ζωγραφικής όπως το πορτρέτο και το τοπίο θα γίνουν ανεξάρτητα στυλ. Οι καλλιτέχνες εκφράζουν τα συναισθήματα ενός ανθρώπου και τον εσωτερικό του κόσμο μέσα από νέους τρόπους ζωγραφικής. Ο 17ος και 18ος αιώνας γνώρισε μια ακόμη πιο σοβαρή ανάπτυξη στη ζωγραφική. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η Καθολική Εκκλησία χάνει τη σημασία της και οι καλλιτέχνες στα έργα τους αντικατοπτρίζουν όλο και περισσότερο τις αληθινές απόψεις των ανθρώπων, της φύσης, της οικιακής και της καθημερινής ζωής. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, διαμορφώνονται επίσης είδη όπως το μπαρόκ, το ροκοκό, ο κλασικισμός, ο μανιερισμός. Αναδύεται ο ρομαντισμός, ο οποίος αργότερα αντικαθίσταται από ένα πιο εντυπωσιακό στυλ - τον ιμπρεσιονισμό.

Στις αρχές του εικοστού αιώνα, η ζωγραφική αλλάζει δραματικά και εμφανίζεται μια νεότερη κατεύθυνση της σύγχρονης τέχνης - η αφηρημένη ζωγραφική. Η ιδέα αυτής της κατεύθυνσης είναι να μεταφέρει την αρμονία μεταξύ ανθρώπου και τέχνης, να δημιουργήσει αρμονία σε συνδυασμούς γραμμών και χρωματικών ανταύγειων. Αυτή η τέχνη δεν έχει αντικειμενικότητα. Δεν επιδιώκει την ακριβή μεταφορά της πραγματικής εικόνας, αλλά αντιθέτως, μεταφέρει αυτό που υπάρχει στην ψυχή του καλλιτέχνη, τα συναισθήματά του. Σημαντικό ρόλο για αυτό το είδος τέχνης έχουν τα σχήματα και τα χρώματα. Η ουσία του είναι να μεταφέρει τα παλιά γνωστά αντικείμενα με έναν νέο τρόπο. Εδώ, δίνεται στους καλλιτέχνες απόλυτη ελευθερία των φαντασιώσεων τους. Αυτό έδωσε ώθηση στην εμφάνιση και ανάπτυξη σύγχρονων τάσεων, όπως η avant-garde, η underground, η αφηρημένη τέχνη. Από τα τέλη του 20ου αιώνα μέχρι σήμερα, η ζωγραφική αλλάζει συνεχώς. Όμως, παρά όλα τα νέα επιτεύγματα και τις σύγχρονες τεχνολογίες, οι καλλιτέχνες εξακολουθούν να παραμένουν πιστοί στην κλασική τέχνη - ελαιογραφία και ακουαρέλα, δημιουργούν τα αριστουργήματά τους με τη βοήθεια χρωμάτων και καμβάδων.

Ναταλία Μαρτινένκο

Ιστορία Καλών Τεχνών

Η ιστορία της ζωγραφικής είναι μια ατελείωτη αλυσίδα που ξεκίνησε με τους πρώτους πίνακες που έγιναν. Κάθε στυλ αναπτύσσεται από τα στυλ που προηγήθηκαν. Κάθε μεγάλος καλλιτέχνης προσθέτει κάτι στα επιτεύγματα παλαιότερων καλλιτεχνών και επηρεάζει μεταγενέστερους καλλιτέχνες.

Μπορούμε να απολαύσουμε τη ζωγραφική για την ομορφιά της. Οι γραμμές, τα σχήματα, τα χρώματα και η σύνθεσή του (διάταξη εξαρτημάτων) μπορούν να ευχαριστήσουν τις αισθήσεις μας και να παραμείνουν στις αναμνήσεις μας. Αλλά η απόλαυση της τέχνης αυξάνεται όταν μαθαίνουμε πότε και γιατί και πώς δημιουργήθηκε.

Πολλοί παράγοντες έχουν επηρεάσει την ιστορία της ζωγραφικής. Γεωγραφία, θρησκεία, εθνικά χαρακτηριστικά, ιστορικά γεγονότα, ανάπτυξη νέων υλικών - όλα αυτά βοηθούν στη διαμόρφωση του οράματος του καλλιτέχνη. Κατά τη διάρκεια της ιστορίας, η ζωγραφική αντικατοπτρίζει τον μεταβαλλόμενο κόσμο και την κατανόησή μας γι' αυτόν. Σε αντάλλαγμα, οι καλλιτέχνες παρείχαν μερικά από τα καλύτερα αρχεία για την ανάπτυξη του πολιτισμού, μερικές φορές αποκαλύπτοντας περισσότερα από τον γραπτό λόγο.

προϊστορική ζωγραφική

Οι κάτοικοι των σπηλαίων ήταν οι πρώτοι καλλιτέχνες. Έγχρωμα σχέδια ζώων που χρονολογούνται από το 30.000 έως το 10.000 π.Χ. έχουν βρεθεί σε τοίχους σπηλαίων στη νότια Γαλλία και την Ισπανία. Πολλά από αυτά τα σχέδια είναι εκπληκτικά καλά διατηρημένα επειδή οι σπηλιές έχουν σφραγιστεί για πολλούς αιώνες. Οι πρώτοι άνθρωποι ζωγράφιζαν εικόνες των άγριων ζώων που έβλεπαν γύρω τους. Πολύ ωμές ανθρώπινες φιγούρες φτιαγμένες σε ζωτικές θέσεις έχουν βρεθεί στην Αφρική και την ανατολική Ισπανία.

Οι καλλιτέχνες των σπηλαίων γέμισαν τους τοίχους του σπηλαίου με σχέδια σε πλούσια, ζωντανά χρώματα. Μερικοί από τους πιο όμορφους πίνακες βρίσκονται στο σπήλαιο Altamira στην Ισπανία. Μια λεπτομέρεια δείχνει ένα πληγωμένο βουβάλι, που δεν μπορεί πλέον να σταθεί - πιθανότατα θύμα κυνηγού. Είναι βαμμένο σε καστανοκόκκινο και σκιαγραφείται απλά, αλλά επιδέξια, σε μαύρο χρώμα. Οι χρωστικές που χρησιμοποιούνται από τους καλλιτέχνες των σπηλαίων είναι η ώχρα (οξείδια σιδήρου που ποικίλλουν σε χρώμα από ανοιχτό κίτρινο έως σκούρο πορτοκαλί) και μαγγάνιο (σκούρο μέταλλο). Τα αλέθονταν σε λεπτή σκόνη, τα ανακατεύονταν με ένα λιπαντικό (πιθανόν λιπαρό λάδι) και τα απλώνονταν στην επιφάνεια με κάποιο είδος πινέλου. Μερικές φορές οι χρωστικές είχαν τη μορφή ραβδιών, παρόμοιων με κραγιόνια. Το λίπος, αναμεμειγμένο με χρωστικές σε σκόνη, έκανε ένα υγρό χρώματος και λάκας και τα σωματίδια της χρωστικής κολλούσαν μεταξύ τους. Οι κάτοικοι του σπηλαίου κατασκεύαζαν βούρτσες από τρίχες ζώων ή φυτών και αιχμηρά εργαλεία από πυριτόλιθο (για σχέδιο και ξύσιμο).

Ήδη πριν από 30.000 χρόνια, οι άνθρωποι επινόησαν τα βασικά εργαλεία και υλικά για τη ζωγραφική. Οι μέθοδοι και τα υλικά βελτιώθηκαν και βελτιώθηκαν τους επόμενους αιώνες. Αλλά οι ανακαλύψεις του κατοίκου των σπηλαίων παραμένουν οι κύριες για ζωγραφική.

Αιγυπτιακή και Μεσοποταμία ζωγραφική (3400–332 π.Χ.)

Ένας από τους πρώτους πολιτισμούς εμφανίστηκε στην Αίγυπτο. Από τα γραπτά αρχεία και την τέχνη που άφησαν πίσω τους οι Αιγύπτιοι, πολλά είναι γνωστά για τη ζωή τους. Πίστευαν ότι το σώμα πρέπει να διατηρηθεί για να μπορέσει η ψυχή να ζήσει μετά το θάνατο. Οι Μεγάλες Πυραμίδες ήταν περίτεχνοι τάφοι για πλούσιους και ισχυρούς Αιγύπτιους ηγεμόνες. Μεγάλη αιγυπτιακή τέχνη δημιουργήθηκε για τις πυραμίδες και τους τάφους των βασιλιάδων και άλλων σημαντικών ανθρώπων. Για να είναι απόλυτα σίγουροι ότι η ψυχή θα συνέχιζε να υπάρχει, οι καλλιτέχνες δημιούργησαν εικόνες ενός νεκρού σε πέτρα. Αναπαρήγαγαν επίσης σκηνές από τη ζωή ενός ατόμου σε τοιχογραφίες σε ταφικούς θαλάμους.

Οι αιγυπτιακές τεχνικές καλών τεχνών παρέμειναν αμετάβλητες για αιώνες. Σε μια μέθοδο, το χρώμα ακουαρέλας εφαρμόστηκε σε επιφάνειες από πηλό ή ασβεστόλιθο. Σε μια άλλη διαδικασία, σκαλίστηκαν περιγράμματα σε πέτρινους τοίχους και ζωγραφίστηκαν με ακουαρέλες. Ένα υλικό που ονομάζεται αραβικό κόμμι πιθανότατα χρησιμοποιήθηκε για να κολλήσει το χρώμα στην επιφάνεια. Ευτυχώς, το ξηρό κλίμα και οι σφραγισμένοι τάφοι εμπόδισαν ορισμένες από αυτές τις ακουαρέλες να διαβρωθούν από την υγρασία. Πολλές σκηνές κυνηγιού από τους τοίχους των τάφων στη Θήβα που χρονολογούνται περίπου το 1450 π.Χ. σώζονται καλά. Δείχνουν πώς οι κυνηγοί κυνηγούν πουλιά ή ψάρια και ψάρια. Αυτές οι σκηνές μπορούν ακόμη και σήμερα να αναγνωριστούν επειδή ζωγραφίστηκαν προσεκτικά και προσεκτικά.

Ο πολιτισμός της Μεσοποταμίας, που διήρκεσε από το 3200 έως το 332 π.Χ., βρισκόταν σε μια κοιλάδα μεταξύ των ποταμών Τίγρη και Ευφράτη στη Μέση Ανατολή. Τα σπίτια στη Μεσοποταμία χτίστηκαν κυρίως από πηλό. Καθώς ο πηλός μαλακώνει από τη βροχή, τα κτίριά τους θρυμματίζονται σε σκόνη, καταστρέφοντας τυχόν τοιχογραφίες που μπορεί να ήταν πολύ ενδιαφέρουσες. Αυτό που σώζεται είναι διακοσμημένα αγγεία (ζωγραφισμένα και ψητά) και πολύχρωμα ψηφιδωτά. Παρόλο που τα ψηφιδωτά δεν μπορούν να θεωρηθούν ζωγραφική, συχνά έχουν επίδραση σε αυτό.

Πολιτισμός του Αιγαίου (3000–1100 π.Χ.)

Ο τρίτος μεγάλος πρώιμος πολιτισμός ήταν ο πολιτισμός του Αιγαίου. Οι Αιγαίοι ζούσαν στα νησιά των ακτών της Ελλάδας και στη χερσόνησο της Μικράς Ασίας την ίδια περίπου εποχή με τους αρχαίους Αιγύπτιους και τους Μεσοποτάμιους.

Το 1900, οι αρχαιολόγοι άρχισαν τις ανασκαφές στο παλάτι του βασιλιά Μίνωα στην Κνωσό, στο νησί της Κρήτης. Οι ανασκαφές έχουν αποκαλύψει έργα τέχνης που γράφτηκαν γύρω στο 1500 π.Χ. σε ένα ασυνήθιστα ελεύθερο και χαριτωμένο ύφος της εποχής. Προφανώς οι Κρητικοί ήταν ένας λαός ανέμελος, φυσιολάτρης. Ανάμεσα στα αγαπημένα τους θέματα στην τέχνη ήταν η θαλάσσια ζωή, τα ζώα, τα λουλούδια, τα αθλητικά παιχνίδια, οι μαζικές πομπές. Στην Κνωσό και σε άλλα αιγαιοπελαγίτικα ανάκτορα, ζωγραφίστηκαν σε υγρούς τοίχους από γύψο με ορυκτά χρώματα, άμμο και πήλινη ώχρα. Η μπογιά μουλιάστηκε στον υγρό σοβά και έγινε μόνιμο μέρος του τοίχου. Αυτοί οι πίνακες ονομάστηκαν αργότερα τοιχογραφίες (από την ιταλική λέξη για «φρέσκο» ή «νέο»). Στους Κρητικούς άρεσαν τα έντονα κίτρινα, κόκκινα, μπλε και πράσινα.

Ελληνική και ρωμαϊκή κλασική ζωγραφική (1100 π.Χ. - 400 μ.Χ.)

Οι αρχαίοι Έλληνες διακοσμούσαν τους τοίχους των ναών και των ανακτόρων με τοιχογραφίες. Από αρχαίες λογοτεχνικές πηγές και από ρωμαϊκά αντίγραφα της ελληνικής τέχνης, μπορούμε να πούμε ότι οι Έλληνες ζωγράφιζαν μικρές εικόνες και έφτιαχναν ψηφιδωτά. Τα ονόματα των Ελλήνων δασκάλων και ελάχιστα από τις ζωές και τα έργα τους είναι γνωστά, αν και ελάχιστη ελληνική ζωγραφική επέζησε στους αιώνες και τις συνέπειες των πολέμων. Οι Έλληνες δεν έγραφαν πολλά στους τάφους, επομένως το έργο τους δεν προστατεύτηκε.

Τα ζωγραφισμένα αγγεία είναι ό,τι έχει απομείνει από την ελληνική ζωγραφική σήμερα. Η αγγειοπλαστική ήταν μεγάλη βιομηχανία στην Ελλάδα, ιδιαίτερα στην Αθήνα. Τα δοχεία είχαν μεγάλη ζήτηση, εξάγονταν, καθώς και λάδι και μέλι, και για οικιακούς σκοπούς. Η παλαιότερη αγγειογραφία ήταν σε γεωμετρικά σχήματα και στολίδια (1100-700 π.Χ.). Τα αγγεία ήταν επίσης διακοσμημένα με ανθρώπινες μορφές σε καφέ λούστρο πάνω σε ανοιχτό πηλό. Μέχρι τον 6ο αιώνα, οι αγγειογράφοι ζωγράφιζαν συχνά μαύρες ανθρώπινες φιγούρες σε φυσικό κόκκινο πηλό. Οι λεπτομέρειες ήταν σκαλισμένες στον πηλό με ένα αιχμηρό όργανο. Αυτό επέτρεψε στο κόκκινο να εμφανιστεί στα βάθη του ανάγλυφου.

Το ερυθρόμορφο στυλ αντικατέστησε τελικά το μαύρο. Δηλαδή, αντίθετα: οι φιγούρες είναι κόκκινες και το φόντο έχει γίνει μαύρο. Το πλεονέκτημα αυτού του στυλ ήταν ότι ο καλλιτέχνης μπορούσε να χρησιμοποιήσει ένα πινέλο για να δημιουργήσει περιγράμματα. Το πινέλο δίνει μια πιο ελεύθερη γραμμή από το μεταλλικό εργαλείο που χρησιμοποιείται στα μαύρα βάζα.

Ρωμαϊκές τοιχογραφίες έχουν βρεθεί κυρίως σε βίλες (εξοχικές κατοικίες) στην Πομπηία και στο Herculaneum. Το 79 μ.Χ., αυτές οι δύο πόλεις θάφτηκαν εντελώς από την έκρηξη του Βεζούβιου. Οι αρχαιολόγοι που ανέσκαψαν την περιοχή μπόρεσαν να μάθουν πολλά για την αρχαία ρωμαϊκή ζωή από αυτές τις πόλεις. Σχεδόν κάθε σπίτι και βίλα στην Πομπηία είχε πίνακες ζωγραφικής στους τοίχους. Οι Ρωμαίοι ζωγράφοι προετοίμασαν προσεκτικά την επιφάνεια του τοίχου εφαρμόζοντας ένα μείγμα μαρμαρόσκονης και σοβά. Γυάλισαν τις επιφάνειες σε ποιότητα μαρμάρου. Πολλοί από τους πίνακες είναι αντίγραφα ελληνικών πινάκων του 4ου αιώνα π.Χ. Οι χαριτωμένες πόζες των μορφών που ζωγραφίστηκαν στους τοίχους της Villa of the Mysteries στην Πομπηία ενέπνευσαν τους καλλιτέχνες του 18ου αιώνα όταν ανασκάφηκε η πόλη.

Οι Έλληνες και οι Ρωμαίοι ζωγράφισαν επίσης πορτρέτα. Ένας μικρός αριθμός από αυτά, ως επί το πλείστον πορτρέτα μούμιας φτιαγμένα σε ελληνικό στυλ από Αιγύπτιους καλλιτέχνες, σώζονται γύρω από την Αλεξάνδρεια, στη βόρεια Αίγυπτο. Ιδρύθηκε τον 4ο αιώνα π.Χ. από τον Μέγα Αλέξανδρο της Ελλάδας, η Αλεξάνδρεια έχει γίνει κορυφαίο κέντρο του ελληνικού και ρωμαϊκού πολιτισμού. Τα πορτρέτα ζωγραφίστηκαν με την εγκαυστική τεχνική σε ξύλο και τοποθετήθηκαν σε μορφή μούμιας μετά το θάνατο του εικονιζόμενου. Οι καυστικοί πίνακες ζωγραφικής φτιαγμένοι με χρώμα αναμεμειγμένο με λιωμένο κερί μέλισσας έχουν πολύ μεγάλη διάρκεια ζωής. Πράγματι, αυτά τα πορτρέτα εξακολουθούν να φαίνονται φρέσκα, αν και έγιναν ήδη από τον δεύτερο αιώνα π.Χ.

Παλαιοχριστιανική και βυζαντινή ζωγραφική (300–1300)

Η Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία άρχισε να παρακμάζει τον 4ο αιώνα μ.Χ. Ταυτόχρονα, ο Χριστιανισμός αποκτούσε δύναμη. Το 313, ο Ρωμαίος αυτοκράτορας Κωνσταντίνος αναγνώρισε επίσημα τη θρησκεία και ασπάστηκε ο ίδιος τον Χριστιανισμό.

Η εμφάνιση του Χριστιανισμού επηρέασε πολύ την τέχνη. Οι καλλιτέχνες ανατέθηκαν να διακοσμήσουν τους τοίχους των εκκλησιών με τοιχογραφίες και ψηφιδωτά. Έφτιαξαν πάνελ σε παρεκκλήσια, εικονογραφούσαν και διακοσμούσαν εκκλησιαστικά βιβλία. Επηρεασμένοι από την Εκκλησία, οι καλλιτέχνες έπρεπε να μεταδώσουν τις διδασκαλίες του Χριστιανισμού όσο το δυνατόν καθαρότερα.

Οι πρώτοι χριστιανοί και οι βυζαντινοί καλλιτέχνες συνέχισαν την τεχνική του ψηφιδωτού που είχαν μάθει από τους Έλληνες. Μικρά επίπεδα κομμάτια από χρωματιστό γυαλί ή πέτρα τοποθετούνταν σε βρεγμένο τσιμέντο ή σοβά. Μερικές φορές χρησιμοποιήθηκαν και άλλα σκληρά υλικά, όπως κομμάτια ψημένου πηλού ή κοχύλια. Στα ιταλικά μωσαϊκά, τα χρώματα είναι ιδιαίτερα βαθιά και γεμάτα. Ιταλοί καλλιτέχνες έφτιαξαν το φόντο με κομμάτια από επιχρυσωμένο γυαλί. Απεικόνιζαν ανθρώπινες μορφές με πλούσια χρώματα σε φόντο αστραφτερού χρυσού. Το συνολικό αποτέλεσμα ήταν επίπεδο, διακοσμητικό και μη ρεαλιστικό.

Τα ψηφιδωτά των βυζαντινών καλλιτεχνών ήταν συχνά ακόμη λιγότερο ρεαλιστικά και ακόμη πιο διακοσμητικά από αυτά των πρώτων χριστιανών. "Βυζαντινό" είναι το όνομα που δόθηκε σε ένα στυλ τέχνης που αναπτύχθηκε γύρω από την αρχαία πόλη του Βυζαντίου (τώρα Κωνσταντινούπολη, Τουρκία). Η τεχνική του ψηφιδωτού ταίριαζε απόλυτα με το βυζαντινό γούστο για τις υπέροχα διακοσμημένες εκκλησίες. Τα περίφημα ψηφιδωτά της Θεοδώρας και του Ιουστινιανού, που κατασκευάστηκαν γύρω στο 547 μ.Χ., δείχνουν γούστο για πλούτο. Τα κοσμήματα στις φιγούρες αστράφτουν και τα χρωματιστά φορέματα αυλής αστράφτουν ενάντια στον αστραφτερό χρυσό. Οι βυζαντινοί καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν επίσης χρυσό σε τοιχογραφίες και πάνελ. Ο χρυσός και άλλα πολύτιμα υλικά χρησιμοποιήθηκαν κατά τη διάρκεια του Μεσαίωνα για να διαχωρίσουν πνευματικά αντικείμενα από τον καθημερινό κόσμο.

Μεσαιωνική ζωγραφική (500–1400)

Το πρώτο μέρος του Μεσαίωνα, περίπου από τον 6ο έως τον 11ο αιώνα μ.Χ., συνήθως αναφέρεται ως Σκοτεινός Χρόνος. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου αναταραχής, η τέχνη αποθηκεύτηκε κυρίως σε μοναστήρια. Τον 5ο αιώνα μ.Χ Οι φυλές των Βαράν από τη βόρεια και κεντρική Ευρώπη περιπλανήθηκαν στην ήπειρο. Για εκατοντάδες χρόνια κυριάρχησαν στη Δυτική Ευρώπη. Αυτοί οι άνθρωποι παρήγαγαν τέχνη στην οποία το κύριο στοιχείο είναι το μοτίβο. Τους άρεσαν ιδιαίτερα οι δομές των διαπλεκόμενων δράκων και πουλιών.

Τα καλύτερα της Κελτικής και Σαξονικής τέχνης βρίσκονται σε χειρόγραφα του 7ου και του 8ου αιώνα. Η εικονογράφηση βιβλίων, ο φωτισμός και η ζωγραφική σε μινιατούρες, που ασκούνταν από την ύστερη ρωμαϊκή εποχή, έγιναν ευρέως διαδεδομένες κατά τον Μεσαίωνα. Ο φωτισμός είναι η διακόσμηση του κειμένου, των κεφαλαίων γραμμάτων και των περιθωρίων. Χρησιμοποιήθηκαν χρυσά, ασημί και έντονα χρώματα. Μια μινιατούρα είναι μια μικρή εικόνα, συχνά ένα πορτρέτο. Ο όρος αρχικά χρησιμοποιήθηκε για να περιγράψει ένα διακοσμητικό μπλοκ γύρω από τα αρχικά γράμματα σε ένα χειρόγραφο.

Ο Καρλομάγνος, ο οποίος στέφθηκε Αυτοκράτορας της Αγίας Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας στις αρχές του ένατου αιώνα, προσπάθησε να αναβιώσει την κλασική τέχνη της ύστερης ρωμαϊκής και της πρώιμης χριστιανικής περιόδου. Κατά τη διάρκεια της βασιλείας του, μικρογράφοι μιμούνταν την κλασική τέχνη, αλλά μετέφεραν και προσωπικά συναισθήματα μέσω των αντικειμένων τους.

Από τον Μεσαίωνα έχει διασωθεί ελάχιστη τοιχογραφία. Οι εκκλησίες που χτίστηκαν κατά τη ρωμανική περίοδο (11ος-13ος αι.) είχαν μερικές εξαιρετικές τοιχογραφίες, αλλά οι περισσότερες από αυτές έχουν εξαφανιστεί. Στις εκκλησίες της γοτθικής περιόδου (XII-XVI αι.) δεν υπήρχε αρκετός χώρος για τοιχογραφίες. Η εικονογράφηση βιβλίων ήταν το κύριο έργο του γοτθικού ζωγράφου.

Από τα καλύτερα εικονογραφημένα χειρόγραφα ήταν τα βιβλία ωρών - συλλογές ημερολογίων, προσευχές και ψαλμοί. Μια σελίδα από ένα ιταλικό χειρόγραφο δείχνει περίτεχνα αρχικά και μια λεπτομερή περιθωριακή σκηνή του Αγίου Γεωργίου να σκοτώνει έναν δράκο. Τα χρώματα είναι λαμπερά και σαν πετράδια, όπως στο βιτρό, και ο χρυσός λαμπυρίζει πάνω από τη σελίδα. Κείμενο περιγράμματος με εξαιρετικά ντελικάτα φυλλώδη και λουλουδάτα σχέδια. Οι καλλιτέχνες πιθανότατα χρησιμοποίησαν μεγεθυντικούς φακούς για να ολοκληρώσουν μια τόσο περίπλοκη λεπτομερή εργασία.

Ιταλία: Cimabue και Giotto

Οι Ιταλοί καλλιτέχνες στα τέλη του 13ου αιώνα εργάζονταν ακόμη με βυζαντινό στυλ. Οι ανθρώπινες μορφές έγιναν επίπεδες και διακοσμητικές. Τα πρόσωπα σπάνια έδειχναν έκφραση. Τα σώματα ήταν χωρίς βάρος και έμοιαζαν να επιπλέουν αντί να στέκονται σταθερά στο έδαφος. Στη Φλωρεντία ο ζωγράφος Cimabue (1240-1302) προσπάθησε να εκσυγχρονίσει κάποιες από τις παλιές βυζαντινές τεχνικές. Οι άγγελοι στην Ένθρονη της Madonna είναι πιο δραστήριοι από το συνηθισμένο σε πίνακες της εποχής. Οι χειρονομίες και τα πρόσωπά τους δείχνουν λίγο πιο ανθρώπινο συναίσθημα. Ο Cimabue πρόσθεσε μια νέα αίσθηση μνημειακότητας ή μεγαλοπρέπειας στους πίνακές του. Ωστόσο, συνέχισε να ακολουθεί πολλές βυζαντινές παραδόσεις, όπως τα χρυσά φόντο και η διάταξη αντικειμένων και μορφών με σχέδια.

Ήταν ο μεγάλος καλλιτέχνης της Φλωρεντίας Giotto (1267-1337), που έσπασε ουσιαστικά τη βυζαντινή παράδοση. Η σειρά νωπογραφιών του στο Παρεκκλήσι της Αρένας στην Πάντοβα αφήνει πολύ πίσω τη βυζαντινή τέχνη. Υπάρχει πραγματική συγκίνηση, ένταση και νατουραλισμός σε αυτές τις σκηνές από τη ζωή της Μαρίας και του Χριστού. Όλες οι ιδιότητες της ανθρώπινης ζεστασιάς και συμπάθειας είναι παρούσες. Οι άνθρωποι δεν φαίνονται εντελώς εξωπραγματικοί ή παραδεισένιοι. Ο Τζιότο σκίασε τα περιγράμματα των φιγούρων και τοποθέτησε βαθιές σκιές στις πτυχές των ρόμπων για να δώσει μια αίσθηση στρογγυλότητας και στιβαρότητας.

Για τα μικρά πάνελ του, ο Τζιότο χρησιμοποίησε καθαρή αυγοτέμπερα, ένα μέσο που τελειοποιήθηκε από τους Φλωρεντίνους τον 14ο αιώνα. Η διαύγεια και η λαμπρότητα των χρωμάτων του πρέπει να επηρέασε έντονα τους ανθρώπους που ήταν συνηθισμένοι στα σκούρα χρώματα των βυζαντινών πλαισίων. Οι πίνακες με τέμπερες δίνουν την εντύπωση ότι το απαλό φως της ημέρας πέφτει στη σκηνή. Έχουν σχεδόν επίπεδη εμφάνιση, σε αντίθεση με τη γυαλάδα μιας ελαιογραφίας. Η αυγοτέμπερα παρέμεινε το κύριο χρώμα έως ότου το λάδι την αντικατέστησε σχεδόν πλήρως τον 16ο αιώνα.

Ύστερη μεσαιωνική ζωγραφική βόρεια των Άλπεων

Στις αρχές του 15ου αιώνα, οι καλλιτέχνες στη Βόρεια Ευρώπη εργάζονταν με στυλ εντελώς διαφορετικό από την ιταλική ζωγραφική. Οι καλλιτέχνες του Βορρά πέτυχαν τον ρεαλισμό προσθέτοντας αμέτρητες λεπτομέρειες στους πίνακές τους. Όλα τα μαλλιά ήταν λεπτώς καθορισμένα και κάθε λεπτομέρεια της κουρτίνας ή του δαπέδου είχε καθοριστεί με ακρίβεια. Η εφεύρεση της ελαιογραφίας διευκόλυνε τη λεπτομέρεια των λεπτομερειών.

Ο Φλαμανδός ζωγράφος Jan van Eyck (1370-1414) συνέβαλε σημαντικά στην ανάπτυξη της ελαιογραφίας. Όταν χρησιμοποιείται τέμπερα, τα χρώματα πρέπει να εφαρμόζονται χωριστά. Δεν μπορούν να σκιάσουν καλά το ένα το άλλο γιατί το χρώμα στεγνώνει γρήγορα. Με λάδι που στεγνώνει αργά, ο καλλιτέχνης μπορεί να πετύχει πιο περίπλοκα αποτελέσματα. Τα πορτρέτα του του 1466-1530 εκτελέστηκαν με τη φλαμανδική τεχνική λαδιού. Όλες οι λεπτομέρειες, ακόμη και η αντανάκλαση του καθρέφτη είναι σαφείς και ακριβείς. Το χρώμα είναι ανθεκτικό και έχει σκληρή επιφάνεια που μοιάζει με σμάλτο. Το ασταρωμένο ξύλο προετοιμάστηκε με τον ίδιο τρόπο που ο Giotto ετοίμασε τα πάνελ του για τέμπερες. Ο Van Eyck δημιούργησε τον πίνακα σε στρώματα ενός λεπτού χρώματος που ονομάζεται λούστρο. Η τέμπερα πιθανότατα χρησιμοποιήθηκε στο αρχικό χαμόκλαδο και για τις ανταύγειες.

Ιταλική Αναγέννηση

Ενώ ο van Eyck δούλευε στο Βορρά, οι Ιταλοί προχωρούσαν σε μια χρυσή εποχή της τέχνης και της λογοτεχνίας. Αυτή η περίοδος ονομάζεται Αναγέννηση, που σημαίνει αναγέννηση. Οι Ιταλοί καλλιτέχνες εμπνεύστηκαν από τη γλυπτική των αρχαίων Ελλήνων και Ρωμαίων. Οι Ιταλοί ήθελαν να αναβιώσουν το πνεύμα της κλασικής τέχνης, που εξυμνεί την ανθρώπινη ανεξαρτησία και αρχοντιά. Οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης συνέχισαν να ζωγραφίζουν θρησκευτικές σκηνές. Τόνισαν όμως και την επίγεια ζωή και τα ανθρώπινα επιτεύγματα.

Φλωρεντία

Τα επιτεύγματα του Τζιότο στις αρχές του 14ου αιώνα σηματοδότησε την αρχή της Αναγέννησης. Το συνέχισαν οι Ιταλοί καλλιτέχνες του 17ου αιώνα. Ο Masaccio (1401-1428) ήταν ένας από τους ηγέτες της πρώτης γενιάς καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Έζησε στη Φλωρεντία, μια πλούσια εμπορική πόλη όπου ξεκίνησε η τέχνη της Αναγέννησης. Μέχρι τη στιγμή του θανάτου του, στα τέλη της δεκαετίας του '20, είχε φέρει επανάσταση στη ζωγραφική. Στη διάσημη τοιχογραφία του «The Tribute Money», τοποθετεί συμπαγείς γλυπτικές φιγούρες σε ένα τοπίο που μοιάζει να απλώνεται πολύ μακριά. Ο Masaccio μπορεί να σπούδασε προοπτική με τον Φλωρεντινό αρχιτέκτονα και γλύπτη Brunelleschi (1377-1414).

Η τεχνική της νωπογραφίας ήταν πολύ δημοφιλής κατά την Αναγέννηση. Ήταν ιδιαίτερα κατάλληλο για μεγάλους πίνακες, επειδή τα χρώματα στην τοιχογραφία είναι στεγνά και τέλεια επίπεδα. Η εικόνα μπορεί να προβληθεί από οποιαδήποτε γωνία χωρίς λάμψη ή αντανακλάσεις. Διατίθενται επίσης νωπογραφίες. Συνήθως, οι καλλιτέχνες είχαν αρκετούς βοηθούς. Η δουλειά έγινε αποσπασματικά γιατί έπρεπε να τελειώσει όσο ο σοβάς ήταν ακόμα υγρός.

Το πλήρες «τρισδιάστατο» στυλ του Masaccio ήταν χαρακτηριστικό του νέου προοδευτικού κινήματος του 15ου αιώνα. Το στυλ του Fra Angelico (1400-1455) είναι μια πιο παραδοσιακή προσέγγιση που χρησιμοποιήθηκε από πολλούς καλλιτέχνες της πρώιμης Αναγέννησης. Τον απασχολούσε λιγότερο η προοπτική και τον ενδιέφερε περισσότερο το διακοσμητικό σχέδιο. Η «Στέψη της Παναγίας» του είναι δείγμα τέμπερας στην πιο όμορφη παράσταση. Χαρούμενα, πλούσια χρώματα σε συνδυασμό με χρυσό και τονισμένα με χρυσό. Η εικόνα μοιάζει με μεγεθυμένη μινιατούρα. Οι μακριές, στενές φιγούρες έχουν λίγα κοινά με τον Masaccio. Η σύνθεση είναι οργανωμένη σε ευρείες γραμμές κίνησης, που στροβιλίζονται γύρω από τις κεντρικές μορφές του Χριστού και της Μαρίας.

Ένας άλλος Φλωρεντινός που εργάστηκε με το παραδοσιακό στυλ ήταν ο Σάντρο Μποτιτσέλι (1444-1515). Ρέουσες ρυθμικές γραμμές συνδέουν τμήματα της «Άνοιξης» του Μποτιτσέλι. Η φιγούρα της Άνοιξης, που την κουβαλάει ο δυτικός άνεμος, σαρώνει από δεξιά. Οι τρεις χάρες χορεύουν κυκλικά, οι φτερουγισμένες πτυχές των φορεμάτων τους και οι χαριτωμένες κινήσεις των χεριών τους εκφράζουν τους ρυθμούς του χορού.

Ο Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452-1519) σπούδασε ζωγραφική στη Φλωρεντία. Είναι γνωστός για την επιστημονική του έρευνα και τις εφευρέσεις του, καθώς και για τους πίνακές του. Πολύ λίγοι από τους πίνακές του έχουν διασωθεί, εν μέρει επειδή πειραματιζόταν συχνά με διαφορετικούς τρόπους δημιουργίας και εφαρμογής μπογιάς αντί να χρησιμοποιεί δοκιμασμένες και αληθινές μεθόδους. Ο Μυστικός Δείπνος (ζωγραφισμένος μεταξύ 1495 και 1498) έγινε με λάδι, αλλά δυστυχώς ο Λεονάρντο τον ζωγράφισε σε έναν υγρό τοίχο, κάτι που έκανε το χρώμα να ραγίσει. Αλλά ακόμη και σε κακή κατάσταση (πριν από την αποκατάσταση), η εικόνα είχε την ικανότητα να διεγείρει συναισθήματα σε όλους όσοι τη βλέπουν.

Ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ του Λεονάρντο ήταν η μέθοδος απεικόνισης των φώτων και του σκότους. Οι Ιταλοί ονόμασαν το μισοσκότεινο φωτισμό του «sfumato», που σημαίνει καπνισμένος ή ομιχλώδης. Οι φιγούρες στη Madonna of the Rocks είναι καλυμμένες σε μια ατμόσφαιρα sfumato. Τα σχήματα και τα χαρακτηριστικά τους είναι απαλά σκιασμένα. Ο Λεονάρντο πέτυχε αυτά τα εφέ χρησιμοποιώντας πολύ λεπτές διαβαθμίσεις φωτεινών και σκούρων τόνων.

Ρώμη

Το αποκορύφωμα της αναγεννησιακής ζωγραφικής σημειώθηκε τον 16ο αιώνα. Ταυτόχρονα, το κέντρο της τέχνης και του πολιτισμού μεταφέρθηκε από τη Φλωρεντία στη Ρώμη. Επί Πάπα Σίξτου Δ' και του διαδόχου του, Ιούλιου Β', η πόλη της Ρώμης διακοσμήθηκε ένδοξα και πλούσια από καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Μερικά από τα πιο φιλόδοξα έργα αυτής της περιόδου ξεκίνησαν κατά τη διάρκεια του παπισμού του Ιούλιου Β'. Ο Ιούλιος ανέθεσε στον μεγάλο γλύπτη και ζωγράφο Μιχαήλ Άγγελο (1475-1564) να ζωγραφίσει την οροφή της Καπέλα Σιξτίνα και να χαράξει το γλυπτό για τον τάφο του Πάπα. Ο Ιούλιος κάλεσε επίσης τον ζωγράφο Ραφαήλ (1483-1520) να βοηθήσει στη διακόσμηση του Βατικανού. Με βοηθούς ο Ραφαήλ ζωγράφισε τέσσερα δωμάτια των διαμερισμάτων του Πάπα στο Παλάτι του Βατικανού.

Ο Μιχαήλ Άγγελος, Φλωρεντινός στην καταγωγή, ανέπτυξε ένα μνημειώδες στυλ ζωγραφικής. Οι φιγούρες στον πίνακα του είναι τόσο συμπαγείς και ογκώδεις που μοιάζουν με γλυπτά. Η οροφή της Σιξτίνα, η οποία χρειάστηκε στον Μιχαήλ Άγγελο 4 χρόνια για να ολοκληρωθεί, αποτελείται από εκατοντάδες ανθρώπινες μορφές της Παλαιάς Διαθήκης. Για να ολοκληρώσει αυτή τη μεγαλειώδη τοιχογραφία, ο Μιχαήλ Άγγελος έπρεπε να ξαπλώσει ανάσκελα στη σκαλωσιά. Το σκεπτικό πρόσωπο του Ιερεμία μεταξύ των προφητών που περιβάλλουν την οροφή θεωρείται από ορισμένους ειδικούς ως η αυτοπροσωπογραφία του Μιχαήλ Άγγελου.

Ο Ραφαήλ ήρθε στη Φλωρεντία από το Ουρμπίνο ως πολύ νέος. Στη Φλωρεντία, απορρόφησε τις ιδέες του Λεονάρντο και του Μιχαήλ Άγγελου. Όταν ο Ραφαήλ πήγε στη Ρώμη για να εργαστεί στο Βατικανό, το στυλ του είχε γίνει ένα από τα μεγαλύτερα σε ομορφιά. Αγαπούσε ιδιαίτερα τα όμορφα πορτρέτα του της Παναγίας και του Παιδιού. Έχουν αναπαραχθεί κατά χιλιάδες και φαίνονται παντού. Η «Madonna del Granduca» του είναι επιτυχημένη λόγω της απλότητάς της. Διαχρονικό στη γαλήνη και την αγνότητά του, είναι τόσο ελκυστικό για εμάς όσο και για τους Ιταλούς της εποχής του Ραφαήλ.

Βενετία

Η Βενετία ήταν η κύρια βόρεια ιταλική πόλη της Αναγέννησης. Το επισκέφτηκαν καλλιτέχνες από τη Φλάνδρα και αλλού που γνώριζαν τα φλαμανδικά πειράματα με λαδομπογιά. Αυτό τόνωσε την πρώιμη χρήση της τεχνικής του λαδιού στην ιταλική πόλη. Οι Βενετοί έμαθαν να ζωγραφίζουν σε σφιχτά τεντωμένο καμβά και όχι σε ξύλινα πάνελ που χρησιμοποιούνται συνήθως στη Φλωρεντία.

Ο Τζιοβάνι Μπελίνι (1430-1515) ήταν ο μεγαλύτερος Βενετός ζωγράφος του 15ου αιώνα. Ήταν επίσης ένας από τους πρώτους Ιταλούς ζωγράφους που χρησιμοποίησαν λάδι σε καμβά. Ο Giorgione (1478-1151) και ο Titian (1488-1515), που είναι ο πιο διάσημος από όλους τους Βενετούς ζωγράφους, ήταν μαθητευόμενοι στο στούντιο του Bellini.

Ο ελαιουργός Τιτσιάν ζωγράφισε τεράστιους καμβάδες σε ζεστά, πλούσια χρώματα. Στους ώριμους πίνακές του, θυσίασε τη λεπτομέρεια για να δημιουργήσει εκπληκτικά εφέ, όπως στο Pesaro Madonna. Χρησιμοποιούσε μεγάλα πινέλα για να κάνει μεγάλες πινελιές. Τα χρώματά του είναι ιδιαίτερα πλούσια γιατί δημιουργούσε υπομονετικά λούστρες σε χρώματα αντίθεσης. Τυπικά, λούστροι εφαρμόστηκαν σε μια καφέ μετριασμένη επιφάνεια, η οποία έδινε στον πίνακα έναν ομοιόμορφο τόνο.

Ένας άλλος μεγάλος Βενετός ζωγράφος του 16ου αιώνα ήταν ο Τιντορέτο (1518-1594). Σε αντίθεση με τον Τιτσιάν, συνήθως δούλευε απευθείας σε καμβά χωρίς προκαταρκτικά σκίτσα ή περιγράμματα. Συχνά παραμόρφωσε τις φόρμες του (τις έστριβε) για χάρη της σύνθεσης και του δράματος της πλοκής. Η τεχνική του, η οποία περιλαμβάνει πλατιές πινελιές και δραματικές αντιθέσεις φωτός και σκότους, φαίνεται πολύ μοντέρνα.

Ο καλλιτέχνης Κυριάκος Θεοτοκόπουλος (1541-1614) ήταν γνωστός ως El Greco («Ο Έλληνας»). Γεννημένος στο νησί της Κρήτης, το οποίο καταλήφθηκε από τον Ενετικό στρατό, ο Ελ Γκρέκο εκπαιδεύτηκε από Ιταλούς καλλιτέχνες. Ως νέος πήγε για σπουδές στη Βενετία. Η συνδυασμένη επιρροή της βυζαντινής τέχνης, που είδε γύρω του στην Κρήτη, και της ιταλικής αναγεννησιακής τέχνης, έκαναν το έργο του Ελ Γκρέκο να ξεχωρίσει.

Στους πίνακές του παραμόρφωνε τις φυσικές μορφές και χρησιμοποιούσε ακόμη πιο περίεργα, πιο αιθέρια χρώματα από τον Τιντορέτο, τον οποίο θαύμαζε. Αργότερα, ο Ελ Γκρέκο μετακόμισε στην Ισπανία, όπου η θλίψη της ισπανικής τέχνης επηρέασε τη δουλειά του. Στο δραματικό όραμά του για το Τολέδο, μια καταιγίδα μαίνεται πάνω από τη θανατηφόρα σιωπή της πόλης. Ψυχρά μπλε, πράσινα και γαλανόλευκα μεταφέρουν το κρύο πάνω από το τοπίο.

Αναγέννηση στη Φλάνδρα και τη Γερμανία

Η χρυσή εποχή της ζωγραφικής στη Φλάνδρα (τώρα μέρος του Βελγίου και της βόρειας Γαλλίας) ήταν ο 15ος αιώνας, την εποχή του βαν Άικ. Τον 16ο αιώνα, πολλοί Φλαμανδοί καλλιτέχνες μιμήθηκαν τους Ιταλούς καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Ωστόσο, ορισμένοι Φλαμανδοί συνέχισαν τη φλαμανδική παράδοση του ρεαλισμού. Στη συνέχεια διαδόθηκε η ζωγραφική του είδους - σκηνές από την καθημερινότητα που άλλοτε ήταν γοητευτικές και άλλοτε φανταστικές. Ο Ιερώνυμος Μπος (1450-1515), που προηγήθηκε των ζωγράφων του είδους, είχε μια ασυνήθιστα ζωηρή φαντασία. Βρήκε κάθε λογής παράξενα, γκροτέσκα πλάσματα για τον Πειρασμό του Αγ. Αντώνιος". Ο Πίτερ Μπρίγκελ ο Πρεσβύτερος (1525-1569) εργάστηκε επίσης στη φλαμανδική παράδοση, αλλά πρόσθεσε προοπτική και άλλα αναγεννησιακά χαρακτηριστικά στις σκηνές του είδους του.

Ο Άλμπρεχτ Ντύρερ (1471-1528), ο Χανς Χόλμπαϊν ο νεότερος (1497-1543) και ο Λούκας Κράναχ ο Πρεσβύτερος (1472-1553) ήταν οι τρεις σημαντικότεροι Γερμανοί ζωγράφοι του 16ου αιώνα. Έκαναν πολλά για να αμβλύνουν τον ζοφερό ρεαλισμό της πρώιμης γερμανικής ζωγραφικής. Ο Ντύρερ έκανε τουλάχιστον μία επίσκεψη στην Ιταλία, όπου εντυπωσιάστηκε από τους πίνακες του Τζιοβάνι Μπελίνι και άλλων Βορειοϊταλών. Μέσα από αυτή την εμπειρία, ενστάλαξε στη γερμανική ζωγραφική μια γνώση της προοπτικής, την αίσθηση του χρώματος και του φωτός και μια νέα κατανόηση της σύνθεσης. Ο Holbein έμαθε ακόμη περισσότερα ιταλικά επιτεύγματα. Το ευαίσθητο σχέδιό του και η ικανότητά του να επιλέγει μόνο τις πιο σημαντικές λεπτομέρειες τον έκαναν έναν μάστορα προσωπογράφο.

μπαρόκ ζωγραφική

Ο 17ος αιώνας είναι γνωστός στην τέχνη ως περίοδος μπαρόκ. Στην Ιταλία, οι ζωγράφοι Caravaggio (1571-1610) και Annibale Carracci (1560-1609) αντιπροσώπευαν δύο αντικρουόμενες απόψεις. Ο Καραβάτζιο (πραγματικό όνομα Michelangelo Merisi) πάντα αντλούσε έμπνευση απευθείας από την πραγματικότητα της ζωής. Ένα από τα κύρια προβλήματά του ήταν να αντιγράψει τη φύση όσο το δυνατόν πιο κοντά χωρίς να τη δοξάσει με κανέναν τρόπο. Ο Carracci, από την άλλη, ακολούθησε το αναγεννησιακό ιδεώδες της ομορφιάς. Σπούδασε αρχαία γλυπτική και το έργο του Μιχαήλ Άγγελου, του Ραφαήλ και του Τιτσιάνο. Το στυλ του Καραβάτζιο θαυμάστηκε από πολλούς καλλιτέχνες, ιδιαίτερα τον Ισπανό Ribera και τον νεαρό Velázquez. Ο Carracci ενέπνευσε τον Nicolas Poussin (1594-1665), έναν διάσημο Γάλλο ζωγράφο του 17ου αιώνα.

Ισπανία

Ο Ντιέγκο Βελάσκεθ (1599-1660), αυλικός ζωγράφος του Ισπανού βασιλιά Φιλίππου Δ', ήταν ένας από τους σπουδαιότερους Ισπανούς ζωγράφους. Θαυμαστής του έργου του Τιτσιάνο, ήταν δεξιοτέχνης στη χρήση πλούσιου, αρμονικού χρώματος. Κανένας καλλιτέχνης δεν θα μπορούσε να έχει κάνει καλύτερη δουλειά δημιουργώντας την ψευδαίσθηση των πλούσιων υφασμάτων ή του ανθρώπινου δέρματος. Το πορτρέτο του μικρού πρίγκιπα Philip Prosper δείχνει αυτή τη δεξιότητα.

Φλάνδρα

Οι πίνακες του Φλαμανδού ζωγράφου Pieter Paul Rubens (1577-1640) είναι η επιτομή του μπαρόκ στυλ σε ολόχρωμα. Ξεσπούν από ενέργεια, χρώμα και φως. Ο Ρούμπενς έσπασε με τη φλαμανδική παράδοση της ζωγραφικής μικρών εικόνων. Οι καμβάδες του είναι τεράστιοι, γεμάτοι με ανθρώπινες φιγούρες. Έλαβε περισσότερες παραγγελίες για μεγαλύτερους πίνακες από όσες μπορούσε να αντέξει. Ως εκ τούτου, συχνά σχεδίαζε μόνο ένα μικρό έγχρωμο σκίτσο. Στη συνέχεια οι βοηθοί του μετέφεραν το σκίτσο σε έναν μεγάλο καμβά και ολοκλήρωσαν τον πίνακα υπό τις οδηγίες του Ρούμπενς.

Ολλανδία

Τα επιτεύγματα του Ολλανδού ζωγράφου Ρέμπραντ (1606-1669) είναι από τα πιο σημαντικά στην ιστορία. Είχε ένα υπέροχο δώρο - να συλλαμβάνει και να μεταδίδει με ακρίβεια τα ανθρώπινα συναισθήματα. Όπως ο Τιτσιάν, εργάστηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα στη δημιουργία πολυεπίπεδων πινάκων. Τα γήινα χρώματα - κίτρινη ώχρα, καφέ και καφέ-κόκκινο - ήταν τα αγαπημένα του. Οι πίνακές του γίνονται κυρίως σε σκούρα χρώματα. Η σημασία των σκουρόχρωμων τμημάτων κάνει την τεχνική του ασυνήθιστη. Η έμφαση μεταφέρεται από τον έντονο φωτισμό σε σχέση με τις φωτεινές περιοχές.

Ο Jan Vermeer (1632-1675) ήταν μια από τις ομάδες των Ολλανδών ζωγράφων που ζωγράφισαν σεμνές σκηνές της καθημερινής ζωής. Ήταν δεξιοτέχνης στη ζωγραφική κάθε είδους υφής - σατέν, περσικά χαλιά, φρυγανιά, μέταλλο. Η συνολική εντύπωση του εσωτερικού του Vermeer είναι αυτή ενός ηλιόλουστου, χαρούμενου δωματίου γεμάτου με εμβληματικά είδη οικιακής χρήσης.

Ζωγραφική του 18ου αιώνα

Τον 18ο αιώνα, η Βενετία δημιούργησε μερικούς εξαιρετικούς καλλιτέχνες. Ο πιο διάσημος ήταν ο Τζιοβάνι Μπατίστα Τιέπολο (1696-1770). Διακοσμούσε τους εσωτερικούς χώρους των ανακτόρων και άλλων κτιρίων με μεγαλειώδεις πολύχρωμες τοιχογραφίες που αντιπροσώπευαν σκηνές πλούτου. Ο Francesco Guardi (1712-1793) ήταν πολύ επιδέξιος με το πινέλο, με μερικές μόνο σταγόνες χρώματος μπορούσε να δημιουργήσει την ιδέα μιας μικροσκοπικής φιγούρας σε μια βάρκα. Η εντυπωσιακή θέα του Antonio Canaletto (1697-1768) τραγουδούσε την περασμένη δόξα της Βενετίας.

Γαλλία: στυλ ροκοκό

Στη Γαλλία, η γεύση για παστέλ χρώματα και περίπλοκη διακόσμηση στις αρχές του 18ου αιώνα οδήγησε στην ανάπτυξη του στυλ ροκοκό. Ο Jean Antoine Watteau (1684-1721), ζωγράφος της αυλής του βασιλιά Λουδοβίκου XV, και αργότερα ο François Boucher (1703-1770) και ο Jean Honoré Fragonard (1732-1806) συνδέθηκαν με τις τάσεις του ροκοκό. Ο Watteau έγραψε ονειρικά οράματα, μια ζωή στην οποία όλα είναι διασκεδαστικά. Το στυλ βασίζεται σε πικνίκ σε πάρκα, πάρτι στο δάσος όπου ευδιάθετοι κύριοι και κομψές κυρίες διασκεδάζουν στη φύση.

Άλλοι καλλιτέχνες του 18ου αιώνα απεικόνισαν σκηνές της συνηθισμένης ζωής της μεσαίας τάξης. Όπως ο Ολλανδός Βερμέερ, ο Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) εκτιμούσε τις απλές οικιακές σκηνές και τις νεκρές φύσεις. Τα χρώματά του είναι νηφάλια και ήρεμα σε σύγκριση με τον Watteau.

Αγγλία

Τον 18ο αιώνα, οι Βρετανοί ανέπτυξαν για πρώτη φορά μια ξεχωριστή σχολή ζωγραφικής. Ο πυρήνας αποτελούνταν κυρίως από προσωπογράφους που επηρεάστηκαν από τους Βενετούς ζωγράφους της Αναγέννησης. Ο Sir Joshua Reynolds (1723-1792) και ο Thomas Gainsborough (1727-1788) είναι οι πιο γνωστοί. Ο Ρέινολντς, που ταξίδεψε στην Ιταλία, ακολούθησε τα ιδανικά της αναγεννησιακής ζωγραφικής. Τα πορτρέτα του, γοητευτικά και συγκινητικά, δεν έχουν ιδιαίτερο ενδιαφέρον σε χρώμα ή υφή. Ο Gainsborough, από την άλλη, είχε ταλέντο στη λάμψη. Οι επιφάνειες των πινάκων του λάμπουν με ένα λαμπερό χρώμα.

Ζωγραφική του 19ου αιώνα

Ο 19ος αιώνας θεωρείται μερικές φορές ως η περίοδος κατά την οποία άρχισε να διαμορφώνεται η σύγχρονη τέχνη. Ένας σημαντικός λόγος για τη λεγόμενη επανάσταση στην τέχνη αυτή την εποχή ήταν η εφεύρεση της κάμερας, η οποία έκανε τους καλλιτέχνες να επανεξετάσουν το σκοπό της ζωγραφικής.

Μια πιο σημαντική εξέλιξη ήταν η ευρεία χρήση προκατασκευασμένων χρωμάτων. Μέχρι τον 19ο αιώνα, οι περισσότεροι καλλιτέχνες ή οι βοηθοί τους έφτιαχναν τα δικά τους χρώματα αλέθοντας χρωστική ουσία. Τα πρώιμα εμπορικά χρώματα ήταν κατώτερα από τα χρώματα χεριών. Οι καλλιτέχνες στα τέλη του 19ου αιώνα ανακάλυψαν ότι τα σκούρα μπλε και καφέ των προηγούμενων πινάκων έγιναν μαύρα ή γκρι κατά τη διάρκεια αρκετών ετών. Άρχισαν να χρησιμοποιούν ξανά καθαρά χρώματα για να σώσουν τη δουλειά τους και μερικές φορές επειδή προσπαθούσαν να αντανακλούν με μεγαλύτερη ακρίβεια το φως του ήλιου στις σκηνές του δρόμου.

Ισπανία: Γκόγια

Ο Φρανσίσκο Γκόγια (1746-1828) ήταν ο πρώτος μεγάλος Ισπανός ζωγράφος που εμφανίστηκε από τον 17ο αιώνα. Ως αγαπημένος ζωγράφος της ισπανικής αυλής, έκανε πολλά πορτρέτα της βασιλικής οικογένειας. Οι βασιλικοί χαρακτήρες είναι εξοπλισμένοι με κομψά ρούχα και ωραία κοσμήματα, αλλά σε μερικά από τα πρόσωπά τους, το μόνο που αντικατοπτρίζεται είναι η ματαιοδοξία και η απληστία. Εκτός από τα πορτρέτα, ο Γκόγια ζωγράφισε δραματικές σκηνές όπως την Τρίτη Μαΐου 1808. Αυτός ο πίνακας απεικονίζει μια ομάδα Ισπανών ανταρτών να εκτελούνται από Γάλλους στρατιώτες. Τολμηρές αντιθέσεις ανοιχτόχρωμων και σκοτεινών και σκοτεινών χρωμάτων, με κόκκινες πινελιές, προκαλούν μια ζοφερή φρίκη του θεάματος.

Αν και η Γαλλία ήταν ένα μεγάλο κέντρο τέχνης στη δεκαετία του 1800, οι Άγγλοι τοπιογράφοι John Constable (1776-1837) και Joseph Mallord William Turner (1775-1851) έκαναν πολύτιμες συνεισφορές στη ζωγραφική του 19ου αιώνα. Και οι δύο ενδιαφέρθηκαν να ζωγραφίσουν το φως και τον αέρα, δύο πτυχές της φύσης που οι καλλιτέχνες του 19ου αιώνα εξερεύνησαν πλήρως. Ο αστυφύλακας χρησιμοποίησε μια μέθοδο γνωστή ως διαίρεση ή σπασμένο χρώμα. Χρησιμοποίησε χρώματα σε αντίθεση πάνω από το κύριο χρώμα φόντου. Συχνά χρησιμοποιούσε ένα μαχαίρι παλέτας για να εφαρμόσει σφιχτά το χρώμα. Ο πίνακας "Hay Wain" τον έκανε διάσημο μετά την προβολή του στο Παρίσι το 1824. Αυτή είναι μια απλή σκηνή χορτονομής του χωριού. Τα σύννεφα παρασύρονται πάνω από λιβάδια καλυμμένα με μπαλώματα ηλιακού φωτός. Οι πίνακες του Turner είναι πιο δραματικοί από εκείνους του Constable, ο οποίος ζωγράφισε τα μαγευτικά αξιοθέατα της φύσης - καταιγίδες, θαλασσινά τοπία, φλεγόμενα ηλιοβασιλέματα, ψηλά βουνά. Συχνά η χρυσή ομίχλη κρύβει εν μέρει τα αντικείμενα στους πίνακές του, κάνοντάς τα να φαίνονται να αιωρούνται σε έναν άπειρο χώρο.

Γαλλία

Η περίοδος της βασιλείας του Ναπολέοντα και η Γαλλική Επανάσταση σηματοδότησε την εμφάνιση δύο αντίθετων τάσεων στη γαλλική τέχνη - του κλασικισμού και του ρομαντισμού. Οι Jacques Louis David (1748-1825) και Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) εμπνεύστηκαν από την αρχαία ελληνική και ρωμαϊκή τέχνη και την Αναγέννηση. Έδωσαν έμφαση στις λεπτομέρειες και χρησιμοποίησαν χρώμα για να δημιουργήσουν συμπαγή σχήματα. Όντας αγαπημένος καλλιτέχνης της επαναστατικής κυβέρνησης, ο David ζωγράφιζε συχνά ιστορικά γεγονότα εκείνης της περιόδου. Στα πορτρέτα του, όπως η Madame Recamier, προσπάθησε να πετύχει την κλασική απλότητα.

Ο Théodore Guéricault (1791-1824) και ο ρομαντικός Eugène Delacroix (1798-1863) επαναστάτησαν ενάντια στο στυλ του David. Για τον Ντελακρουά το χρώμα ήταν το πιο σημαντικό στοιχείο στη ζωγραφική και δεν είχε την υπομονή να μιμηθεί τα κλασικά αγάλματα. Αντίθετα, θαύμαζε τον Ρούμπεν και τους Βενετούς. Επέλεξε πολύχρωμα, εξωτικά θέματα για τους πίνακές του, που αστράφτουν από φως και είναι γεμάτα κίνηση.

Οι ζωγράφοι Barbizon ήταν επίσης μέρος του γενικού ρομαντικού κινήματος που διήρκεσε περίπου από το 1820 έως το 1850. Εργάζονταν κοντά στο χωριό Barbizon στην άκρη του δάσους του Fontainebleau. Αντλούσαν έμπνευση από τη φύση και ολοκλήρωσαν τους πίνακες στα στούντιο τους.

Άλλοι καλλιτέχνες έχουν πειραματιστεί με καθημερινά κοινά θέματα. Τα τοπία του Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) αντικατοπτρίζουν την αγάπη του για τη φύση και οι μελέτες του για το ανθρώπινο σώμα δείχνουν ένα είδος ισορροπημένης ηρεμίας. Ο Gustave Courbet (1819-1877) αποκαλούσε τον εαυτό του ρεαλιστή επειδή απεικόνιζε τον κόσμο όπως τον έβλεπε - ακόμα και τη σκληρή, δυσάρεστη πλευρά του. Περιόρισε την παλέτα του σε μερικά μόνο σκοτεινά χρώματα. Ο Edouard Manet (1832-1883) πήρε επίσης τη βάση για τους υπηκόους του από τον έξω κόσμο. Ο κόσμος συγκλονίστηκε από τις πολύχρωμες αντιθέσεις και τις ασυνήθιστες τεχνικές του. Οι επιφάνειες των πινάκων του έχουν συχνά μια επίπεδη, διαμορφωμένη υφή πινέλου. Οι μέθοδοι του Manet για την εφαρμογή των εφέ φωτός για να σχηματίσουν επηρέασαν νέους καλλιτέχνες, ειδικά τους ιμπρεσιονιστές.

Δουλεύοντας στις δεκαετίες του 1870 και του 1880, μια ομάδα καλλιτεχνών γνωστών ως Ιμπρεσιονιστές ήθελε να απεικονίσει τη φύση όπως ακριβώς ήταν. Προχώρησαν πολύ πιο πέρα ​​από τον Αστυφύλακα, τον Τέρνερ και τον Μανέ στη μελέτη των επιδράσεων του φωτός στο χρώμα. Μερικοί από αυτούς ανέπτυξαν επιστημονικές θεωρίες για το χρώμα. Ο Claude Monet (1840-1926) ζωγράφιζε συχνά την ίδια άποψη σε διαφορετικές ώρες της ημέρας για να δείξει πώς αλλάζει κάτω από διαφορετικές συνθήκες φωτισμού. Όποιο και αν είναι το θέμα, οι πίνακές του αποτελούνται από εκατοντάδες μικροσκοπικές πινελιές τοποθετημένες η μία δίπλα στην άλλη, συχνά σε αντίθεση χρώματα. Σε απόσταση, οι πινελιές αναμειγνύονται για να δώσουν την εντύπωση συμπαγών σχημάτων. Ο Pierre Auguste Renoir (1841-1919) χρησιμοποίησε τις μεθόδους του ιμπρεσιονισμού για να αποτυπώσει τη γιορτή της παριζιάνικης ζωής. Στον «Χορό του στο Μουλέν ντε λα Γκαλέτ», άνθρωποι με έντονα χρώματα συνωστίζονταν και χόρευαν εύθυμα. Ο Ρενουάρ ζωγράφισε ολόκληρη την εικόνα με μικρές πινελιές. Οι κουκκίδες και οι πινελιές του χρώματος δημιουργούν μια υφή στην επιφάνεια του πίνακα, που του δίνει μια ιδιαίτερη εμφάνιση. Πλήθη ανθρώπων φαίνεται να διαλύονται στο φως του ήλιου και στο λαμπερό χρώμα.

Ζωγραφική του 20ου αιώνα

Αρκετοί καλλιτέχνες σύντομα δυσαρεστήθηκαν με τον ιμπρεσιονισμό. Καλλιτέχνες όπως ο Paul Cezanne (1839-1906) θεώρησαν ότι ο ιμπρεσιονισμός δεν περιέγραφε τη σταθερότητα των μορφών στη φύση. Στον Σεζάν άρεσε να ζωγραφίζει νεκρές φύσεις γιατί του επέτρεπαν να επικεντρωθεί στο σχήμα των φρούτων ή άλλων αντικειμένων και στη διάταξη τους. Τα θέματα των νεκρών φύσεων του φαίνονται συμπαγή γιατί τα μείωσε σε απλά γεωμετρικά σχήματα. Η τεχνική του να τοποθετεί πιτσιλιές μπογιάς και σύντομες πινελιές πλούσιου χρώματος δίπλα δίπλα δείχνει ότι έμαθε πολλά από τους ιμπρεσιονιστές.

Ο Vincent van Gogh (1853-90) και ο Paul Gauguin (1848-1903) ανταποκρίθηκαν στον ρεαλισμό των ιμπρεσιονιστών. Σε αντίθεση με τους ιμπρεσιονιστές, που έλεγαν ότι έβλεπαν τη φύση αντικειμενικά, ο Βαν Γκογκ δεν νοιαζόταν καθόλου για την ακρίβεια. Συχνά παραμόρφωσε αντικείμενα για να εκφράσει τις σκέψεις του πιο δημιουργικά. Χρησιμοποίησε ιμπρεσιονιστικές αρχές για να τοποθετήσει αντίθετα χρώματα το ένα δίπλα στο άλλο. Μερικές φορές έσφιγγε τη μπογιά από τους σωλήνες απευθείας στον καμβά, όπως στο «Field of Yellow Corn».

Ο Γκωγκέν δεν νοιαζόταν για το διάστικτο χρώμα των ιμπρεσιονιστών. Εφάρμοζε ομαλά χρώμα σε μεγάλες επίπεδες περιοχές, τις οποίες χώριζε μεταξύ τους με γραμμές ή σκούρες άκρες. Οι πολύχρωμοι τροπικοί λαοί παρείχαν μεγάλο μέρος της θεματολογίας του.

Η μέθοδος του Σεζάν για τη δημιουργία χώρου με απλά γεωμετρικά σχήματα αναπτύχθηκε από τους Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) και άλλους. Το στυλ τους έγινε γνωστό ως κυβισμός. Οι κυβιστές ζωγράφιζαν αντικείμενα σαν να μπορούσαν να τα δει κανείς από πολλές γωνίες ταυτόχρονα, ή σαν να είχαν χωριστεί και ξανασυναρμολογηθεί σε έναν επίπεδο καμβά. Συχνά τα αντικείμενα αποδεικνύονταν ότι δεν μοιάζουν με τίποτα που υπάρχει στη φύση. Μερικές φορές οι κυβιστές έκοβαν φιγούρες από ύφασμα, χαρτόνι, ταπετσαρία ή άλλα υλικά και τις κολλούσαν σε καμβά για να φτιάξουν ένα κολάζ. Οι υφές ποικίλλουν επίσης με την προσθήκη άμμου ή άλλων ουσιών στο χρώμα.

Οι πιο πρόσφατες τάσεις ήταν να δίνεται λιγότερη έμφαση στο θέμα. Η σύνθεση και η τεχνική της εικόνας άρχισαν να δίνουν μεγαλύτερη έμφαση.

• Ακρυλική ζωγραφική: ιστορία, τεχνική, πλεονεκτήματα του ακρυλικού

Στείλτε την καλή σας δουλειά στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα

Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.

Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru

Χαρακτηριστικά της ζωγραφικής ως είδος καλών τεχνών

ζωγραφική ανήκει μια ξεχωριστή θέση ανάμεσα στις άλλες τέχνες : ίσως καμία άλλη μορφή τέχνης δεν είναι σε θέση να μεταφέρει τα φαινόμενα του κόσμου που βλέπουμε, τις ανθρώπινες εικόνες με τέτοια πληρότητα, ειδικά αν σκεφτεί κανείς ότι τις περισσότερες πληροφορίες που λαμβάνουμε από τον έξω κόσμο μέσω της όρασης,εκείνοι. οπτικά. ζωγραφική τέχνης πορτρέτο τοπίο νεκρή φύση

Ήταν η τέχνη της ζωγραφικής που κατάφερε να δημιουργήσει το αδύνατο - να σταματήσει τη στιγμή πολύ πριν τη φωτογραφία: έργα αυτού του είδους καιη τέχνη μέσα από μια απεικονισμένη στιγμή μεταφέρει προηγούμενο μεταγενέστερο, παρελθόν και μέλλον, που εικάζεται ο θεατής.

ζωγραφική - αυτό το θέαμα που διοργάνωσε ο καλλιτέχνης:

Παρά το γεγονός ότι ο ζωγράφος ενσαρκώνει πραγματικές εικόνες σε ορατές μορφές, Δεν είναι ένα άμεσο αντίγραφο της ζωής.

Δημιουργώντας μια εικόνα, ο καλλιτέχνης βασίζεται στη φύση, αλλά ταυτόχρονα το αναδημιουργεί πάνω στο υλικό που έχει αποκτήσει ως αποτέλεσμα της κοινωνικής και επαγγελματικής του εμπειρίας, δεξιοτήτων, δεξιοτεχνίας, ευφάνταστης σκέψης.

Μπορεί να βρεθεί αρκετοί κύριοι τύποι εμπειρίας που προκαλούνται από πίνακες:

Αναγνώριση οικείων αντικειμένων που κατανοούνται με την όραση - με βάση αυτό, γεννιούνται ορισμένες συσχετίσεις σχετικά με το εικονιζόμενο.

· Απόκτηση αισθητικής αίσθησης.

Ετσι, ζωγραφική επιτελεί εικονογραφικές, αφηγηματικές και διακοσμητικές λειτουργίες.

Είδη ζωγραφικής και τα εκφραστικά της μέσα

Η ζωγραφική χωρίζεται στους εξής τύπους:

· Μνημειακό - διακοσμητικό - χρησιμεύει για τη συμπλήρωση και το σχεδιασμό αρχιτεκτονικών κατασκευών (τοιχογραφίες, πλάκες, πάνελ, ψηφιδωτά).

· Διακοσμητικά - χρησιμοποιείται σε άλλες τέχνες (κινηματογράφος ή θέατρο).

· Καβαλέτο;

· Εικονογραφία;

· Μινιατούρα.

Η πιο ανεξάρτητη ποικιλία είναι ένα καβαλέτο ζωγραφική.

Ζωγραφικήέχει ειδικά εκφραστικά μέσα:

· Εικόνα;

· Χρωματισμός

· Σύνθεση.

Εικόνα -ένα από τα πιο σημαντικά εκφραστικά μέσα: είναι με τη βοήθεια αυτού και των στοιχείων του σχεδίου γραμμέςδημιουργήθηκε πλαστικές εικόνες.Μερικές φορές αυτές οι γραμμές είναι σχηματικές, σκιαγραφούν μόνο τις κατασκευές όγκων.

Χρώμα -το κορυφαίο εκφραστικό μέσο στην τέχνη της ζωγραφικής. Είναι στο χρώμα που ένα άτομο γνωρίζει τον κόσμο γύρω του. Χρώμα:

Σειρές επάνω μορφήαπεικονίζονται αντικείμενα?

· Μοντέλα χώροςείδη?

· Δημιουργεί διάθεση;

Σχηματίζει μια ορισμένη ρυθμός.

Σύστημα οργάνωσης χρωμάτων, αναλογίες αποχρώσεων,με τη βοήθεια του οποίου λύνονται τα καθήκοντα της καλλιτεχνικής εικόνας, καλείται χρώμα:

Με στενή έννοια, είναι η μόνη αληθινή οργάνωση χρωμάτων αυτής της εικόνας.

σε ένα ευρύ - κοινό στους περισσότερους οι νόμοι των ανθρώπων για την αντίληψη των χρωμάτων,αφού μπορείς να πεις «ζεστό χρώμα», «κρύο χρώμα» κ.λπ.

Σε διάφορες περιόδους της ιστορίας της ζωγραφικής, υπήρξαν χρωματικά συστήματα.

Στα αρχικά στάδια χρησιμοποιήθηκε τοπικό χρώμα,εξαιρουμένου του παιχνιδιού χρωμάτων και αποχρώσεων: το χρώμα εδώ είναι σαν να είναι ομοιόμορφο και αμετάβλητο.

Κατά την Αναγέννηση, υπήρχε χρώμα τόνου,που χρωματιστάυπό όρουςθέση στο χώρο και ο φωτισμός τους.Η ικανότητα προσδιορισμού του σχήματος του απεικονιζόμενου αντικειμένου με φως ονομάζεται έγχρωμο πλαστικό.

Υπάρχουν δύο τύποι τονικών χρωμάτων:

· δραματικό -αντίθεση φωτός και σκιάς.

· χρώμα -χρωματική αντίθεση.

Για έναν καλλιτέχνη, η ικανότητα χρήσης της τεχνικής είναι πολύ σημαντική. chiaroscuro,εκείνοι. διατηρήστε τη σωστή διαβάθμιση του φωτός και του σκοταδιού στην εικόνα,γιατί έτσι επιτυγχάνεται τον όγκο του απεικονιζόμενου αντικειμένου,περιβάλλεται από ένα περιβάλλον με φως-αέρα.

Σύνθεση στη ζωγραφική με τη γενικότερη έννοια - τοποθέτηση μορφών, η σχέση τους στο χώρο της εικόνας.Η σύνθεση συνδυάζει μια τεράστια ποικιλία λεπτομερειών και στοιχείων σε ένα ενιαίο σύνολο. Η αιτιακή τους σχέση σχηματίζει ένα κλειστό σύστημα στο οποίο τίποτα δεν μπορεί να αλλάξει ή να προστεθεί σε αυτό. Αυτό το σύστημα αντικατοπτρίζει ένα μέρος του πραγματικού κόσμου, που αντιλαμβάνεται και αισθάνεται ο καλλιτέχνης, ξεχωρισμένο από τον ίδιο από ποικίλα φαινόμενα.

Παράλληλα, στον τομέα της σύνθεσης υπάρχει συγκέντρωση ιδεολογικών και δημιουργικών ιδεών,γιατί εκδηλώνεται μέσα από αυτό στάση του δημιουργού στο μοντέλο του.Η εικόνα γίνεται καλλιτεχνικό φαινόμενο μόνο όταν υπόκειται σε ιδεολογικό σχεδιασμό, γιατί αλλιώς μόνο για απλή αντιγραφή μπορείς να μιλήσεις.

Ο N.N. Volkov εφιστά την προσοχή η διαφορά μεταξύ των εννοιών "δομή", "κατασκευή" και "σύνθεση":

· Δομή προσδιορίζεται ένας ενιαίος χαρακτήρας συνδέσεων μεταξύ στοιχείων, ένας ενιαίος νόμος διαμόρφωσης.Η έννοια της δομής σε σχέση με ένα έργο τέχνης συνδέεται με το πολυεπίπεδο ενός έργου τέχνης, δηλαδή, κατά τη διαδικασία της αντίληψης μιας εικόνας, μπορούμε να διεισδύσουμε στα βαθύτερα στρώματα της δομής του.

· Κατασκευή - είναι ένας τύπος δομής στην οποία τα στοιχεία σχετίζονται λειτουργικά, γιατί η ακεραιότητά του εξαρτάται από την ενότητα της λειτουργίας. Όσον αφορά την εικόνα, μπορούμε να πούμε ότι η λειτουργία των εποικοδομητικών συνδέσεων στην εικόνα είναι η δημιουργία και η ενίσχυση σημασιολογικών συνδέσεων, αφού συνήθως το εποικοδομητικό κέντρο είναι τις περισσότερες φορές ο σημασιολογικός κόμβος.

· Σύνθεση έργων τέχνης είναι μια κλειστή δομή με σταθερά στοιχεία, που συνδέονται με μια ενότητα νοήματος.

Ένας από τους κύριους νόμους της σύνθεσηςείναι περιορισμός εικόνες, που παρέχει ευκαιρίες για τους πιο σημαντικούς στην έκφραση της πρόθεσης της εικόνας.

Έντυπο περιορισμούπαίζει επίσης σημαντικό ρόλο - στην καλλιτεχνική πρακτική, όπως βασικά σχήματα:

· Ορθογώνιο.

Ο περιορισμός ισχύει και για τιμπορεί να απεικονιστεί, δηλ. βρείτε εξωτερική ομοιότητα στα χρώματα, γραμμές σε ένα επίπεδοαντικείμενα, πρόσωπα, ορατός χώρος κ.λπ.

Στην πρακτική των καλών τεχνών, είναι γνωστοί οι ακόλουθοι τύποι συνθέσεων:

· Σταθερό (στατικό) - οι κύριοι άξονες σύνθεσης τέμνονται σε ορθή γωνία στο κέντρο του έργου.

· Δυναμική - με κυρίαρχες διαγώνιους, κύκλους και οβάλ.

Ανοιχτές - οι γραμμές σύνθεσης φαίνεται να αποκλίνουν από το κέντρο4

· Κλειστό - υπάρχει συστολή γραμμών προς το κέντρο.

Σταθερά και κλειστά σχήματα σύνθεσηςχαρακτηριστικό της καλλιτεχνικής πρακτικής αναγέννηση,δυναμική και ανοιχτή -Για την εποχή του μπαρόκ.

Τεχνικές και κύρια είδη ζωγραφικής

Η εκφραστικότητα της εικόνας και η ενσάρκωση της καλλιτεχνικής πρόθεσης εξαρτώνται από την τεχνική ζωγραφικής που χρησιμοποιεί ο καλλιτέχνης.

Οι κύριοι τύποι τεχνικών ζωγραφικής:

· Ελαιογραφία;

· Ακουαρέλα;

· Τέμπερες;

· Παστέλ

Τοιχογραφία.

Ελαιογραφία χαρακτηρίζονται από το γεγονός ότι μπορούν να χρησιμοποιηθούν για την απόκτηση σύνθετες λύσεις χρώματος -Το ιξώδες και ο μεγάλος χρόνος στεγνώματος των λαδομπογιών καθιστούν δυνατή την ανάμειξη χρωμάτων και τη λήψη των διαφόρων συνδυασμών τους.

Η συνήθης βάση για ελαιογραφία είναι ένας λινός καμβάς καλυμμένος με ημιελαιώδες έδαφος.

Είναι επίσης δυνατές και άλλες επιφάνειες.

Ακουαρέλα διαφορετικό από άλλες τεχνικές διαφάνεια και φρεσκάδα χρώματος.Δεν χρησιμοποιεί λευκό και χρησιμοποιείται σε λευκό χαρτί χωρίς αστάρι, το οποίο εκπληρώνει τον ρόλο τους.

Ενδιαφέρουσα ακουαρέλα, φτιαγμένη σε ακατέργαστο χαρτί.

Τέμπερα, που παρασκευάζεται με λάδι καζεΐνης, αυγό ή συνθετικό συνδετικό υλικό, είναι μια από τις αρχαιότερες τεχνικές ζωγραφικής.

Η τέμπερα περιπλέκει το έργο του καλλιτέχνη από το γεγονός ότι στεγνώνει αρκετά γρήγορα και δεν μπορεί να αναμειχθεί, και επίσης αλλάζει χρώμα όταν στεγνώνει, αλλά από την άλλη πλευρά χρώμα σε τέμπερεςιδιαίτερα όμορφο - ήρεμο, βελούδινο, λείο.

Παστέλ - ζωγραφική με χρωματιστά κραγιόνια.

Δίνει απαλούς, απαλούς τόνους. Εκτελείται σε ακατέργαστο χαρτί ή σουέτ.

Τα έργα που γίνονται σε παστέλ, δυστυχώς, είναι δύσκολο να διατηρηθούν λόγω της ρευστότητάς τους.

Ακουαρέλα, παστέλ και γκουάς μερικές φορές αναφέρεται γραφικά,δεδομένου ότι αυτά τα χρώματα εφαρμόζονται σε μη ασταρωμένο χαρτί, ωστόσο, έχουν σε μεγαλύτερο βαθμό την κύρια ειδική ιδιότητα της ζωγραφικής - χρώμα.

τοιχογραφία εκτελείται ως εξής: η σκόνη της πολύχρωμης χρωστικής αραιώνεται με νερό και εφαρμόζεται σε υγρό γύψο, ο οποίος συγκρατεί σταθερά το στρώμα βαφής.

Έχει μακρά ιστορία.

Ειδικά συχνά αυτή η τεχνική χρησιμοποιείται για τη διακόσμηση των τοίχων των κτιρίων.

Παρά το γεγονός ότι η ζωγραφική είναι σε θέση να αντικατοπτρίζει σχεδόν όλα τα φαινόμενα της πραγματικής ζωής, τις περισσότερες φορές αντιπροσωπεύει εικόνες ανθρώπων, έμψυχη και άψυχη φύση.

Έτσι Τα κύρια είδη ζωγραφικής μπορούν να θεωρηθούν:

· Πορτρέτο

· Τοπίο;

· Νεκρή φύση.

Πορτρέτο

Πορτρέτομε τη γενικότερη έννοια ορίζεται ως μια εικόνα ενός ατόμου ή μιας ομάδας ανθρώπων που πραγματικά υπάρχει ή υπήρξε.

Συνήθως αυτά υποδεικνύονται χαρακτηριστικά πορτρέτου στις εικαστικές τέχνες:

ομοιότητα με το μοντέλο?

Αντανάκλαση κοινωνικών και ηθικών χαρακτηριστικών μέσα από αυτό.

Αλλά, φυσικά, το πορτρέτο αντικατοπτρίζει όχι μόνο αυτό, αλλά και ιδιαίτερη στάση του καλλιτέχνη προς το πρόσωπο που απεικονίζεται.

Ποτέ μην συγχέετε τα πορτρέτα του Ρέμπραντ με τα έργα του Βελάσκεθ, του Ρέπιν με τον Σερόφ ή τον Τροπινίν, αφού στο πορτρέτο αναπαρίστανται δύο χαρακτήρες - ο καλλιτέχνης και το μοντέλο του.

Ανεξάντλητος το κύριο θέμα του πορτρέτου -Ο άνθρωπος. Ωστόσο, ανάλογα με τα χαρακτηριστικά της αντίληψης του καλλιτέχνη για το πρόσωπο που απεικονίζεται, προκύπτει μια ιδέα που ο καλλιτέχνης επιδιώκει να μεταφέρει.

Ανάλογα με την ιδέα ενός πορτρέτου, καθορίζονται τα ακόλουθα:

· Λύση σύνθεσης.

· Τεχνική ζωγραφικής.

· Χρωματισμός κ.λπ.

Η ιδέα του έργου γεννά την εικόνα ενός πορτρέτου:

· Ντοκιμαντέρ-αφήγηση;

Συναισθηματικά αισθησιακό?

· Ψυχολογική;

Φιλοσοφικός.

Για παραστατική-αφηγηματική λύσηη εικόνα χαρακτηρίζεται από έλξη προς ακριβείς προδιαγραφές του πορτρέτου.

Η επιθυμία για παραστατική ομοιότητα εδώ υπερισχύει του οράματος του συγγραφέα.

Συναισθηματική εικονιστική λύσηεπιτεύχθηκε διακοσμητικά εικονογραφικά μέσακαι η γνησιότητα του εγγράφου δεν απαιτείται εδώ.

Δεν είναι τόσο σημαντικό πώς μοιάζουν οι γυναίκες του Ρούμπενς στα πρωτότυπά τους. Το κύριο πράγμα είναι ο θαυμασμός για την ομορφιά, την υγεία, τον αισθησιασμό τους, που μεταδίδεται από τον καλλιτέχνη στον θεατή.

Στην ποικιλία φιλοσοφικό πορτρέτομπορεί να αποδοθεί στο «Πορτρέτο ενός γέρου με τα κόκκινα» του Ρέμπραντ (περ. 1654). Κατά τη δημιουργική του ωριμότητα ήταν πολύ συχνές τέτοιες προσωπογραφίες-βιογραφίες ηλικιωμένων, που είναι φιλοσοφικός προβληματισμός του καλλιτέχνη για εκείνη την περίοδο της ανθρώπινης ζωής που συνοψίζονται τα ιδιόμορφα αποτελέσματα μιας μακράς και δύσκολης ύπαρξης.

Οι καλλιτέχνες συχνά επιλέγουν ως πρότυπο του εαυτού σουγι' αυτό είναι τόσο συνηθισμένο αυτοπροσωπογραφία.

Σε αυτό, ο καλλιτέχνης επιδιώκει να αξιολογήσει τον εαυτό του εξωτερικά ως άτομο, να καθορίσει τη θέση του στην κοινωνία, απλώς για να συλλάβει τον εαυτό του για τους επόμενους.

Ο Ντύρερ, ο Ρέμπραντ, ο Βελάσκεθ, ο Βαν Γκογκ κάνουν μια εσωτερική συζήτηση με τον εαυτό τους και ταυτόχρονα με τον θεατή.

Κατέχει ιδιαίτερη θέση στη ζωγραφική ομαδικό πορτρέτο.

Είναι ενδιαφέρον γιατί είναι γενικό πορτρέτο,και όχι πορτρέτα πολλών συγκεκριμένων προσωπικοτήτων που απεικονίζονται σε έναν καμβά.

Σε ένα τέτοιο πορτρέτο, φυσικά, υπάρχει ένα ξεχωριστό χαρακτηριστικό κάθε χαρακτήρα, αλλά ταυτόχρονα δημιουργείται η εντύπωση ενός κοινού, μιας ενότητας της καλλιτεχνικής εικόνας («The Regents of the Nursing Home in Haarlem» του F. Χαλς).

Μερικές φορές είναι πολύ δύσκολο να χαράξουμε μια γραμμή μεταξύ του ομαδικού πορτραίτου και άλλων ειδών, αφού οι παλιοί δάσκαλοι απεικόνιζαν ομάδες ανθρώπων συχνά σε δράση.

Τοπίο

Το κύριο θέμα της απεικόνισης του είδους τοπίου είναι η φύση -είτε φυσικό είτε ανθρωπογενές.

Αυτό το είδος πολύ νεότεροι από άλλους.Εάν τα γλυπτικά πορτρέτα δημιουργήθηκαν ήδη από το 3.000 π.Χ., και τα εικονογραφικά πορτρέτα έχουν ιστορία περίπου 2.000 ετών, τότε η αρχή της βιογραφίας του τοπίου χρονολογείται από τον 6ο αιώνα. μ.Χ., και ήταν κοινά στην Ανατολή, ιδιαίτερα στην Κίνα.

Η γέννηση του ευρωπαϊκού τοπίουεμφανίστηκε τον 16ο αιώνα και απέκτησε την ανεξαρτησία του είδους μόνο από τις αρχές του 17ου αιώνα.

Το είδος του τοπίου διαμορφώθηκε, περνώντας από διακοσμητικό και βοηθητικό στοιχείο στη σύνθεση άλλων έργων σε ένα ανεξάρτητο καλλιτεχνικό φαινόμενο, που απεικονίζει το φυσικό περιβάλλον.

Μπορεί να είναι πραγματικές ή φανταστικές απόψεις της φύσης. Μερικά από αυτά έχουν τα δικά τους ονόματα:

Το αστικό αρχιτεκτονικό τοπίο λέγεται αμφισβήτηση ("Opera Drive" του K. Pissarro;

Θέα στη θάλασσα - μαρίνα (τοπία του I. Aivazovsky).

είδος τοπίουγίνεται όχι μόνο αντανάκλαση της φύσης, αλλά και μέσα έκφρασης μιας συγκεκριμένης καλλιτεχνικής ιδέας.

Επιπλέον, από τη φύση των αγαπημένων του θεμάτων, σε κάποιο βαθμό, μπορεί κανείς να κρίνει τη συναισθηματική δομή του καλλιτέχνη και τα υφολογικά χαρακτηριστικά του έργου του.

Το εικονιστικό νόημα του έργου εξαρτάται από την επιλογή των φυσικών ειδών:

· επική αρχή που περιέχονται στην εικόνα δασικών αποστάσεων, πανοραμικών βουνών, ατελείωτων πεδιάδων («Kama» του A. Vasnetsov).

Θυελλώδης θάλασσα ή αδιαπέραστη ερημιά ενσαρκώνει κάτι μυστήριομερικές φορές σοβαρή (J. Michel "Thunderstorm");

· λυρικός τύποι χιονισμένων μονοπατιών, άκρες δασών, μικρές λίμνες.

Ηλιόλουστο πρωί ή μεσημέρι μπορεί να μεταδώσει αίσθημα χαράς και γαλήνης«Λευκά νούφαρα» του C. Monet, «Moscow courtyard» του V. Polenov).

Δεδομένου ότι η αρχέγονη φύση υπόκειται σταδιακά σε ενεργητική παρέμβαση από τον άνθρωπο, το τοπίο παίρνει χαρακτηριστικά σοβαρού ιστορικού ντοκουμέντου.

Το τοπίο είναι σε θέση να ενσαρκώσει ακόμη και μερικά κοινωνικές αισθήσεις της εποχής, η πορεία της κοινωνικής σκέψης:Έτσι, στα μέσα του 19ου αιώνα, η αισθητική του ρομαντικού και κλασικού τοπίου σταδιακά δίνει τη θέση του στο εθνικό τοπίο, το οποίο συχνά αποκτά κοινωνικό νόημα. η έναρξη μιας νέας τεχνικής εποχής καταγράφηκε και στο τοπίο («Νέα Μόσχα του Y. Pimenov», «Berlin-Potsdam Railway» του A. Menzel).

Τοπίο δεν είναι μόνο αντικείμενο γνώσης της φύσης, μνημείο τέχνης, αλλά και αντανάκλαση της κατάστασης του πολιτισμού μιας συγκεκριμένης εποχής.

Νεκρή φύση

Μια νεκρή φύση απεικονίζει τον κόσμο των πραγμάτων που περιβάλλουν έναν άνθρωπο, τα οποία τοποθετούνται και οργανώνονται σε μια ολοκληρωμένη σύνθεση σε ένα πραγματικό οικιακό περιβάλλον.

Ακριβώς τέτοια οργάνωση πραγμάτωνείναι συστατικό του εικονιστικού συστήματος του είδους.

Η νεκρή φύση μπορεί να έχει ανεξάρτητη αξία,και μπορεί να γίνει μέρος μιας σύνθεσης άλλου είδους,προκειμένου να αποκαλυφθεί πληρέστερα το σημασιολογικό περιεχόμενο του έργου, όπως, για παράδειγμα, στους πίνακες «Ο έμπορος» του Μπ. Κουστόντιεφ, «Ο άρρωστος» του Β. Πολένοφ, «Το κορίτσι με τα ροδάκινα» του Β. Σερόφ.

Στους πίνακες πλοκής-θεματικής ζωγραφικής, η νεκρή φύση, αν και σημαντική, έχει δευτερεύουσα σημασία, ωστόσο, ως ανεξάρτητο είδος τέχνης, έχει μεγάλη εκφραστική δύναμη.Παρουσιάζει όχι μόνο την εξωτερική, υλική ουσία των αντικειμένων, αλλά σε εικονιστική μορφή μεταδίδονται οι ουσιαστικές πτυχές της ζωής, αντικατοπτρίζονται η εποχή ακόμα και σημαντικά ιστορικά γεγονότα.

Η νεκρή φύση είναι καλή δημιουργικό εργαστήριο,όπου ο καλλιτέχνης βελτιώνει τις δεξιότητές του, την ατομική γραφή,

Η νεκρή φύση είχε περιόδους παρακμής και ανάπτυξης.

έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωσή του Ολλανδοί ζωγράφοι του 16ου - 17ου αιώνα.

Έχουν αναπτυχθεί βασικός, καλλιτεχνικές αρχές:

· Ρεαλισμός;

· Λεπτές παρατηρήσεις της ζωής.

· Ένα ιδιαίτερο δώρο μετάδοσης της αισθητικής αξίας οικείων πραγμάτων.

Στα αγαπημένα «πρωινά» και «μαγαζιά», το υλικό των αντικειμένων μεταφερόταν με μεγάλη δεξιοτεχνία· υφή επιφάνειας φρούτων, λαχανικών, παιχνίδι, ψάρι.

Είναι ιδιαίτερα σημαντικό ότι η νεκρή φύση τονίζει την άρρηκτη σύνδεση του ανθρώπου με τον κόσμο των πραγμάτων.

Ιμπρεσιονιστές ζωγράφοι έλυσε το δημιουργικό πρόβλημα μιας γραφικής νεκρής φύσης με κάπως διαφορετικό τρόπο.

Εδώ το κύριο πράγμα δεν ήταν η αντανάκλαση των ιδιοτήτων των αντικειμένων, η απτή τους. ΑΛΛΑ παιχνίδι φωτός, χρώματος, φρεσκάδας χρώματος (Νεκρές φύσεις του Κ. Μονέ, δασκάλων του ρωσικού κλάδου του γαλλικού ιμπρεσιονισμού Κ. Κοροβίν και Ι. Γκραμπάρ).

Δεν θα θεωρείται κάθε απεικόνιση του κόσμου των πραγμάτων σε χαρτί ή καμβά ως νεκρή φύση. Δεδομένου ότι κάθε αντικείμενο έχει το δικό του φυσικό περιβάλλον και σκοπό, η τοποθέτησή του σε άλλες συνθήκες μπορεί να προκαλέσει ασυμφωνία στον ήχο της εικόνας.

Το κύριο πράγμα είναι ότι τα πράγματα που συνδυάζονται στη σύνθεση νεκρής φύσης δημιουργούν αρμονική συναισθηματικά πλούσια καλλιτεχνική εικόνα.

Άλλα είδη ζωγραφικής

Τα είδη κατέχουν σημαντική θέση στην τέχνη της ζωγραφικής:

· Οικιακό;

· Ιστορικός;

· Μάχη?

· Animalistic.

οικιακό είδος απεικονίζει καθημερινή ιδιωτική και δημόσια ζωή,συνήθως, σύγχρονος καλλιτέχνης.

Οι πίνακες αυτού του είδους αντιπροσωπεύουν την εργασιακή δραστηριότητα των ανθρώπων ("The Spinners" του D. Velasquez, "In the Harvest" του A. Venetsianov), διακοπές ("Χορός αγροτών" του P. Brueghel), στιγμές ανάπαυσης, αναψυχής ( “Young Couple in the Park” του T. Gaysborough , “Chess Players” του O. Daumier), εθνική γεύση (“Algerian women in their chambers” του E. Delacroix).

Ιστορικό είδος - αποτυπώνοντας σημαντικά ιστορικά γεγονότα.Αυτό το είδος περιλαμβάνει θρυλικές και θρησκευτικές ιστορίες.

Ανάμεσα στους πίνακες ιστορικό είδος μπορεί να ονομαστεί «Θάνατος του Καίσαρα» από τον Κ.Τ. von Piloty, «Παράδοση της Μπρέντα» του D. Velazquez, «Αποχαιρετισμός του Έκτορα στην Ανδρομάχη» του A. Losenko, «Sbinyanok» του Zh.L. David, «Liberty Leading the People» του Ε Ντελακρουά και άλλων.

Θέμα εικόναςείδος μάχης είναι στρατιωτικές εκστρατείες, ένδοξες μάχες, κατορθώματα όπλων, στρατιωτικές επιχειρήσεις («Μάχη του Ανγκυάρι» του Λεονάρντο ντα Βίντσι, «Τάχανκα» του Μ. Γκρέκοφ, «Η άμυνα της Σεβαστούπολης» του Α. Ντεϊνέκα). Μερικές φορές περιλαμβάνεται στη σύνθεση της ιστορικής ζωγραφικής.

Σε εικόνεςζωικό είδος εκτεθειμένος ζωικός κόσμος ("Πουλερικά» του M. de Hondekuter, «Yellow Horses» του F. Mark).

Φιλοξενείται στο Allbest.ru

Παρόμοια Έγγραφα

Η προέλευση και η ανάπτυξη της ολλανδικής τέχνης τον 17ο αιώνα. Η μελέτη του έργου των μεγαλύτερων δασκάλων του ολλανδικού και ολλανδικού είδους και ζωγραφικής τοπίου. Η μελέτη των ιδιαίτερων χαρακτηριστικών ειδών όπως το καθημερινό είδος, το πορτρέτο, το τοπίο και η νεκρή φύση.

δοκιμή, προστέθηκε 12/04/2014


Η ιστορία της ανάπτυξης των τεχνικών ελαιογραφίας στο εξωτερικό και στη Ρωσία από τον 18ο αιώνα. Στάδια ανάπτυξης του τοπίου ως είδος καλών τεχνών. Η τρέχουσα κατάσταση της ελαιογραφίας στο Μπασκορτοστάν. Τεχνολογία για την εκτέλεση τοπίων με τεχνικές ελαιογραφίας.

διατριβή, προστέθηκε 09/05/2015


Το πορτρέτο ως είδος στη ζωγραφική. Ιστορία της προσωπογραφίας. Πορτρέτο στη ρωσική ζωγραφική. Κατασκευή της σύνθεσης του πορτρέτου. Τεχνική ελαιογραφίας. Βάση για ζωγραφική. Ελαιοχρωματισμοί και πινέλα. Παλέτα βαφών και ανάμειξη χρωμάτων.

διατριβή, προστέθηκε 25/05/2015


Η έννοια της ζωγραφικής με καβαλέτο ως ανεξάρτητη μορφή τέχνης. Κορεατική ζωγραφική της περιόδου Goguryeo. Καλές τέχνες και αρχιτεκτονική της Σύλλας. Εξαιρετικοί καλλιτέχνες και οι δημιουργίες τους. Χαρακτηριστικά του περιεχομένου της κορεατικής λαϊκής ζωγραφικής.

περίληψη, προστέθηκε 06/04/2012


Νεκρή φύση ως ένα από τα είδη της καλών τεχνών, γνωριμία με τις δεξιότητες και τις ικανότητες της εικαστικής παράστασης. Χαρακτηριστικά της χρήσης υγρών ακρυλικών χρωμάτων. Γνωριμία με τα καθήκοντα της ζωγραφικής. Ανάλυση της έντονης ασκητικής τέχνης του Βυζαντίου.

θητεία, προστέθηκε 09/09/2013


Τάσεις στην ανάπτυξη της ρωσικής ζωγραφικής, κατακτώντας τη γραμμική προοπτική από καλλιτέχνες. Η διάδοση των τεχνικών ελαιογραφίας, η εμφάνιση νέων ειδών. Ένα ιδιαίτερο μέρος για την προσωπογραφία, η ανάπτυξη μιας ρεαλιστικής τάσης στη ρωσική ζωγραφική του 18ου αιώνα.

παρουσίαση, προστέθηκε 30/11/2011


Γενικά χαρακτηριστικά, ταξινόμηση και τύποι τοπίου ως ένα από τα πραγματικά είδη μορφών τέχνης. Προσδιορισμός χαρακτηριστικών, σχέσεων του είδους του τοπίου στη ζωγραφική, τη φωτογραφία, τον κινηματογράφο και την τηλεόραση. Η ιστορία της εμφάνισης της φωτογραφίας στις αρχές του δέκατου ένατου και του εικοστού αιώνα.

περίληψη, προστέθηκε 26/01/2014


Καλλιτεχνικές και ιστορικές βάσεις της τοπιογραφίας. Ιστορία του ρωσικού τοπίου. Χαρακτηριστικά, τρόποι, μέσα του τοπίου ως είδος. Συνθετικά χαρακτηριστικά και χρώμα. Εξοπλισμός και υλικά για ελαιογραφία ως ένα από τα πιο κοινά είδη βαφής.

διατριβή, προστέθηκε 14/10/2013


Η εμφάνιση της νεκρής φύσης και η διδασκαλία της ζωγραφικής νεκρής φύσης σε καλλιτεχνικά και παιδαγωγικά εκπαιδευτικά ιδρύματα. Το αυτοτελές νόημα της νεκρής φύσης ως είδος ζωγραφικής. Νεκρή φύση στη ρωσική τέχνη. Διδασκαλία της επιστήμης των χρωμάτων με βάση τη ζωγραφική των λουλουδιών.

διατριβή, προστέθηκε 17/02/2015


Η ιστορία της ανάπτυξης της νεκρής φύσης, διάσημοι ζωγράφοι. Μοντέλο εκτέλεσης, απεικονισμένα αντικείμενα, συνθετικά χαρακτηριστικά του είδους. Χρώμα, μέσα, τεχνικές και τεχνολογία ελαιογραφίας. Βασικοί κανόνες για την εργασία με χρώματα. Επιλογή θέματος, εργασία με καμβά και χαρτόνι.